He aquí por qué “Ya No Estoy Aquí” es una película importante sobre México

Ya No Estoy Aquí ofrece una mirada honesta a una parte desconocida de México, explorando el impacto de la cultura en la identidad y la diáspora mexicana.

En Ya No Estoy Aquí, o Ya no estoy aquí para el público de habla inglesa, la película sigue el viaje de Ulises de Monterrey a Nueva York y de regreso a su ciudad natal. Es la historia de un inmigrante que huye del país debido a la violencia, solo para encontrarse viviendo en un ambiente extraño, a veces hostil. Es una historia que muchos latinx han experimentado de primera mano o escuchado de segunda mano. Aunque la película utiliza tropos populares en los medios sobre México (violencia de cárteles, pobreza extrema, ser indocumentado), tiene muchos más matices y explora las complejidades de vivir en las zonas fronterizas de México asoladas por la pobreza, los vínculos entre cultura e identidad y la diáspora de mexicanos Mexicano-americanos en los Estados Unidos.

Recomiendo encarecidamente ver la película antes de continuar, ya que hay spoilers en todas partes, pero a continuación se presenta un breve resumen. Ulises y sus amigos forman un grupo llamado Los Terkosterko es argot para terco, es decir, obstinados, es decir, los obstinados, y su identidad gira en torno a la Kolombia movimiento de contracultura que fue popular en esa parte de México a mediados o finales de la década de 2000. En el Kolombian movimiento, bailan versiones remezcladas de colombianos Cumbia canciones llamadas Cumbias Rebajadaso ralentizado cumbias.

En su afán de reunir el dinero para comprar un reproductor MP3 lleno de Cumbias Rebajadas, Los Terkos tienen un encontronazo con el cartel. Ulises es testigo de cómo el cartel dispara a los miembros de una pandilla local, que confunden a Ulises con ser un cómplice en el drive-by porque sostiene un walkie-talkie que pertenece al cartel. Un superviviente del tiroteo amenaza con matar a Ulises y a toda su familia, lo que hace que la familia abandone apresuradamente su casa. Luego, su madre envía a Ulises a Nueva York. En Nueva York, lucha por mantener su identidad, y finalmente termina en casa, donde todo, incluido él, ha cambiado.

Fernando FríasLa dirección y la narración hacen que la película sea convincente, cuenta la historia de Ulises y utiliza la guerra tumultuosa y en curso de México entre el gobierno y los cárteles como telón de fondo a lo largo de la película, que finalmente termina con los ciudadanos en abierta revuelta en las calles. En esta charla Entre Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro, Cuarón dice que Fernando Frías es uno de los nuevos directores más importantes del mundo. Sin embargo, también aprecié la cinematografía de Damián García, que captura la belleza de los barrios que languidecen en las afueras de Monterrey.

Capturando la cultura mexicana
La película capturó la esencia del dialecto y la estética particulares de la región. Imagen vía Netflix.

Sin embargo, lo que más me llamó la atención fue el uso puntual de la película del dialecto español particular de la región, con el que estoy muy familiarizado. Crecí justo en la frontera de México en Brownsville, Texas, y pasé muchos fines de semana de mi juventud al otro lado de la frontera en Matamoros. Monterrey está un poco menos de cuatro horas al oeste por carretera. El dialecto español del norte de México usa muchas jergas y frases que son muy regionales y pueden ser difíciles de entender para otros hispanohablantes (que no son del área). No me malinterpretes, si hablas español, puedes disfrutar de esta película sin subtítulos, pero es posible que te pierdas algunas palabras o frases.

La película se inclina hacia el español regional, eligiendo la autenticidad sobre el atractivo generalizado, lo que funciona a su favor. Me encanta su atención al detalle en este sentido, eligiendo gente local en la película para mantener un nivel de precisión tan auténtico que me emocionó. Una cosa es ver a un compatriota mexicano como Diego Luna en Rogue One: Una historia de Star Wars—Que es, para ser claros, el mejor Guerra de las Galaxias película, y otra es ver a alguien que se ve y habla como usted en una película. Para la mayoría de los actores de la película, Ya No Estoy Aquí fue su primera vez frente a la cámara, y nunca hubiera sabido si no hubiera buscado la película en IMDb. El hecho de que no sea obvio al mirarlo es un testimonio de la comprensión de primera mano de los actores del material original, la cultura local y el idioma.

En lo que respecta al escenario, la película captura un momento específico y efímero en los barrios ruinosos de Monterrey, que el mundo exterior quizás nunca haya tenido la oportunidad de ver. A través del lente de la historia de Ulises, vemos la desigualdad de México, la lucha de ser indocumentado en una tierra extraña y el impacto que la cultura tiene en nuestra identidad. Ya No Estoy Aquí se preocupa profundamente por esa cultura, pero también retrata con precisión la compleja dicotomía dentro de cada parte de la diáspora mexicana. Es esa sensación de vivir en este país y tratar de asimilar, mientras temes que, al hacerlo, perderás lo que eres mientras te alejas inevitablemente de tu cultura.

Aunque esta película es sobre inmigración, sistemas políticos corruptos, violencia de carteles, desigualdad de riqueza y pobreza cíclica, también se trata de algo más con lo que todos podemos relacionarnos. La historia de Ulises trata sobre la interconexión de la identidad y la cultura y descubrir quién eres cuando ya no estás aquí. La identidad de Ulises es relativa a su cultura, existiendo únicamente dentro de su grupo de amigos, su vecindario y la música y la moda particular del Kolombia movimiento. Sin su tripulación y lejos de todo lo que alguna vez ha conocido, UIises no tiene ánimos, a la deriva en un mar de millones de neoyorquinos, mientras lidia con su nueva realidad. Al mudarse a Nueva York, pierde esas partes de su vida que forman quién es y trata de aferrarse a su pasado para recordarse a sí mismo.

Ulises en Nueva York
Ulises se encuentra en una tierra extraña, sin familiaridades culturales. Imagen a través de Netflix.

El único lado positivo es que conoce a Lin, quien se interesa mucho en él debido a su peinado y baile distintos. Le enseña sobre Los Terkos y Cumbias Rebajadas, y comienza a vestirse y peinarse en el Kolombian moda, que llama la atención de sus compañeros de colegio, quienes la invitan a una fiesta por primera vez. Pero, su ingesta del Kolombian la contracultura —al principio se hace en serio— limita con la apropiación cultural y la explotación al final de su amistad. Una vez que está tranquila y tiene la atención de sus compañeros, se olvida de Ulises. Mientras Ulises está en la puerta en su última escena, el abuelo de Lin le pregunta quién está allí y ella dice con firmeza que no hay nadie allí antes de cerrarle la puerta. Para cualquiera que haya experimentado algo como esto, esta escena es un recordatorio de que, aunque otros pueden amar tu cultura, no te querrán; por ejemplo, este país puede amar la comida mexicana, pero sigue deportando mexicanos.

Inmediatamente después de ese rechazo, se coloca y se corta su peinado característico, que era la última parte de sí mismo que le recordaba al viejo Ulises. Sin hogar y en la calle, la policía lo arresta por dormir afuera. Ante la opción entre irse a casa o luchar por quedarse en los estados, elige lo primero, pasando meses en esas horribles instalaciones de detención de las que se habla en las noticias. Pasan meses hasta que es deportado y, a su llegada a su tierra natal, asiste al funeral de uno de los Los Terkos, quien se unió al cartel después de que Ulises se fue. A medida que Ulises cierra el círculo y regresa a casa, todo ha cambiado tanto que ya no siente que pertenece allí.

Su historia resuena con muchos latinos porque nos hemos sentido atrapados entre dos lugares, sin saber dónde está nuestra casa o si siquiera tenemos una. La frase “ni de aqui, ni de alla ” encapsula este sentimiento a la perfección, es decir, “ni de aquí ni de allá”. Para muchos latinos, la frase es un reconocimiento de la naturaleza ambivalente de nuestras identidades. La conclusión de la historia es un recordatorio de que, si bien nuestra identidad está ligada a nuestra herencia cultural de alguna manera, no nos define ni debe definirnos.

No hay final feliz porque esa es la realidad de alguien como Ulises. A veces las cosas no salen bien, y si eres pobre, mexicano o indocumentado, se multiplica. La honestidad cruda es difícil de tragar, pero no es menos importante, ya que ayuda a una audiencia más amplia a comprender las dificultades de vivir en México y por qué tantas personas acuden a este lado de la frontera.

Puede que Ulises haya optado por irse a casa, pero para todos los demás inmigrantes que viven en Estados Unidos, la opción de regresar es tan difícil como la de quedarse. Depende de la persona decidir dónde está el “aquí” en Ya no estoy aquí es. ¿Es de dónde vienes o adónde viajaste? Para Ulises, es lo último, pero es terco. Él es, después de todo, un terko por vida. Lamentablemente, esa parte de Monterrey a la que le hubiera gustado volver deja de existir, dejándolo nuevamente a la deriva con una crisis de identidad.

Ya No Estoy Aquí está disponible para transmitir en Netflix. La película es la presentación de México para la categoría de Mejor Largometraje Internacional de los Premios de la Academia 93. Si gana, la película sería la segunda victoria de México en la categoría después de Alfonso Cuarón. Roma, que ganó el premio en 2019.


Imagen de portada vía Netflix.

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Una breve guía de crowdfunding para personas normales

El crowdfunding está de moda, y las nuevas plataformas aparecen cada vez con más frecuencia. Muchos lo consideran el futuro de la inversión, otros advierten que sus riesgos a menudo se subestiman. Y luego están los diferentes tipos de crowdfunding: basado en recompensas, basado en acciones, basado en deuda, flexible, fijo, etc. Todo puede parecer desconcertante, pero como la mayoría de las cosas, la lógica subyacente es simple.

El beneficio más importante del crowdfunding es que hace que la inversión en pequeñas empresas y nuevas empresas sea accesible para todos. Por esta razón, es más importante que nunca que las personas comprendan completamente este nuevo mundo, ya que la mayor parte de la publicidad negativa en torno al crowdfunding se centra en gran medida en el mal uso y la incomprensión de las plataformas. En este artículo, cubriré los diferentes tipos de plataformas de crowdfunding, junto con los principales operadores de cada categoría, y explicaré algunas de las principales trampas que atrapan a muchos recién llegados.

Pero primero, una definición.

¿Qué es la multitud?

Gente común y corriente. Y a eso se refiere la “multitud” en el crowdfunding. Verá, recaudar dinero no se trata realmente de planes de negocios o tracción del mercado o pronósticos financieros: en última instancia, se trata de confianza. Y en la vida, cuanto mayor es el riesgo de resultar herido, más importante se vuelve la confianza. Por esta razón, a la mayoría de la gente no le importa gastar algunos kilos para patrocinar una carrera benéfica o prestarle unos kilos a un amigo; Existe una aceptación general de que no debe esperar volver a ver ese dinero y, como tal, el nivel de confianza en la persona a quien le está dando el dinero no tiene por qué ser particularmente alto. Pero si alguien le pide que invierta varios miles de libras, la situación es radicalmente diferente. Para la mayoría de las personas, esta no es una cantidad de dinero que puedan permitirse perder. Por lo tanto, la mayoría de las personas se han visto excluidas del mundo de las inversiones, donde las pequeñas empresas necesitan invertir miles de libras.

Por lo tanto, es lógico que las rutas tradicionales de los fundadores para financiar una empresa hayan sido canales como préstamos bancarios, personas de alto patrimonio y amigos y familiares. La capacidad de un fundador para recaudar dinero ha dependido en gran medida de su garantía en el caso de un préstamo bancario, o de su red personal en el caso de inversiones de individuos, y consistió en grandes cantidades de dinero de un pequeño puñado de personas que confían en ellos y / o los ha examinado a fondo. La alternativa – recaudar pequeñas cantidades de dinero de un gran número de personas – ha sido en gran parte imposible a menos que el fundador conozca a cientos de personas y esté dispuesto y sea capaz de lidiar con los enormes gastos administrativos de tratar con tanta gente.

Ingrese a Internet, con su historia bien establecida de eliminar los dolores de cabeza administrativos y conectar a grandes grupos de personas. El crowdfunding esencialmente facilita el emparejamiento entre personas comunes que están interesadas en invertir en cosas y fundadores comunes que no tienen acceso a garantías o grandes redes de personas adineradas. El software que ejecuta la plataforma de financiación colectiva se encarga de toda la administración, mientras que Internet en sí proporciona un vasto grupo potencial de personas para que el fundador comercialice, a escala.

En resumen, el crowdfunding permite recaudar pequeñas cantidades de dinero de una gran cantidad de desconocidos. Por eso es genial.

Los principales tipos de plataforma de crowdfunding

Hay cuatro tipos principales de plataformas de crowdfunding, todos con diferentes ventajas y riesgos. A continuación se muestran los principales, con enlaces a los titulares más grandes o más conocidos.

Crowdfunding basado en recompensas

Jugadores principales: Kickstarter, Indiegogo

El hermano más cercano al recaudador de fondos de caridad tradicional, las plataformas basadas en recompensas reciben dinero en forma de promesas o donaciones y, a cambio, obtienes algún tipo de recompensa o beneficio del negocio. Por ejemplo, puede obtener una unidad con descuento del producto que se financia una vez que se fabrica, o por un monto de donación más alto, puede obtener una versión personalizada del mismo producto como agradecimiento por apoyarlo. Esta es la “recompensa” en cuestión y, por lo general, cuanto mayor sea la cantidad de la promesa, mejor será la recompensa.

Por razones obvias, tiende a encontrar productos principalmente físicos en sitios basados ​​en recompensas, donde el dinero se usa para llevar un prototipo de concepto a la primera producción. También tienden a ser populares con proyectos creativos como películas, juegos o álbumes de música, donde los fanáticos pueden apoyar a sus artistas favoritos y obtener beneficios como un crédito al final de la película a cambio.

La desventaja de los sitios basados ​​en recompensas es que son vulnerables a estafas y fraudes. Por lo general, hay muy poca o ninguna diligencia debida sobre las empresas o las personas que recaudan dinero, y con el monto mínimo de compromiso que comienza en tan solo £ 1, la barrera de entrada por parte del inversor también es mínima. Los estafadores a menudo presentan prototipos de productos falsos en un video con arte conceptual y renders, solo para desaparecer con el dinero una vez que finaliza la campaña. Los inversores, en este caso, tienen pocos recursos, excepto quejarse ante la propia plataforma de crowdfunding para obtener un reembolso, pero las líneas de responsabilidad en torno al riesgo son algo confusas.

Hay oportunidades fantásticas para respaldar proyectos emocionantes en plataformas basadas en recompensas, pero el riesgo es mayor y el rendimiento generalmente no es apreciable. Invertir en una plataforma basada en recompensas debe realizarse por pasión por el producto en el que está invirtiendo, no con la expectativa de obtener ganancias financieras.

Crowdfunding basado en acciones

Jugadores principales: Seedrs, Crowdcube

Mucho más cerca de la noción tradicional de inversión, las plataformas basadas en acciones facilitan las inversiones en empresas a cambio de acciones en esas empresas. Las plataformas de renta variable están reguladas por la Financial Conduct Authority en el Reino Unido y los inversores deben cumplir con ciertos requisitos legales. Sin embargo, estos no son particularmente estrictos y por lo general implican una simple verificación de crédito y completar un cuestionario en línea. Los montos mínimos de inversión siguen siendo muy accesibles en torno a las £ 10 por lo general, aunque algunas plataformas de acciones tienen una participación mínima más alta.

