La realización del video póstumo de buenas noticias de Mac Miller

Tim Clapham, fundador / director creativo de Luxx, y el artista digital Jon Lutjens hablan sobre su proceso y experiencia con el video de “Buenas noticias” de Mac Miller.

Rapero / cantante y compositor estadounidense Mac Miller estaba trabajando con el productor Jon Brion en su sexto álbum de estudio, Círculos, cuando murió de una sobredosis accidental de drogas en 2018, a los 26 años. Brion, un compositor y cantautor, completó el álbum, que fue lanzado póstumamente en 2020.

El segundo de lo que estaba destinado a ser una trilogía de álbumes, Círculos seguido el lanzamiento de Nadando, en el que Miller descubrió su alma sobre su ruptura con Ariana Grande y sus luchas con la depresión y la autoaceptación.

Despierta a la luna, no he visto el sol en mucho tiempo. Pero escuché que el cielo todavía está azul, sí.

– Mac Miller, “Buenas noticias”

Emocional y honesto en muchas de las mismas formas, Círculos es una mezcla de introspección, dolor y esperanza. Anthony Gaddis y Eric Tilford dirigió el video musical de seis minutos que acompañó al primer sencillo del álbum, “Good News”, que comienza con Miller dentro de su estudio, antes de seguirlo a través de una puerta hacia un mundo abstracto de paisajes y recuerdos.

El colectivo de diseño con sede en Sídney, Australia, Luxx, ayudó a producir el video musical, al tiempo que fue uno de los principales contribuyentes creativos al crear una variedad de imágenes coloridas, tipo collage, usando Cinema 4D, After Effects, Houdini y Redshift.

Le pedimos a Tim Clapham, fundador / director creativo de Luxx, y al artista digital Jon Lutjens, quien también contribuyó al proyecto, que hablara sobre sus procesos y experiencias.

Imágenes tipo collage

Se pueden ver imágenes coloridas en forma de collage en todo el video. Imagen a través de YouTube.

En lugar de responder preguntas específicas para esta historia, los directores del video, Gaddis y Tilford, quisieron decir esto:

Trabajamos en estrecha colaboración con Malcolm para desarrollar las imágenes para Nadando y Círculos, por lo que acercarse a “Buenas Nuevas” fue casi indescriptiblemente desafiante para todos. Queríamos, necesitábamos, hacer más que un “video tributo”. Se lo debíamos a Malcolm, se lo debíamos a su familia, sus amigos, sus admiradores y la etiqueta.

Hicimos todo lo posible para crear algo que tocara todos esos aspectos divergentes, algo que pudiera calmar el dolor lo suficiente como para abrir una puerta para que la música se apoderara de modo que la magia de Mac pudiera funcionar para sanarnos. Hubo momentos a lo largo de la producción en los que sentimos el aporte de Malcolm. Estamos agradecidos por la confianza y el apoyo de 4 Strikes, la familia McCormick y el equipo de creativos que vertieron sus almas en acción.

Curando a través de la música

El video trataba tanto del proceso de curación como de la música. Imagen a través de YouTube.

PremiumBeat: Tim, ¿cómo se involucró Luxx para hacer el video de “Buenas Noticias”?

Tim Clapham: Trabajamos con Eric y Keith Tilford en un video anterior de Mac Miller, “Come Back To Earth”, del Nadando álbum, que fue lanzado a fines de 2018. Language Media nos contactó desde el principio para ver si estaríamos interesados ​​en trabajar juntos en el video. Nos sentimos muy honrados de ser considerados para este lanzamiento póstumo y supimos de inmediato lo importante que era nuestro trabajo para la familia de Malcolm y su enorme base de seguidores.

PB: ¿Cómo describieron lo que querían para el video?

TC: Nos enviaron borradores de conceptos en un guión gráfico desarrollado por Eric y Anthony, a quienes Eric nos presentó una vez que el proyecto comenzó. Cuando Luxx entró en el proyecto, ya había habido algo de desarrollo y Anthony nos envió un montón de sus primeras pruebas. Eran una combinación de estilos visuales cortados y pegados en un collage animado que se sentía muy crudo y fresco. Estábamos muy emocionados de estar involucrados.

Estilos visuales

Una combinación de estilos visuales entró en la animación de este video. Imagen a través de YouTube.

Nuestra primera tarea fue ayudar con el desarrollo del marco de estilo para el lanzamiento de Warner Bros. Desarrollamos algunas tomas para el buzo en el espacio, trabajando en el aspecto de la nebulosa y otras cosas mundanas. Nuestro objetivo era crear algo más allá de lo real, lleno de asombro, como entrar en lo fantástico. Una vez que Language Media obtuvo la luz verde, los directores seleccionaron una colección de tomas para que Luxx las completara, y también nos pidieron que aportáramos elementos para otras tomas a lo largo de la pieza. Eric y Anthony fueron bastante descriptivos con sus solicitudes, pero también nos dieron mucha libertad para crear nuestras fotos.

PB: Varios artistas contribuyeron al video. ¿Cómo colaboraron todos de forma remota?

TC: Con Luxx con sede en Sydney, Language Media en Los Ángeles y los otros artistas repartidos por todo el mundo, realmente fue una colaboración internacional. Utilizamos Google Hangouts y Skype para chatear, y Dropbox para sincronizar la mayoría de los medios e ideas. Hacia el final del proyecto, Language Media nos envió el proyecto completo y los activos a través de FedEx, para que pudiéramos combinar nuestras tomas en el proyecto y enviarlo de vuelta digitalmente. En un momento, estábamos intercambiando proyectos de After Effects a diario y eso funcionó muy bien entre Sydney y Los Ángeles debido a la diferencia horaria.

Colaboradores

Varios artistas de todo el mundo colaboraron en este proyecto. Imagen a través de YouTube.

Trajimos Kidmograph (Argentina) y Rico nosworthy (Nueva Zelanda) al equipo Luxx para ayudarnos con nuestros disparos. Ambos son absolutamente geniales para trabajar, y artistas muy talentosos y respetados en la industria. Mi esposa, Fleur, trabajó como productora aquí en Sydney y se uniría diariamente con el Productor de Language Media Dan Glasband.

PB: Jon, habla sobre tus contribuciones al video.

Jon Lutjens: Una de las alegrías de trabajar con software de animación es la gran cantidad de herramientas y métodos que se pueden combinar y alterar para lograr los objetivos de un proyecto determinado. Es fácil obsesionarse con el proceso, pero, a veces, invertir una gran cantidad de energía para lograr un proceso “correcto” en realidad puede obstaculizar su capacidad de llevar una pieza a donde debe estar. La mayoría de las escenas en las que trabajé eran una mezcolanza de métodos que saltaban de un lado a otro, y luego a una tercera y hasta una cuarta opción.

Software de animación

El software de animación contribuyó mucho a la creación de esta escena. Imagen a través de YouTube.

La configuración de la escena de la montaña fue bastante complicada y gruesa, pero le permitió a Anthony ver cómo se desarrollaba una escena en particular y hacer cambios sobre la marcha. Configuramos un movimiento de cámara en Cinema que empujó hacia adentro y sobre cada montaña individual. Luego, renderizamos las montañas con ocho a diez texturas diferentes para que pudiéramos experimentar con las diferentes miradas en After Effects. Utilizamos la cámara importada de Cinema para comenzar a componer imágenes de Mac y otros elementos en nuestras montañas. Mientras estábamos perfeccionando nuestras texturas finales de montaña, también introdujimos animación 2D en nuestros renders de montaña para obtener el movimiento y la sincronización correctos.

El desfile de mac

Originalmente, se probaron versiones en 2D y 3D de esta escena. Imagen a través de YouTube.

La escena del desfile de Mac fue a la vez un gran desafío y una verdadera alegría. Pasamos varios días analizando una variedad de pruebas para tratar de obtener el movimiento, la velocidad, la perspectiva y la densidad correctas de las imágenes.

Pensamos que After Effects ofrecería el camino más simple, por lo que configuré una versión 2D y 3D de la escena. La versión 2D no duró mucho. El archivo que se utilizó para generar las flores debajo de las imágenes de Mac sirvió como proyecto base para el desfile. Una vez que ajustamos esa configuración para acomodar las nuevas imágenes, fue un camino bastante suave para llegar a la animación ideal. Después de eso, fue simplemente una cuestión de decidir qué imágenes de Mac serían las mejores para esa escena.

PB: Tim, ¿en qué escenas te pareció más interesante y desafiante trabajar?

TC: La escena de ocho bits con el G-Wagon fue interesante, ya que la referencia original incluía una pieza de Kidmograph. Eric y Anthony adoraron el estilo retro y Kidmograph lo posee. Pensamos que lo mejor era acercarse directamente a KM y, desafortunadamente, estaba increíblemente ocupado trabajando en un video musical en ese momento. Afortunadamente para nosotros, nos ofreció unos días de su tiempo y nos construyó una escena básica en su estilo único, y luego pasó el archivo del proyecto Luxx the Cinema 4D para completar la toma interna.

Escena G-Wagon

Escena G-Wagon

Kidmograph pasó unos días agregando su estilo único al video. Imágenes a través de YouTube.

La escena del buzo fue una gran oportunidad que requirió mucha I + D porque fue particularmente desafiante, debido al contenido y su duración. Originalmente lanzamos un disparo de treinta segundos para esa sección, pero rápidamente se convirtió en un disparo de un minuto y medio, volando a través de partículas densas, constelaciones y nebulosa volumétrica.

La toma completa del buzo se construyó en una escena usando Cinema 4D y X-Particles. Utilizamos OpenVDB para crear los volúmenes de colores vivos y Rich creó algunas formas únicas usando geometría combinada con las herramientas de Houdini Cloud, que exportamos como OpenVDB y renderizamos en Cinema 4D usando Redshift.

La escena del buceador

La escena del buceador

Esta desafiante escena produjo un mundo fantástico de imágenes en movimiento. Imágenes a través de YouTube.

También fue divertido tratar de rastrear algunos de los compuestos 2D, que eran una mezcla de diferentes clips y perspectivas unidas. Ese entorno pegado realmente necesitaba ser rastreado manualmente a simple vista. Y, creo que los elementos se deslizan y se deslizan juntos en lugares realmente agregados al viaje, ya que todos los elementos incongruentes se unen para crear mundos fantásticos.

Creativamente, este proyecto fue una combinación tan maravillosa de elementos y, de alguna manera, es casi anti-compuesto, con muchas escenas que rompen las reglas de cómo una toma se compondría tradicionalmente. Dejar el derrame azul alrededor del borde de la incrustación, mezclar elementos 2D obvios con 3D y texturas y superficies deslizantes, todo eso hizo un viaje increíblemente interesante.

El viaje de Mac Miller

El arte pegado junto a la realización de este video se suma a la magia de su viaje. Imagen a través de YouTube.

PB: ¿Cómo fue trabajar en este video, creado después de la muerte de Mac Miller?

TC: Trabajar en este proyecto definitivamente tuvo un profundo efecto en mí. Escucho a Mac Miller todo el tiempo, sus palabras y su música ocupan un lugar especial en mi corazón. Es triste que no haya encontrado su música hasta que falleció, pero es algo hermoso que su música viva para que todos la escuchen.


Imagen de portada a través de YouTube.

Lo que necesitas para construir una PC de edición de video en 2020

La mejor PC de edición de video es la que construyes tú mismo. Echa un vistazo a 3 compilaciones de PC para todos los presupuestos y niveles de experiencia.

Para aprovechar al máximo su computadora, es mejor si la construye usted mismo. Las piezas de la computadora son más asequibles que nunca, y hay muchas guías, tutoriales y foros de ayuda para PC que lo guiarán a través de cualquier pregunta o problema.

Probablemente gastará más dinero del que deseaba, pero se sentirá orgulloso de algo que se construyó en lugar de comprar. Construí mi PC hace un año y, aunque he tenido una buena cantidad de problemas, me encanta el rendimiento, el aspecto y saber que lo armé.

La Mac Pro de Apple es probablemente la mejor estación de trabajo preconstruida de edición / diseño / animación de video. Aún así, terminará pagando mucho más que las partes individuales, con la construcción más costosa que cuesta al norte de $ 50,000. Sé que para algunos, editar en una Mac es tan normal como respirar, pero construir su propia PC con Windows tiene sus ventajas. Principalmente, es la libertad de construir la PC que deseas, no la que Apple considera digna.

Si investigar y armarlo es demasiado, puede comprar una PC prefabricada hecha para edición de video, aunque no están tan disponibles como las hechas para juegos. Las PC prefabricadas no siempre usan los mejores componentes, y los fabricantes cobran una prima por armarlo. No hay vergüenza en comprar una PC prefabricada, solo sepa que no siempre obtendrá lo que quiere al precio que desea.

A continuación, he reunido tres compilaciones a diferentes precios, lo que debería servir como guía. Solo usted sabe lo que necesita para la edición de video, pero antes de comenzar a seleccionar partes, es importante saber qué hace cada componente y por qué lo necesita.


Guía de piezas: ¿Qué hay en una PC?

¿Qué hay en una PC de edición?

Las computadoras son increíblemente complejas, pero solo necesitas un puñado de piezas para construir una. Imagen vía Reenya.

Es posible que los consumidores conscientes del presupuesto no tengan el lujo de comprar las mejores piezas, pero es esencial saber dónde gastar dinero y dónde ahorrar. Para los editores de video, la CPU es donde debe ir la parte más importante del presupuesto, pero los artistas de efectos visuales pueden gastar la mayor parte de su presupuesto en una GPU de nivel profesional. Si bien construir la PC es otra historia, elegir las partes correctas es aún más importante.

Una sección posterior de este artículo repasará tres compilaciones diferentes, pero si se siente cómodo construyendo la lista de piezas de su PC, consulte Selector de piezas de PC. Puede equipar su PC en este sitio y le avisa cuando hay un problema de compatibilidad. El sitio le dará un precio estimado, que se calcula al elegir el precio más bajo de varios minoristas diferentes. PC Part Picker puede ayudarlo a mantenerse dentro del presupuesto y, lo que es más importante, puede modificar su compilación todo lo que quiera hasta que sea la correcta.


Guía de piezas: placas base

Las placas base pueden parecer intimidantes con todos sus puertos y zócalos, pero son muy fáciles de entender una vez que lea el manual. Imagen vía Naumov S.

La placa base es la base del sistema, y ​​dictará las partes de la construcción. Si bien las GPU, las memorias RAM y otros componentes de hardware son intercambiables entre sistemas, en su mayor parte, las placas base tienen zócalos de CPU específicos.

Elegir una placa base con un zócalo de CPU Intel significa que no puede actualizarse a una CPU AMD sin comprar una placa base completamente nueva. Y, aunque las placas base no son el componente más costoso en una PC, todavía no son baratas. En aras de la actualización de los sistemas enumerados más adelante en este artículo, todas las placas base a continuación utilizan el mismo zócalo AM4, que solo es compatible con las CPU AMD Ryzen.

Deberá pensar en la PC que está creando y los tipos de actualizaciones que desea realizar en el futuro. Para los compradores preocupados por el presupuesto, comprar una placa base más asequible tiene sentido desde el punto de vista financiero, pero ir demasiado barato puede limitar lo que puede actualizar en el futuro, haciendo que la computadora quede obsoleta mucho antes de lo necesario.

Si no puede permitirse un SSD M.2 NVMe en este momento, es comprensible, pero si desea uno en el futuro, asegúrese de obtener una placa base con un zócalo M.2 que admita unidades NVMe PCIe 3.0. Te agradecerás más adelante cuando finalmente puedas permitirte la actualización.

Tamaños de placa base

La otra cosa que debes considerar sobre las placas base es el tamaño. Existen tres tamaños principales – ATX, Mini-ATX y Micro-ITX: para tener en cuenta, y cada uno de ellos tiene sus ventajas. Las placas base ATX más grandes son las placas base más importantes para el consumidor, y también tienen muchas características, algunas de las cuales no están disponibles en placas base más pequeñas. La desventaja de comprar una placa base más grande es que también necesitará una caja más grande, que, dependiendo de la caja, puede ocupar más espacio del que está disponible.

Dado que las placas base más pequeñas están llenas, construir sobre ellas puede ser una molestia, pero a veces son más rentables y tienen los mismos enchufes, puertos y conexiones esenciales. Las placas base más pequeñas se ajustan a cajas más grandes, mientras que no se puede decir lo mismo de las placas base grandes y las cajas pequeñas. Es posible que las placas base pequeñas, como Micro-ITX, no tengan todas las funciones disponibles, pero los modelos más caros usan el espacio limitado de forma creativa. Claro, tus dedos tendrán que hacer algo de gimnasia, pero el factor de forma más pequeño significa que la PC no se hará cargo completamente del escritorio.

Chipsets de placa base / BIOS

Finalmente, las placas base tienen conjuntos de chips distintos que varían según el fabricante, y controlan muchas características básicas en una computadora. Cada placa base es diferente, pero los puertos disponibles determinan qué componentes puede usar. El hardware como RAM, tarjetas PCIe, SSD NVMe, HDD y otros dependen de la placa base.