Sin embargo, para las empresas que buscan aumentar, el proceso de entrada es mucho más difícil. Se lleva a cabo la debida diligencia legal en todas las empresas, y el proceso de presentación normalmente consiste en una serie de rondas de iteración y aprobación antes de que la campaña pueda comenzar. El beneficio obvio para los inversores es la capa adicional de protección para su inversión. Es mucho más raro que los estafadores o estafadores se lancen en plataformas de capital y las regulaciones de la FCA requieren que las reclamaciones de las empresas estén respaldadas con evidencia que la plataforma verificará por sí misma antes de permitir el lanzamiento de la campaña. Por esta razón, hasta el 90% de todas las aplicaciones para plataformas basadas en acciones no llegan al lanzamiento de la campaña.

Las ventajas para las empresas que recaudan dinero son el acceso a un grupo de inversores más sofisticado más allá de sus propias redes (los inversores tradicionales acuden cada vez más a tales plataformas), así como un proceso simplificado para tratar con el grupo, generalmente mucho más pequeño que otras plataformas de financiación colectiva. de inversores. También hay una tendencia creciente a que las plataformas de acciones actúen como accionistas nominales en nombre de los inversores, lo que significa que la empresa adquiere un único accionista nuevo en lugar de varios cientos, lo que facilita la administración y hace que las inversiones futuras sean mucho más sencillas. Las empresas que buscan recaudar fondos suelen pasar por alto este punto en particular, pero es la razón principal por la que elegimos Seedrs para nuestra campaña de recaudación de fondos de capital propio.

Las plataformas de renta variable normalmente mantendrán los fondos en custodia hasta que finalice la campaña, lo que agrega otra capa de protección para los inversores. Por supuesto, los riesgos normales se aplican en términos de rendimientos esperados: la mayoría de las inversiones no rendirán mucho o nada, pero las que sí prometen enormes ganancias financieras en comparación con otras opciones de inversión. En general, este tipo de crowdfunding es a lo que se hace referencia en las especulaciones sobre el impacto del formato en el futuro de la inversión en general.

Crowdfunding basado en deuda

Jugadores principales: Círculo de fondos, Zopa

También conocido como préstamos de igual a igual, el crowdfunding basado en deudas toma los beneficios principales del crowdfunding (las ventajas administrativas y el acceso a grandes grupos de personas) y los aplica a los préstamos comerciales. En términos simples, los inversores ponen su dinero en un fondo administrado por la plataforma y la plataforma presta el dinero a empresas que buscan capital. Los inversores pueden elegir en qué negocios desean invertir o dejar que la plataforma elija automáticamente en su nombre.

La principal diferencia es, obviamente, que el inversor debe esperar recibir el dinero de vuelta, con intereses. El atractivo de poner el dinero de uno en una plataforma de préstamos en lugar de en una basada en acciones se reduce al factor de riesgo reducido, asegurado por el hecho de que las empresas se someten a los mismos procedimientos de investigación rigurosos que lo harían al pedir prestado a los bancos, y los rendimientos son a menudo mucho más altos que una simple ISA o pensión. Para un negocio que cumple con los criterios para otorgar préstamos, las ventajas son mejores tasas que un banco con más transparencia.

Si bien generalmente no es ideal para las empresas emergentes en etapa inicial sin garantía, para las más establecidas que buscan crecer, ofrece acceso a efectivo sin tener que renunciar al capital o asumir cientos de inversores. Para los inversores que son más reacios al riesgo, es una alternativa más segura al crowdfunding de acciones, a costa de perder los beneficios potencialmente grandes que las empresas emergentes exitosas a veces pueden generar.

Crowdfunding blockchain

Jugadores principales: Smith + Crown, Waves

El tipo de crowdfunding más nuevo y menos conocido, el crowdfunding blockchain aprovecha el poder de las criptomonedas como Bitcoin para generar efectivo a partir de la creación de nuevos tokens en un proceso llamado Ofertas Iniciales de Monedas (ICO), un guiño a la Oferta Pública Inicial más tradicional ( IPO) proceso al que estamos acostumbrados con las bolsas de valores.

La forma en que funciona es bastante complicada de explicar aquí, y comprender cómo funcionan blockchain y las criptomonedas es esencial antes de siquiera contemplar esta ruta (puedes leer mi artículo “Una breve guía de blockchain … para gente normal” aquí si estás interesado) . Como tal, las empresas que recaudan dinero a través de esta ruta están relacionadas en su mayoría con blockchain, y los inversores que se acumulan en las ICO tienden a tener un apetito de riesgo muy alto.

El atractivo está en los posibles rendimientos para los inversores de las propias criptodivisas. Como ejemplo, la criptomoneda Ether duplicó su valor en solo tres días durante marzo de 2017, mientras que la moneda Monero aumentó 2000% en valor solo el año pasado. Por supuesto, este nivel de volatilidad también puede ir al revés, como lo atestiguará cualquiera que haya invertido en Bitcoin recientemente.

La arquitectura descentralizada de Blockchain y el enfoque de crowdsourcing sin confianza lo convierten en un candidato obvio para el enfoque preferido de crowdfunding en el futuro, pero la tecnología en su conjunto aún está en su infancia y, como tal, es propensa a los estafadores y al fraude, así como a una gran volatilidad en las monedas mismas. . No para el débil de corazón.

¿Cuál deberías elegir?

Como inversor, la decisión sobre en qué plataforma de crowdfunding invertir depende en gran medida de su apetito por el riesgo. Si su objetivo es recibir algún tipo de devolución, las plataformas basadas en recompensas deben descartarse por completo. Más allá de eso, si solo está buscando una mejor tasa de interés que la que puede ofrecer una ISA, las plataformas basadas en deuda pueden ser una buena opción; de lo contrario, elija la opción de financiamiento colectivo de capital si desea ser un inversionista “real”. Blockchain es para los jugadores.

Como empresa, apéguese a las plataformas basadas en recompensas para productos de consumo que se encuentran en etapa de concepto o prototipo, tal vez moviéndose hacia las plataformas de acciones una vez que su producto esté en funcionamiento. Las plataformas basadas en deudas son una mejor opción para el financiamiento puente si está más establecido, y blockchain es la opción obvia si es una startup de blockchain.

Cualquiera que sea la etapa en la que se encuentre, asegúrese de comparar precios e investigar antes de sumergirse, y siempre que mantenga la cabeza sensata, hay oportunidades emocionantes disponibles que probablemente nunca antes hubieran existido. Solo por esa razón, el crowdfunding es una innovación maravillosa.

Una mujer negra y un hombre blanco entran al set

Un set de filmación es un microcosmos del mundo, en toda su belleza y dureza. Lo que he aprendido por las malas sobre los varones blancos en producción: los aliados y co-conspiradores.

Política de escenarios de cine
Imagen vía Yo wei huang.

Siempre veo color

Soy una mujer negra (suspiro . . . mi corazón se llena de orgullo cuando escribo eso), productor ejecutivo, escritor, director y creador galardonado. Mi currículum tiene más de veinte años en producción y me ha ido bien como líder. Hoy, cuando camino en el set, soy yo quien está a cargo. Pero, podría haberlo hecho mejor, más rápido.

Una vez llamado por mi padre “la mosca en la leche,“Me encontré recorriendo la escuela secundaria, la universidad, las oficinas de producción, los decorados, los restaurantes, los vuelos e incluso pueblos enteros. Nunca me siento realmente seguro cuando soy la única persona negra en un grupo de desconocidos blancos.

Mis relaciones con algunos hombres blancos en producción han sido complicadas. ¡Directo! He sido testigo de cómo los privilegios se juegan en su beneficio y he sufrido decisiones sesgadas que interrumpido mi capacidad para ganar más dinero y expandirme profesionalmente como productor. No te metas con mi dinero ni con mi trayectoria. Especialmente cuando soy muy bueno en mi trabajo.

Todos conocemos los hechos, pero aquí están de nuevo, una fuerte bofetada en la cara: “Entre las mujeres que tienen trabajos de tiempo completo durante todo el año en los Estados Unidos, las mujeres negras generalmente reciben un salario de 63 centavos, las mujeres nativas americanas 60 centavos, y latinas solo 55 centavos por cada dólar pagado a hombres blancos no hispanos ”, según un informe de septiembre de 2020 reporte de la Alianza Nacional para Mujeres y Familias.

Podría optar por sumergirme en un lío hirviendo de resentimiento e ira, pero nunca prosperaría allí. Me conozco bien y sé que me va bien en sociedad, en co-creación. Algunas de mis mejores relaciones en esta industria son con hombres blancos. Hombres que trabajan conmigo, trabajan para mí, me contratan, me recomiendan, me inspiran y me ven por mí. Con estos hombres blancos, he coproducido una hermosa historia donde el respeto y la igualdad de condiciones son los verdaderos papeles protagonistas.

Colaborar en un proyecto
Foto mía, el operador de Jib Jeremy y el DP Tommy K, campeones durante más de quince años.

Los hombres blancos que me encuentran donde estoy

Soy consciente de que no todos los hombres blancos con los que trabajo tienen prejuicios que impiden mi avance y éxito profesional. Los hombres blancos que mantengo cerca en mi círculo de producción son mis aliados. Acudo a ellos en busca de orientación profesional. Me ayudan a recuperar la cordura y me recuerdan mi poder. Algunos son como hermanos, co-conspiradores en su mejor momento.

Cuando me negaron un aumento de sueldo para igualar el de mi colega, fue un hombre blanco (que ni siquiera era mi gerente) quien usó su posición y privilegio para hacerlo bien. Obtuve mi aumento y él es mi mentor favorito hasta el día de hoy, sin miedo a estirarme y actuar.

Estos hombres blancos están conmigo en las trincheras, “suben las ruedas”, juntos al amanecer durante una agotadora jornada de diez horas. Los vínculos formados a través de años de arduo trabajo y visión compartida nos dan la voluntad de superar los límites y asumir riesgos juntos. Nos vemos, todos los unos a los otros, lo mejor que podemos, nuestro bienestar y nuestro “no sentirlo”. No hay amenaza, solo el coraje de aceptarse mutuamente. Donde no soy fuerte, ellos están ahí para explicar pacientemente lo que me estoy perdiendo. Donde no están bien versados, yo estoy ahí para educarlos. Estas relaciones me han ayudado a mantenerme centrada y creer en las personas —los blancos— a pesar de lo que el mundo nos dice unos de otros.

También trabajo con mujeres blancas que son gerentes y potencias de producción, productoras inteligentes y visionarias que lo logran. Reconocen mi contribución y me recompensan sin dudarlo. Estas mujeres usan su influencia, me dan el título y la compensación que gano y merezco.


La verdad es que hombres blancos me han lastimado y traicionado

Pero también he trabajado con compañeros de trabajo inseguros y temerosos de su propia sombra que se vieron amenazados por mi integridad, transparencia y experiencia. Ayudé a los gerentes hombres blancos a verse bien al traer eso a todos los trabajos que produje. Mi ir más allá les llenó los bolsillos, año fiscal tras año fiscal.

Se me ha negado la igualdad de salario a un homólogo masculino blanco; estoy hablando de casi 20.000 desigual pago que se prolongó durante años sin que yo lo supiera. Me han negado las bonificaciones que muchos hombres blancos a mi alrededor ya estaban recibiendo. He experimentado hombres y mujeres que preferían esperar a escuchar a un hombre blanco “confirmar” lo que ya había dicho, incluso cuando ese hombre no era mi jefe.

Desigualdades entre géneros
A menudo, a las mujeres se les paga un porcentaje de lo que hacen los hombres. Imagen vía Rawpixel.com.

Como mujer negra y persona de color, sé lo que hay detrás de esos no, dudas y comentarios. Racismo. Tan vivo y bien en el set como en cualquier otro lugar. El racismo me recuerda otras épocas de mi vida en las que me cuestionan y dudan. Es particularmente evidente cuando ves a los miembros mediocres del equipo A-F obtener trabajos y ascensos, sabiendo que no lo ganaron de la forma en que tendrías que hacerlo.

¿Cómo lo superamos? Prestando mucha atención, cuestionando nuestras propias suposiciones, continuando actuando y resolviéndolo. Cuando una mujer negra y un hombre blanco entran en el set de mi historia, yo soy la protagonista negra dejando al público alentando más voces, honestidad y transformación que beneficie a todos los jugadores detrás de escena.


Recursos para aliados

Trabajo en equipo
Es importante trabajar en equipo en el set. Imagen vía REDPIXEL.PL.

Hay mucho sobre aprender a ser un aliado de los hombres blancos (Forbes) y co-conspirador (Centro Schomburg) para POC. Mientras tanto, ofrezco estas preguntas que me encantaría que más hombres blancos se respondieran y se hicieran entre sí:

  • ¿Qué creencias sobre mi raza y otras me limitan? ¿Por qué?
  • ¿Qué no estoy diciendo en voz alta?
  • ¿Cómo puedo cambiar activamente estas creencias para expandir mi rol para apoyar a BIPOC en la producción?
  • ¿Qué reconozco sobre la experiencia única de prejuicios contra la gente de BIPOC en producción?
  • ¿Qué me impide hablar o utilizar mi privilegio para apoyar a los jugadores de BIPOC en la producción?
  • ¿Qué pierdo si hablo de estas diferencias?
  • ¿Qué puedo hacer para comprender el dolor y el sufrimiento de la gente de BIPOC?
  • ¿Cómo puedo esforzarme y actuar como aliado o co-conspirador, incluso si eso incomoda a los demás?
Colegas
Foto mía y de Dan: productor, editor y colega director durante trece años.

Imagen de portada vía Rawpixel.com.

Para obtener consejos y sugerencias adicionales sobre la realización de películas, consulte estos artículos:

Blackmagic anuncia el Pocket 6k Pro

Desde filtros ND incorporados hasta una pantalla inclinable LED completamente nueva, esto es lo que sabemos sobre el próximo Pocket 6k Pro de Blackmagick.

Bueno, estamos oficialmente en ese punto del año de otro anuncio de cámara Blackmagic. No voy a hacer un comentario humorístico sobre la frecuencia con la que nos invitan a una cámara nueva; es prácticamente tan común como las estaciones ahora.

Me encanta hacer una suposición fundamentada sobre lo que probablemente recibiremos antes de que se publique el anuncio y, en este momento, me estoy inclinando hacia el Pocket 8k. Con la Sony A1 y la Canon EOS R5 brindando una resolución de 8K a los cineastas fuera de las cámaras de cine, parece ser el movimiento más probable. Supongo que veremos si estoy en lo cierto con el título del siguiente subtítulo.


Presentamos el 6k Pro

Como dijo el fundador de Blackmagic, Grant Petty, en el reciente anuncio en vivo, el Pocket 6k se ha adaptado y utilizado en varias situaciones de transmisión y cinemáticas profesionales. Para fortalecer el uso del 6k en tales circunstancias, nació el Pocket 6k Pro.

Al igual que el Pocket 6k fue solo una ligera variación del Pocket 4k, el 6k Pro no es un rediseño importante del 6k. En particular, es un poco más grande y hay varias razones para ello.