Las placas base funcionan a través de la UEFI, o la interfaz de firmware extensible unificada, que comúnmente se conoce como BIOS (sistema básico de entrada / salida). El BIOS varía según la placa base y el fabricante, pero es la sala de control de su computadora. Puede ajustar las velocidades del ventilador, las velocidades de reloj de RAM, la iluminación y otras configuraciones de CPU, GPU y memoria altamente técnicas. Lo más probable es que no pase demasiado tiempo en el BIOS, pero un buen BIOS hace una gran diferencia.

Cuando compre una placa base, investigue de antemano para asegurarse de que el BIOS de la placa base sea compatible con su CPU. Compruebe si la placa base se envía con una versión actualizada del BIOS que admite su CPU sin una actualización. Si obtiene una placa base con un BIOS desactualizado que no es compatible con su CPU, tendrá que pedir prestada una CPU que sí lo haga para actualizar el BIOS. Algunos fabricantes le prestarán una CPU para actualizar su BIOS, pero ese no es siempre el caso.

De todos modos, haz tu investigación. Si la placa base no admite su CPU de fábrica, simplemente busque otra y ahórrese la molestia. Has sido advertido. Si alguna vez actualiza tu BIOS, que debería, no actualice cuando existe la posibilidad de un corte de energía. Porque, bueno, esa es una madre con la que no querrás lidiar.


Guía de piezas: CPU

CPU para editar PC: aproximadamente del tamaño de una galleta.

Apenas más grande que un cracker, la CPU es el cerebro de la operación y la pieza de hardware más importante para la codificación de video. Imagen vía weera.otp.

La CPU, o unidad central de procesamiento, es responsable de toda la informática. Esencialmente, es el cerebro de la operación, y es uno de los componentes principales para una PC de edición de video rápida y confiable. El software de edición de video depende en gran medida de la CPU; sin embargo, las GPU son cada vez más importantes para la codificación de video, por lo que querrá algo rápido, potente y capaz de manejar muchas cosas a la vez.

La industria de las CPU es un duopolio, y las dos compañías reinantes son Intel y AMD. Intel tiene una participación más significativa en el mercado, pero AMD ha estado ganando constantemente a su competidor en los últimos años.

Los editores de video tienden a quedarse con Intel porque es una marca confiable con productos sólidos, y los puntos de referencia muestran que hace un gran trabajo manejo de cargas de trabajo de un solo núcleo. Sin embargo, los chips Intel son caros y reservan sus mejores características para CPU de mayor precio. En un esfuerzo por ganar cuota de mercado, AMD es extremadamente generoso, y muchas de las mejores características están disponibles en sus CPU de gama baja.

Las CPU AMD son más asequibles que sus contrapartes Intel, y la línea de CPU AMD Ryzen, que son competidores directos de las CPU emblemáticas de Intel, están todos desbloqueados. En términos simples, una CPU desbloqueada es capaz de overclocking, que es cuando una CPU funciona a una frecuencia más rápida que la frecuencia estándar. Algunos de los chips Ryzen de AMD están overclockeados de fábrica, con suficiente espacio para que los usuarios empujen el overclock aún más.

CPUs multiproceso / hiperprocesador

Agregando combustible al fuego, todas las CPU Ryzen usan subprocesos múltiples simultáneos, lo que significa que hay dos veces más subprocesos que núcleos. Mi CPU es una Ryzen 7 2700X con ocho núcleos y 16 hilos, y es capaz de calcular más tareas por segundo que una CPU que no es multiproceso. Intel usa la misma tecnología en algunas de sus CPU, aunque lo llaman hiperprocesamiento, y solo está disponible en CPU más caras.

Las CPU multiproceso utilizan dos subprocesos para cada núcleo. En lugar de tareas de alimentación de un hilo a cada núcleo, hay dos hilos que asignan simultáneamente cada núcleo, lo que aumenta la eficiencia. Hay más hilos que empujan el trabajo a los núcleos, por lo que siempre hay otra tarea en la cola. Aunque ambos fabricantes utilizan una tecnología similar, las CPU AMD Ryzen son multiproceso a precios mucho más bajos que sus homólogos de Intel. Eso solo es razón suficiente para subirse al tren de AMD.

Qué buscar en una CPU

La CPU encaja en el zócalo de la CPU en la placa base de una manera específica. Por lo general, una esquina de la CPU tiene un triángulo amarillo que se alinea con una esquina específica del zócalo, que a veces también está marcada con un triángulo. Instalar la CPU es lo primero que debe hacer. Imagen vía Preechar Bowonkitwanchai.

Al investigar una CPU, hay varias características para analizar. Primero, querrá saber la cantidad de núcleos y si la CPU es multiproceso o no. Luego, busque la frecuencia de la CPU.

De acuerdo a mundo PC, La frecuencia de la CPU “representa cuántas veces el reloj interno dentro de la CPU funciona en ciclos por segundo”. Si bien otros factores además de la frecuencia afectan el rendimiento de una CPU, una frecuencia más alta equivale a un rendimiento más rápido y, por lo tanto, mejor.

También querrá saber si es posible overclockear la CPU, lo que aumenta la frecuencia. Sin embargo, el overclocking es una ciencia, y el overclocking en exceso puede hacer que la CPU se sobrecaliente. Cuanto más overclockees, más tendrás que pensar en el enfriamiento de la CPU, lo que cubriré más adelante en este artículo. Aunque es posible que no haga overclock de inmediato, es algo que podría hacer en el futuro para obtener más rendimiento de la CPU.

Sea cual sea su presupuesto, planee gastar al menos una cuarta parte en su CPU. Sea económico, claro, pero tampoco sea tacaño. Más que cualquier otra parte de esta lista, la CPU es el componente en el que más confían los editores de video porque es lo que permite que los videos sean reproducidos. Una CPU más rápida que pueda manejar cargas de trabajo más pesadas disminuirá el tiempo dedicado a la representación.


Guía de piezas: GPU

La unidad de procesamiento de gráficos es similar a la CPU en muchos aspectos, aunque su apariencia física es decididamente grande. Mientras que la CPU calcula la información y las tareas para fines informáticos generales, la GPU procesa tareas gráficas que varían desde mirar videos en Youtube hasta editar efectos especiales y representar gráficos de videojuegos en tiempo real. La CPU maneja cargas de trabajo más intensivas en datos que requieren núcleos completos, mientras que la GPU tiene cientos de núcleos que manejan tareas más pequeñas.

La frecuencia de la GPU y la frecuencia de la RAM de video de la GPU (VRAM), así como la capacidad de VRAM, son todas unidades de medida importantes que debe inspeccionar antes de comprar. La frecuencia de la GPU es muy parecida a la frecuencia de la CPU, que mide cuántos ciclos ocurren por segundo. Las frecuencias de GPU más altas significan que puede reproducir videos más rápido, ya que los núcleos dentro de la GPU funcionan a un ritmo más rápido.

La VRAM de una GPU contiene las instrucciones que necesita ejecutar la GPU. Tener más VRAM siempre es mejor ya que puede contener más instrucciones, lo que evita el cuello de botella en la GPU. La frecuencia de la VRAM dicta la frecuencia con la que sincroniza y transmite instrucciones a la GPU. Este hilo sobre Quora se sumerge mucho más en la frecuencia de GPU y VRAM, si está interesado.

Para editar video, la frecuencia de GPU y VRAM son importantes, pero la frecuencia de GPU tiene un mayor impacto en los tiempos de renderizado.

GPU y renderizado acelerado por hardware

Los editores de video tienen preferencia por el software de edición de video, por lo que es difícil elegir una GPU para cada software, pero usaré Premiere Pro como referencia, ya que es uno de los más populares.

Los usuarios de Premiere Pro recientemente recibieron buenas noticias sobre renderizado acelerado por hardware, lo que hace que la GPU sea mucho más importante para el video que nunca. Las GPU ahora pueden manejar el renderizado y pueden ayudar con ciertos efectos en Premiere Pro gracias al Mercury Playback Engine.

GPU acelerado promete tiempos de procesamiento más rápidos, y es una característica que debería haberse agregado años hace. Mientras que antes la CPU era el componente de edición de video más importante, parece que las GPU son el futuro. Adobe dice que las funciones aceleradas por hardware son compatibles cuando se usa una GPU de su lista recomendada, pero no está claro si eso es una sugerencia o un requisito.

Consumidor vs. GPU profesionales

RAM de la placa base

Las GPU modernas son enormes, por lo que querrá asegurarse de que el estuche que compre tenga suficiente espacio libre. Imagen vía kvsan.

Existen dos tipos de GPU dedicadas: GPU de consumo para videojuegos y GPU profesionales utilizadas por desarrolladores de videojuegos, artistas de efectos visuales, diseñadores, ingenieros, arquitectos y editores de video. AMD y Nvidia son las dos grandes compañías en el espacio de GPU, ambas ofrecen opciones para consumidores promedio y profesionales creativos. Intel recientemente ha comenzado a fabricar GPU, pero tienen un largo camino por recorrer antes de que se consideren opciones viables.

Al comparar las GPU de nivel de consumidor, recomendaría directamente una GPU Nvidia, principalmente porque mi GPU para juegos AMD es una pieza de hardware de alto precio que induce dolor de cabeza que me ha traído más frustración que la alegría que prometió. Sin embargo, las dos compañías tienen excelentes GPU profesionales, cada una de ellas adecuada para diferentes tipos de creatividades.

Las tarjetas de video de nivel profesional a veces son increíblemente caras, y debido a que su uso es un nicho, a veces no hay mucha información disponible. En una época en la que los consumidores miran una docena de reseñas de una tostadora antes de comprarla, es difícil pedirle a alguien que gaste unos cientos de dólares en una GPU con poca o ninguna información disponible.

Sin embargo, hay ventajas en el uso de una GPU profesional, y eso se debe a que los fabricantes ofrecen más soporte práctico para sus usuarios profesionales. Además, los controladores de GPU se expulsan a un ritmo más lento para garantizar la compatibilidad en muchas aplicaciones. Por el contrario, las actualizaciones de controladores de AMD para su GPU de consumo insignia actual, que poseo, han sido tan malas que con frecuencia deseo que hubiera comprado una GPU de Nvidia. Así es la vida.

Al mirar la lista de GPU recomendadas de Adobe, ninguna de las GPU AMD enumeradas son de grado de consumo. GPU AMD como el AMD Radeon Pro WX 7100 son excelentes para la edición de videos, pero son caros, especializados y difíciles de encontrar. Por otro lado, hay muchas GPU de videojuegos de nivel de consumidor de Nvidia.

Si bien hay opciones asequibles tanto de AMD como de Nvidia, la falta de tarjetas AMD para consumidores en la lista de Adobe es preocupante, especialmente para aquellos que desean un sistema para la edición de videos y otras actividades. Con suerte, Adobe admitirá GPU AMD de grado de consumo en el futuro.

Con el renderizado acelerado por hardware en Premiere Pro y DaVinci Resolve, tener una GPU potente es más importante que nunca. Las características aceleradas por hardware aún son nuevas en Premiere Pro, pero la representación con una GPU se está convirtiendo rápidamente en la mejor opción.


Guía de piezas: RAM

Antes de insertar las memorias RAM en las ranuras DIMM, deshaga las palancas. Debería escuchar un fuerte clic cuando las palancas se bloquean nuevamente cuando las memorias RAM se insertan correctamente. Imagen vía Kom_Pornnarong.

Si eres un editor de video veterano, sabes la importancia de la RAM. La cantidad de RAM disponible determina qué tan rápido se cargan los videos a medida que se desplaza por la línea de tiempo. Cada corte, efecto y transición requiere RAM, y más RAM significa que puede cargar y ver su video rápidamente sin esperar. Intentar editar video en una computadora con solo cuatro u ocho gigabytes de RAM es un ejercicio de frustración, con toneladas de bloqueos, fregado lento, congelamientos y cuadros caídos. Pero, ¿qué es RAM y cuánto necesitas?

¿Qué es la RAM?

Gracias a Universidad de Cambridge, la primera parte de la pregunta es fácil: la memoria de acceso aleatorio es un tipo de memoria volátil que contiene datos e instrucciones de programa utilizadas por la CPU. Cuando no hay suficiente RAM, las instrucciones menos utilizadas se mueven a la memoria virtual, donde permanecen hasta que se vuelven a necesitar. Cambiar entre RAM y memoria virtual ralentiza la CPU, por lo que es crucial tener mucha RAM. Con más RAM disponible, la CPU puede realizar múltiples tareas de manera eficiente y continuar operando programas con mucha RAM como Premiere Pro. Hay otros factores en una memoria RAM que son importantes, como la frecuencia y la latencia, pero la capacidad es lo más importante.

Cuando se trata de la cantidad de RAM que necesita, bueno, como todo en esta lista, eso depende de lo que esté haciendo, qué software esté usando y su presupuesto. Solo sepa que la RAM es más cara por gigabyte que cualquier otro tipo de memoria, y tendrá que pagar un alto precio por un sistema rápido.

Piense en la RAM como un dispositivo de almacenamiento increíblemente rápido y costoso que contiene las instrucciones de su computadora: la RAM es un tipo de memoria volátil, lo que significa que se limpia al reiniciar. Director de CGI explica precisamente por qué necesita más RAM para la edición de video: RAM es responsable de almacenar la vista previa renderizada de su video, que se almacena en caché en la RAM. Mientras más RAM esté disponible, más rápido podrá desplazarse por la línea de tiempo de vista previa, que tiene efectos y otros componentes de edición de video.

¿Cuánto carnero debes usar?

RAM instalada en la placa base de PC de edición.

Las placas base de tamaño completo generalmente tienen cuatro ranuras DIMM, pero no tiene que usar las cuatro. Si una placa base usa memoria de doble canal, asegúrese de insertar las memorias RAM en las ranuras DIMM correctas. Imagen vía daniiD.

Si tuviera que ponerle un número, diría que iría con 64 GB de RAM, lo que costaría, según el fabricante y la velocidad, entre $ 250 y $ 300. Si bien es posible subir aún más, 64 GB de RAM es más que suficiente para la edición de video 1080p y 4K, y es suficiente para la edición de video 8K. El software de efectos especiales, como After Effects, también se beneficia de más RAM, y 64 GB debería ser un punto ideal, pero eso también puede depender de la VRAM disponible en la GPU. Adobe recomienda hasta 128 GB de RAM, pero eso puede costar más de $ 500.

Antes de continuar, una cosa a tener en cuenta es que todas las CPU tienen una limitación de RAM. tengo un Ryzen 7 2700X, que solo admite hasta 64 GB, por lo que no podría subir más si no compro una CPU mejor. Solo tenga esto en cuenta e intente probar su PC en el futuro tanto como sea posible. Es mejor gastar un poco más ahora que gastar mucho más después.


Guía de piezas: almacenamiento

Hay varias opciones de almacenamiento en estos días, como hemos cubierto recientemente, pero ninguno es mejor que una SSD M.2 NVMe PCIe. Si desea saber más acerca de lo que significa cada abreviatura, le recomiendo echar un vistazo al artículo vinculado en este párrafo. Un SSD NVMe es el tipo más rápido de almacenamiento de nivel de consumidor disponible actualmente, y aunque es costoso, tiene velocidades que son hasta 25 veces más rápidas que un disco duro estándar (HDD). Sin embargo, a menos que tenga un presupuesto exorbitante, le recomiendo ir con un sistema de almacenamiento dual que utiliza un SSD NVMe junto con un HDD más lento, pero de mayor capacidad.

Usar un sistema de doble unidad

Las unidades de almacenamiento con una clave M.2 solo pueden conectarse a un zócalo M.2.

A diferencia de los SSD y HDD SATA, las unidades de almacenamiento con una clave M.2 solo pueden conectarse a un socket M.2. Los SSD NVMe, que son los dispositivos de almacenamiento más rápidos, tienen un factor de forma M.2 con una tecla “M”. Compruebe si su placa base tiene un zócalo M.2 con clave “M” antes de comprar una SSD NVMe. Imagen vía Christian Wiediger.

El SSD NVMe es donde querrás instalar tu sistema operativo para mejorar los tiempos de carga al iniciar o cargar el software. Querrás almacenar todo lo demás en tu HDD. Para que la edición sea más manejable, es una buena práctica transferir los archivos de video relacionados del HDD al SSD para ayudar con la carga y exportación. Cuando haya terminado con los archivos de video, puede almacenarlos en el HDD, que debería ser la más sustancial de las dos unidades de almacenamiento. Este método le ahorra gastar cientos de dólares en almacenamiento de alto precio mientras aprovecha la velocidad de un SSD NVMe y la capacidad de almacenamiento de un HDD.

Los editores de video necesitan mucho almacenamiento, mucho más de lo que cabe físicamente en una computadora, pero debe haber suficiente almacenamiento disponible sin tener que eliminar archivos después de cada edición. Existen soluciones para el almacenamiento a largo plazo, como un dispositivo de almacenamiento conectado a la red (NAS), pero no vamos a entrar en eso. Recomiendo tener al menos un SSD NVMe de 500 GB y un HDD mucho más grande con al menos dos terabytes de capacidad. Mientras que el primero cuesta alrededor de $ 60, el último debería ser aproximadamente el mismo precio por cuatro veces el almacenamiento.