ND incorporados

El 6K Pro cuenta con filtros ND motorizados que permitirán a los cineastas deshacerse del ND circular variable y la luz de corte en la cámara. El 6k tiene rangos de reducción de 2,4 y 6 filtros de parada. Estos han sido diseñados para coincidir con la colorimetría y la ciencia del color de la cámara. A diferencia de usar un ND variable barato que puede alterar el color de la imagen percibido, estos mantendrán sus imágenes como filmaciones limpias sin ellos.

Los ND se controlan mediante dos botones ubicados en la parte posterior de la cámara.


Inclinar la pantalla LCD

Por mucho que me gusten los Pocket 4k y Pocket 6k, la cámara podría ser incómoda de usar si no estuviera usando un monitor externo. Sin forma de inclinar o voltear la pantalla, si coloca la cámara en una posición baja, tuvo que agacharse para ver la composición.

Sin embargo, la Pocket Cinema Camera 6K Pro tiene un monitor LCD HDR avanzado que se puede inclinar hacia arriba y hacia abajo. Aparentemente, esto también acaba de detener estrictamente las modificaciones de la pantalla LCD de terceros 4k y 6k que hicieron exactamente lo mismo. Además, la pantalla LCD es más brillante con 1500 nits de brillo.

Si bien la interfaz de usuario seguirá siendo consistente como con cada lanzamiento de la cámara Blackmagic, hay una nueva adición de un histograma RGB, una función que les dirá a los usuarios si se ha recortado un valor RGB específico.


XLR adicional

Fue solo esta semana que terminé un tutorial explicando que en las cámaras de menor precio, solo encontrarás una entrada de micrófono. Pero aquí está Blackmagic cambiando el juego una vez más. En el Pocket 6k Pro, ahora hay una entrada XLR adicional, que permite dos entradas XLR y un conector de micrófono de 3,5 mm, lo que abre las puertas para múltiples opciones de grabación.


Adiós LP-E6

De acuerdo, no se podía negar que tanto el Pocket 4k como el Pocket 6k no fueron tan buenos con respecto a la duración de la batería. Ambas cámaras necesitaban mucha energía e incluso fueron una crítica de quienes sostenían la cámara en un pedestal. El Pocket 6k Pro deja caer el LP-E6 y en su lugar utilizará el NP-F570. Estas baterías duran más, lo que con suerte debería servir para calmar los problemas de la gente que necesita llevar varias baterías LP-E6.


Extras adicionales

Uno de los componentes importantes del lanzamiento de Ursa 12k fue la ciencia del color Gen 5. La ciencia del color de Blackmagic es de otro mundo tal como está, pero Gen 5 mejoró el juego. El Pocket 6k Pro se enviará con la ciencia del color Gen 5 instalada, pero además, el Pocket 4k y el Pocket 6k verán el envío de la ciencia del color Gen 5 a través de una actualización de firmware dentro del próximo mes.


EVF + Agarre

Por primera vez en la serie Pocket, el Pocket 6k Pro tiene espacio para un visor electrónico adicional.

Blackmagic dice:

La Pocket Cinema Camera 6K Pro admite un visor opcional para que las tomas en exteriores y en la mano sean precisas y fáciles Obtiene una pantalla OLED integrada de alta calidad de 1280 x 960 colores con sensor de proximidad incorporado, dioptría de vidrio de 4 elementos para una precisión increíble con un amplio ajuste de enfoque de -4 a +4. Un gráfico de enfoque digital integrado le garantiza una configuración perfecta del enfoque del visor.

Ahora, el EVF se envía por separado, y esto tiene un costo adicional de $ 495.

Asimismo, Blackmagic también ha introducido otra empuñadura de batería para el 6k Pro. Aún así, a diferencia de la empuñadura de batería para 4k y 6k, la empuñadura Pro de batería de cámara de bolsillo Blackmagic no requiere quitar la batería que se encuentra en la cámara. Le da al usuario tres baterías para extraer energía, lo que resulta en disparos sin interrupciones y sin interrupciones. Esto tiene un precio de $ 145.

Al igual que con todas las herramientas de Blackmagic, puede encontrar una revisión del 6k Pro en breve.

El 6k Pro tiene un precio de $ 2,495 y ya está disponible.


Todas las imágenes a través de Blackmagic.

¿Quieres más noticias e información sobre cámaras? Mira estos:

7 consejos para escribir un buen diálogo en tu guión

Cada escritor es diferente, pero si está buscando algunos éxitos probados y verdaderos cuando se trata de escribir diálogos, esta lista es para usted.

Has hecho todo lo que se supone que debes hacer. Has visto todas las películas formativas, has tomado notas sobre el mundo que te rodea, has leído otros guiones, es posible que incluso hayas tomado algunas clases. Has vivido con la idea de tu guión durante un tiempo y la has avivado de una chispa desesperada a una hoguera que acabas de necesito escribir. Tal vez incluso has estado dando vueltas el blog aquí, y te has abierto camino a través de Dan Harmon círculo de la historia. Estás listo para escribir.

Hay varios aspectos críticos de una bien guión del que podríamos hablar, pero no es bueno ponerlos todos en un solo lugar. Más bien, pensemos en uno a la vez. En este caso, diálogo.

¿Cómo se escribe un diálogo que no apesta?

Nadie quiere hacer el tremendo esfuerzo que se necesita para escribir un guión solo para terminar con un diálogo amateur. Si espera poner su guión en manos de otra persona, el peor de los casos es que nadie le preste atención. Si planeas poner esto en producción usted mismo, entonces podría perder mucho tiempo con una película bonita y bien editada que nadie puede soportar escuchar.

De Dan Harmon
El “Círculo de historias” de Dan Harmon lo guía a través de ocho pasos para expandir una idea en una historia completa que resonará con su audiencia. Imagen a través de Darin Bradley.

Está bien escribir un primer borrador terrible. Darse esa libertad es uno de los primeros movimientos inteligentes que puede hacer. Como un tipo que ha trabajado como guionista y novelista, puedo decirte que intentar escribir un Perfecto El primer borrador es tan útil como buscar la Ciudad Perdida de Oro. Bajar el material para que pueda darle forma y tejerlo todo junto (una tarea difícil de hacer de manera efectiva a medida que avanza) lo prepara para regresar, seguir sus colas y escribir un Realmente buen calado. (Los borradores tercero, cuarto y quinto también son una buena idea, pero eso no está ni aquí ni allá).

Entonces, echemos un vistazo a algunas cosas que debe tener en cuenta cuando esté listo para convertir su precioso (terrible) borrador en algo que a todos nos encantaría ver.


1. Llegue tarde, salga temprano

Este suena fácil, pero es un poco más difícil de poner en práctica de lo que parece. Cuando empezamos a escribir guiones, tenemos la tendencia a incluir más información de la que deberíamos. Sentimos que nosotros necesitar configurar, explicar o contextualizar esta o aquella situación, o la escena que queremos mostrarte no tendrá sentido. La primera forma en que puede ayudarse a sí mismo a llegar tarde y salir temprano es dejar de preguntar si algo tiene sentido (al menos, al principio). Es posible que las cosas no tengan sentido para usted (el creador de la historia) si omite información, pero una pregunta más importante (nuevamente, al menos, al principio) es: ¿Es esto interesante?

La concisión, la mayoría de las veces, es el nombre del juego en la escritura de guiones poderosa (más sobre eso en un minuto). Claro, un día tú también podrás escribir exploraciones de personajes de tres horas y hacer un montón de dinero por ello (recuerda a las personas pequeñas cuando lo hagas), pero para hacer eso de manera efectiva, necesita mucha práctica para llegar al grano y empacar la mayor cantidad de historia en tan pocos minutos como sea posible. Una vez que domine esto, podemos empezar a hablar sobre estirar las piernas e incluir un poco más—Sin aburrirnos a todos hasta las lágrimas.

Ryan Gosling en Drive
2011 Manejar es una película poderosa conocida por la economía de sus diálogos en el guión. Imagen vía FilmDistrict.

Entonces, la concisión significa que debemos hacer todo lo posible con nuestra historia y nuestros personajes en cada oportunidad. Eso significa que cada vez que piensas en una escena debería empezar, probablemente sea demasiado pronto. Y siempre que pienses en una escena debería final, probablemente sea demasiado tarde. Comience su escena lo más cerca posible de la acción importante, en este caso, un intercambio de diálogo. Si enmarca su diálogo como elementos contenidos dentro del contexto más amplio de la escena, puede asegurarse de no perder el tiempo con líneas que, aunque son representativas de la forma en que la gente habla realmente, no resuenan en una película. La mayoría de los personajes de películas no hablan como personas reales, por una razón. No pagamos mucho dinero para aparecer y ver hablar a la gente.

Piense en su diálogo como parte de la pintura de la escena. Habrá elementos contextuales del mundo diegético en los que puede confiar para comunicar información, en lugar de descargarla en aburridas conferencias de sus personajes. Las conversaciones, al igual que los personajes, no existen en el vacío, así que piense en su entorno como un rol de habla adicional, aunque sea uno al que le guste jugar charadas o usar accesorios en lugar de hablar realmente.


2. Escribe dos veces

El subtexto es lo que hace que el diálogo sea realmente interesante, y el mejor enfoque para trabajar con subtexto es escribir el guión dos veces, al menos al principio. A medida que gane experiencia en incorporar subtexto en su diálogo, comenzará a surgir de forma más natural y podrá presentarlo sobre la marcha. Sin embargo, cuando todavía está dominando la habilidad, puede ser difícil introducir orgánicamente el subtexto en las líneas de diálogo cuando ni siquiera ha escrito el guión completo y, por lo tanto, no conoce todas las revelaciones emocionales y narrativas que seguirán. sus escenas de diálogo.

Reduzca sus escenas, utilizando más o menos los ritmos que desea golpear en las conversaciones. Luego, agregue algunas líneas de marcador de posición mientras avanza en el resto del guión. Para cuando haya terminado su primer borrador y esté listo para comenzar el segundo, tendrá una experiencia completa con los personajes, lo que significa que puede volver a revisar su diálogo y recortar y reescribir según sea necesario, e introducir el subtexto.

Las conversaciones, como las películas, no siempre son sobre de qué creemos que se tratan. El género del cine de desastres es un buen ejemplo. Aparentemente, estas películas tratan sobre cosas va mal, y algunos héroes deben sobrevivir. Pero, si miras suficientes de ellos, generalmente no son sobre las emociones y los escalofríos en absoluto. La mayoría de ellos tratan de reunir familias rotas, convirtiendo todo el desastre en una metáfora gigante. Las familias luchan, un desastre los destroza, se dan cuenta de lo que casi perdieron y se reúnen más fuertes que nunca. Ve a ver algunos. Bueno, espera . . .

Dwayne Johnson en San Andreas
2015 San Andreas es un ejemplo de libro de texto de la película de desastres como vehículo para la redención familiar. Imagen vía New Line Cinema.

Las conversaciones funcionan de la misma manera, tanto en el mundo real como en la pantalla. ¿Cuántas veces le has preguntado a un amigo: “¿Estás bien?” Solo para escuchar, “Estoy bien”, cuando están claramente no está bien? ¿Alguna vez te has encontrado discutiendo con alguien por algo que realmente no te importa, pero has estado cargando un problema que finalmente se abrió paso? ¿O alguna vez ha ocultado información para proteger a alguien, física o emocionalmente? En estos casos, las conversaciones que terminas teniendo no abordan realmente lo que intentan abordar. La gente hace eso. Hablamos sobre lo que queremos decir, especialmente si estamos evitando el conflicto.

Pero tarde o temprano, la verdad se desborda y comienza la verdadera conversación. Lo mismo ocurre con su diálogo. Tus personajes están luchando con algo (generalmente ellos mismos) más grande que la trama en la que los has colocado. Esta lucha va a influir en todo lo que digan, así que usa esto para sacar a la luz los dobles significados y los misterios de tus líneas. Deja que tus personajes se frustren entre sí con subtexto. Déjalos pelear por eso. El drama humano es la dinámica detrás de la mayoría de las películas, así que no nade contra la corriente.


3. Evita a Bob

“Como sabes, Bob”, es uno de los errores clásicos. Tiene sus usos de vez en cuando, pero son muy específicos. Primero, establezcamos por qué Bob no es nuestro amigo.

El dispositivo “Como sabes, Bob” tiene varios nombres, pero todos se reducen a que un personaje le dice a otro personaje algo que ambos saben que la audiencia no. Es un atajo para obtener algo de exposición en la escena, algo así como descargando programa piloto para un helicóptero B-212. En teoría, estas líneas son altamente efectivas (como dijimos, hacer tienen sus usos), y solían ser más populares en el pasado. Sin embargo, en su mayor parte, este tipo de líneas indican que el mundo de la historia de la película no ha hecho un trabajo suficientemente bueno al transmitir la información contextual que cree que su audiencia necesita, por lo que es el diálogo el que hace el truco. Esa debería ser su primera señal de alerta: siempre que le corresponda al diálogo contar una historia, puede hacerlo de otra manera, pregúntese si el diálogo es necesario. La respuesta puede ser , pero lo importante es el preguntando.

(El primer episodio de Game of Thrones nos regala un “Como tu hermano”. . .)

Si tiene que informarnos lo que necesitamos saber para incluso unirnos a la conversación en pantalla, entonces nos está arrastrando a través de esta historia, no a nosotros. Eso no va a terminar bien, a menos que intentes hacer algo hilarantemente malo a propósito.

Los dramas de procedimiento y médicos a menudo tienen que encontrar formas creativas de solucionar esto, como explicar información técnica a personas no profesionales o pasantes. Y, en los thrillers militares, los informes entre soldados y sus oficiales superiores a menudo cumplen este papel de forma rápida y eficaz. Puede salirse con la suya de vez en cuando en situaciones críticas, pero necesita ganar esos usos impulsando la mayor parte de su diálogo con intercambios iniciales y iniciales con los que la audiencia puede relacionarse mientras absorbe su mundo narrativo a través de la producción. diseño, intuición e inferencia. Recuerda: tu audiencia es más inteligente de lo que crees. Si no está seguro de si su poco de exposición debería hacer el corte, probablemente no debería hacerlo.


4. Vaya al grano

Volvamos a la concisión. Anteriormente, hablamos sobre cómo es necesario llegar tarde y salir temprano, pero en realidad se trata de cuándo comenzar y cuándo terminar un intercambio de diálogo (o una escena completa). La concisión se trata de la esencia de su guión: cada palabra que elija incluir en su diálogo.

Ser conciso significa ir al grano. Cuando se trata de contenido y comunicación, la concisión es una herramienta que te ayuda a superar el ruido de la competencia. Por ejemplo, si tiene dos conjuntos de instrucciones diferentes, ambos describen cómo hacer un sándwich de mortadela, pero uno tiene 1000 palabras y el otro 500, y le da cada uno a un lector diferente, el destinatario de las 500 receta de palabras aprenderá más rápido y preparará sándwiches antes que el lector con la receta de 1,000 palabras. Cuando transmitimos información, cuantas menos palabras podamos usar para hacerlo (es decir, menos oportunidades de malentendidos o confusión), mejor.