Lo mejor del almacenamiento es que siempre puede actualizar en el futuro, siempre y cuando compre una placa base decente. Mi placa base ASUS Prime X470-Pro, tiene 6 puertos SATA para HDD o SSD SATA, y también tiene dos sockets M.2 para SSD NVMe. Solo asegúrese de que cualquier placa base que compre tenga suficiente espacio para actualizar el almacenamiento, que siempre necesitará.


Guía de piezas: PSU

No hay nada llamativo en una unidad de fuente de alimentación (PSU). La fuente de alimentación le da vida a su computadora, y una fuente de alimentación barata puede terminar esa vida prematuramente. Nunca, y repito, Nunca compre una fuente de alimentación fuera de marca de una compañía de la que nunca haya oído hablar, y sea extremadamente cauteloso cuando compre una fuente de alimentación usada. El mejor escenario para comprar una fuente de alimentación barata es que su computadora no se inicie; En el peor de los casos, su computadora se incendiará. Tengo ganas de ahorrar dinero, pero no con una fuente de alimentación.

Clasificaciones de eficiencia de PSU

La fuente de alimentación que necesita depende en gran medida del sistema que esté construyendo, siendo la CPU y la GPU los dos cerdos de energía más importantes. Afortunadamente, PC Part Picker y Visión exterior, que proporciona una calculadora de fuente de alimentación, puede darle una estimación decente de qué PSU necesitará.

Además de la potencia en una fuente de alimentación, querrá tener en cuenta la calificación de eficiencia, que Gizmodo explica con gran detalle. Compre una fuente de alimentación con una calificación de 80+ para la mejor eficiencia. La calificación 80+ se divide en tres niveles: bronce, oro y platino. Las PSU con mejores índices de eficiencia emiten menos calor y no consumen tanta energía. Invertir en una fuente de alimentación de alta calidad con una buena calificación de eficiencia será más costoso al principio, pero no aumentará la factura de electricidad tanto como una unidad menos eficiente.

No modular, semi-modular o totalmente modular

La temida fuente de alimentación no modular.

Esta es la temida fuente de alimentación no modular, que tiene todos los cables instalados permanentemente en el hardware. Las fuentes de alimentación totalmente modulares, por otro lado, le brindan la mayor libertad al construir su sistema. Imagen vía K_attapon.

Debe considerar si opta por una fuente de alimentación no modular, semimodular o totalmente modular. Esta última es la mejor opción porque no viene con ningún cable conectado a la fuente de alimentación, lo que deja al usuario con más espacio para la personalización. Las fuentes de alimentación semimodulares tienen algunos cables preajustados, que no se pueden quitar, pero todavía hay algo de libertad. Por último, las unidades de suministro de energía no modulares son malas y no debería obtener una.

Las PSU semimodulares son un poco más asequibles que sus contrapartes totalmente modulares, y no son del todo malas, pero recomiendo una PSU completamente modular si hay espacio en el presupuesto.


Guía de piezas: estuche

El caso es probablemente la compra más basada en la estética que harás, y hay toneladas de opciones de casos en estos días. Los estuches vienen en todas las formas, tamaños y colores, pero la mayoría de ellos son torres negras con un panel lateral de vidrio. Si no te gusta el caso de los juegos tradicionales, todavía hay opciones, pero tendrás que buscar más. Y aunque el aspecto de una PC es importante, es mejor comprar algo funcional y fácil de construir. Los constructores por primera vez deben obtener una caja espaciosa.

Cada caso es diferente, y la cantidad de ventiladores, recortes y compartimientos de unidades compatibles varía según el caso. Elija uno con buen flujo de aire y espacio para actualizaciones, y descubra si sus piezas encajarán cómodamente.


Guía de piezas: opciones de enfriamiento de la CPU

Como ya hemos cubierto, la edición de video es una tarea intensiva de CPU que consume muchos recursos, y cuanto más trabaja una CPU, más calor genera, especialmente si está overclockeada. Hay dos opciones de enfriamiento de la CPU para elegir, las cuales debe considerar.

Ventilador de refrigeración de la CPU o enfriador AIO

Los ventiladores de refrigeración de la CPU no se ven muy glamorosos, pero hacen el trabajo.

Los ventiladores de refrigeración de la CPU no se ven muy glamorosos, pero hacen el trabajo. Además de ser fáciles de instalar, los ventiladores de refrigeración de la CPU son asequibles. Sin embargo, en algunos casos, el ventilador de enfriamiento puede tener problemas de holgura causados ​​por la RAM, que generalmente se encuentra justo al lado de la CPU. Si es posible, compre RAM de bajo perfil para evitar problemas de autorización. Imagen vía Scharfsinn.

Los ventiladores de refrigeración de la CPU son la opción para la mayoría de las compilaciones porque son asequibles, fáciles de instalar y no requieren mantenimiento, pero son ruidosos. El otro contendiente es el enfriador de agua AIO, que no es tan complicado como parece.

El AIO es una solución de enfriamiento todo en uno (de ahí el nombre) que incluye todas las piezas necesarias. El bloque de agua se conecta a la CPU y absorbe el calor, transfiriéndolo al radiador a través del refrigerante en los tubos. Cuando el calor llega al radiador, los ventiladores eliminan el calor de la PC.

Este tipo de enfriador de CPU es más costoso que un ventilador de enfriamiento de CPU, pero mantiene el ruido bajo y muchos confían en sus propiedades de enfriamiento. Si planea instalar un enfriador de agua AIO, obtenga una caja con rejillas de ventilación en la parte superior de la caja, que es el mejor lugar para el radiador y los ventiladores.

Cuando la CPU está bajo una gran carga de trabajo, el enfriador entra en sobremarcha para evitar el sobrecalentamiento, haciendo mucho ruido. Algunos fabricantes venden ventiladores que funcionan con niveles de sonido mucho más silenciosos. Los enfriadores silenciosos de CPU no son baratos, pero ayudan mucho con el ruido sin perder demasiado rendimiento de enfriamiento.

Para la mayoría de los usuarios, recomiendo usar el refrigerador de stock incluido con un procesador AMD Ryzen. Los refrigeradores Ryzen de serie hacen un trabajo decente, especialmente cuando se considera que están incluidos sin costo adicional. Sin embargo, los refrigeradores estándar no son rival para CPUs overclockeadas. Invierta en un ventilador de refrigeración de CPU más robusto o en un enfriador AIO si está haciendo overclocking.

Aplicación de pasta térmica / compuesto a la CPU

Tengo un refrigerador AMD Wraith que viene incluido con mi CPU, y hasta ahora no he tenido problemas. Lo mejor de los ventiladores de refrigeración de CPU de AMD es que se envían con pasta térmica preaplicada, por lo que es un producto menos para comprar y usar.

La pasta térmica es necesaria para que el calor viaje desde la CPU al enfriador. La aplicación incorrecta de pasta térmica puede provocar un sobrecalentamiento o freír por completo la CPU. Cuando construí mi PC por primera vez, no es algo por lo que quisiera estresarme, así que me quedé con el ventilador de refrigeración de serie. Si desea aplicar la pasta térmica usted mismo, simplemente coloque una cantidad del tamaño de un guisante en la CPU y luego instale el enfriador.


Guía de piezas: PC Cooling

El enfriamiento adecuado es la mejor manera de evitar que su PC se sobrecaliente. El aire caliente que se expulsa de la CPU y la GPU debe escapar. De lo contrario, el calor se acumula y sobrecalienta la computadora.

Los ventiladores introducen aire frío al sistema mientras eliminan el aire caliente. Cada carcasa de PC varía en la cantidad de ventiladores que admite, pero hay un procedimiento estándar para la refrigeración del ventilador. Querrás que algunos ventiladores en la parte delantera de tu caja aspiren aire y los ventiladores en la parte trasera para que absorban el aire caliente. Para un enfriamiento aún mejor, también debe colocar ventiladores en la parte inferior de la carcasa para aspirar aire frío y ventiladores en la parte superior para extraer el aire.

Hay ventiladores de varios tamaños diferentes, pero los ventiladores de 120 mm son los más comunes y son compatibles con una amplia variedad de casos. También hay dos tipos de ventiladores a tener en cuenta: ventiladores de flujo de aire y ventiladores de presión estática. Los primeros son excelentes para la entrada de aire, mientras que los segundos son mejores para eliminar el aire caliente atrapado dentro de la PC. Las PC con muchas obstrucciones y sin un camino despejado para el flujo de aire se benefician más de los ventiladores de presión estática. Si realmente desea optimizar la refrigeración, compre los ventiladores adecuados para cada situación, aunque las diferencias son mínimas.

Una última cosa para reflexionar es la cantidad de encabezados de ventilador que están disponibles en su placa base. El encabezado del ventilador es lo que alimenta un ventilador de PC, y aunque es mejor conectar un ventilador por encabezado de ventilador, también es posible conectar los cables del ventilador a un divisor de ventilador, que convierte un encabezado de ventilador en tres o más. El problema con los divisores de ventilador es que es posible que no pueda controlar cada ventilador por separado, pero no creo que sea un problema importante. Es mejor tener la cantidad correcta de ventiladores que el control individual de la velocidad del ventilador.


Las tres construcciones

Con toda esa información cuidadosamente guardada para futuras referencias, es hora de ver algunas compilaciones de PC. Notarás que solo incluí los componentes principales para construir una PC, por lo que no se incluyen elementos como monitores, altavoces, ventiladores, kits de iluminación RGB y periféricos.

Es razonable suponer que la mayoría de las personas tiene un monitor, teclado y mouse, pero si no lo hace, no se preocupe. Puede encontrar monitores decentes por alrededor de $ 200 o menos, y los teclados y ratones generalmente se venden por $ 50 cada uno. Simplemente compre lo que necesita y siga agregando hasta que tenga la configuración perfecta.

Me decidí por tres niveles de precios diferentes para los editores de video, con cada nivel cada vez más avanzado y costoso.

El primer nivel debería ser excelente para los editores de video principiantes que buscan una PC de edición capaz, y tiene mucho espacio para actualizaciones en el futuro. El nivel medio tiene un procesador más rápido, una GPU AMD de nivel profesional y más RAM, mientras que el último nivel es posiblemente una de las mejores PC que puede construir a ese precio.

Cada PC en esta lista usa un procesador AMD para facilitar la actualización: no es posible actualizar a un chip Intel mientras se usa una placa base con un zócalo AMD AM4 y viceversa.

Aunque los constructores de PC veteranos pueden diferir de opinión cuando se trata de algunas partes, estas compilaciones son, esencialmente, planos, y el usuario final toma la decisión final. Siéntase libre de intercambiar piezas donde lo considere necesario y cree la PC adecuada para usted. Algunos editores pueden necesitar más RAM, mientras que otros pueden necesitar una GPU mejor para generar efectos especiales. Whatever the case, the guides below are blueprints upon which you can build on.

(You can click on each of the titles below, which are linked to PC Part Picker. The prices for each part are listed, and you can copy the build and modify it to your liking.)


CPU: AMD Ryzen 3 3200G 3.6 GHz Quad-Core Processor

This is one of the best processors for under $100, and while it won’t wow you when using CPU rendering, there is no denying the amount of performance this chip produces compared to its value.

This four-core APU has a boost clock of 4GHz, which is solid, and it supports up to 64GBs of RAM. Because this chip is an APU, it has integrated Radeon Vega 8 graphics, and, as a bonus, it comes with a CPU cooler. Seriously, this is a fantastic deal.

Motherboard: MSI B450 Tomahawk Max ATX AM4

This motherboard, or “mobo,” is a good deal, with four DIMM slots for RAM, (up to 64GBs) six SATA 3.0 drives, (HDD and SATA SSD) and one NVME M.2 socket. This motherboard does lack wireless connectivity, so you’ll have to purchase a Wi-Fi card or stick to an ethernet connection.

GPU: MSI GeForce GTX 1660 Ti 6GB Gaming X

The 1660 Ti is one of the best values in PC gaming, and Adobe recommends this GPU for hardware-accelerated rendering. The 6GBs of VRAM isn’t best-in-class, but it’s more than plenty for hardware-accelerated rendering at 1080p and even 4K. At around $300, there is probably no better GPU at this price-point.

RAM: Corsair Vengeance LPX 32 GB (2 x 16 GB) DDR4-3200

32GBs of RAM is the bare minimum for serious video editing these days. The Corsair Vengeance RAM sticks are well-known for their reliability, which is why I have them in my system. They’re not as flashy as other brands, but they perform well at an affordable price. Since this kit only occupies two DIMM slots, you can buy another kit in the future and double the memory. It’s better to buy the whole RAM kit all at once, but don’t sweat it too much.

Storage: Sabrent Rocket 256GB M.2 NVME SSD and a 2TB Barracuda Compute 3.5” 7200RPM HDD

This NVME SSD is just enough for the operating system and some software, which guarantees fast boot times and minimal software loading. The HDD is where you’ll want to store larger files.

PSU: Corsair CXM 550W 80+Bronze Semi-Modular

Corsair PSUs are some of the best in the industry, so you’re in good hands.

Case: NZXT H510 ATX Mid Tower Case

This case is very popular because it’s easy to build on, and it has a minimal look. The PSU shroud is a compartment located in the bottom third of the case, and it hides the PSU. The case also comes in white.

Approximate Price According to PC Part Picker: $929 (prices may change)


CPU: AMD Ryzen 7 3700X 3.6 GHz 8-Core Processor

At almost $300, this multi-threaded CPU is one of the best on the market, supporting eight cores (16 threads) with a boost clock speed of 4.4 GHz. With a thermal design power (TDP) of only 65W, this CPU runs cool, so overheating shouldn’t be a problem. I have the older version of this CPU, and it’s a beast. You couldn’t get a better CPU at this price point, and it comes with a reliable Wraith Prism CPU cooler with RGB lighting.

Motherboard: ASUS TUF Gaming X570-Plus (Wi-Fi) ATX AM4

Unlike the motherboard in the previous build, this one does have built-in Wi-Fi. What’s more, this motherboard supports up to 128GBs of RAM, and it has eight SATA 3.0 ports for multiple HDDs and SATA SSDs.

GPU: AMD Radeon Pro WX 7100 8GB

The Radeon Pro WX 7100 is one of AMD’s newest professional-grade GPUs. There are other cards in the Radeon Pro WX line, but this one specializes in 4K video editing and video encoding, making it perfect for most video editors.

This GPU has 8GBs of video RAM and a memory clock speed of 8000MHz, which is insane. Adobe Recommends this GPU for hardware-accelerated rendering on Premiere Pro and After Effects.

RAM: Corsair Vengeance LPX 64 GB (2 x 32 GB) DDR4-3600

This kit is similar to the one from the build above, except that this is slightly faster. AMD Ryzen CPUs perform better with faster RAM. While it’s possible to buy even faster RAM, it comes at an extremely high price. More RAM is better than faster RAM.

Storage: Samsung 970 Evo 1 TB M.2-2280 NVME SSD and 2x Seagate Barracuda Compute 2TB 3.5” 7200RPM HDD

This is the best of both worlds. You have, arguably, the best NVME SSD, the 1TB Samsung 970 Evo NVMe SSD, for the OS, software, and editing. Archived video files and projects can go on either of the two HDDs. For faster editing, just move the files in use to the SSD.

PSU: Corsair RM 750W 80+ Gold Fully Modular ATX

Again, I have to recommend Corsair. Ask anybody who knows about PCs, and they’ll tell you the same. Also, this PSU is fully modular, giving you full control of cable management. You can buy new cables for your PSU to match the color scheme of your PC.

Case: NZXT H510 Elite ATX Mid-Tower

When it comes to cases, it’s really up to you. I think this one is flashier than the NZXT case in the previous build, but it still maintains that minimalism. The black and white color scheme is eye-catching but not over the top.

The case comes with two 140mm RGB fans in the front, one 120mm fan in the rear, and another 120mm fan at the top. There’s also an RGB hub for the fans. While I haven’t built a PC with this particular case, most reviewers agree it’s easy to build on.

Approximate Price According to PC Part Picker: $1,858 (prices may change)


CPU: AMD Ryzen 9 3950X 3.5 GHz 16-Core CPU

This is, hands down, one of the best CPUs available, and it’s a 16-core, multi-threaded beast of a processor. It’s impossible to get more than 16 cores on a CPU without spending north of $1000.

This CPU has a boost clock of 4.7GHz and supports up to 128GBs of RAM. There’s no cooler or integrated graphics, but we’ll take care of that. Rest assured, this is the best CPU you can get for under $1000.

Motherboard: ASUS ROG Crosshair VIII Hero (Wi-Fi) ATX AM4 Motherboard

Apart from supporting fast RAM, this motherboard has two M.2 sockets for NVMe SSDs, and there are 8 SATA 3.0 ports for extra storage. The X570 chipset is the best available for 3rd generation Ryzen chips, and, most importantly, it supports PCIe 4.0, which is capable of transferring data at 2GB/s per PCIe lane.

The motherboard also comes with Wi-Fi, plenty of USB ports, a great audio chip, and many other features. At almost $400, this motherboard is “high-end” at a relatively affordable price.

GPU: NVIDIA GeForce RTX 2080 Ti Founders Edition 11GB Video Card

Currently, the RTX 2080 Ti is the best consumer-grade video card that money can buy. When it comes to gaming, this GPU is the undisputed king, though it’s just as useful for video rendering.