El arquitecto en The Matrix
Las revoluciones de Matrix nos trajo el personaje de The Architect. Si bien es un personaje fascinante, es todo menos conciso, por lo que su apariencia es una floritura rara, y no la norma. Imagen vía Warner Bros.

Esperar, tu dices. Este es escribiendo. Qué pasa literatura? No solo reducimos cada proceso de escritura creativa a un manual técnico sobre la reparación de su cortadora de césped. Qué pasa estilo y tono y textura? Sí, a todo esto. El estilo, el tono y la textura son fundamentales. Son los que hacen que tu escritura concisa cante en la página. Sin embargo, el contenido de su diálogo, en sí mismo, no es la totalidad de la escribiendo. Son solo una parte de la historia general: el guión. El guión es tu odisea creativa. Es la obra de arte que conectará a sus espectadores con la condición humana de la forma en que solo usted puede verla. Eso significa que el diálogo, como parte de un todo, tiene que funcionar como una máquina bien engrasada con todos los demás elementos de un guión efectivo.

Ya sabe que no debe perder el tiempo de sus espectadores. También sabe que el diálogo no es la única forma de transmitir información o contar su historia. Ahora, cuando regrese a su primer borrador (recuerde, su primer borrador debe ser como poco conciso tal como lo necesite (lo que sea necesario para hacer el borrador), puede recortar la grasa. Quieres que tu diálogo sea un juego de tenis entre tus personajes. O, en otras circunstancias, un enfrentamiento dialógico en el O.K. Corral. En cualquier caso, no quiere que el exceso de palabrería, descripciones o soliloquios acabe con el ritmo de su intercambio. Es tentador llevar a los espectadores a un paseo en alfombra mágica dialógica, pero esto debería ser la excepción, no la norma.

Vaya al grano y llegue rápido: hay otros aspectos de este guión que también necesitan tiempo para hacer su trabajo.


5. El conflicto es poder

El poder es el control de los recursos, y la mayor parte de la historia de los conflictos humanos se trata de establecer el control de esos recursos. Quien controla el agua, atesora el oro, tiene más trabajadores / soldados / ciudadanos (todos, a su vez, pagados con recursos o fichas de recursos) tiene más poder. Claro, un levantador de pesas puede ser más poderoso que tú, pero si tienes diez levantadores de pesas que son leales a todos tus caprichos porque, por ejemplo, estás viviendo en un páramo yermo y tienes toda la comida y el refugio para ofrecerles . . . entonces, ¿quién es más poderoso, tú o el único levantador de pesas?

Esta es la lucha primordial: reunir las cosas que necesitamos para sobrevivir y luego reunirnos en grupos para unirnos y luchar contra esos otros que también quieren nuestros recursos, por eso los odiamos. Eventualmente, comienza a rastrear cosas como artículos de lujo y artículos que representan ese control de recursos (la mayoría de las personas realmente no saben qué hacer con una barra de oro, pero saben que pueden obtener otras cosas que quieran de las personas si tienen esa barra).

Brad Pitt y Angelina Jolie en Mr. & Mrs. Smith
Señor y Señora Smith (2005) es un buen ejemplo no solo de subtexto, sino también de dos personajes cuyo diálogo está definido por diferentes categorías de conflicto. Imagen vía 20th Century Fox.

¿Qué tiene que ver todo esto con el diálogo? Todo. Las personas y los personajes de nuestras historias existen en un perpetuo estado de conflicto. Estamos en desacuerdo entre nosotros, con los que amamos e incluso con nosotros mismos. Nuestras civilizaciones y las relaciones que construimos dentro de ellas están estratificadas en esa lucha primordial. Todo lo que nos hemos convertido como especie, todo el arte que hemos producido, todos los edificios que hemos erigido, es de alguna manera un nuevo capítulo en la historia de la obtención de recursos y la domesticación del mundo. Recuerda esto en tu diálogo.

Las conversaciones más interesantes son aquellas que enfrentan (juego de palabras) a los personajes entre sí, incluso si son socios o están enamorados o algo similar. El mundo real está lleno de conversaciones sobre nuestros conflictos básicos para vivir felizmente (o, al menos, cooperativamente). No necesitas que tus personajes se enfrenten activamente entre sí en cada línea, pero si piensas que viven en la búsqueda perpetua del poder, tendrán más que contarte sobre sí mismos y las situaciones en las que los pones que sobre ellos. lo haría si solo los usara como boquillas.

Recuerda: todo vale en el amor y la guerra.


6. Los personajes existen en contextos

Nos gusta pensar que los buenos personajes impulsan nuestra experiencia del mundo narrativo en una película. Pero, en realidad, el mundo narrativo escribe al personaje, el personaje no escribe el mundo narrativo. Los personajes pueden existir en el vacío mientras desarrollas tus ideas por primera vez; sin embargo, una vez que comienzan a vivir en la página, existen en contextos, no en teoría. Su diálogo debe reflejar esto, o nunca sentirán que realmente encajan en la película.

Una forma de pensar es así: todo lo que hacemos, como personas, es una reacción a otra cosa, generalmentecosas demás. Suceden cosas en el mundo que nos rodea que afectan nuestro estado de ser, desde un automóvil que se acerca a toda velocidad en una intersección hasta organismos microscópicos en su torrente sanguíneo que afectan su salud y cómo se comporta. Hay innumerables variables y estímulos y acciones posibles en un instante dado, y la intersección particular de todos ellos nos lleva a tomar las decisiones minuto a minuto que componen nuestro día, incluso cuándo decimos algo y por qué lo decimos.

Nick Offerman en Desarrolladores
Desarrolladores (2020) nos mostró un mundo que explora el determinismo y el libre albedrío: todo influye en todo lo demás y la realidad se despliega como un río siguiendo un curso. Imagen vía Vigésima televisión.

Cuando esté escribiendo un diálogo, recuerde esto. Claro, los personajes responden principalmente a lo que dicen otros personajes, pero todo, desde la temperatura en la habitación hasta si alguien está disparando un arma o no, influirá en cómo habla tu personaje. Combine esto con la naturaleza subyacente del conflicto humano y obtendrá un mundo poco amistoso, incluso si se ve bien en la superficie. Cada palabra que dice tu personaje es una decisión sobre el estado del mundo y el desarrollo de esta historia.

Tomar buenas decisiones.


7. No se preocupe por las cosas pequeñas

Finalmente, no se empantane en los detalles. Las explicaciones altamente técnicas, las historias de fondo complicadas o las líneas de tiempo complicadas pueden ser parte de la base de su película, pero eso no significa que deba dedicar su tiempo a ellas. A menudo pensamos que si la audiencia no conoce cada detalle del mundo que estamos creando, entonces no entenderá la historia de la manera que pretendemos. Si está escribiendo un ciencia ficción historia sobre una nave de generación y los problemas de propulsión, no te molestes. Hay ideas establecidas en las que puede apoyarse en lugar de llevarnos a través de una conferencia sobre astrofísica. Si su vampiro ha vivido 2000 años, no necesitamos saberlo. todo.

David Sullivan en Primer
2004 Cebador explora un enfoque complicado del viaje en el tiempo, una explicación completa para la que desarmaría toda la experiencia de la película. Imagen vía THINKFilm.

Tus personajes viven en un mundo que estás cortando en pedazos y uniendo para formar un todo coherente. Eso significa cortes y transiciones y segmentos faltantes de sus vidas que no son necesarios para el todo condensado. (En el mundo de la teoría, llamamos a esto fábula y syuzhetEchale un vistazo Si quiere sonar genial en su próxima cena). Si las colas o las secuencias de conversación se interponen en el camino de la entrega de líneas poderosas, contextualizadas y motivadas, no se moleste.

No intente pensar demasiado en la experiencia de visualización de la película; no hay forma de que nadie la reciba exactamente como usted desea. En cambio, concéntrese en ofrecer todos los ingredientes narrativos para una experiencia sólida y deje que sus espectadores horneen el pastel como quieran.

¿Notas un tema aquí? Sí, menos es más.


Ahí tienes. Siete consejos para escribir diálogos que no apestan. Es importante tener en cuenta que estas no son reglas. No hay reglas. Puedes escribir lo que quieras, como quieras escribirlo. Estas pautas se parecen más a su primer conjunto de herramientas. Queremos que domine algunos principios de escritura de guiones que han demostrado su eficacia en la narración de historias. Cuando haya visto lo que pueden hacer, puede elegir cuáles le gustan y cuáles no. No estamos aquí para decirte: Tienes que hacerlo así. Más bien, si te estás preguntando: ¿Cómo diablos empiezo con el diálogo?. Bueno, creemos que tiene muchas posibilidades si tiene en cuenta estas prácticas.

Pero el mundo es tu ostra. Demuestre que estamos equivocados, nos encanta.


Imagen de portada de Parásito vía CJ Entertainment.

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3 aspectos de la producción de video interna

Hay estadísticas en Internet que muestran cuán poderoso es el contenido audiovisual. El informe de CISCO ‘Visual Networking Index: Forecast and Methodology 2014 – 2019’ indica que los contenidos audiovisuales impulsarán el 80% del tráfico de Internet en 2019.

Quizás esté considerando incorporar películas en su campaña de marketing. Quizás también se pregunte cómo otras marcas pueden crear videos tan sorprendentes y atractivos. Pequeños equipos creativos que trabajen internamente pueden producir clips atractivos. Puede lograr el mismo éxito creando su propio grupo interno de trabajadores asegurándose de que los siguientes aspectos estén en su operación.

Contrata a las personas adecuadas para la producción de videos

Su equipo creativo no tiene que ser grande para lograr grandes resultados. Sin embargo, necesita tener el tipo de talento adecuado. Esto significa tener una buena combinación de habilidades. Es posible que desee considerar tener un director creativo, productor / gerente de proyectos, redactor y editor de contenido audiovisual al menos en su equipo.

Las habilidades que incluyas en tu equipo creativo dependerán de tus objetivos para tus producciones. Su presupuesto también afectará la composición de su equipo. Una forma de reducir costos es contratar a un camarógrafo altamente calificado invirtiendo en servicios profesionales de producción de video.

Cree una cultura que apoye a su equipo de producción de videos

Si bien muchos videos de marketing pueden parecer cortos y simples, se requiere mucho tiempo, esfuerzo e investigación para realizarlos. Hacer llegar el mensaje requerido a su público objetivo en un clip corto significa involucrarlos rápidamente y asegurarse de que su mensaje sea claro. Si se toma en serio la comercialización de su marca a través de videos y desea obtener los mejores resultados posibles, asegúrese de que el proceso interno de creación de contenido audiovisual se refine tanto como sea posible.

Después de armar su escuadrón, ahora debe proporcionar a su talento lo que necesita para inspirarse y crear un trabajo convincente. Esto significa que debe contabilizar la preproducción. Esto incluye todo lo que se necesita para planificar y hacer un video efectivo, p. Ej. investigación, viajes, reuniones de planificación, redacción de guiones, guiones gráficos y sesiones informativas creativas. También debe tener en cuenta el tiempo requerido para la producción y la edición, así como los recursos necesarios para un video de alta calidad.

Apasionarse por la creación de contenido audiovisual

La pasión es algo que entienden muchos emprendedores. Para tener éxito en algo, debes sentirte apasionado por ello. Si desea que sus esfuerzos den resultados positivos, debe comprometerse con el proceso y dedicarle algo de su energía apasionada.

Esto solo puede suceder si usted y su equipo creen que el mensaje que está compartiendo con su público objetivo es importante y vale la pena compartirlo. Significa crear una cultura en el grupo que hará que cada individuo se comprometa con el proceso de producción.

Puede lograr excelentes resultados buscando servicios de producción de video profesionales para respaldar los esfuerzos de su equipo interno. Esto asegura que tenga una buena combinación de talento, recursos y habilidades para hacer videos atractivos. También tendrá acceso a la mejor y más reciente tecnología para producciones de mejor calidad. Un buen servicio de producción de video puede ayudarlo a aumentar su influencia en su nicho de mercado y hacer crecer su negocio. Dicho esto, sigue mejorando las habilidades de tu equipo interno a través de la capacitación e involucrándolos en diferentes proyectos.

Cómo rendir homenaje a un creador sin robar

Explore la diferencia entre homenaje y plagio, y aprenda a incorporar las ideas de otro artista mientras mantiene la integridad artística.

Dicen que la imitación es la forma más sincera de adulación, pero no da lugar a ideas originales. Hay una línea muy fina que caminar al crear sus propios proyectos que pueden tomar prestados de creadores del pasado, así como de grandes artistas actuales. Hablemos sobre la diferencia entre homenaje (préstamos) y plagio directo, y cómo puede incorporar de manera efectiva las ideas de un artista anterior en su propio trabajo, mientras mantiene su integridad artística.


¿Qué es el homenaje?

8½ contra Pulp Fiction
¿Quién puede olvidar la famosa escena de baile de Pulp Fiction? Tarantino rinde homenaje a la película de 1963 . Imagen de IndieWire vía Youtube.

En el sentido más genérico, “homenaje” es mostrar respeto o rendir homenaje a algo o alguien. El homenaje se puede encontrar en cualquier medio, desde la música hasta la pintura, o incluso el baloncesto y los diseños de automóviles. En la mayoría de los casos, el homenaje es una referencia a una gran obra, una persona famosa en el oficio o una característica definitoria de un género.

Todos tenemos artistas, músicos y (por supuesto) cineastas que amamos. Querer imitar a aquellos a quienes admiramos es la naturaleza humana y, a menudo, cómo los cineastas prometedores encuentran su propia voz. Cuando todos estamos comenzando, buscamos hacer las mismas cosas que hacen nuestros directores favoritos como una forma de ser creativos nosotros mismos. Seré honesto y diré que es posible que haya escrito un Quentin Tarantino-esque cortometraje mi primer año de universidad- lleno de blasfemias, violencia exagerada y lo que pensé que era un diálogo ingenioso. No creo que sea el único que comete ese error, pero me ayudó a crecer como cineasta.

Juego de la muerte contra Kill Bill: Vol. 1
La gloriosa escena de lucha de Kill Bill: Vol. 1 como un homenaje a la película de 1978, protagonizada por Bruce Lee, Juego de muerte. Imagen de IndieWire a través de YouTube.

Mi pobre intento de replicar TarantinoEl estilo es claramente un robo. El homenaje es más un toque sutil (o referencia) a una obra o artista importante, en lugar de un enfoque de mano dura.

Irónicamente, se podría argumentar que Tarantino es el rey del homenaje. Estuvo fuertemente influenciado por las películas y programas de televisión de su infancia, y toma prestadas muchas referencias y estilos de esa época. En lugar de robar descaradamente sus influencias, incorpora toques menores en sus películas y las crea con su propia creatividad. Los grandes del pasado han sentado las bases sobre lo que funciona en la narración y lo que funciona visualmente en la película. Es totalmente apropiado aprovechar su trabajo para crear atajos que mejoren en general su propio trabajo.

Cuando el homenaje se usa correctamente, no solo rinde homenaje al trabajo influyente y se basa en ideas ya establecidas, sino que puede ser una abreviatura creativa que es mayor que la suma de sus partes. Por ejemplo, en la temporada más reciente de El mandaloriano, “Episodio 13: Los Jedi” toma prestado enormemente de las obras Akira Kurosawa y sus clásicos samuráis. Con el uso intensivo de referencias y homenajes, podemos recopilar más de la historia que solo lo que se presenta en la pantalla. Si el espectador está familiarizado con las referencias, comprenderá mejor la historia y lo que los cineastas intentan contar. Homage es un ingenioso dispositivo literario y narrativo que puede proporcionar incluso más profundidad a nuestras historias de lo que se ve en la superficie.

El mandaloriano contra Yojimbo
Un claro ejemplo de encuadre similar entre El mandaloriano y Yojimbo. Imágenes vía Disney + y Seneca Productions.

Usar el homenaje en su propio trabajo

La línea entre el homenaje y el plagio puede ser un poco borrosa, especialmente cuando no es explícitamente obvio que estás haciendo una referencia al trabajo de otra persona. Recientemente, incluso algunos directores famosos caminan en una línea muy fina y han sido acusados ​​de copiar el trabajo de otros directores.

En 2018, Guillermo del Toro fue acusado de robar la icónica escena del claqué en La forma del agua. Personalmente, no estoy de acuerdo con este sentimiento. Guillermo del Toro tiene una historia de referencias clásicas en su obra y varios guiños a otras obras en La forma del agua solo. Entonces, aquí hay algunas pautas sobre cómo puede incluir de manera efectiva el homenaje en su propio trabajo y evitar las acusaciones de robo.


Tener un propósito

No hay nada peor que hacer referencia a una película como referencia. Sí, sí, lo entendemos, lo has visto Una Naranja Mecánica y es tu película favorita. Sin embargo, esa no es una razón para hacer que tu personaje principal solo consuma grandes vasos de leche. Haga que sus referencias tengan sentido en la historia que está tratando de contar. Trabaje el homenaje de manera orgánica en el guión y las ideas de la historia; insértelos de forma natural y con un propósito.

En lugar de tratar de calzar tus referencias, trabaja para lograrlas. En lugar de comenzar con un homenaje y darle forma a la narración, piense en cómo una referencia o un homenaje podrían ayudar a fortalecer la historia que está tratando de contar. ¿El homenaje realmente ayuda a la escena o se siente fuera de lugar?


Cámbialo un poco

Una forma perfecta de utilizar el homenaje o las técnicas del pasado es cambiando la aplicación para que se adapte a su propio propósito o escenario único. Esto puede ser un poco desafiante dependiendo del trabajo al que haga referencia. Pero, si el género, el tono o los personajes son bastante diferentes de la aplicación original, el homenaje resultará más auténtico e impactante.

A continuación se muestra un ejemplo de cómo Pixar ha utilizado referencias al cine clásico en sus propias películas. Puede ver un marcado contraste en el tono entre las películas alegres y familiares de Pixar y muchas películas que caen en el horror, fantasía, o géneros de acción, incluyendo Extraterrestre, Vértigo, Guerra de las Galaxias, y Dedo de oro. Las referencias que hace Pixar siguen siendo efectivas en sus propias películas y desprenden un sentimiento diferente, pero utilizan las bases y técnicas de otras películas clásicas.

Pixar hace referencia a los clásicos del cine para adaptarse a sus propios géneros.

Como ejemplo, imagina que estamos tratando de contar una historia cómica de un personaje que intenta evadir al personaje B en una fiesta en casa. Justo cuando nuestro protagonista cree que se han escapado, el personaje B aparece justo detrás de ellos, por encima del hombro. Este sería un buen momento para usar el clásico Mandíbulas, “Vamos a necesitar un barco más grande”, enmarcando dentro de esta escena. Hemos hecho uso de un homenaje al no copiar directamente la aplicación, el escenario y el género de la película original, pero aún podemos hacer una referencia correcta a Mandíbulas y utilícelo de forma eficaz.

Revelación de mandíbulas
Revelación de mandíbulas clásicas. Imagen vía Fotos universales.

Diseccionar y reinventar

Al mirar películas clásicas o influyentes, es un buen hábito pensar por qué y cómo funcionan determinadas técnicas. ¿Qué hace que el encuadre sea tan especial? ¿Por qué es importante el posicionamiento del personaje? ¿Qué dice el diálogo sobre los personajes? Básicamente, estás encontrando el factor definitorio dentro de una toma, escena o línea determinada. Cuando desee utilizar el homenaje en su propio trabajo, será beneficioso pensar en cómo funcionó tan bien la referencia original y por qué es memorable.

Desglosar por qué se debe hacer referencia al homenaje al principio lo ayudará a encontrar el momento y el lugar correctos para usarlo. Esto podría ser similar a mi sugerencia anterior de “Encontrar un propósito”, pero es un poco más que eso. Encontrar el factor definitorio de la obra original también te ayudará a leer y comprender mejor las películas desde la perspectiva del espectador. A medida que se dé cuenta de las técnicas que son efectivas en otras historias, encontrará lugares para incluir técnicas similares u homenajes en sus propias obras.

Reconocer técnicas
Reconocer las técnicas de otros artistas puede guiarlo a formar sus propias técnicas únicas. Imagen vía smolaw.

Encontrar el factor de definición de una referencia que planea usar le ayudará a encontrar la ubicación correcta para usar la referencia. Puede darse cuenta de que el homenaje que buscaba no funciona en absoluto dentro de su contexto dado, y eso está bien. El objetivo es hacer el mejor producto final posible, no encajar en tantas referencias como sea humanamente posible.

Homage tiene una larga tradición en el mundo del cine y puede ser una técnica creativa para contar historias. Se siente bien poder hacer referencia a películas que nos han influido o clásicos del cine. Encontrar el momento y el lugar adecuados para un homenaje adecuado a veces puede ser difícil y un desafío para llevarlo a cabo correctamente. Estos pocos consejos te ayudarán a incorporar el homenaje en tu propio trabajo y tal vez algún día te hagan referencia a ti mismo.


Imágenes de portada a través de Disney + y Seneca Productions, respectivamente.

Para obtener más información y consejos sobre cinematografía, consulte estos artículos:

Cinco películas de anime para inspirar tu próximo proyecto cinematográfico

Veamos cinco películas de anime, tanto nuevas como clásicas, que debes ver para inspirar tu narración visual.

Dependiendo de qué tan cinéfilo sea alguien, puede haber una ligera desconexión en su relación con el anime, o al menos en sus nociones preconcebidas de lo que es el anime. Estoy seguro de que aquellos que se alejan de la lista de reproducción de anime en Netflix piensan en el anime como algo como esto, de la serie de televisión. Dragon Ball Z:

Hombres atléticos que realizan acrobacias acrobáticas a la velocidad del rayo con grandes explosiones de energía. Quiero decir, no te equivocarías, pero esa es solo una parte de un género específico de anime, en su conjunto. La palabra anime en sí es solo una forma abreviada de animación, definida como proveniente de Japón, y todos sabemos que la animación es más que solo Disney.

Sin embargo, más allá de los alcances del típico anime de lucha al estilo Shōnen, también encontrarás una variedad de películas de anime que presentan historias como un delicado equilibrio entre arte y entretenimiento. Por ejemplo, Fantasma en la concha, la película de 1995 de Mamoru Oshii, presenta una secuencia de tres minutos que únicamente documenta el paisaje urbano distópico. Es poco probable que veamos una secuencia así fuera del cine Art-House.

Con eso en mente, veamos cinco animes que debes mirar para obtener inspiración visual y qué tipo de inspiración se jactan. Como hay innumerables programas de televisión de anime, lo limitaré solo a las películas.


1. Pimenton – Encuadre y edición simbólicos

Mientras he enumerado Pimenton en el encabezado, toda esta sección es para todos Satoshi KonLargometrajes, ya que lamentablemente hay solo unos pocos. El primer debut como director de Kon fue en 1997, y el cineasta solo nos regalaría cuatro largometrajes durante los próximos diez años antes de su prematura muerte en 2010.

Si ha creado algún tipo de contenido narrativo, sabrá que con toda la planificación y preparación posibles, a veces los mejores resultados se reducen a la suerte. Quizás el cielo tenía un tono extra de rosa la noche de la filmación. O, para tu horror En resumen, ese día hacía mucho viento, lo que hizo que los árboles temblaran violentamente fuera de la ventana. En la animación, cada fotograma está cuidadosamente compuesto y cada elemento se ha colocado de manera intrincada, a diferencia de cualquier forma de azar. El trabajo de Kon es la encarnación de eso.

Cada disparo, corte y movimiento se planifica meticulosamente para adaptarse a su visión. Descubrirás que con su edición de transición que se encuentra en todo su catálogo, cada escena es visualmente conectado a las escenas anteriores y posteriores. Él dice,

Creo que la edición para la acción en vivo y la animación comparten algunas similitudes, pero son fundamentalmente diferentes. En la animación, solo está lo que se pretende comunicar. Si tuviera la oportunidad de editar la acción en vivo, sería demasiado rápido para que el público lo siguiera.

-Satoshi Kon

El trabajo de Kon tiene una presentación visual consistente. Su uso de cortes, color y diseño general tanto para el simbolismo como para la estética es genial. Incluso si no está familiarizado con su trabajo, estoy seguro de que lo encontrará filtrando a otros.

Películas para ver:


2. Fantasma en la concha – Espacio visual

Incluso aquellos que no están particularmente versados ​​en anime probablemente estarán familiarizados con la película. Fantasma en la concha, ya sea a través de la reciente adaptación de acción en vivo o simplemente por su pura presencia en la historia de la animación. GiTS, como se le conoce comúnmente, es una obra maestra en la visualización del espacio conceptual entre las personas y su entorno. En el caso de la película, el paisaje urbano abarrotado del futuro.

Con el cine moderno, especialmente los éxitos de taquilla, parece que siempre se nos presenta más cuando se trata del volumen de Elementos CGI. Las ciudades son infinitamente altas, las multitudes están densamente pobladas, los ejércitos son ilimitados, etc.

¿Cómo se muestra una gran ciudad en un futuro cyberpunk? Bueno, en el caso del anime de 1995, en lugar de mostrar una ciudad en expansión desde una perspectiva aérea, fueron tres minutos de una secuencia de ciudad meditativa desde el nivel del suelo. El canal de ensayos de YouTube NerdWriter habló sobre esto profundamente, así como también sobre cómo la adaptación de 2017 hizo un flaco favor a la versión original.

La manera Fantasma en la concha 2017 quiere que veamos la ciudad en estas elaboradas tomas elevadas que se mueven y se deslizan a través de los edificios holográficos. Pero, la gente real no ve la ciudad de esa manera. Una de las cosas que 2017 me ayudó a darme cuenta es que cada toma del montaje del anime es desde la perspectiva de los seres humanos. La cámara se coloca solo donde las personas puedan pararse, sentarse o mirar por la ventana. Así es como construyes un sentido de lugar, no así.

NerdWriter

Cuando las películas de acción en vivo siempre intentan parecer más grandes que la vida, a veces es posible que tenga que volver a otro medio para apreciar los elementos de la vida pequeña.


3. Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin – perspectiva

Bueno, técnicamente se trata de varios animes. Los que son Akira, Fantasma en la concha, Patlabor, Neon Genesis Evangelion, y Tekkonkinkreet.

Escrito por Stefan Riekeles y publicado por Thames y Hudson, Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin es un libro que trata acertadamente sobre arquitectura en el anime. ¿Quién lo hubiera adivinado por el título del libro?

Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin
Un extracto de Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin por Stefan Riekeles. Imagen vía Thames y Hudson.

Aunque inicialmente, parece evidente que este libro es para diseño estudiantes y amantes de arquitectura, también tiene un propósito secundario para alimentar la inspiración en la construcción de edificios y ciudades. En muchos animes, el paisaje urbano y, en particular, las megaciudades de escenarios cyberpunk distópicos, son casi siempre un personaje dentro de sí mismos (como se indica en el GiTS secuencia).

Personalmente, a menudo lucho con el aspecto de fotografiar correctamente paisajes urbanos (fijos y en video) para acentuar sus características. A medida que el libro analiza cómo se construyen físicamente los edificios y luego se animan, estimula la mente para obtener jugo creativo sobre cómo puede abordar la captura de su próximo paisaje urbano de una manera que se sienta cinematográfica.

Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin
Un extracto de Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin por Stefan Riekeles. Imagen a través de Thames & Hudson.

4. Tu nombre – Belleza en cada cuadro

A menudo hay un debate, un acalorado debate sobre si Makoto Shinkai está en la carrera para ser el próximo Hayao Miyazaki. Estés o no de acuerdo o en desacuerdo con el sentimiento, hay una verdad que no se puede negar: las películas de Shinkai son visualmente hermosas.

Lanzado en 2016, Tu nombre fue un éxito comercial y de crítica que no se había visto en un anime independiente original durante bastante tiempo (no una película basada en una serie de anime preexistente). A partir de 2021, es la tercera película de anime y película japonesa más taquillera de todos los tiempos en todo el mundo.

Fuera de la trama bellamente tejida y la música encantadora, los elementos visuales no son de este mundo. Shinkai usa muchas características que solo se encuentran en la acción en vivo, como destello de lente, profundidad de campo, reflejos especulares, etcétera. Y una característica que se siente prominente en la mayor parte del trabajo de Shinkai es que la mayoría de los fotogramas de la película se pueden recuperar fácilmente y utilizar como impresión para la pared de su hogar.

En Tu nombre, ya sea mostrando la belleza natural de Itomori o estudiantes almorzando en la cancha de baloncesto, todo está enmarcado y animado de manera hermosa. El estilo de Shinkai presenta un caso sólido para darle todo a tu toma para que sea hermosa, incluso si es algo tan mundano como una sola toma de alguien pidiendo direcciones.

Escena de tu nombre
Incluso algo tan mundano como pedir direcciones puede parecer hermoso. Imagen vía HBO Max.

Como nota secundaria, en 2015 se publicó un libro titulado Sky Longing for Memories: El arte de Makoto Shinkai, que muestra algunas de sus mejores composiciones, así como desgloses sobre cómo el equipo compuso los tiros. Como se publicó en 2015, no cubre Tu nombre o el recientemente lanzado Envejeciendo contigo, pero encontrará su estilo característico en su trabajo anterior.


5. La tortuga roja – Longitud focal y minimalismo

Asi que, La tortuga roja no es una verdadera definición de anime. El director, Michaël Dudok de Wit, es holandés y la película está coproducida por la productora francesa Wild Bunch.

Sin embargo, la otra parte de los créditos de coproducción pertenece a la famosa potencia del anime Studio Ghibli. También tiene nombres Ghibli de larga data, como Toshio Suzuki y Isao Takahata sirviendo como productor y productor artístico (respectivamente). Asimismo, antes de su jubilación, quizás el director de Studio Ghibli más famoso de todos los tiempos, Hayao Miyazaki, solicitó hablar y colaborar con Dudok de Wit. Entonces, ¿mitad anime? ¿Animación japonesa-francesa?

De cualquier manera, es mejor que recomendar el anime obvio para ver (Akira) y la película tiene los temas ecológicos familiares de Ghibli, con características típicas de Ghibli que aparecen a lo largo de la película. Pero, en particular, las imágenes no son tan reconocibles como las típicas películas producidas por Ghibli. La tortuga roja te lleva a una isla tropical en medio del océano y, a diferencia de otras películas de la biblioteca de Ghibli, lo hace sin pedirte que te concentres en la narrativa o el desarrollo del personaje.