At over $1000, this GPU is steep, but it has 11GBs of video RAM, which alone justifies this GPU for video editing. While Nvidia makes professional-grade cards that are several thousands of dollars more expensive, the 2080 Ti is all you need for fast video rendering.

If you want to decrease your rendering times further, consider buying a second one. The motherboard in this build is 2-way SLI capable, which means you can run two of these GPUs simultaneously.

RAM: Corsair Vengeance RGB Pro 128GB (4x32GB) DDR4-3600

Yes, it’s Corsair once again, but the kit is a bit different this time. The Corsair Vengeance RGB pro sports a different look, and it has RGB lighting that syncs with other Corsair hardware via the iCue software. This kit includes four 32GB RAM sticks for a total RAM capacity of 128GBs, which is the maximum RAM that this CPU supports.

Storage: 2x Corsair MP600 Force Series Gen4 2TB M.2 NVME SSD and 2x Seagate Barracuda Compute 2TB 3.5” 7200RPM HDD

The Corsair MP600 NVME SSD is one of the few SSDs on the market that uses the PCIe 4.0 interface. The M.2 sockets provide each SSD with four PCIe lanes, each capable of transmitting up to 2GB/s per lane for a total of 8GB/s, which is theoretical. In “real-world” use, Corsair claims that this SSD has sequential read speeds of 4,950MB/s and write speeds of 4250MB/s.

The HDDs are for archiving large unused files, old footage, and projects. For the sake of comparison, a typical HDD has sequential read/write speeds of about 120MB/s — you do the math. I know the MP600 SSDs are expensive, but they’re genuinely the best that money can buy at the moment.

PSU: EVGA SuperNOVA G3 850W 80+ Gold Fully Modular ATX Power Supply

While this system doesn’t need the full 850W of power, it might come in handy if you upgrade later on. The 80+ Gold rating means it’s efficient, saving you money on your electric bill. This PSU is also fully modular. EVGA makes excellent PSUs, and I wanted to offer an alternative to Corsair, primarily because many Corsair PSUs are currently sold out or overpriced due to the pandemic.

Case: Corsair iCUE 465X RGB ATX Mid Tower Case

If you haven’t noticed already, I tried to make this the “Corsair” build, but I do have a reason. The iCue software syncs all the RGB lighting on your PC, but it only works with Corsair products — the motherboard, though not Corsair branded, should also sync.

The case comes with several RGB fans, and this build includes a Corsair RAM kit and CPU cooler for maximum synergy. Parts from other brands use specific lighting software, making it impossible to sync everything, which leads to a PC that looks like an RGB clown show. This is also a solid case with plenty of space to build, a PSU shroud, a mesh roof where you can mount a radiator, and more.

CPU Cooler: Corsair iCUE H150i RGB PRO XT 75 CFM Liquid CPU Cooler

With a CPU as powerful as the 3950X, you’re going to need a beefy CPU cooler. Luckily, Corsair has just the right product at a reasonable price — I promise you they’re not paying me. This cooler has a radiator with three 120mm fans, which you should attach to the upper part of the case. While the fans do not have RGB lighting, the waterblock does.

Approximate Price According to PC Part Picker: $4,296 (prices may change)


Now Comes the Part where You Build it

Colorful editing PC build.

Look, I get it. RGB lighting may not be for everybody, but you can customize the setting to your liking. I find that the RGB on my PC, which is set to pink and blue, is soothing. If it’s not for you, turning off the RGB is simple. Image via Alberto Garcia Guillen.

After researching, part-picking, finding the lowest price, and buying the parts, comes the assembly. Handle parts cautiously, read the motherboard manual, and watch some tutorials on YouTube. Don’t stress too much, though, because everything will be fine if you take it slow. If you don’t know what you’re doing, check out our PC building guide, or check online forums for specific answers.

Several people have told me that building a PC is like building a Lego set but for adults. They’re not far off. The parts are more expensive, sure, but Lego building and PC building do share similarities: Both require you to simply slot parts in the correct place.

While the above builds are merely well-researched suggestions, don’t be afraid to go off-book. There are so many variables when it comes to building a PC, so pick the parts that fit your video editing style.

When your video editing PC turns on for the first time, you’ll be the newest member of an ever-growing enthusiast club. When people come over, you’ll want to show off your masterpiece, and they won’t get it, not like you do, but you’ll know. When your PC renders video faster than ever, you’ll know for sure.


Cover image via Alberto Garcia Guillen.

6 ajustes preestablecidos de efectos FCPX imprescindibles para editores de video

Use estos preajustes de efectos para ahorrar tiempo en FCPX. ¡Crea un efecto una vez, agrégalo con un clic para siempre!

FCPX permite a los editores crear sus propios ajustes preestablecidos de efectos de audio y video. Esta faceta del software es una real ahorro de tiempo, porque una vez que haya creado su efecto (o una combinación de efectos), usarlo nuevamente solo requiere un simple clic.

Antes de ver nuestra lista de seis preajustes de efectos imprescindibles, veamos los detalles básicos de trabajar con ellos.


Introducción a los preajustes de efectos

Guardar un efecto preestablecido es sencillo. Simplemente cree el efecto en un clip particular, haga clic en Expediente, luego navegue a Guardar preajuste de efectos de video o Guardar preajuste de efectos de audio.

Aparecerá una nueva ventana, dándole la opción de seleccionar qué efectos desea guardar en este preset. También le da la opción de seleccionar una categoría para guardar el preajuste.

Sugiero crear su propia categoría, así como darle un título que comience con un guión bajo (para que aparezca primero en el panel de efectos). Nuevamente, una vez que se crea un preset, todo lo que tiene que hacer para aplicarlo es seleccionar un clip y hacer doble clic en el efecto. (También puede arrastrar y soltar el efecto en una toma).


6 ajustes preestablecidos de efectos FCPX imprescindibles

Con todo eso fuera del camino, aquí hay seis preajustes de efectos que ahorran tiempo y aumentan la eficiencia que creé. Todos estos ajustes preestablecidos se pueden modificar para adaptarse mejor a cualquier clip que elija, aunque es posible que funcionen correctamente sin ninguna modificación.


1. Afilar 1.5

Agregar un grado de nitidez a un videoclip refuerza las líneas o bordes de la imagen, haciendo que se vea más definida. Sin embargo, el valor predeterminado para Afilar en FCPX es 2.5. Esto es demasiado alto para muchas de las cámaras con las que trabajo, y puede dar como resultado un aspecto demasiado afilado. Usar un valor de 1.5 simplemente produce un resultado mucho más halagador. Es posible que incluso desee crear variaciones de este efecto: Sharpen 0.5, Sharpen 1, etc.


2. Vignette

No es necesario recrear laboriosamente una viñeta cada vez que quiera usar una. En su lugar, cree una viñeta en una toma, haga clic en Guardar video preestablecidoy guárdelo con un nombre apropiado. No olvide que puede crear variaciones de este efecto: viñeta dura, viñeta ligera, etc.

Vale la pena señalar que su viñeta debe ser específica para la resolución del metraje que está utilizando. Una viñeta creada para metraje de 4k no funcionará correctamente para un clip de 1080p; el efecto aterrizará fuera de la imagen. Por lo tanto, considere crear algunas variaciones basadas en la resolución también.


3. Acercar

Parece extraño que FCPX no tenga este preajuste incorporado. Afortunadamente, es súper simple de crear: simplemente agregue un fotograma clave de escala al principio y al final de una toma. Para el segundo fotograma clave, asegúrese de que su valor sea mayor que el valor del primero. Sugiero usar 100% y 110%.

Una vez que haya guardado este ajuste preestablecido, puede agregarlo a cualquier clip que desee con solo un clic. Una vez aplicado, todo lo que necesita hacer es abrir la configuración de animación de video del clip y arrastrar el segundo fotograma clave al final del clip. Al igual que con los ajustes preestablecidos anteriores, considere crear algunas variaciones: zoom suave, zoom grande, alejar, etc.


4. Grado básico específico de la cámara

He estado editando muchas imágenes de Cannon C300 recientemente, así que creé un C300 Basic Grade Preset. Todo lo que tiene que hacer es crear una calificación bastante neutral en el clip de su elección, y luego guardarlo como un efecto preestablecido.

Una de las cosas fantásticas de FCPX es la capacidad de obtener una vista previa de las calificaciones guardadas: simplemente seleccione un clip y desplace el mouse sobre el efecto. Esta técnica sola ha aumentado rápidamente mi eficiencia de calificación.


5. Ganancia 5

Crear preajustes de audio puede ser transformador para su edición. El que uso con más frecuencia es Ganar 5 (efecto de ganancia con valor de ganancia en 5).

Si estoy trabajando con audio que se ha grabado demasiado silenciosamente, puedo agregar rápidamente Ganar 5 arreglarlo. Después de eso, puedo usar el Subir / bajar volumen atajo de teclado para ajustar el volumen a donde lo quiero. Antes de crear este ajuste preestablecido, tendría que agregar el efecto de ganancia y escribir varios valores hasta alcanzar el volumen deseado.


6. Ecualizador de voz

Aquí hay otro efecto que (afortunadamente) ya no tengo que recrear una y otra vez. Estos ajustes preestablecidos para el ecualizador de voz masculino y femenino son muy útiles cuando se trabaja con el diálogo. Revisa este tutorial para una idea sólida del ecualizador vocal.


El uso de estos presets en FCPX ha aumentado dramáticamente mi productividad de edición. Como dije antes, es posible que deba realizar algunas modificaciones rápidas para que se adapten a sus necesidades. Simplemente pruébelos para ver cuáles pueden ayudar más a su flujo de trabajo.

Aquí hay algunos recursos más creados para ayudarlo a obtener más de FCPX:

Crear 6 atajos de teclado FCPX que cambian el juego

Obtenga su edición más rápida con estas personalizaciones de atajos de teclado FCPX.

Desde que recurrí a FCPX, me ha encantado utilizar los atajos de teclado. Cada uno nuevo que aprendo o modifico se siente como un elevar a mismo nivel, aumenta mi velocidad de edición general y aumenta drásticamente cuánto valor puedo aportar a los clientes para los que trabajo.

Con todo eso en mente, descubrí que los atajos predeterminados de FCPX pueden mejorarse enormemente, ya que a veces requieren combinaciones de teclas incómodas o que use ambas manos. Esto puede no parecer un gran inconveniente, pero si está editando a tiempo completo, puede suceder cientos de veces al día.

Afortunadamente, reasignar métodos abreviados a combinaciones de teclas nuevas y más accesibles es increíblemente simple, y una búsqueda rápida en línea lo llevará a muchos tutoriales fáciles de seguir sobre cómo crear su propio conjunto de métodos abreviados de teclado personalizados.

Le guardaremos una búsqueda. Aquí hay seis atajos de teclado FCPX personalizados que me han permitido editar de manera más eficiente. Pruébelos. ¡Me sorprendería si no los encuentra extremadamente beneficiosos!


1. Opción + Z – Establecer volumen en silencio

Atajo de teclado FCPX personalizado: Opción + Z - Establecer volumen en silencio

No hay una combinación de teclas asignada a este comando en los atajos de teclado predeterminados. Yo uso este atajo con frecuencia. A menudo, cuando llevo el B-roll a la línea de tiempo, sé que el sonido de ese clip en particular no se usará. En esos casos presiono Opción + Z para silenciarlo

También puede usar este acceso directo para silenciar varios clips a la vez. Regularmente enmudezco un rango completo de B-roll en el navegador antes de incluso traerlo a la línea de tiempo. (Permanecerá silenciado una vez en la línea de tiempo). Desde que descubrí esta combinación de teclas, he ahorrado una cantidad considerable de tiempo y esfuerzo.


2. Cmd + S – Tiempo de recuperación: lento 50%

Atajo de teclado FCPX personalizado: Cmd + S - Tiempo de espera: lento 50%

Si desea probar rápidamente un clip en cámara lenta, este acceso directo es perfecto. Cuando se usa junto Comando + Z (deshacer), uno puede alternar fácilmente entre 50% y 100% de velocidad en los clips seleccionados. No hay una combinación de teclas asignada a este comando en el conjunto de accesos directos predeterminado, pero una vez que lo asigne, le garantizo que lo usará con frecuencia.


3. Y: alternar vista de tira de película / lista

Atajo de teclado FCPX personalizado: Y - Alternar tira de película / Vista de lista

Esta práctica reasignación le permite cambiar rápidamente entre la vista de lista o la tira de película en el navegador. Anteriormente, este comando tenía Opción + Comando + 2 como su atajo Esta es una combinación demasiado complicada para un comando tan comúnmente utilizado por los editores.

Y fue asignado previamente a Audición abierta, que no uso habitualmente. Obviamente, puede asignar una tecla accesible diferente a este comando si es un usuario habitual de Audition.


4. Control + C – Añadir efecto de tablero de color

Atajo de teclado FCPX personalizado: Agregar efecto de tablero de color

Puede invocar rápidamente un nuevo efecto de tablero de color con este práctico acceso directo. Si estás en una carrera contra el tiempo para completar tu calificación de color, ¡este atajo puede hacerte la vida mucho más fácil! Sorprendentemente, no hay un atajo asignado a este comando en el conjunto de atajos predeterminado.


5. E – Activar / desactivar efectos de alternancia

Método abreviado de teclado FCPX personalizado: activar / desactivar los efectos

Simplemente seleccione un clip, seleccione sus efectos y presione mi para ver tu clip con y sin los efectos que le has agregado. Usualmente uso esto durante la etapa de gradación de color de una edición, ya que me permite ver instantáneamente un antes y un después de la toma en la que estoy trabajando …


6. Shift + L – Ajustar volumen relativo

Atajo de teclado FCPX personalizado: Mayús + L - Ajustar volumen relativo

Esto le permite ajustar el volumen de uno o varios clips en la línea de tiempo en una cantidad específica. Anteriormente, el acceso directo para este comando era difícil de usar, por lo que apenas lo usé. Pero ahora uso este comando cientos de veces al día.


Si bien aprecio que cada editor es diferente, estos atajos han demostrado ser invaluables en mi propio trabajo. Cada uno podría modificarse para adaptarse a usted, ¡pero pruébelos! Harán que su edición sea más eficiente y lo ayudarán a aprovechar aún más FCPX.

Mientras piensa en la eficiencia, aquí hay algunas publicaciones de blog más que pueden ayudarlo a optimizar su flujo de trabajo de FCPX:


Imagen de portada a través de Victoria Chudinova.

Los cineastas del mañana están hoy en TikTok

Eche un vistazo a cómo los innovadores creadores de contenido de TikTok están influyendo en la próxima generación de cineastas.

No sé sobre ti, pero es vergonzoso cuánto tiempo paso en TikTok. Lo descargué solo para verificarlo porque estaba recibiendo mucha prensa, como Vine antes.

Rápidamente me encontré atrapado en un mundo de desplazamiento despreocupado y risas suaves, oh, y algunas técnicas de video verdaderamente creativas que podrían revelar el futuro del cine. Pero no nos adelantemos aquí, ¿verdad?

TikTok es solo una aplicación de video de redes sociales simple (y en su mayoría inofensiva) que los adolescentes de la Generación Z utilizan principalmente para hacer bailes y compartir actualizaciones sobre lo tontos que son sus padres.

Al igual que cualquier cosa que se convierta en un gran lanzador viral, la plataforma también ha despertado un gran interés por parte de comediantes profesionales, personas influyentes e incluso aspirantes a cineastas que tienen una amplia oportunidad de usar este medio simple como escaparate de sus talentos.

Echemos un vistazo a cómo estos creadores de próxima generación están utilizando el contenido para marcar el comienzo de una era completamente nueva para los cineastas.


Usando los principios básicos de la película

@sallydarrgriffin

vacaciones

♬ Si son las playas – Los hermanos Avett

Autodescrito “director de cine a lo grande” Sally Darr Griffin es uno de mis creadores favoritos en TikTok. Griffin es un excelente ejemplo de cómo usar los principios básicos de la película en videos grabados y editados de manera inteligente puede crear cortometrajes verdaderamente únicos, y muy fáciles de relacionar. Y por “corto” quiero decir corto. Como en menos de 60 segundos, que es la duración máxima que TikTok permite para videos.

En el clip de arriba, titulado “vacaciones”, Griffin nos ofrece una combinación de largos de tomas, una apertura de POV, un tiro amplio de establecimiento, un tiro inverso para mostrar una conversación y una banda sonora que tira del corazón.

Tenemos primeros planos para mostrar lágrimas. Obtenemos tomas de acción rápida para mostrar movimiento a través del espacio y el tiempo. Obtenemos un viaje en automóvil lluvioso de “película independiente” perfectamente para mostrar la contemplación.

En general, obtenemos una historia narrativa totalmente realizada, capturada en un teléfono, sobre la tristeza que debe sentir su ducha cuando se lleva las botellas de champú de vacaciones, y presenta todas las características de la cinematografía tradicional.

Si recién está comenzando su viaje de creación de contenido, o tal vez solo necesita repasar algunos técnicas de filmación – hay un montón de gratis “Escuela de cine 101“Recursos educativos que pueden ayudarlo aprende los conceptos básicos de la cinematografía.