En cambio, se nos pide que nos enamoremos de un entorno, específicamente una pequeña isla tropical en la que un náufrago mudo se encuentra naufragado.

Escena de La tortuga roja
Con una técnica de narración lenta, La tortuga roja desafía al público a participar con el encanto escénico. Imagen vía Sony Pictures Classics.

Sin diálogo y solo con un enfoque en las imágenes, se esperaría que las imágenes fueran deslumbrantes y llenas de movimiento cinematográfico para mantener a la audiencia comprometida. Sin embargo, es todo lo contrario. A menudo, la cámara está bloqueada y encuadrada con una distancia focal de telefoto a bastante distancia. Esto da como resultado que el personaje sea lavado en escala por los alrededores de la isla tropical.

Escena de La tortuga roja
En la narración visual, a veces la simplicidad supera la complejidad. Imagen a través de Sony Pictures Classics.

Hasta cierto punto, es casi teatral. Es un buen ejemplo en la narración visual para recordarnos que no siempre necesitamos realizar movimientos de cámara extravagantes cuando un enfoque simplista también funciona.


Imagen de portada vía Entretenimiento de FUNimation.

Para obtener más inspiración cinematográfica, consulte estos artículos:

Cómo hacer que el video de un evento se vea interesante y suene bien

Algunos eventos, como seminarios y discursos públicos, pueden ser bastante secos y, como productores de video, es nuestro trabajo encontrar formas de hacer que se vean visualmente interesantes y atractivos para la audiencia del video.

Hacer que un evento parezca visualmente interesante para los espectadores se puede lograr de varias maneras. Para empezar, el lugar que elija para colocar sus cámaras puede ser muy importante.

Si solo tiene una cámara, asegúrese de que la posición esté al frente del sujeto. Puede estar detrás de la audiencia, pero cuanto más frontal y central, mejor. Aunque el presentador se dirige predominantemente a la audiencia frente a ellos, una cámara bien posicionada también permite interactuar con la audiencia del video. Si la cámara está colocada a un lado, hay mucho menos compromiso con el presentador y la audiencia se siente menos involucrada con el contenido.

Si es posible, es una buena idea utilizar varias cámaras. Si tiene la capacidad de utilizar dos cámaras, coloque la segunda cámara en la parte delantera de la sala de cara al público. A veces es posible conseguir una posición detrás del escenario, solo a un lado del centro, pero lo más probable es que esta posición sea al lado del escenario, de cara al público.

La adición de una toma para la audiencia agrega mucho al valor de producción del video y hace que la visualización sea más interesante. También es una necesidad si la presentación incluye un componente de preguntas y respuestas de la audiencia al final de la presentación.

Si es posible utilizar una tercera cámara, colóquela junto a la primera cámara que mira al sujeto. Esto se puede usar para tomas más amplias, como cubrir un panel de invitados.

La edición de una sesión con varias cámaras puede llevar mucho tiempo, la mayor parte de la cual se puede evitar utilizando un conmutador de video para cambiar en vivo a cinta.

Ahora hay varios conmutadores a precios razonables en el mercado, como la serie Blackmagic ATEM, que le permiten ingresar múltiples fuentes de cámara.

El audio es una consideración igualmente importante cuando se piensa en su audiencia. No hay nada más molesto cuando se ve un video de un evento y el presentador se retira del micrófono o, peor aún, no puede escuchar lo que se ha dicho.

Minimizar las posibilidades de que esto suceda solo requiere una buena planificación de la producción.

La forma más segura de capturar el audio es microfonear individualmente a cada presentador o orador mediante micrófonos de solapa inalámbricos. Esto permite que el presentador camine sin dejar de garantizar un buen audio para sus espectadores.

A veces es mejor no depender de la instalación de parches en el sistema de audio del frente de la casa existente. Esto puede estar plagado de una nueva serie de problemas que estarán fuera de su control.

También puede usar el micrófono del atril con un micrófono de cuello de cisne de buena calidad, ¡pídale al presentador que no lo mueva! Es ideal tener micrófonos inalámbricos si es posible, pero si no es así, asegúrese de tener la longitud adecuada de cable de micrófono para llegar desde el atril hasta su cámara.

El uso de una iluminación adecuada también es una gran consideración. Aunque la mayoría de los lugares tienen buena iluminación de escenario, siempre es útil tener un kit de iluminación en espera.

Una vez que se ha pensado en todos los aspectos técnicos de las cosas, preste atención a cómo se puede mejorar el entorno de presentación.

Aunque la dirección artística no suele ser de su incumbencia, a algunos clientes les resultará útil que se sugieran mejoras. No es muy interesante ver a un presentador hablar frente a un fondo blanco. Quizás haya pancartas o un telón de fondo que se pueda usar para dividir el fondo.

Hay muchos componentes en los que pensar al grabar un video de un evento. Sin duda, su cliente quedará impresionado si lo hace lo más interesante visualmente posible.

La realización de comerciales de caza mayor

Eche un vistazo entre bastidores a los grandes comerciales de Reddit, Frito-Lay, Amazon y Paramount que se estrenaron en el Super Bowl LV.


Paramount + “Paramount Mountain” de ViacomCBS, Droga5 y The Mill

ViacomCBS lanzó una serie de nuevos comerciales de Paramount Mountain que presentan estrellas de una variedad de programas, que incluyen Star Trek, Amo a Lucy, Patrulla de la pata, Beavis y Butthead, y muchos más. Quizás un momento notable fue la inclusión de Actuación “Sweet Victory” de Bob Esponja que los fanáticos esperaban ver jugado en el Super Bowl el año pasado.

James Corden en el comercial del Super Bowl LV
Realización entre bastidores del nuevo comercial de Paramount Mountain. Imagen vía ViacomCBS.

Vicepresidente sénior de marketing creativo de ViacomCBS, Sarah LaBrache, habló sobre la campaña,

Para nosotros era importante mostrar la gran variedad de talentos en el servicio. Tener todo el talento reunido, y en el Super Bowl, se sintió realmente enorme.

Filmamos durante catorce días, con veintisiete de nuestro talento, e incorporamos más de una docena de personajes animados. Los rodajes abarcaron tres países: EE. UU., Reino Unido y Canadá. En algunos casos, filmamos algunos talentos de forma remota, a través de sus propios equipos en el set.

Debido a las restricciones de COVID, disparamos a cada individuo por separado. En la mayoría de los casos, se presentaban en un gran estudio con un suelo nevado y una pantalla verde a su alrededor. Nuestro objetivo era hacer que pareciera que filmamos con todos, al mismo tiempo, juntos en un solo lugar. Afortunadamente, tuvimos un socio de efectos visuales increíble en The Mill, que hizo todo lo posible para asegurarse de que todo, desde las líneas de los ojos hasta la iluminación y los movimientos de la cámara, coincidieran perfectamente.

-Sarah LaBrache, vicepresidente senior de marketing creativo

Colaborando a través de Zoom
Colaborar a través de Zoom se convirtió en un desafío. Imagen a través de ViacomCBS.

Dan Kelly, director creativo del grupo de la agencia creativa Droga5, habló sobre los desafíos técnicos:

En tiempos normales, habría estado en el set junto al director. Habríamos tenido una aldea de videos con nuestros clientes y nuestros equipos, donde todos estamos mirando y discutiendo en tiempo real. En cambio, estuvimos allí a través de Zoom, y pudimos ver lo que estaba sucediendo a través de monitores del set. Fue difícil lidiar con el entorno de filmación virtual y no poder discutir las cosas de una manera más humana. También fue un proceso más lento.

-Dan Kelly, director creativo del grupo

Utilizando una pantalla verde
Usando una pantalla verde para crear el mismo fondo para cada actor. Imagen a través de ViacomCBS.

Usted puede lea más sobre la realización de esta serie de comerciales de ViacomCBS.


“Anuncio de 5 segundos” de Reddit de Reddit y R / GA

La agencia de marketing R / GA de Nueva York entregó este anuncio en aproximadamente veinticuatro horas, intercambió ideas sobre el artículo un martes y terminó el comercial el miércoles.

Roxy Young, directora de marketing de Reddit, dijo Los New York Times,

Sentí que, con toda la conversación en torno a Reddit, realmente nos habíamos ganado el derecho a estar en ese momento del Super Bowl, donde hay millones de personas sintonizadas en un evento singular. . . Simplemente no pensé que podríamos unirnos con treinta segundos de material bellamente producido, pero estaba seguro de que podríamos hacer algo en cinco segundos.

-Roxy Young, directora de marketing

Comercial de Reddit Super Bowl LV
Imagen vía Reddit.

El comercial fue un éxito masivo, siendo el segundo comercial más buscado durante el juego. Especialmente dado que el comercial solo se emitió en Nueva York, Los Ángeles, Atlanta, Chicago, Dallas, San Francisco, Filadelfia, Boston y Washington, D.C.


“Flat Matthew” de Frito-Lay, Goodby Silverstein & Partners, Damien Chazelle y The Mill

Damien Chazelle (Latigazo, La La Land) dirigió uno de los anuncios más comentados, con un 2D Matthew McConaughey para los Doritos 3D de Frito-Lay.

Entre bastidores del rodaje de McConaughey. Imagen vía Doritos 3D / Frito Lay / El molino / Goodby Silverstein & Partners.

El artista principal 2D, Alexander Caldish, dice:

Damien ha hecho un trabajo realmente maravilloso al visualizar esto. Un gran, gran desafío en este proceso es encontrar una manera de obtener esos movimientos característicos de Matthew y traducirlo en una verdadera representación en 2D de sí mismo que pueda existir dentro de la realidad.

-Alexander Caldish, Artista 2D

Doritos reunió un desglose completo que puedes ver aquí:


“El cuerpo de Alexa” de Amazon, Lucky Generals, Hungry Man y The Mill

The Mill estuvo una vez más detrás de la postproducción de otro anuncio del Super Bowl, este de Amazon.

“El cuerpo de Alexa” fue una mezcla de fantasía y mundo real, protagonizada por Michael B. Jordan. El director creativo de The Mill, Chris Knight, dijo lo siguiente sobre iluminar los ojos de Jordan:

El mayor desafío fue el equilibrio adecuado de los ojos de Michael, que reflejan el icónico anillo de luz de Alexa cuando habla. La clave fue mezclar la luz del anillo en sus ojos y marcarlo a un nivel que no fuera robótico, siniestro o abrumador. ¡El nivel adecuado para ayudar a vender la combinación MBJ / Alexa!

-Chris Knight, director creativo

El jefe de color de The Mill en Los Ángeles, Paul Yacono, habló más sobre el mundo real frente al mundo de fantasía,

Wayne McClammy y director de fotografía Christian Sprenger Quería que la escena de la oficina y los mundos de fantasía fueran diferentes. Christian usó lentes esféricos para la escena de la oficina y anamórficos para la fantasía, por lo que inmediatamente hubo dos cualidades distintas. Para mejorar eso, hicimos la escena de la oficina un poco más fresca y genérica, y luego, cuando cambiamos a las escenas de fantasía, usamos tonos más íntimos y cinematográficos.

-Paul Yacono, Jefe de Color de Los Ángeles


Imagen de portada a través de Doritos 3D / Frito-Lay / The Mill / Goodby Silverstein & Partners.

Para más proyectos detrás de escena, consulte estos artículos:

Honrando las leyendas detrás de las películas de artes marciales chinas

Una exploración de lo que hace que las películas de artes marciales chinas sean excelentes, así como de cómo se ha desarrollado el género a lo largo de los años.

Como parte de una inmersión más profunda en teoría del género cinematográficoy las muchas formas en que los cineastas pueden usar estos diferentes géneros y subgéneros para informar sus proyectos de producción de películas y videos, estamos echando un vistazo al mundo de alto vuelo de las artes marciales chinas. Sin duda, probablemente hayas visto muchos ejemplos de artes marciales chinas en las películas clásicas de actores y especialistas como Bruce Lee, Jet Li, y Jackie Chan.

Probablemente también hayas visto las influencias de las artes marciales chinas extendidas por todas partes en el cine y la televisión convencionales a lo largo de los años, con películas como La matriz y Matar a billy muestra como Los ángeles de Charlie y Cobra Kai.

Pero, ¿dónde se originan estas tradiciones de artes marciales chinas? Exploremos los primeros días del cine “kung fu” y cómo esto subgénero de acción se ha desarrollado a lo largo de los años, así como echar un vistazo a lo que podría deparar en el futuro.


Los orígenes de Wuxia del cine de artes marciales

Para aquellos que no están familiarizados, las artes marciales chinas es el término adecuado para lo que a menudo se denomina “kung fu”, que en sí mismo es un término que abarca todo tipo de estilos de lucha desarrollados en China. Los orígenes de las artes marciales chinas del combate cuerpo a cuerpo se remontan a miles de años y se remontan a lo largo de la historia china.

Las artes marciales han sido durante mucho tiempo un componente básico de la autodefensa, el folclore y el entretenimiento chinos, sobre todo contados a través de “wuxia”, que son historias de fantasía que tradicionalmente se cuentan sobre héroes de artes marciales. Wuxia se convertiría en un género popular en sí mismo en la literatura china, producciones teatrales, óperas y, finalmente, en televisión y cine.


Del Kung Fu clásico al Karate

Mirando específicamente la historia del cine de artes marciales chino, las leyendas de wuxia darían paso a las películas modernas de kung fu, que se hicieron populares en las décadas de 1960 y 1970. La figura más importante del cine de kung fu es, sin duda, el gran Bruce Lee, famoso por llevar las artes marciales chinas y la cultura del kung fu al público occidental.

Sin embargo, mientras Bruce Lee (cuya carrera fue trágicamente corta antes de que pudiera alcanzar el estrellato internacional) hizo incursiones en Hollywood con su trabajo de acrobacias de artes marciales y películas de kung fu, las artes marciales chinas solo crecerían a partir de ahí.

Una locura de kung fu (llamada “Chopsocky”), junto con las impresionantes artes marciales y las actuaciones carismáticas de Lee, impulsaría a toda una nueva generación de audiencias y artistas, ya que el cine de kung fu generó una ola de popularidad para las artes marciales chinas y el tendencia incipiente del karate tanto en los Estados Unidos como en el extranjero.

La cultura del Karate, junto con el cine tradicional chino de artes marciales, continuaría para lanzar las carreras de artistas marciales chinos como Jet Li y Jackie Chan, mientras que la desarrollaron los practicantes occidentales como Chuck Norris, Don “El Dragón” Wilson, y notablemente David Carradine con su programa apropiadamente titulado Kung fu.


Intrincados trabajos cinematográficos y de acrobacias

Entonces, ¿qué hace que las artes marciales chinas y el cine de kung fu sean tan emocionantes y únicos? Si bien muchos de los tropos cinematográficos se pueden encontrar en películas de género de acción similares como westerns y thrillers, los elementos más impresionantes de estas películas de kung fu son las artes marciales en sí mismas.

Comenzando con Bruce Lee y continuando con el mismo legado de otros artistas marciales chinos, las películas de kung fu son notables por sus intrincadas escenas de lucha y coreografías, que, en la década de 1970, eran un marcado contraste con las secuencias de acción y lucha más escenificadas.

El cine de artes marciales chino siempre se ha centrado en encontrar enfoques nuevos y creativos para la realización cinematográfica, así como en desarrollar estilos y técnicas experimentales para ayudar a crear producciones más espectaculares.