Efectos visuales y técnicas de edición de trucos

@zachking

Cómo se hacían películas en blanco y negro. 🎞 🎥 #moviemagic #Clásico #filmaking

♬ sonido original – zachking

Creador de contenido Rey Zach ha desarrollado una carrera muy exitosa basada casi exclusivamente en su capacidad para crear efectos visuales innovadores y bien diseñados. Como se ve en su riqueza de clips detrás de escena, él usa medios prácticos y FCPX para lograrlo

Después de ganar una audiencia en Vine y YouTube, King recurrió a TikTok para experimentar con videografías engañosas, y muchos de sus movimientos de edición alucinantes se abren camino en películas de gran presupuesto y otros proyectos de video en el futuro.

Si te inspiras en King’s “hacer magia en post“Enfoque para contar historias, siga su ejemplo agregando algunos trucos de sala de corte y efectos de edición a tu conjunto de habilidades.


Romper las reglas de la edición narrativa

@ drive45music

fluido en el sarcasmo

♬ sonido original – drive45music

Quizás uno de los elementos más refrescantes de esta nueva generación de cineastas híbridos / creadores de contenido es su enfoque independiente de la edición narrativa tradicional.

Si bien los creadores como Griffin ciertamente entienden y usan los principios básicos, muchos TikTokers emplean técnicas experimentales, composiciones desafiantes y ediciones no convencionales para contar una historia compleja dentro de los límites del medio.

El clip de arriba por drive45music rompe muchas de las reglas de la edición narrativa, lo que resulta en un video bien elaborado y bien cortado que parece cambiar de estilo y tono por segundos.

Estas técnicas de edición (intercalar y rebotar de un lado a otro en el tiempo narrativo) ayudan a crear sorprendentes cambios temáticos que mantienen a los espectadores interesados.


Aprendiendo de los grandes

@ in_too_deepmp3

Traté de ver si podía hacer esto solo usando cosas que pudiera encontrar en mi departamento. espero que te guste ! 😂 #fyp #para ti #wesanderson #película

♬ sonido original – in_too_deepmp3

Otra forma en que los cineastas de próxima generación están trabajando dentro de esta nueva plataforma es simplemente copiando y aprendiendo de los grandes. El ejemplo anterior es una parodia de Wes Anderson perfecta por el creador de TikTok Perro rabioso. La guía de Anderson para sobrevivir a una pandemia global es una clase magistral sobre cómo estilizar y aplicar los muchos tropos familiares de la filmografía de Anderson. Fotografías exclusivas, opciones musicales, incluso fuentes y combinaciones de colores: todo está ahí.

Todo este concepto, aprender de los grandes, obtiene really Es interesante cuando te das cuenta de que algunos de los directores y cineastas más aclamados del mundo tienen hijos que usan TikTok.

En el hilo de Twitter anterior, puede ver directores famosos, como Alfonso Cuarón, Anurag Kashyap, Judd Apatow, Martin-maldito-Scorsesemire a lo largo (y ocasionalmente únase) mientras su descendencia de la Generación Z explica y realiza las tendencias TikTok

¿Estas conversaciones inspirarán algo nuevo en estos venerados cineastas? ¿Tomarán estos niños los estilos de película clásicos de sus padres y los filtrarán a través de lo que han aprendido como creadores de contenido de próxima generación? A ambas preguntas, respondemos: ¡Ojalá!

Cómo comenzar con TikTok Filmmaking

Si está listo para unirse a la próxima ola de cineastas aprovechando esta moderna plataforma de contenido de video social, obtenga la aplicación y comience a seguir a sus creadores favoritos. Cuando esté listo para experimentar con sus propios videos de TikTok, comience aquí:


Canon presenta oficialmente las nuevas cámaras EOS R5 y R6

¡Una cámara sin espejo de marco completo Canon 8K RAW está aquí! Además, se han revelado nuevas características, especificaciones y precios para el R5 y R6.

En lo que podría ser el menos secreto “Anuncio secreto” alguna vez, Canon finalmente presentó oficialmente dos nuevas cámaras que podrían ser de gran interés para la gran comunidad de cine y video.

Canon ha revelado su muy esperado (y muy bien documentado a través de rumores y filtraciones) oferta digital sin espejo de próxima generación con la Canon EOS R5. Un nuevo buque insignia para su sistema sin marco completo, el EOS R5 promete ser el nuevo polo de la industria del video. Ofrece especificaciones impresionantes, incluida la grabación RAW de 8K, 4K a hasta 120 fps y un compromiso para solucionar todos los problemas que plagaron la EOS R original cuando se presentó por primera vez en 2018.

Junto con el nuevo EOS R5, Canon también ha presentado el EOS R6, que se comercializa como un compañero sólido para el R5 con algunas especificaciones ligeramente rebajadas pero un precio mucho más amigable. El R6 ayudará a Canon a competir con muchos de sus competidores sin espejo.

La Canon EOS R5

Echemos un vistazo al Canon EOS R5, que está programado para ser el nuevo centro neurálgico de la línea sin espejo de Canon al ofrecer un asombroso video RAW de 8K a hasta 30 fps. Gracias a un nuevo sensor CMOS de fotograma completo de 45 megapíxeles y al procesador de imagen DIGIC X de Canon, la EOS R5 también puede disparar continuamente 8K RAW mientras graba 4K DCI, y finalmente ofrece el IBIS solicitado con frecuencia (con 8 paradas de corrección), ranuras para tarjetas duales (CFexpress y UHS-II SD), además de una mejor funcionalidad AF.

Especificaciones completas para la EOS R5

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 45 megapíxeles
  • 8K RAW hasta 30 fps
  • 4K hasta 120 fps
  • 10 bits 4: 2: 2 con Canon Log o HDR PQ
  • Procesador de imagen DIGIC X
  • 8K RAW / 4K 120P
  • Estabilización de imagen en el cuerpo
  • Modos de disparo sin recortar y recortar
  • Dual Pixel CMOS AF
  • Ranuras de doble tarjeta
  • Pantalla táctil LCD de ángulo variable
  • 2.4 y 5Ghz Wi-Fi, Bluetooth

Precios y disponibilidad de EOS R5

La EOS R5 estará disponible a finales de julio. Se lanzará con un par de paquetes de lentes diferentes junto con un minorista estándar solo para el cuerpo. Aquí están los precios completos para el lanzamiento:

  • Cuerpo EOS R5: $ 3,899
  • EOS R5 con 24-105 mm: $ 4,999

La Canon EOS R6

Junto con la EOS R5, Canon confirmó una cámara hermana a un precio más competitivo con la Canon EOS R6. Ofrece video 4K a hasta 60 fps, pero con su propio sensor CMOS de fotograma completo de 20 megapíxeles que puede impulsar 5K sobremuestreado y 4: 2: 2 de 10 bits similares comparables a la EOS R5. El EOS R6 también incluirá muchas de las mismas características y actualizaciones que el R5 con el IBIS mejorado, ranuras para tarjetas duales (UHS-II SD), AF mejorado y una pantalla táctil LCD sólida.

Especificaciones completas para la EOS R6

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 20 megapíxeles
  • 4K hasta 60 fps
  • 1080p hasta 120 fps
  • 10 bits 4: 2: 2 con Canon Log o HDR PQ
  • Procesador de imagen DIGIC X
  • Estabilización de imagen en el cuerpo (corrección de 8 paradas)
  • Rango ISO de 100-102400; Ampliable a 204800.
  • Doble ranura para tarjeta SD UHS-II
  • EVF OLED incorporado de 0,5 ”3,69 millones de puntos (con frecuencia de actualización de 120 fps)
  • Pantalla táctil LCD de ángulo variable de 1,62 millones de puntos de 3 pulgadas
  • 2.4GHz Wi-Fi incorporado, Bluetooth
  • Sellado de clima, goteo y polvo

EOS R6 Precio y disponibilidad

Si bien está programado para llegar un mes después, a fines de agosto, la EOS R6 vendrá en $ 1,400 más barata que la EOS R5. Aquí están los precios en el lanzamiento:

  • Cuerpo EOS R6: $ 2,499
  • EOS R6 con 24-105 mm F4-7.1: $ 2,899
  • EOS R6 con 24-105 mm F4L: $ 3,599

Pensamientos iniciales sobre la EOS R5 y R6

Canon EOS R5 y EOS R6

Imagen vía Canon

Tendremos que esperar y ver que las primeras revisiones prácticas comenzarán a llegar, pero estas nuevas cámaras son nada menos que audaces para Canon. La marca se hizo un nombre en las comunidades de cine y producción de video al ser pionera en la tecnología DSLR y abriendo posibilidades cinematográficas para aquellos con cualquier presupuesto. Está claro que estas cámaras son la oportunidad de Canon de continuar con este legado.

A medida que la industria se movía hacia la tecnología sin espejo y muchos de sus competidores aumentaron, Canon farfulló un poco tratando de ponerse al día. Según las revisiones (y ventas) de la EOS R, por todas las cuentas se equivocaron. Pero la marca hizo una ligera corrección de rumbo con la Canon EOS RP adelgazada, y ahora con los nuevos y brillantes R5 y R6, Canon está dando un gran giro más para permanecer en el juego.

Esta es definitivamente una noticia emocionante para los profesionales de cine y video digital, ya que representa un cambio importante en la industria hacia 8K asequibles y cotidianos. Con otra oferta sólida en el mercado, los competidores de Canon se enfrentarán rápidamente, ¡y eso siempre es bueno para los consumidores!


Para obtener más noticias de la industria, tutoriales y trucos, consulte también algunos de estos artículos adicionales:

Cómo enmarcar un plano medio como un director de fotografía maestro

Aprenda a enmarcar un Plano Medio al “estilo Roger Deakins” aprendiendo la diferencia entre un Plano Medio, Medio Largo, y Primer Plano Medio.

Roger Deakins es uno de los cineastas más aclamados en la industria del cine. Ha filmado películas galardonadas para directores como Joel y Ethan Coen, Sam Mendes, Frank Darabonty Ron Howard.

El tiro medio es uno de los ángulos de cámara estándar usado para enmarcar un personaje. Es el disparo entre de cerca y un tiro largo. En este desglose, examinamos los diversos usos de Deakins del plano medio en sus películas.


El tiro medio

Plano medio: Skyfall

En este plano medio, el público se centra en James Bond, enmarcado de la cintura para arriba. Imagen vía Sony Imágenes.

Un tiro medio enmarca a un personaje de la cintura para arriba. Debe considerarse una toma personal, ya que enmarca a un personaje para que parezca que la audiencia está conversando con ellos. Si fuera a elegir una lente para este tipo de toma, probablemente usaría algo entre 35 mm y 50 mm. Esto debería presentar una vista de “ojo”, con compresión de lente manejable, de tus sujetos, dándote ese hermoso tiro medio que deseas.

Piense en ello como una conversación de la vida real. Cuando hablas con otra persona, estás de pie o sentado con ellos. Muy a menudo, los estás mirando de cintura para arriba. Aún más común, solo notas sus atributos desde el cofre hacia arriba. Raramente prestas atención a sus pies o piernas. Este marco de conversación se considera al decidir el plano medio.

Plano medio: True Grit

En este nivel, es como si estuviera teniendo una conversación con Rooster Cogburn. Imagen vía Paramount Pictures.

Esta es la razón por la cual el plano medio se usa a menudo en entrevistas. Es un ángulo identificable al que todos están acostumbrados. En la cámara, un disparo medio dirige la atención del espectador hacia un personaje.

Deakins a menudo enmarca sus tiros medianos desde arriba de la cintura, más cerca del ombligo. Esto ofrece una mejor composición, ya que evita enmarcar las articulaciones de un actor. Cortar directamente en la cintura o los codos crea una imagen discordante. En cada una de estas tomas medias seleccionadas, verá cómo Deakins se enmarca justo en el borde de los codos, en lugar de en el medio del codo.

Plano medio: No es país para viejos

La audiencia no solo está en el nivel de conversación con el actor, sino que el caos de la escena todavía está capturado en el fondo. Imagen vía Miramax.

La conclusión más importante de estos planos medios es que le dan al público mucha más información que solo ver a un personaje. Para enmarcar correctamente un plano medio, debe prestar atención a todo el entorno y prestar especial atención a la iluminación. El plano medio debe mostrar el paisaje tanto como el personaje.

Plano medio: Redención Shawshank

En esta escena, el fondo es tan importante para el momento como las miradas en las caras de los personajes. Imagen vía Castle Rock Entertainment.

Los disparos anteriores fueron elegidos por una razón específica. Tenga en cuenta cuánta información obtiene del cuerpo de los personajes. A diferencia de un primer plano de solo su cara, puedes ver que cada uno de sus hombros se desploma en la desesperación. Su lenguaje corporal ofrece mucho más a la escena.

Presta atención también a los pequeños detalles de fondo. En la imagen de Grano verdadero, vemos que Rooster Cogburn está totalmente solo durante su interrogatorio. Note el balance de luz en No es país para viejos, donde Ed Tom Bell está perfectamente enmarcado por los tonos azules que contrastan con las otras luces de tungsteno en el hotel.

El tiro medio final de Cadena perpetua muestra la ruta de escape de la prisión en primer plano, la conmoción del alcaide y las reacciones de fondo del oficial y Red. Aún más atrás, todavía podemos ver los otros carteles en la pared de la celda, lo que ayudó a desviar la atención del Rita Hayworth cartel que ocultaba en secreto una ruta de escape.


El tiro medio largo

Plano medio largo: Skyfall

Este tiro medio largo muestra a James Bond, pero pone énfasis en su ubicación. Imagen a través de Sony Pictures.

El tiro medio largo enmarca al sujeto desde las rodillas hacia arriba y, a menudo, se enfoca en la ubicación en lugar del personaje. Al igual que con la composición de tiro medio, evite enmarcar las articulaciones, en este caso, las rodillas. Observe cómo Deakins generalmente se enmarca justo debajo de la rodilla.

La toma también se llama una toma de tres cuartos, que, obviamente, enmarca las tres cuartas partes del personaje. El tiro medio largo generalmente se usa como tiro inicial, ya que muestra un personaje en relación con su entorno.

Tiro medio largo: Jesse James

Usar solo una silueta del personaje coloca el foco en el fondo. Imagen vía Warner Bros.

Roger Deakins a menudo usará el tiro medio largo como un tiro inicial, poniendo el foco en el fondo en lugar del personaje. Observe los tiros medios largos de El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford, y la imagen de abajo de Skyfall, solo use una silueta del personaje para llamar su atención sobre el paisaje. Ahora, dado que esta es una toma más larga, espere usar una distancia focal más larga, algo así como 85 mm o más.

Plano medio largo: Skyfall

El punto focal de la audiencia también estará en lo que el personaje está viendo. Imagen a través de Sony Pictures.


El primer plano medio

Primer plano mediano: Big Lebowski

En esta toma de primer plano medio, el público centra su atención en The Dude, no necesariamente en el fondo. Imagen vía Working Title Films.

El disparo de primer plano mediano enmarca a un personaje desde la mitad de su pecho hacia arriba. Donde el primer plano se enfoca solo en la cara, el primer plano medio incluye los hombros de un personaje. Por lo tanto, a veces se llama un disparo en la cabeza y los hombros.

Primer plano medio: Oh hermano, ¿dónde estás?

El fondo desenfocado dibuja el foco en las expresiones faciales del personaje. Imagen vía Imágenes de Touchstone.

El énfasis está en las expresiones faciales del personaje, pero su lenguaje corporal debe complementar la composición general. Lo mismo ocurre con los fondos. El fondo no es el foco de la toma, literalmente está desenfocado todo el tiempo.

El primer plano medio es perfecto para una toma de reacción. Da una gran variedad de emociones, al igual que la reacción de Everett en el Oh hermano, ¿dónde estás? tiro arriba. Tenga en cuenta que el fondo no es el foco. Vemos el tren en la distancia, pero se utiliza para complementar su reacción a la situación.

Primer plano medio: una mente hermosa

En este primer plano, el estado emocional del personaje pretende ser el punto focal principal. Imagen vía Cuadros universales.

El primer plano medio puede ser muy íntimo, como la imagen de arriba Una mente maravillosa. Podemos ver la total desesperación y confusión en los ojos y el cuerpo de John Nash. Observe cómo el marco incluye parte del bolsillo de su pecho. Al igual que para evitar las articulaciones, asegúrate de comprobar también el encuadre del disfraz.

El primer plano medio también puede presentar una variedad de caracteres, como el siguiente disparo de Oh hermano, ¿dónde estás? Cada personaje está enmarcado justo debajo del cofre, capturando múltiples reacciones simultáneamente.

Primer plano medio: Oh hermano, ¿dónde estás?

Este primer plano permite al público conocer la respuesta emocional de cada personaje a la situación en cuestión. Imagen a través de Touchstone Pictures.


Cómo Deakins enciende sus tiros medios

Además de enmarcar sus temas de una manera particular, también hay coherencia con la forma en que Deakins elige iluminar estas composiciones. Hoy discutiremos dos formas: la luz de la cala y la luz del anillo. Con la cala de luz, Deakins envuelve muselina sin blanquear de 180 grados, creando una fuente gigante difusa en ángulo hacia los actores. Rubidium Wu, en Crimson Engine, ha hecho un video que detalla exactamente cómo lo hace y cómo puedes hacerlo tú también:

Luego, está el codiciado anillo de luz. Una de las luces más famosas de Hollywood, a Deakins le encanta descubrir variedades de esta luz en todos los tamaños y fortalezas para sus películas. La construcción ligera es simple: es solo un círculo de madera con bombillas de tungsteno colocadas por todas partes. Todd Blankenship, de Shutterstock Tutorials, hizo una de las mejores construcciones de bricolaje de este equipo hasta el momento. Es simple, barato y te dará una de las fotos icónicas de Deakins:

Con cada aspecto de la realización de películas, enmarcar a sus actores y temas es todo relativo a la historia y a cómo decide contarla. El hecho de que Deakins encuadre a sus actores de cierta manera no significa que sea el solamente forma correcta de hacerlo. ¡Pruebe diferentes disparos y no tenga miedo de experimentar! Comprender cómo Roger Deakins enmarca un plano medio es solo el primer paso para aprender cómo la composición puede afectar y mejorar la historia que estás contando.

Roger Deakins no solo es una inspiración maravillosa, sino que también es un miembro muy activo de la comunidad cinematográfica. Puedes estudiar más de él en su sitio web RogerDeakins.com. Adicionalmente, Deakins lanzó recientemente un nuevo podcast donde se sumerge en su trabajo y colaboraciones. Esta cosa es una mina de oro absoluta.


Sigue explorando el mundo de la cinematografía con estos inspiradores artículos:


Imagen de portada de Blade Runner 2049 a través de Warner Bros.

Cómo crear el aspecto VHS en los ajustes preestablecidos de efectos VHS gratuitos de Premiere Pro +

En este video tutorial, aprenda a crear un aspecto VHS retro completamente con Adobe Premiere Pro. ¡Incluye preajustes de efectos VHS gratis!

Soy un gran admirador del aspecto VHS. Este estilo nostálgico fue uno de Las tendencias creativas más grandes de 2019, y sigue siendo tan popular hoy en día.

La mayoría de los tutoriales de aspecto de VHS se basan en After Effects y luego envían sus imágenes de nuevo a Premiere Pro. Si no tiene experiencia con After Effects, o simplemente tiene prisa, esto puede ralentizar su flujo de trabajo. Sin embargo, en este tutorial, le mostraré cómo crear un aspecto inspirado en VHS completamente con Premiere Pro. Incluso veremos cómo podemos agregar imperfecciones al metraje que generalmente requeriría trabajo en After Effects.

Ahora, es importante tener en cuenta: esta no es una superposición de VHS, lo que significa que no colocará un clip encima de su metraje, sino que aprenderemos cómo manipular la imagen que ha capturado. Esto le dará más espacio para ajustar la imagen de una manera mucho más compleja que debe trabajar más de cerca con la información y los colores en su toma.

¿Listo para ver el mundo en VHS? ¡Empecemos!


Crear el aspecto VHS

Descargar el archivo del proyecto

* Estos elementos son de uso gratuito en cualquier proyecto personal o comercial. Al descargar, usted acepta no revender o redistribuir estos activos.

Para crear un aspecto VHS en Premiere Pro, necesitaremos usar una combinación de diferentes efectos. Puede refinar y personalizar fácilmente estos efectos para que se ajusten al aspecto retro que desee. Puedes usar estos efectos en cualquier clip, pero si estás buscando crear una sensación vintage real, mira estos clips retro-futuristas lleno de luces de neón, rejillas de luz y más de la tendencia “Yesorrow’s Tomorrow”.

El archivo de proyecto gratuito para este tutorial incluye recursos VHS adicionales que puede usar para acentuar aún más su metraje.


Color lumetri

Cómo crear el aspecto VHS en los ajustes preestablecidos de efectos VHS gratuitos de Premiere Pro + - Color Lumetri antes y después

Comience con Lumetri Color para hacer sus correcciones de color básicas.

El primer efecto que debemos usar es el color Lumetri. Con Lumetri Color, podemos hacer algunas correcciones básicas a la Contraste y el Blanco niveles. Luego, podemos hacer una variedad de ajustes creativos con el Película descolorida, Curvasy Viñeta ajustes Lumetri Color es excelente porque nos permite marcar el tono de color adecuado con un solo efecto.


Desenfoque de canal

Cómo crear el aspecto VHS en Premiere Pro + Presets de efectos VHS gratuitos - Channel Blur

Channel Blur no solo le permite difuminar cada canal de color individualmente, sino que también le permite combinar los colores.

A continuación, necesitaremos el Desenfoque de canal efecto. Channel Blur le da al metraje ese aspecto VHS reconocible. Funciona de manera muy similar a un desenfoque gaussiano, pero nos permite desenfocar cada canal de color individualmente (rojo, verde y azul). Debido a que podemos desenfocar canales de un solo color, esto nos permite “desangrar” los colores y empujarlos “hacia afuera” de las líneas “. Utilice varias copias de Channel Blur, configurado en diferente Blur Dimensions, para personalizar aún más el aspecto.


Máscara de enfoque

Utilizando la Máscara de enfoque efecto, podemos agregar un contraste exagerado a los bordes y detalles finos de nuestro metraje. Esto le da a nuestro metraje una apariencia “digitalmente afilada” que parece anticuada. Ajustar el Radio configurando para marcar el aspecto deseado.


Ruido y grano

Para agregar ruido a su metraje, tiene dos opciones. El primero es usar el incorporado de Premiere ruido efecto. Esto puede producir excelentes resultados “fílmicos” cuando se establece en un valor bajo. La segunda opción es usar un VHS o una superposición de grano de película. (Incluí uno en el archivo del proyecto). Simplemente coloque este clip sobre su metraje, configure el modo de fusión en Cubrir, luego ajuste la opacidad, según sea necesario.


Relación de aspecto 4: 3

Cómo crear el aspecto VHS en los ajustes preestablecidos de efectos VHS gratuitos de Premiere Pro + - Relación de aspecto

Elegir la relación de aspecto correcta es esencial para obtener ese aspecto VHS auténtico.

Si desea una apariencia VHS auténtica, deberá establecer la relación de aspecto en 4: 3. Mi método preferido es usar un Superposición de imagen 4: 3 además de metraje 16: 9. Sin embargo, también puede ajustar el Secuencia ajustes a 4: 3. Recomiendo un tamaño de cuadro de 1440 × 1080, Si usa este método.


VHS Shake (Uso de preajustes gratuitos)

Cómo crear el aspecto VHS en Premiere Pro + Presets de efectos VHS gratuitos - VHS Shake

Para ese aspecto VHS genial, agregue un sutil batido a su metraje.

Finalmente, si desea agregar un ligero batido VHS a su metraje, puede hacerlo con el Presets VHS gratuitos en el archivo del proyecto.

Para instalar los preajustes, haga clic derecho en Preajustes en el Efectos ventana, luego seleccione Importar preajustes. Selecciona el Presets VHS del archivo del proyecto. Ahora puede arrastrar y soltar el Batido VHS preestablecido en su metraje. (El ajuste preestablecido VHS Shake está diseñado para funcionar en un metraje HD 1920 × 1080. Si su metraje es de un tamaño diferente, anídelo primero en una secuencia de 1920 × 1080, luego aplique el preajuste a la secuencia anidada). videoclips de hasta un minuto de duración. Sin embargo, si tiene un clip que dura más de un minuto, solo córtelo en el medio usando Herramienta de afeitar, luego agregue el preajuste VHS Shake a cada mitad.


Superposición de VHS

Cómo crear el aspecto VHS en los ajustes preestablecidos de efectos VHS gratuitos de Premiere Pro + - VHS Overlay

Todos los aspectos del aspecto VHS deben considerarse en su metraje, incluida la fuente. Imagen vía RocketStock.

Si estás interesado en una situación de superposición, ¿tal vez estás en una crisis de tiempo y no quieres meterte con todos los ajustes necesarios en los pasos anteriores? RocketStock está aquí con algunos recursos para darle esa estética retro VHS. Con esta descarga se incluye la fuente correcta utilizada para “grabar estadísticas” que normalmente encontraría en una cinta VHS. También hay algunos efectos de falla, que es un requisito absolutamente esencial para su superposición de VHS.

Descargar el archivo del proyecto


Música inspirada en VHS

Cómo crear el aspecto VHS en los ajustes preestablecidos de efectos VHS gratuitos de Premiere Pro + - Agregar música

Da los toques finales a tu metraje con música inspirada en los 80. Imagen vía PremiumBeat.

Tienes la superposición de VHS o el metraje perfecto. Tal vez incluso tenga un poco de distorsión o fuentes arrojadas allí. ¿Que sigue? Bueno, ciertamente no se puede reproducir música moderna de baja fidelidad (¿o tal vez sí?). Por lo tanto, aquí hay algunas listas de reproducción de canciones inspiradas en los 80 que funcionarán perfectamente reproduciéndose bajo su metraje retro:


¿Interesado en las pistas que usamos para hacer este video?

¿Buscas más tutoriales en video de posproducción? Mira esto:


Imagen de portada a través de RocketStock.

Los creadores de YouTube están listos para obtener ingresos adicionales con el cambio a los anuncios

Al reducir 2 minutos de la elegibilidad de anuncios de mitad de rollo de un video, ¿cambiará YouTube la forma en que los creadores hacen que los espectadores vean el contenido en la plataforma?

Hace unos minutos, abrí mi bandeja de entrada a un correo electrónico que comenzó con.

“Está recibiendo este correo electrónico porque estamos haciendo algunos cambios en los anuncios de mitad de lista que afectarán su canal”.

Mis primeros pensamientos Aquí vamos de nuevo. Muchos creadores ya se han sentido presionados por el Fallo de la COPPA eso dificulta que muchos creadores generen ingresos en contenido creado específicamente para niños.

Sin embargo, el correo electrónico continuó con:

Estos cambios harán que más videos sean elegibles para anuncios de mitad de rollo para aumentar su potencial de monetización.

YouTube se creó para compartir contenido de video de formato corto, pero hemos visto el aumento promedio de la duración del video durante la última década hasta que se detuvo en algún lugar alrededor de los diez minutos hace unos años. Puede pensar que muchos creadores producen contenido más extenso porque su audiencia lo requiere, pero la mayoría de las veces los videos terminan justo después de esa marca de 10 minutos debido a lo evasivo anuncio de mitad de rollo. Entonces, ¿cuál es el gran cambio? A finales de julio, todos los videos de más de 8 minutos serán elegibles para anuncios de mitad de rollo.

AdSense, la plataforma de publicación de anuncios de Google, es la forma principal en que los creadores generan ingresos. Si bien todos los socios pueden activar anuncios pre-roll junto con anuncios publicitarios y tarjetas patrocinadas, los YouTubers solo pueden activar anuncios mid-roll si su video dura más de 10 minutos. Dado que los anuncios de mitad de rollo presentan al creador la oportunidad de ganar más de un video, puede ver por qué tantos videos se extienden a la marca de diez minutos, incluso si la información podría haberse reducido a un video más corto.

Tipos de anuncios en YouTube

Tipos de anuncios disponibles para los creadores de YouTube.

Esto no pasa desapercibido para el público que ve YouTube. A menudo se señala en los comentarios que el objetivo de diez minutos también puede generar contenido suave e hinchado. Si tiene el video perfecto, pero tiene una duración de 9 minutos, idear 60 segundos adicionales de contenido puede ser una tarea tediosa. Eso cambiará con el nuevo estándar de 8 minutos.

Si bien algunos usuarios ya han recurrido a Twitter para expresar sus preocupaciones de que esta es la estratagema de YouTube para que YouTube fomente más suscripciones a su servicio YouTube Premium sin anuncios, para los creadores, esta es una gran victoria. Sin embargo, también podría interrumpir el contenido que el público está acostumbrado a ver.

Durante años, ha sentido que YouTube se está alejando de las personas que inicialmente hicieron de la plataforma lo que es: el creador local. Sin embargo, la reducción en la duración de los videos elegibles a mitad de rollo es un cambio bienvenido. Presenta la oportunidad para que los creadores generen más ingresos mientras crean contenido más corto. En este clima actual de inseguridad financiera, no miraré a este caballo de regalo en la boca.

Hay algo importante a tener en cuenta. De la comunicación oficial de YouTube, se destacan estos párrafos:

“Como parte de este cambio, activaremos anuncios de mitad de rollo para todos los videos elegibles. Esto significa que los videos en los que puede haber optado por no participar en los anuncios de mitad de lista ahora se incluirán. Los videos que ya tienen anuncios de mitad de lista no se verán afectados. Las cargas futuras de los canales de monetización también tendrán anuncios de mitad de rollo activados de forma predeterminada.

Activar los anuncios automáticos de mitad de rollo ahorra trabajo extra a los creadores y ayuda a aumentar el potencial de monetización para contenido nuevo y existente. Utilizamos el aprendizaje automático para encontrar automáticamente las pausas más naturales en sus videos para aumentar el potencial de monetización y al mismo tiempo equilibrar la experiencia del usuario “.

Si bien muchos creadores darán la bienvenida a la oportunidad de obtener ingresos adicionales, algunos pueden encontrar este cambio automático perjudicial para su contenido. Varios creadores están felices de renunciar a los ingresos publicitarios adicionales para proporcionar una experiencia visual optimizada e ininterrumpida, especialmente con videos que presentan una discusión más seria. Sin embargo, después del 27 de julio, los creadores tendrán que ingresar a su tablero de video y apagar individualmente los videos que han sido afectados.

Si no desea que aparezcan anuncios intermedios en su contenido, puede solicitar su eliminación en el campo de selección que se encuentra en el panel de control de su creador, como se muestra a continuación.

Cambiar la preferencia de anuncio de mitad de rollo en YouTube

Cambia tus preferencias de anuncios en YouTube

Para leer más sobre el cambio a los anuncios intermedios, diríjase a Página de ayuda de YouTube.


Lea más sobre cómo crear contenido para YouTube:

Imagen vía AnaLysiSStudi0

¿Qué hace un productor de cine?

Vemos sus nombres aparecer en los créditos. Estamos familiarizados con algunos de los productores más grandes de Hollywood. Pero, ¿qué hace realmente un productor de cine?

Una película comienza y termina con el productor. El productor es el catalizador de un proyecto que se une, su ciclo completo de producción y su eventual lanzamiento, comercialización y distribución. Un buen productor cultivará el núcleo de una idea en algo significativo, tangible y brillante en la pantalla. Entonces, con todo eso dicho, a nivel cotidiano, desde el inicio de la historia hasta llegar a la pantalla grande, ¿qué hace realmente un productor? Vamos a ver.

En una entrevista con Hora, Productor ganador del Oscar Saul Zaentz rompe el ciclo.

¿Qué hace un productor de cine? Productor en el set

Saul Zaentz en el set de La costa de los mosquitos con Harrison Ford. Imagen vía Warner Bros.


Encuentra la propiedad literaria

Un productor es a menudo la persona que comienza el proyecto buscando una historia para ayudar a contar. Ya sea una historia real, un libro popular o un evento de actualidad, un productor exitoso siempre está buscando algo nuevo e interesante para desarrollar. Muchas veces, una vez que se ha escrito un guión, los productores ayudarán al escritor a encontrar un director o encontrarán una forma de hacer que las palabras escritas cobren vida a través de un equipo de filmación y producción.


Convierta la idea en una película viable

Una vez que se toma una idea, el productor trabajará para desarrollarla de una idea a un concepto para una película. Un productor trabajará con un escritor (o escritores) para elaborar un tratamiento, y luego un guión para producción, así como supervisar cualquier reescritura. Es importante pensar en el papel del productor como el de un controlador de calidad. Hay una visión de escritor, y luego está el mundo del productor para que esa visión viva.


Recaudar el dinero

¿Qué hace un productor de cine? - Presupuesto

Administrar el presupuesto es un papel esencial de un productor. Imagen vía Svetlana Lukienko.

Probablemente la parte más importante del proceso, un productor comprará un guión (o tratamiento) a inversores y / o estudios para recaudar fondos para convertirlo en una película. Por lo tanto, es importante que los productores estén bien conectados con la industria. Incluso si usted o su productor no están conectados a la industria, es importante que el productor tenga algunas conexiones con personas que puedan ayudar. Si esa ayuda es dinero o mano de obra, la ayuda es ayuda.


Contrata al director

Si aún no está trabajando con uno, un productor investigará, buscará y contratará a un director para la película. Elegir un productor, o permitir que uno se haga cargo de un proyecto, significa confiar en su visión. La persona que elige al director debe tener las mejores intenciones en mente para la historia y el proyecto. Es solo después de que hayan contratado al director que el productor (idealmente) entregará el volante y tomará más asiento trasero para el resto de la producción.


Elige el elenco

¿Qué hace un productor de cine?

En general, el casting es el papel del director de casting, sin embargo, a menudo se reduce a la llamada del productor. Imagen vía Pixel-Shot.

A menos que el productor ya haya asignado un actor de renombre al proyecto, el casting está dirigido por un Director de casting – el director y el productor desempeñan un papel de tamaño intermedio, según el conocimiento y la necesidad. Dado que el productor suele ser la persona de dinero, las decisiones de selección a menudo se reducen a su decisión.