Tigre agazapado dragón oculto, dirigida por el cineasta taiwanés Ang Lee, es un ejemplo perfecto de cómo las artes marciales chinas fueron capaces de cambiar casi por sí solas la dirección del cine de acción convencional con su nueva adopción de acrobacias de alto vuelo y escenas de lucha fantásticas.


Cineastas y películas notables

Junto con el ya mencionado Bruce Lee (que realmente es una figura central en la historia de las artes marciales chinas), ha habido una amplia gama de increíbles actores de artes marciales chinas, especialistas en acrobacias y cineastas por igual.

Lanzamiento un poco antes del clásico de kung fu de Bruce Lee Entra el Dragón, Lieh Lo protagonizado Rey boxeador (también conocido como Los cinco dedos de la muerte) y fue en realidad la primera película de artes marciales chinas que se distribuyó ampliamente en los Estados Unidos y en el extranjero.

Aprovechando el éxito de Lee, intérprete, director y coreógrafo Sammo Hung sería una figura central para lanzar las carreras de artistas marciales notables como Michelle Yeoh y Cynthia Rothrock.

Después de Lee, Jackie Chan también podría considerarse uno de los nombres más importantes en la historia de las artes marciales chinas. Después de comenzar como actor de acrobacias en varias de las películas de Lee, Chan se convertiría él mismo en una estrella con su mezcla de comedia y acción, incluidas películas como El maestro borracho, Historia policial, y Rumble en el Bronx.

Fuera de China, las películas de artes marciales y el cine de kung fu encontrarían nuevas estrellas cerca, con artistas japoneses como Sonny Chiba y Shô Kosugi. Mientras tanto, estrellas de acción estadounidenses e internacionales como Jean Claude Van Damme, Dolph Lundgren, y Wesley Snipes también adoptaría rápidamente estilos de karate para sus propias películas.

Los legados de Lee y Chan continuaron con las nuevas generaciones de artistas marciales chinos como Jet Li, Donnie Yen, Vincent Zhao, y Jing Wu. Estos actores ayudarían a marcar el comienzo de una nueva era de cine de kung fu que se mantendrá fiel a sus raíces de artes marciales chinas y al mismo tiempo adoptarán muchos de los elementos internacionales de los grandes éxitos de taquilla, con películas como Érase una vez en China, Romeo debe morir, Hombre ip, y Guerrero lobo.


El futuro de las artes marciales chinas

Entonces, ¿qué nos depara el futuro de las artes marciales chinas? En este punto, sería difícil ver cualquier gran éxito cinematográfico y no ver elementos de las artes marciales chinas tradicionales y modernas contenidos en su interior, desde el Películas de superhéroes de Marvel a las últimas iteraciones del Guerra de las Galaxias franquicia.

Los artistas marciales chinos también han encontrado nuevas formas de cambiar el género combinándolo más claramente con otros estilos, como actor, intérprete y director chino. Stephen Chow ha encontrado con sus películas de artes marciales que cruzan géneros como fútbol Shaolin (Deportes), movimiento de kung fu (payasadas), y CJ7 (ciencia ficción).

Mientras tanto, muchas de las últimas generaciones de artistas marciales chinos, como Donnie Yen, todavía se encuentran en el mejor momento de sus carreras, y varias de sus películas más importantes se han convertido en franquicias propias, con ejemplos más recientes como Hombre ip 4.

Sin embargo, en última instancia, las artes marciales chinas continuarán evolucionando como parte del léxico cinematográfico más amplio, tanto interna como externamente, mientras que sin duda seguirán nuevos artistas y cineastas, encontrando nuevas formas de atravesar las artes marciales y el cine por igual.


Imagen de portada de Entra el Dragón vía Warner Bros.

Para obtener más estudios de género y consejos sobre cine de acción, consulte estos artículos a continuación.

Por qué LumaFusion es la mejor aplicación de edición de video para iPads

Descubra por qué la interfaz intuitiva, el rendimiento optimizado y la excelente movilidad de LumaFusion la convierten en la mejor aplicación de edición para iPad.

Disponible para usar en iPhones y iPads, LumaFusion es una potencia de edición de video móvil con una interfaz de usuario / UX intuitiva y fácil de entender. Desde cortar un video hasta exportarlo directamente a YouTube, LumaFusion ofrece una experiencia de edición de video completa que puede usar fácilmente en cualquier lugar. Los editores de video que quieran una aplicación de edición ligera y portátil deberían probar LumaFusion. Y, los principiantes que quieran aprender a editar videos deberían considerarlo seriamente. antes de saltando desde lo más profundo con un software más avanzado.

Al principio, puede parecer que editar videos en un dispositivo móvil es una mala idea: demasiado lento, engorroso y sin funciones avanzadas. Eso puede ser así para las docenas de aplicaciones de edición de video en la App Store de Apple, excepto que LumaFusion es realmente bueno.

La aplicación de edición de video premium de $ 30 de LumaTouch está en el extremo superior de las aplicaciones de iOS, pero sigue siendo varias magnitudes más asequible que Premiere Pro, Final Cut Pro, y Estudio DaVinci Resolve. Mientras que los NLE profesionales ofrecen características avanzadas, LumaFusion supera su peso a un precio mucho más bajo, ofreciendo una alternativa competitiva con características comparables que se encuentran en los costosos NLE.


Mi experiencia con LumaFusion

Recientemente me actualicé al iPad Air 4th Gen, que usa el nuevo chip A14 Bionic de Apple. El iPad es genial, claro, pero mi experiencia con LumaFusion ha sido reveladora.

No he tenido que esperar a que se cargue la línea de tiempo, incluso cuando abro la aplicación después de haber estado cerrada durante varias horas o días. Limpiar la línea de tiempo también es increíblemente rápido y no he experimentado la espera, la congelación o el bloqueo que es común en otros software de edición de video. El procesamiento y la exportación también son rápidos y es posible subir el video directamente a YouTube, eliminando un paso completo en mi flujo de trabajo.

Después de editar dos videos en LumaFusion durante las últimas semanas, rápidamente se convirtió en mi forma favorita de editar videos. Puedo cortar el video, editarlo, corregir el color, agregar efectos especiales, ajustar el sonido y más desde mi iPad, lo que nunca pensé que podría hacer desde una tableta. Y, al usar un teclado, puedo cambiar entre controles táctiles y teclado / trackpad.

Ver guía de atajos
Al mantener presionada la tecla Comando, aparece la guía de atajos, que es extremadamente útil. Hay tres páginas en total, que los usuarios pueden desplazarse hacia la izquierda para ver.

LumaFusion tiene muchas características interesantes. Aunque no es tan sólido en algunas áreas como me gustaría, ha sido mi experiencia de edición favorita hasta ahora. Es fácil de usar y comprender, asequible, móvil y, cuando se aprende a usarlo correctamente, puede ser tan bueno como los NLE solo para computadora. Todavía tengo que aprender todo sobre LumaFusion, pero, hasta ahora, hay mucho que me encanta.


Las mejores funciones de LumaFusion

Importación desde SSD y almacenamiento en la nube

Cuando obtuve mi iPad, no pensé que estaría editando muchos videos en el dispositivo. Pero eso ha cambiado ahora, así que tuve que ser creativo para trabajar con mis modestos 64 GB de almacenamiento. Afortunadamente, LumaFusion le permite reproducir medios desde un SSD externo, lo que he estado haciendo. He estado almacenando todas mis imágenes en un SSD portátil PNY de 500GB que obtuve explícitamente para este propósito. Sin embargo, hay una trampa.

En lugar de trabajar con SDD, que es lo que pensé que sucedería, LumaFusion guarda la totalidad de cada clip que se usa en la línea de tiempo. Por ejemplo, si usa unos segundos de un video de un minuto, LumaFusion guarda, o almacena en caché, todo el video en el almacenamiento interno del iPad. La única forma real de trabajar con un SSD es utilizando un Gnarbox o SSD inalámbrico de Western Digital, que se realiza de forma inalámbrica. Sin embargo, esas dos opciones pueden ser tan caras como un iPad.

Aunque hubiera preferido trabajar directamente desde el SSD, LumaFusion simplifica el proceso de importación de clips. No tiene que importar medios desde un SSD, ya que la aplicación lo maneja por usted cuando agrega un clip a la línea de tiempo. Una vez que haya editado y exportado el video, puede eliminar los medios guardados en la carpeta “Medios en caché” dentro de LumaFusion.

Deshacerse de los medios almacenados en caché
A la izquierda, puede ver los archivos que he almacenado en mi carpeta Cached Media. Para deshacerse de los medios almacenados en caché, haga clic en el icono de engranaje en la esquina inferior derecha de la aplicación y luego seleccione la pestaña Limpieza.

Si alguna vez necesita abrir el proyecto nuevamente, puede conectar el dispositivo de almacenamiento que contiene los archivos y la aplicación volverá a descargar los archivos necesarios. Con LumaFusion, nunca tendrá que guardar manualmente, pero la aplicación con frecuencia hace copias de seguridad de su proyecto. Alternativamente, puede archivar y exportar su paquete de proyecto, guardando el archivo del proyecto y los medios utilizados.

Ya sea que esté importando medios desde una SSD, una tarjeta SD o un servicio de almacenamiento en la nube, LumaFusion facilita la importación de cualquier archivo que desee. Siempre que realice una copia de seguridad de sus archivos de forma segura, siempre podrá acceder a ellos a través de la nube con LumaFusion. Esto es especialmente importante para un camarógrafo que trabaja de forma remota, lo que les permite acceder a editar archivos desde cualquier lugar con conexión a Internet.

Importa PremiumBeat Music y mejora tus videos

yo suelo Música PremiumBeat para todos mis videos porque tienen un gigantesco selección de música disponible según el estado de ánimo, el género, la duración y varios otros filtros. Es muy sencillo encontrar exactamente la canción adecuada que estás buscando. Una vez que haya creado una cuenta, puede optar por obtener la licencia de una pista individualmente o registrarse en el suscripción mensual, que incluye cinco licencias de canciones por un precio de 64,95 dólares.

Es muy sencillo incluir la canción en la línea de tiempo de LumaFusion y hay varias formas de hacerlo. La forma más sencilla es descargar una pista a través del navegador de su iPhone o iPad y Guárdalo en el Archivos aplicación. Desde allí, abrir LumaFusion, haga clic en el icono en la esquina superior izquierda y elija Archivos. Luego, elija la opción llamada Agregar enlace a carpeta, que abre una ventana a la aplicación Archivos y elija la carpeta que contiene la pista que descargó previamente de PremiumBeat. Una vez dentro de LumaFusion, puede reproducir la canción y arrastrarla hacia la línea de tiempo.

Licencia estándar PremiumBeat
Puede descargar una canción por 49 dólares o cinco canciones por 64,95 dólares. No soy un matemático sofisticado, pero sé que uno es mejor que el otro.

Alternativamente, si decidió descargar la canción en su computadora, puede cargarla en cualquier servicio en la nube compatible con LumaFusion. Esta vez, seleccione el icono de elipsis en el cuadro de fuentes, seleccione Importar mediosy elija el servicio en la nube que desea utilizar. A partir de ahí, elija la canción que desea importar y listo. La última opción es poner la canción en un dispositivo de almacenamiento e importarla a LumaFusion. Si su dispositivo de almacenamiento es compatible con su iPhone o iPad, seleccione Agregar enlace a la carpeta una vez más, y debería aparecer en la aplicación Archivos, donde puede seleccionarla. Luego, todo lo que tienes que hacer es encontrar la canción e importarla.

Si su video se siente un poco obsoleto o le falta ritmo, agregar una canción solo lo mejorará. Afortunadamente, LumaFusion simplifica el proceso de importación y PremiumBeat tiene la canción adecuada para complementar su video.


Carga extremadamente rápida

Construí mi PC por primera vez en 2019, y poco a poco he ido actualizando parte por parte. En este momento, tengo una PC con estas especificaciones:

  • CPU: AMD Ryzen 7 2700X de 8 núcleos (reloj de refuerzo de 4,3 GHz)
  • GPU: AMD Radeon 5700XT con 8GB de VRAM y reloj acelerado de 1980MHz
  • RAM: 32 GB (4 unidades de 8 GB) de Corsair Vengeance 3200MHz
  • Almacenamiento: HDD de 3 TB para almacenamiento a largo plazo, SSD SATA M.2 de 500 GB para el sistema operativo, SSD NVMe M.2 de 1 TB para juegos y archivos de video
  • MOBO: ASUS Prime X-470 Pro ATX
  • Fuente de alimentación: Corsair RMx 750W 80+ Gold

Eso es todo para decir, tengo una buena plataforma, pero no importa. Editar en el iPad con LumaFusion es mucho más rápido que editar en DaVinci Resolve con mi PC. Realmente no puedo comprender la disparidad de rendimiento, dado que el iPad usa gráficos integrados y 4GB—¡Cuatro! —De RAM.

Quizás el chip de Apple aproveche mejor sus recursos para obtener el máximo rendimiento. También podría ser que LumaFusion, que solo funciona en dispositivos iOS y iPadOS, esté optimizado para ejecutarse en esos sistemas operativos. El escenario más probable es que los controladores de la GPU de AMD sean literalmente basura, y estén arruinando Resolve, de lo que, en las últimas semanas, muchas personas se han quejado en foros.

De cualquier manera, es incomprensible cómo puedo limpiar la línea de tiempo sin esfuerzo en LumaFusion sin ni siquiera un problema. Incluso después de minimizar o cerrar la aplicación, la línea de tiempo se carga increíblemente rápido. Al principio, pensé que era una casualidad porque solo estaba editando imágenes de 1080p. Pero no, pasa lo mismo con el metraje 4K. Y ni siquiera tiene que optimizar los medios: esta es la forma en que LumaFusion crea archivos proxy. Aunque todavía no he probado imágenes en 4K, hay dos canales de YouTube:Papá todos los días y Charla TechGear—Ambos han editado archivos 4K con el mismo iPad que tengo. Sus líneas de tiempo fueron suaves como la mantequilla; para ser claros, estoy hablando del tipo batido que se propaga fácilmente.

¿Como es posible? Bueno, el procesador A14 Bionic de Apple que se encuentra en el iPad Air 4th Gen es probablemente el culpable. El rendimiento del procesador es tan bueno que empiezo a pensar que Apple puede ser una mejor opción para los creadores, especialmente ahora que usan silicona en la mayoría de sus dispositivos.

Aunque me gustaría poder hablar sobre el rendimiento de LumaFusion en todos los dispositivos Apple compatibles, editar en el iPad Air ha sido una experiencia refrescante. Creo que editaré principalmente en mi iPad en lugar de en mi PC. Imagínate.


UI / UX intuitivo

El título de esta sección suena como el tipo de palabras de moda que a las empresas de tecnología les gusta usar, pero es cierto en este caso. El diseño de LumaFusion tiene sentido, especialmente si tiene experiencia previa trabajando con otros NLE. Si no, recomiendo leer el Guia de referencia, que logra transmitir cómo hacer todo en la aplicación sin ser abrumador. También puede aprender los conceptos básicos del video a continuación.