Supervisar la producción

La producción está alineada con la supervisión del productor, pero con suerte, para cuando se saquen las plataformas y se instalen las cámaras y las luces, un cuidado y detalle horario de produccion y se ha establecido un presupuesto para que el director y el equipo lo sigan. No se necesita necesariamente un productor para el día a día, pero no está fuera de lo normal detenerse de vez en cuando. De hecho, en los grandes escenarios de Hollywood en los que he trabajado como asistente público, he visto a productores caminando todo el tiempo, asegurándome de que todo funcione lo mejor posible.


Supervisar publicación

Dependiendo del flujo de trabajo del director, un productor encontrará un editor para armar la película, después o hacia el final de la producción. Algunos directores se mantendrán muy involucrados, mientras que otros se caerán y dejarán que el editor haga cambios, según sea necesario. Un productor supervisará de la misma manera que la producción, en realidad solo revisará el horario, el presupuesto y las principales preocupaciones de la trama.


Mastermind the Marketing

¿Qué hace un productor de cine? Plan de marketing

El productor comenzará a trabajar con un equipo de marketing para vender y promocionar la película. Imagen vía EtiAmmos.

Una vez que finaliza la película, el productor se hace cargo nuevamente. Si él / ella negoció y suministró el dinero, es más o menos su producto el que ahora vende. Un buen productor trabajará con una persona de marketing (o equipo) para desarrollar una estrategia en la construcción de una audiencia y exageración, así como la presentación de festivales y posiblemente una gira.


Negociar los derechos mundiales

Después de que se comercialice el producto, se haya generado un zumbido y se haya mostrado su potencial a los distribuidores, el productor negociar sus derechos de distribución, puntos porcentuales y plan de lanzamiento. Luego, el productor trabajará con los inversores originales, el director y / o las estrellas (que tienen intereses) para elegir el mejor camino para la película que recompensará la inversión a su máximo potencial. Si tiene curiosidad sobre el proceso de distribución, vale la pena mirar a algunos de los principales actores, así como a las compañías más pequeñas que compran los micropresupuestos que se estrenan en los festivales. Esto ayudará si alguna vez tiene que elegir o dar su opinión a alguien que le ofrezca comprar su película.

Aquí hay un gran desglose por AMC Movie Talk eso va un poco más en profundidad entre las líneas.

Entonces, cuando todo está dicho y hecho, ¿qué hace un productor? Bueno, un poco de todo. Son absolutamente esenciales para que una producción comience a funcionar de la mejor manera posible. Mira, hay una razón por la cual los productores reciben el Oscar a la mejor película.


Para obtener más información sobre la industria del cine y el video, consulte estos artículos a continuación:


Imagen de portada de Los productores vía Cuadros universales.

Cómo crear duplicación de multitudes digitales en Premiere Pro

¿Necesitas tener una multitud en una escena? Aquí hay un tutorial sobre cómo puede duplicar pequeños grupos de personas para crear una multitud en Premiere Pro y otros NLE.

Ya sea que se trate de una multitud enojada o un grupo de admiradores admiradores, las grandes multitudes son una parte necesaria de muchas películas, incluso las pequeñas. Mire el tutorial a continuación para ver lo fácil que es crear una multitud en Premiere Pro.


Gastos extras

En los días anteriores a las computadoras, los cineastas simplemente contrataban extras, los vestían con disfraces y los colocaban frente a la cámara. La pelicula de 1959 Ben Hur Usó 10,000 extras. El Señor de los Anillos La trilogía hizo uso de las Fuerzas Armadas de Nueva Zelanda.

Desafortunadamente, los extras de la vida real pueden ser caros rápidamente. Incluso con el salario mínimo, una vez que tenga en cuenta el estacionamiento, la comida y el maquillaje, puede gastar $ 100 + por día por extra, lo que hace que una multitud sea un gran gasto.

Las grandes películas de Hollywood a menudo usan extras completamente digitales, hechos por el departamento de efectos visuales, para poblar sus historias. Un programa en particular, “MASSIVE” de Weta Digital, hace que grandes multitudes se vean muy realistas. Pero a $ 16,000 antes de cualquier animación real se realiza, no es una solución barata.


Enmascaramiento selectivo

Una forma rentable de obtener lo mejor de ambos mundos es usar un pequeño grupo de extras y duplicarlos en una multitud más grande. Esto se hace disparando cuidadosamente múltiples pases, con los extras de pie en diferentes lugares, y luego colocando estas “placas” una encima de la otra. Con el enmascaramiento selectivo, el pequeño grupo puede duplicarse tantas veces como sea necesario.

Comience en el set. Para evitar dolores de cabeza más adelante, es importante que los diferentes grupos estén lo más cerca posible, pero no superposición.

Enmascaramiento selectivo

Puede usar marcas en el suelo o en la pantalla de la cámara.

Enmascaramiento selectivo

Dispara a tus platos uno tras otro. Te resultará más fácil si los extras intercambian ropa entre cada configuración, de modo que su duplicación no parezca tan obvia.

Enmascaramiento selectivo

Graba escenas separadas con tus sujetos en diferentes áreas de la toma.

También deberá asegurarse de que la iluminación sea la misma en todas las tomas. Si estás filmando en un set, esto es fácil. Pero, si está disparando afuera, deberá esperar hasta que las nubes pasen para que cada disparo sea consistente.

Incorporando una pantalla azul

Si decide usar una pantalla azul, debe cubrir toda el área que se dispara.

Si va a haber varias capas de extras, las que están en el frente deberán estar codificadas para que pueda ver las que están detrás. A menudo, se utiliza una gran pantalla verde o azul, pero debe cubrir el grupo por completo.


Placas de pila

En Premiere, o el NLE de su elección, ahora puede apilar los platos en su línea de tiempo uno encima del otro. Usa una máscara para seleccionar solo la parte de la toma en la que están los extras. Si lo has hecho con cuidado, puedes usar un rectángulo simple. Pero, si hay formas más complejas, deberá trazar alrededor de la multitud con la herramienta de lápiz y ajustarla a medida que cambien las acciones de la multitud.

Apilando las placas

Utilice un triángulo para seleccionar el área aislada o trace alrededor del área con una herramienta de lápiz.

Para las capas frontales, use una herramienta keyer, como Clave de color en el Efectos pestaña: para eliminar la pantalla verde o azul que está utilizando. Es posible que también deba agregar una máscara para deshacerse de las partes adicionales que no están bloqueadas.

Eliminar pantalla azul

Use una tecla de color para eliminar la pantalla azul.

Si está trabajando con varias capas, es posible que pueda ocultar máscaras menos precisas en las capas inferiores colocando multitudes frente a ellas.

Ocultar máscaras

Para ocultar máscaras menos precisas, coloque múltiples multitudes alrededor de esta área.

La duplicación digital de multitudes es una forma óptima de hacer que algunos actores avancen mucho, pero se necesita paciencia, precisión y trabajo cuidadoso de la cámara para lograrlo.

Duplicación digital de multitudes

Aquí está tu producto final.

¿Buscas algunos trucos más de posproducción? Empieza aqui:

Desglosando roles individuales en una productora de video

Analicemos los puestos y roles que necesitará ocupar para formar adecuadamente una empresa exitosa de producción de videos.

Muchas compañías de producción de video comienzan pequeñas, pero eso no significa que comenzar una compañía de producción de videos sea una tarea pequeña. Obviamente, necesita una gran cantidad de capital, equipo y equipo con seguridad. Y si va a escalar su operación y asumir proyectos más grandes y lucrativos, necesitará personas. Necesitará contratar un equipo adecuado.

Con eso en mente, echemos un vistazo a los roles individuales que conforman el personal de una compañía de producción de video estándar.

(Vale la pena señalar que estos son roles “generalizados”. A medida que construye su empresa, sin duda creará sus propios roles híbridos al tiempo que priorizará lo que es importante “ahora” en comparación con el futuro).


Gerente de ventas / cliente

En cierto momento, querrás que alguien actúe como la persona clave para tu empresa. Manejarán algunas redes, exploración y trabajarán activamente para asegurar nuevos clientes y proyectos. A menudo, este es el mascarón de proa de la propia empresa. Puede ser usted, el fundador, un miembro original o alguien con experiencia en ventas a quien le guste el desafío de una buena llamada en frío a la antigua.

Este rol incluye:

  • Llamadas en frío y redes.
  • Liderando reuniones y presentaciones de ventas.
  • Gestión de clientes y comunicación.
  • Trabajando para alcanzar las cuotas de ventas.
  • Trabajando en estrecha colaboración con los gerentes de proyecto / productores.

Gerente de Proyecto / Productor

Gerente de proyecto

El gerente del proyecto reúne el proyecto y mantiene todo a tiempo. Imagen vía FrameStockFootages.

Una vez que su personal de ventas tenga una nueva producción bloqueada, necesitará un gerente de proyecto dedicado, también conocido como un productor, para manejar el negocio de armar las piezas de la producción y completarlas. Otros estarán involucrados, definitivamente, pero su productor desempeñará un papel clave para mantener la comunicación clara y asegurarse de que todo se mantenga a tiempo.

Este rol incluye:

  • Fuertes habilidades de comunicación con el cliente.
  • Habilidades de preproducción para organizar un proyecto.
  • Habilidades de programación y presupuesto.
  • Consolidar y organizar todo el material de archivo y los activos necesarios para un proyecto.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el director para finalizar el alcance, el cronograma y el presupuesto del proyecto.

Director

Todos y cada uno de los proyectos de películas y videos necesitan un director sólido al mando, alguien que pueda visualizar, comunicarse y supervisar cada aspecto de la producción de un proyecto de principio a fin. El director puede ser un empleado interno a tiempo completo o alguien contratado (a menudo a pedido del cliente) para un proyecto específico. De cualquier manera, es la responsabilidad final del director entregar un producto de calidad.

Este rol incluye:

  • Una gran cantidad de conocimientos de cine y video en todas las partes de la producción.
  • Fuertes habilidades de comunicación para trabajar con el elenco y el equipo.
  • Una mente creativa y la capacidad de pensar rápidamente en el set.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el director de fotografía y el resto de los jefes o miembros de la tripulación.

Director de fotografía

Director de fotografía

El DP supervisa el departamento de cámaras y trabaja en estrecha colaboración con el director. Imagen vía gnepphoto.

Un director de fotografía (DP) generalmente actúa como la persona derecha del director y supervisa todo en el departamento de cámaras. El DP trabajará con el director en guiones gráficos, listas de tomas y horarios de rodaje mientras planean un proyecto. Usando todo el equipo, el equipo y la tripulación a mano, el DP es responsable de asegurarse de que cada disparo sea de la mejor calidad.

Este rol incluye:

  • Una comprensión experta de diferentes cámaras y equipos de cine y video.
  • Un alto nivel de conocimiento en el arte de la cinematografía, la composición y la iluminación.
  • Fuertes habilidades de comunicación para trabajar con el director y el resto del equipo de cámaras.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el operador de la cámara, el departamento de iluminación / gaffer y cualquier otra persona involucrada en obtener una gran toma.

Operador de cámara

Si bien el DP desempeña ocasionalmente una función, la mayoría de las sesiones de video profesionales tienen un operador de cámara dedicado (que a veces trabaja junto con un operador de cámara asistente). El operador de la cámara opera físicamente la cámara y el equipo relacionado: trípodes, gimbals, steadicam, etc. Un asistente de seguimiento o soporte adicional sería idealmente manejado por un asistente cuando esté disponible.

Este rol incluye:

  • Gran conocimiento de diferentes cámaras y equipos relacionados.
  • Fuertes habilidades de cámara para manejar una cámara, enmarcar una toma y establecer el enfoque.
  • Habilidades de escucha y comunicación entre el DP y cualquier asistente.

Gaffer / Equipo de iluminación

Equipo de iluminación

Gaffers están a cargo del departamento de iluminación y la tripulación. Imagen vía gnepphoto.

Un capataz (también llamado técnico jefe de iluminación) es la persona responsable de la iluminación del escenario en un proyecto de película o video. Dependiendo del tamaño de la sesión, el encargado de la iluminación podría estar a cargo de un departamento de iluminación y su equipo. El dispositivo de protección trabaja con el DP y maneja las precauciones de configuración, mantenimiento y seguridad para toda la iluminación en el set.

Este rol incluye:

  • Gran conocimiento de los equipos y usos de iluminación.
  • Fuertes protocolos de seguridad para configurar, usar y descomponer las luces correctamente.
  • Habilidades de comunicación con el resto de la tripulación y los asistentes.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el DP y el director para modificar la iluminación de cada toma, según sea necesario.

Técnico de audio y grabación de sonido

Esta es otra función que involucra a todo un departamento en una función importante, pero a menudo solo una o dos personas en un proyecto pequeño. Un técnico de audio será el responsable de toda la grabación de audio y sonido en un proyecto. Idealmente, un técnico de audio trabajará con un operador de boom (u otro artista de sonido) para tomar las decisiones necesarias sobre qué micrófonos usar y dónde mezclar y grabar adecuadamente según sea necesario.

Este rol incluye:

  • Gran conocimiento de grabación de audio y diseño de sonido.
  • Familiaridad con todo tipo de micrófonos y mezcladores.
  • Habilidades de comunicación con el resto de la tripulación y los asistentes.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el director para asegurarse de que todo el audio se grabe correctamente, así como con el DP para asegurarse de que no se vean micrófonos en ninguna toma.

Editor / Supervisor de Edición

Editor

Un editor maneja el metraje en postproducción. Imagen vía FrameStockFootages.

Una vez que finaliza la producción, el gerente del proyecto llevará todo el material de archivo y los recursos a un editor o supervisor de edición que luego elaborará un flujo de trabajo de posproducción. En muchos sets, un técnico de imagen digital (DIT) se encargará de las imágenes a medida que ingrese e incluso podría comenzar una edición aproximada.

Este rol incluye:

  • Gran conocimiento de las plataformas de edición de video relevantes.
  • Una sólida comprensión de la teoría de edición y los activos digitales.
  • Una mente creativa para contar historias y resolver problemas con el metraje.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el gerente del proyecto, así como con cualquier rol adicional de postproducción como gráficos en movimiento y / o coloración.

Motion Graphics / VFX

En muchas de las compañías de producción con las que he trabajado, las animaciones más allá de los gráficos básicos en movimiento (tercios inferiores, logotipos, etc.) se enviaron a un experto en gráficos en movimiento o artista de efectos visuales. Una vez finalizados, estos gráficos adicionales se envían de vuelta al editor o al supervisor de edición para que se incluyan en los renders finales.

Este rol incluye:

  • Antecedentes en motion graphics y diseño VFX.
  • Competencia en plataformas avanzadas como After Effects, Cinema 4D, Nuke, etc.
  • Trabajar en estrecha colaboración con el gerente de proyecto o el supervisor de edición para revisar cualquier plantilla o guión gráfico, así como proporcionar comentarios y revisiones.

Colorista

Escala de colores

El colorista trabaja en la estética del borrador final de un proyecto. Imagen vía FrameStockFootages.

Finalmente, además de los gráficos en movimiento, la corrección de color avanzada y la gradación de color irían a un especialista por separado, a veces solo para acelerar el flujo de trabajo. El colorista trabaja con el borrador final de un proyecto para bloquear la estética y el aspecto del color diseñado.

Este rol incluye:

  • Antecedentes en teoría del color y coloración cinemática.
  • Competencia en plataformas de gradación de color como DaVinci Resolve, Red Giant Colorista y / o el software Adobe Color.
  • Trabajando en estrecha colaboración con el gerente de proyecto y el supervisor de edición para las correcciones de color finales y la calificación.

Staff Up

Nuevamente, los roles anteriores son comunes y generalmente aceptados como mejores prácticas, pero no están tallados en piedra. Sea imaginativo al construir su equipo y encuentre formas de reducir costos sin sacrificar la calidad de su trabajo. En última instancia, no importa cómo se vea su organigrama, asegúrese de que esté poblado por colaboradores creativos con los que sabe que puede contar.


Para obtener más información sobre la industria del cine y el video, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada a través de Aofchin

La regla de los tercios y el cine

La regla de los tercios es una base sólida para cualquier disparo. Use estos consejos para utilizar la técnica en su próximo proyecto.

Cuando aprende por primera vez sobre distancias focales, cámaras y composición de tomas, uno de los primeros conceptos básicos que encuentra es la Regla de los tercios. Si no está familiarizado con el concepto, nos gusta la definición de Grace Fussell de esta guía de la regla de los tercios en diseño:

Imagine una cuadrícula de 3 × 3 encima de cualquier imagen. Debe alinear los elementos clave en la imagen de acuerdo con esta cuadrícula, en los “puntos de poder” donde las líneas se cruzan, o a lo largo y dentro de las líneas verticales y horizontales. También puede combinar estos dos arreglos para imágenes complejas con capas de sujetos.

La regla de los tercios

La regla de los tercios es uno de los primeros conceptos básicos para aprender como cineasta en ciernes. Imagen vía Instituto Sundance.

Como explica Fussell, las líneas en la cuadrícula 3 × 3 son los lugares donde nuestros ojos buscan información automáticamente. Cuando coloca el foco principal de su imagen a lo largo de esta cuadrícula, el resultado es más estéticamente agradable para su espectador.

Piense en ello como una guía para su audiencia, diciéndoles qué mirar. Como puede ver en el ejemplo anterior de De Kogonada Colón, los caracteres centrales están en una pequeña sección del marco, mientras que el fondo se reproduce en otra sección.

Si está buscando más información sobre la Regla de los tercios en lo que respecta a las imágenes fijas, definitivamente revise el artículo de Fussell. Aquí, nos centraremos en cómo aplicar la Regla de los tercios a las imágenes en movimiento.


Colocación

Colocación

Los tres sujetos principales de esta toma se colocan en tres cuadrículas iguales pero separadas. Imagen vía Warner Bros.

En una toma típica, su sujeto debe estar en algún lugar dentro de la división de la cuadrícula. El sujeto puede ser tanto un personaje como un objeto, ya que a menudo trabajan juntos. Pueden estar en lados opuestos del marco o, como se ve en el ejemplo anterior de Ha nacido una estrella, tres partes diferentes de la toma que requieren atención. Los objetos necesitan espacio a su alrededor para permitir al espectador verlos más claramente. Si el personaje está en una sección específica del cuadro, esto le permite agregar profundidad y significado al llenar el resto del cuadro en consecuencia.

Volver a lo básico: la regla de los tercios en la realización de películas - Liderazgo

Dejar espacio en el marco se presta a la plausibilidad del sujeto fuera de la pantalla. Imagen vía New Line Cinema.

Otra táctica de la regla de los tercios es el concepto de líder. Esto es cuando coloca su sujeto en el lado opuesto del marco del objeto de su atención. Esta técnica es de naturaleza psicológica porque cuando sus ojos miran información incompleta (como un actor que mira fuera de la pantalla), quieren llenarla para completarla. En la imagen de arriba, el sujeto presenta algo a un sujeto fuera de la pantalla. Aunque no hay nada en el lado izquierdo de la toma, nuestras mentes deducen automáticamente que hay alguien al otro lado de ese marco. Si el sujeto no tuviera espacio para el plomo, el disparo simplemente se sentiría apagado.

Superposición de cuadrícula

Agregue una superposición de cuadrícula a la pantalla de su cámara para encuadrar su toma un poco más fácilmente. Imagen vía Películas Paramount.

Mientras estás en el set, agregar una superposición de cuadrícula a la pantalla de tu cámara realmente puede ayudar cuando es hora de componer tus fotos. El uso de una superposición también puede ayudar en la postproducción, como verá en el siguiente clip.

Por lo tanto, si te encuentras luchando con disparos que no son lo que imaginaste, tal vez están fuera del centro solo un poco, no te preocupes. Las reglas y guías de Premiere Pro pueden ayudarlo a hacer una solución rápida que lo mantenga avanzando.


Lineas de ojos

Lineas de ojos

Colocar las líneas de los ojos en un lugar fácil de encontrar en el marco conecta al espectador de forma más natural a la escena. Imagen vía Warner Bros Imágenes.

Usar la Regla de los tercios es una excelente manera de establecer líneas oculares. Mira la foto de arriba. No hay nada más que mirar, excepto sus ojos y su cara. Simplemente se siente natural.

Al igual que el concepto principal, ya que tu los ojos buscan automáticamente información en ese sentido, puedes encontrar su Los ojos leen fácil e instintivamente sus emociones.

Los humanos pueden recopilar mucha información al leer los ojos de alguien, por lo que cuando los coloca en un lugar fácil de encontrar en su composición, el espectador se conecta de forma más natural con lo que está tratando de retratar.


Rack Focus

Cuando intentas realizar una toma de enfoque de bastidor, la ubicación de los objetos es crítica. Usar la Regla de los tercios es una excelente manera de averiguar dónde debe colocar esos objetos. Cuando haces esto bien, es como si realmente hubieras tomado el control de los ojos de tu audiencia al enfocar.

En el ejemplo anterior, cuando se trata de la información del disparo, James Bond y su bebida recién entregada tienen mucho peso visual. El enfoque desde el primer plano hasta el fondo transmite que el vidrio tiene algún tipo de influencia sobre el actor.

Puede decir que los dos sujetos están demasiado juntos, pero la cercanía transmite una sensación de urgencia e inmediatez al espectador. Su distancia es el equilibrio perfecto. Más lejos habría separado a los dos, y cualquier cerrador bloquearía la cara del actor con el cristal, arruinando las emociones cada vez más importantes que estamos viendo en el actor.

Si está interesado en aprender cómo lograr un enfoque de rack impecable, consulte el tutorial anterior.

Tirones de enfoque

La regla de los tercios: este es el camino. Imagen vía Disney.

En general, la Regla de los tercios puede ser un concepto básico, pero el impacto que tiene en la composición de su disparo es astronómico. En el caso de El mandaloriano, incluso puede enmarcar y realizar estos tirones de enfoque durante la acción, no tiene que ser todas las tomas estáticas.


Si desea leer más sobre la teoría de la cinematografía y los consejos y trucos cinematográficos, sumérjase en estos útiles recursos:


Imagen de portada a través de Disney.

Cómo capturar acrobacias de grado profesional de forma segura con una lente larga

La seguridad es la primera preocupación cuando se trata de acrobacias en el set. Veamos varias formas de realizar un truco de nivel profesional a través de una lente larga.

Las acrobacias son una parte integral del cine y han tenido razón desde su inicio. Los primeros cortos de Nickelodeon como “Catch the Kid” y “Johnny’s Run” presentaban acrobacias que cautivaron al público, lo que llevó a las increíbles innovaciones de acrobacias de Harold LloydEs inmortal ¡La seguridad es lo último!, incluido el famoso truco de la torre del reloj.

Sin embargo, la historia de las acrobacias en las películas se ha visto empañada por las lesiones y muertes de los artistas de acrobacias (y, a veces, incluso por equipos de cámaras). El propio Lloyd sufrió numerosas heridas y quemaduras a lo largo de su carrera, incluso con los primitivos trucos de cámara que usaron para distanciarlo del peligro.

A medida que las cámaras y la óptica evolucionaron, los cineastas encontraron formas innovadoras de hacer que las acrobacias sean más seguras y se vendan mejor. El más utilizado y útil de estos es a través de una lente larga, que sigue siendo una forma barata y efectiva para los cineastas, de todos los niveles y presupuestos, de vender acrobacias hasta el día de hoy.


Un largo camino del peligro

Las lentes largas (para el propósito de esta discusión, diremos que cualquier lente de más de 100 mm de largo) reducen el campo de visión de la cámara, pero también comprimen el espacio. Cuanto más larga es la lente, más compresión crean.

Lente de 20 mm

Esta escena está tomada con una lente de 20 mm.

Imagina a dos personas, una de pie a seis pies frente a la otra. En una lente ancha (20 mm), la diferencia entre ellas se amplía. La persona más lejana parecerá ser mucho más pequeña que la que está más cerca. Pero en una lente de 100 mm, las dos personas son casi del mismo tamaño. En un objetivo de 300 mm, es difícil saber cuál está delante del otro, porque el espacio entre ellos está comprimido.

Lente de 200 mm

Mismo disparo exacto (como arriba) con una lente de 200 mm.

No hace falta dar un gran salto para ver cómo la persona más cercana podría pretender lanzar un puñetazo, a pesar de que su puño va a fallar por cuatro pies. Y, en una lente larga, parecerá que se hizo contacto.

Este método se ha utilizado durante décadas para que las personas que no realizan acrobacias realicen lo que parecen acrobacias, a pesar de que no hay peligro de contacto entre los actores. Mientras el “punchee” venda el contacto y se agregue un efecto de sonido en la publicación, el impacto parece terriblemente real.


Compresión de artefactos

Las lentes largas agregan “Compresión del espacio”, un término técnico que significa que la reducción de la distancia entre los objetos, así como el grosor del objeto en sí, disminuye cuanto más se aleja el objeto de la cámara.

Los cineastas usan esto por una variedad de razones, incluida la creación de claustrofobia fisiológica al hacer que las paredes parezcan más cercanas y hacer que un personaje parezca parte de su entorno. Los fotógrafos de belleza también lo usan ampliamente para hacer que los rostros parezcan más atractivos, acortando rasgos largos y comprimiendo el rostro.


No mires atrás con ira

https://www.youtube.com/watch?v=videoseries

La segunda aplicación más utilizada para lentes largos es entre un actor y el fondo. Durante décadas, se convirtió en un estándar en las películas de acción para el héroe alejarse de una explosión, sin verse afectado por el caos detrás de él. Parece peligroso, hasta que te das cuenta de que el actor está a varios cientos de pies del fuego, y la cámara a unos cientos de pies más allá de él.

Otro uso menos cliché es en persecuciones y escenas de tráfico. Una lente larga hará que el actor parezca que están a punto de ser atropellados, mientras que en el set tienen mucho tiempo para salir del camino.

El otro beneficio es que la cámara está muy lejos de la acción, por lo que hay pocas posibilidades de que el equipo de la cámara esté en riesgo o que estén en las fotos de otras cámaras que cubren la misma escena.

Michael Douglas en lluvia negra
Muy a menudo, persiguen escenas como la de Lluvia radiactiva (arriba) están cubiertos en una configuración triangular. Dos cámaras, generalmente con lentes de zoom largos (como Angénieux) delante y detrás de la acción, con una configuración de mano más típica a un lado. Esto permite a los cineastas cubrir cada toma desde múltiples ángulos y obtener la mayor cantidad de metraje por toma.


Auto-distanciamiento

Disparar con lentes largos es una manera fácil de capturar acciones normales y hacer que aparezcan como acrobacias peligrosas. Es una buena técnica para aprender y practicar, porque, en última instancia, el primer deber del director es asegurarse de que todos, los artistas, los actores y el equipo de cámara, lleguen a casa a salvo al final del día.


Para obtener recursos adicionales sobre cómo mantenerse seguro en el set, así como las selecciones de lentes, consulte estos artículos inspiradores:


Imagen de portada a través de Paramount Pictures.

Una guía para manejar retrocesos inesperados en la ubicación

Saber cómo resolver problemas de forma rápida y segura en el set puede ahorrar una producción completa. Aquí están las áreas críticas para enfocarse.

Seamos realistas, cuando trabaje en la producción de películas y videos, habrá problemas que aparecerán incluso en los sets más estrechos. Solo viene con el territorio. No solo habrá pequeños flubs aquí y allá, como una luz que se apaga, un mal funcionamiento del vestuario o actores que olvidan sus líneas, también puede haber problemas a gran escala que potencialmente rompen una producción por completo y ponen al elenco y al equipo en peligro.

Es por eso que es fundamental que cualquier cineasta, director o productor planifique bien, programe en consecuencia, tome medidas reales por adelantado para abordar todas las posibles preocupaciones de seguridad y, ya sabe, aún espera lo inesperado.

Echemos un vistazo a algunos consejos prácticos y medidas de seguridad importantes que pueden ayudar a los productores de películas y videos a manejar cualquier contratiempo no deseado o inesperado mientras se filma en el lugar.


Emergencias Graves

Mantener a todos en el set a salvo es vital. Imagen vía Treenoot.

He estado en muchos platós, tanto grandes como pequeños. Y, aunque cada conjunto es diferente, siempre ha habido protocolos para manejar lesiones y emergencias.

Para producciones más grandes – rodajes de películas, videos comerciales o corporativos a gran escala, etc. – casi siempre hay un supervisor de seguridad en el set presente y disponible en todo momento. Esta persona comienza a trabajar temprano en la preproducción para garantizar que se implementen y cumplan todas las normas de seguridad durante toda la producción.

En realidad puedes leer lo último Pautas de seguridad de producción según lo descrito por SAG-AFTRA (que incluye nuevas actualizaciones para avanzar con la producción durante la era de COVID-19).

Sin embargo, en la producción más pequeña y en las sesiones de bricolaje independientes, la seguridad a menudo se puede olvidar. En estas situaciones, las emergencias pueden convertirse rápidamente en grandes reveses que, en la mayoría de los casos, cierran por completo las producciones. Al planificar sus disparos, los protocolos de seguridad, como las reuniones diarias, comunicar claramente las preocupaciones y los planes, y establecer estaciones para lesiones, quemaduras y primeros auxilios generales son cruciales.

Si un supervisor de seguridad a tiempo completo no está disponible, hacer que un productor asuma este rol puede ser de gran ayuda para mantener sus sets no solo funcionando de manera segura, sino también a tiempo.


Medidas de seguridad para acrobacias

Un error descuidado puede descarrilar rápidamente toda una producción, por lo que es crucial manejar las acrobacias con la seguridad, la planificación y el cuidado adecuados.

Y, aunque no he estado en muchos sets que incluyen piezas de acrobacias grandes, sí tenemos una gran entrevista y featurette (ver arriba) con John Cann, un especialista en acrobacias profesionales y coordinador que se detuvo en la oficina de Shutterstock para demostrar cómo ejecutar de manera segura todo tipo de golpes, patadas y golpes de fuga.

Obviamente, las acrobacias deben manejarse con cuidado, con suerte por un coordinador profesional como Cann. Desde una perspectiva productiva, nunca planifique que las acrobacias se completen en una breve línea de tiempo. Las actuaciones de acrobacias generalmente se graban en sus propios días y requieren mucho tiempo para que los actores y los artistas se calienten y ensayen adecuadamente antes de rodar. Los días de acrobacias generalmente se dejan para diferentes partes de su programa de producción para permitir ambos retrasos (ya que las acrobacias generalmente son muy técnicas para filmar), así como con tiempo para que sus actores se recuperen.


Horarios y retrasos

Lo que nos lleva a la programación y el manejo de retrasos inevitables. Desde mi experiencia en producción, recomendaría un cronograma ajustado pero realista para su proyecto, uno que aborde con el entendimiento de que las cosas saldrán mal, se retrasará y necesitará encontrar tiempo para acomodar los retrasos y volver -Tiros

Para proyectos de video de menor escala y más cortos, recomiendo dejar de 30 minutos a una hora programada para cada producción para manejar cualquier demora. Si está trabajando con clientes o tripulantes que podrían no entender sus preocupaciones, un buen truco es asegurarse de que su tiempo de “avería” para guardar todo su equipo y empacar es al menos igual al tiempo de configuración, si no más . Esto ayudará, ya que la descomposición generalmente va más rápido que la configuración, por lo que a menudo puede forjar algunas pequeñas ventanas de tiempo en un apuro.

En cuanto a las producciones a gran escala, los retrasos y las repeticiones se producen con tanta frecuencia que los productores a menudo los tienen en cuenta al principio de su programación y presupuestos.

Solo recuerde, estos retrasos sucederán y son normales. Si los toma en cuenta más temprano que tarde, entonces es posible que cumpla con el cronograma.


Lugares y clima

Preparándose para el clima

Planifique condiciones climáticas imprevistas y demoras. Imagen vía Ivan Krawchuk.

No importa cuánto haya planeado, hay un elemento que nunca podrá controlar: los elementos. El tiempo se va a poner, tu horario será condenado.

Hay un par de enfoques que puede tomar aquí. Una, como acabo de mencionar, es comprender que el clima está fuera de su control, por lo tanto, espere a que el tiempo cambie. Puede hacerlo cambiando su horario sobre la marcha para grabar escenas en interiores hasta que el clima cambie a su gusto, o encontrando diferentes ángulos o formas de disparar, sin dejar que el clima real aparezca en sus tomas. Sin embargo, este método requiere paciencia, mucha planificación y mucho tiempo perdido discutiendo otros enfoques sobre la marcha. Si está buscando probar este enfoque, aquí hay algunos recursos útiles:

Su otra opción sería planear filmar la mayor parte de su proyecto como sea posible en entornos controlados, donde el clima exterior no puede afectar el clima que está buscando retratar en cualquier escena o escenario.

Puede hacer esto creando su propio clima con efectos prácticos y trucos inteligentes de bricolaje, o agregando elementos climáticos en la postproducción. Ambas opciones requieren mucha más planificación por adelantado pero, cuando se organizan correctamente, pueden producir resultados que disparen a los rivales en la realidad. Aquí hay algunas guías y recursos excelentes:


Ver un problema, informar un problema

Finalmente, uno de los mejores trucos que aprendí en los sets de películas bien manejados es el mantra “ve un problema, informa un problema”. Es importante que todos en cada set de filmación aprendan esto, ya que es realmente la mejor manera de detectar problemas o problemas potenciales temprano, en lugar de ignorar las señales de alerta que pueden convertirse en grandes problemas más adelante.

Este enfoque proviene de arriba hacia abajo y requiere que los productores, directores y jefes de departamento permitan que los miembros de la tripulación y el elenco hablen cuando vean algo incorrecto e inseguro.

También requiere confianza y un entendimiento de que hablar dará lugar a que se aborde un problema, no una conversación sobre el papel de quién es hacer qué.

Algunos ejemplos serían si alguien en el equipo de cámaras se da cuenta de que el equipo se está manejando al azar, si las cámaras o las luces se calientan peligrosamente, o si los disparos se presionan demasiado sin interrupciones o posibilidades de descansar y volver a verificar las configuraciones.

Si puede establecer un sistema que permita la comunicación productiva, la confianza mutua y la responsabilidad compartida, los contratiempos se pueden minimizar al mínimo durante toda la producción.


Para obtener más guías, consejos y trucos para la producción de películas y videos, consulte algunos de estos artículos adicionales a continuación.


Imagen de portada a través de Lia Koltyrina.