Utilizando conocimientos previos de edición de video de Premiere Pro y DaVinci Resolve, no me tomó tiempo acostumbrarme a la forma de hacer las cosas de LumaFusion. Muchas de las teclas de método abreviado también son similares a otras NLE populares. Para un repaso, puede mantener presionada la tecla Comando para que aparezca la lista completa de accesos directos, una característica que descubrí accidentalmente después de apoyar el dedo en la tecla mencionada anteriormente.

Aunque prefiero usar el teclado para editar, LumaFusion está diseñado para funcionar sin él. A veces uso mi dedo si quiero más control al mover un control deslizante o al arrastrar un clip, y me encanta poder usar tanto mis dedos como el teclado para lograrlo. Cuando el trackpad no es tan preciso como me gustaría, puedo cambiar instantáneamente, lo cual no es algo que pueda hacer cuando trabajo en mi PC.

Tablet iPad Air 2020 (4.a generación)
El teclado que se muestra aquí es Magic Keyboard de Apple para el iPad Air 4th Gen, que recientemente bajó de su elevado precio de $ 300 a $ 200 todavía locos. Utilizo la funda con teclado táctil Folio de Logitech. Imagen vía Framesira.

Los usuarios también pueden usar un lápiz óptico para mayor precisión, como el Apple Pencil o el Logitech Crayon. No tengo un lápiz, así que no he podido probar esta función, pero he visto que funciona.


Diferentes formas de ver y editar

LumaFusion funciona en modo vertical y horizontal, lo que brinda a los editores la opción de elegir su forma preferida de edición. El modo horizontal me parece natural, pero me gusta poder elegir entre los dos. Para adaptar el diseño de la aplicación a su gusto, puede cambiarlo eligiendo el Diseños botón. Hay varias opciones, cada una de las cuales cambia la sección de la aplicación a otra ubicación o las expande. Aunque no puede arrastrar y soltar las secciones en cualquier lugar, elegir entre diferentes diseños es un compromiso bienvenido.

Opciones de diseño
Hay seis opciones de diseño diferentes. Puede cambiar los diseños presionando el botón Diseños.

También disfruto de poder conectar mi iPad a un monitor externo para editar y obtener una vista previa de mi video. Esto funciona de dos formas: mediante un cable HDMI, que requiere un adaptador, o mediante AirPlay. Usé un Apple TV para transmitir contenido y pude AirPlay LumaFusion en mi TV al activar Screen Mirroring.

Si no tiene un Apple TV u otro dispositivo Apple, la ruta HDMI también está bien. Solo asegúrese de obtener el adaptador correcto. LumaFusion recomienda utilizar un Adaptador multipuerto AV digital USB-C o un Adaptador AV digital Lightning de Apple. Ya sea con cable o inalámbrico, hay diseños especiales que puede usar cuando se conecta a un monitor externo.


Corrección de color simple y otros efectos

Ya he repasado lo fácil que es importar medios en LumaFusion, y el siguiente paso es cortar el video. Con seis pistas de audio y video y otras seis pistas de audio, LumaFusion tiene mucha flexibilidad. Justo debajo del Ventana de vista previa, tienes una vista panorámica de la línea de tiempo llamada Navegador de línea de tiempo. A medida que su línea de tiempo crece, puede hacer clic en cualquier parte del navegador de línea de tiempo para mover la cabeza lectora.

El encabezado de pista se puede utilizar para controlar la línea de tiempo, lo que le permite silenciar, vincular / desvincular, ver, ocultar o bloquear pistas. El Mezclador de audio es una herramienta fantástica para controlar los niveles de audio, lo que permite ajustar cada pista o la pista maestra deslizando los niveles hacia arriba y hacia abajo. La aplicación también tiene una función de atenuación automática de audio para bajar y subir gradualmente la música de fondo cuando un sujeto comienza a hablar.

Cuando esté listo para agregar efectos, títulos, y color correcto su metraje, es hora de dirigirse al Editor de clips. Para hacer esto, doble toque o haga clic en el clip para abre el Editor de clips. Bajo la Vista previa del editor de clips ventana, verá cuatro editores diferentes, cada uno representado por un icono distinto.

Ventana del editor de colores y efectos
Verá los cuatro iconos diferentes debajo de la ventana de vista previa. De izquierda a derecha: editores de encuadre y ajuste, velocidad, audio y color y efectos. En esta imagen, se selecciona el Editor de colores y efectos.

El primero es el Editor de fotogramas y ajustes, que es donde puede recortar, hacer zoom y crear animaciones de fotogramas clave. El editor de velocidad cambia la velocidad del clip o la invierte. El editor de audio es donde puede aplicar efectos de audio y ajustar los niveles. Y, finalmente, puede corregir el color y aplicar LUT a su material de archivo en el Editor de colores y efectos.

Editor de marcos y ajustes

El Editor de fotogramas y ajustes es sorprendentemente útil, ya que hace que la animación de fotogramas clave sea accesible para principiantes. Aplicar un zoom gradual a un clip le da a tu video una calidad más cinematográfica, pero hay mucho más que puedes hacer. solía este tutorial para crear algunos ajustes preestablecidos de título dentro del Editor de marcos y ajustes, que ahora puedo usar en videos futuros.

Editores de audio y velocidad

Los editores de audio y de velocidad tienen sus usos, pero no pasé demasiado tiempo con ellos. Todos mis clips tenían una velocidad de fotogramas estándar de 24 fps, por lo que no había forma de que pudiera ralentizarlo sin que pareciera entrecortado. La falta de una función de eliminación de ruido del editor de audio es una de mis pocas quejas sobre este software, que ofrece la menor utilidad. A menos que tenga un problema de audio específico:p.ej., oclusivos, ruido no deseado o saturación: puedo ajustar mis niveles con el mezclador de audio a la izquierda de la línea de tiempo.

Editor de colores y efectos

Donde se pone interesante es el Editor de colores y efectos, que es donde puede realizar los cambios más impactantes. Después de usar principalmente DaVinci Resolve para editar videos durante los últimos meses, me he acostumbrado a sus herramientas de corrección de color y gradación de color, que sin duda son las mejores en el negocio.

El cambio de Resolve a LumaFusion fue un shock, ya que este último simplifica el proceso de corrección de color en un grado significativo. No hay ruedas de color, visores de video, balance de blancos automático, nodos ni ninguna de las configuraciones que aprendí a usar lentamente.

Herramientas para corregir el color
Los controles deslizantes y los ajustes preestablecidos de la izquierda son las herramientas principales para corregir el color.

En cambio, obtienes un puñado de ajustes preestablecidos de color y algunos controles deslizantes. No me impresionó, pero creció bastante rápido. Desearía que la corrección de color fuera mejor, pero puede corregir el color de su metraje a un nivel lo suficientemente bueno si sabe lo que está haciendo.

Cuando haya terminado de corregir el color, puede hacer clic en la pestaña LUT y elegir una o importar la suya propia; LumaFusion admite LUT .cube o .3dl. La pestaña Chroma and Luma Key también es útil para enmascaramiento. El Editor de colores y efectos puede ayudarlo a cambiar el aspecto y el tono de su video, y es donde un editor puede ejercitar sus músculos creativos.


El mejor editor de video para iPad

Estoy seguro de que LumaFusion también funciona bien en iPhones, pero, con una pantalla más grande y una mejor duración de la batería, el iPad es la mejor manera de editar videos en LumaFusion. Los iPads de gama alta, como los modelos Air y Pro, sin duda tendrán un mejor rendimiento al editar con LumaFusion, pero incluso los iPads estándar recientes funcionan bien.

Cuando compré mi iPad Air por primera vez, nunca pensé que lo consideraría una máquina de edición de video legítima, pero estoy contento con el giro de los acontecimientos. Lo más probable es que continúe usando LumaFusion como mi editor de video principal en el futuro previsible, no solo porque es fácil sino porque puedo llevarlo a cualquier parte. A pesar de lo potente que es, mi PC no es tan portátil, ni tan fácil de usar ni tan rápida como mi iPad. Palabras que, para ser honesto, querido lector, nunca imaginé que estaría escribiendo.

Chico de PC
Recientemente, tuve muchos momentos en los que cuestioné mi identidad como usuario de PC y si Apple es una mejor opción para los creadores. La imagen de arriba es representativa de mi estado de ánimo. Imagen vía Ollyy.

Mi consejo para aquellos que quieran aprender a editar videos es simple: compre un iPad, descargue LumaFusion y cree videos.


Imagen de portada vía sergey causelove.

Para obtener más sugerencias de edición de video, reseñas de equipos y realización de películas, vuelva a consultar con El latido y eche un vistazo también a estos artículos:

Nuestras 5 fotos favoritas de Darius Khondji

Exploremos las cinco mejores secuencias de películas de Darius Khondji y deconstruiremos los elementos para que tú también puedas replicar estos enfoques magistrales.

Por supuesto, sería muy subjetivo decir que cualquier director de fotografía tiene cinco mejores tomas. Sería difícil conseguir las cinco mejores fotografías para un fotógrafo famoso, pero seleccionar cinco tomas de una sola película, y mucho menos dos docenas de películas, llenas de cientos de hermosas composiciones, parece una pesadilla sin fin. Especialmente si el trabajo que está tratando de reducir es el del legendario director de fotografía iraní-francés. Darius Khondji.

Por lo tanto, esta podría no ser una lista de las cinco mejores tomas de Darius Khondji, sino más bien cinco tomas de secuencias que me hablaron. Aunque Khondji ha declarado que no cree que tenga un estilo distintivo, muchos de los que estudian cinematografía dirían que es un artista al que le gusta trabajar en las sombras y que es un maestro en hacerlo.

Veamos cuáles son y deconstruyamos los elementos para que puedas replicar la toma.


1. Se7en

Siete (a menudo estilizado como Se7en), una película de David Fincher y escrito por Andrew Kevin Walker, podría ser mi película favorita de todos los tiempos filmada por Khondji. Es el epítome de raw negroy está inmensamente fotografiado. Si bien es difícil alejarse de la historia, a veces te deja asombrado cuando lo haces y analizas las tomas. Eche un vistazo a esta toma del teniente detective William Somerset, interpretado por Morgan Freeman. Su retrato está lo suficientemente cerca en completa oscuridad, con solo toques de luz en su ropa y nariz para acentuar su presencia. La mayor parte del rango tonal existe en el fondo, pero funciona perfectamente.

Morgan Freeman en Se7en
La luz de fondo acentúa la presencia del personaje en la toma. Imagen a través de New Line Cinema.

Mis fotos favoritas de Se7en son de los que están en el coche. Hay cierta elegancia y sencillez en la forma en que fueron construidas. Por ejemplo, solo hay dos tomas de PittPersonaje en la secuencia final durante seis minutos: un medio y un primer plano. Pero, hablemos de cómo Khondji fotografió los interiores de los automóviles.

Se7en recibió un disparo en:

  • Aaton 35-III, lentes Panavision Primo
  • Panavision Panaflex Gold, lentes Panavision Primo
  • Panavision Panaflex Platinum, lentes Panavision Primo

Y esto fue con:

  • Eastman EXR 200T 5287/7287 Neg. Película
  • Eastman EXR 200T 5293/7293 Neg. Película
  • Eastman EXR 50D 5245/7245 Neg. Película

En muchos de los interiores de los automóviles, puede notar que el exterior es bastante brillante, pero el interior está relativamente oscuro. Hasta el punto en que si se estudia más tiempo que el momento en la pantalla, debería ser evidente que el automóvil debería ser relativamente más brillante.

Brad Pitt en Se7en
Si bien el interior del automóvil debería ser más brillante, las libertades negras crean una sensación de humor. Imagen a través de New Line Cinema.

Pero, por supuesto, la libertad creativa tomada en estas circunstancias nos coloca en el oscuro mundo de dos detectives en busca de un asesino en serie. Para lograr este nivel de contraste, Khondji subexpondría los interiores en dos paradas. Al hacerlo, eso hizo que los exteriores cobren vida.

La versión de bajo presupuesto: Utilice la herramienta de medición de su cámara y diríjala hacia el exterior del automóvil para obtener una lectura del medidor. Regrese la cámara al interior y baje la exposición dos pasos de donde se estableció el exterior. Ahora tendrá un interior oscurecido con el fondo correctamente expuesto e iluminando su talento, en oposición a la luz del día ambiental que llena su vehículo.


2. La ciudad de los niños perdidos

La ciudad de los niños perdidos es una película de 1995 de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. Solo vi esta película una vez, y fue cuando tenía dieciséis años y estudiaba cine en 2006. Sin embargo, todavía puedo recordar vívidamente las imágenes inquietantes y surrealistas hasta el día de hoy. Si eso no es señal de una gran realización cinematográfica, no sé qué es.

La película se rodó con Eastman EXR 100T 5248 y EXR 200T 5293.

Esta toma y esta escena se me han quedado grabada para siempre:

Daniel Emilfork en La ciudad de los niños perdidos
El tinte de color verde y la elección de lentes crean una atmósfera distópica inquietante. Imagen vía Sony Pictures Classics.

Había dos componentes clave: la elección de la lente y el tinte de color para realzar el elemento surrealista general de la película. Hay un verde espeluznante que se filtra en la paleta de colores de la película. Esto, por supuesto, se vio acentuado por el diseño de la escenografía y el vestuario, pero también hubo elementos aportados desde la cinematografía.

Primero, se colocaron geles verdes sobre las luces cuando fue posible. En segundo lugar, y de manera más creativa, como el escenario principal se construyó sobre una piscina gigante de agua, literalmente vertieron pigmento verde en el agua para hacerla lo más densamente verde posible. Esto, a su vez, también proyectaría una luz ambiental verdosa desde el agua.

Para realzar los elementos surrealistas, la película hizo un gran uso de una lente de 18 mm, que es extremadamente amplia para escenas narrativas, y mucho menos conversacionales. Sin embargo, el uso de una lente tan gran angular distorsiona la cara y agrega un ingrediente de lo surrealista.

La versión de bajo presupuesto: Ajusta la configuración de tinte de la cámara para incluir más verde en la imagen. O, preferiblemente, puede agregar verde a su composición mediante el uso de software de posproducción, como Resolver.

Los objetivos gran angular son perfectos para proyectos surrealistas. Pero recuerde, si usa uno en una cámara con un factor de recorte, su lente no aparecerá tan ancha como se anuncia. Una lente de 17,5 mm en una Pocket 4K casi se convierte en el equivalente a 35 mm.


3. Gemas sin cortar

Gemas sin cortar fue el trabajo de largometraje más reciente de Khondji, y mirando su IMDb, no parece que vayamos a ver otra función de filmación de Khondji el próximo año. Pero su acumulación tiene contenido más que suficiente para pasar un mes de largometrajes filmados por Darius Khondji.

Con Gemas sin cortar, nos vamos a desviar de la selección de una toma específica y, en cambio, hablaremos de la textura que tiene cada toma, ya que es bastante creativa y se aplica a todas las tomas a lo largo de la película.

Gemas sin cortar se filmó en dos formatos diferentes: digital con la ALEXA Mini y cámara ALEXA LT & ST de celuloide con película negativa 5219. La película negativa se utilizó en las secuencias diurnas, pero el Mini se utilizó para las secuencias nocturnas. Hubo una elección creativa para resaltar el grano de la película, dijo Khondji a Kodak:

No me gusta que la imagen sea demasiado limpia, ya que simplemente no sirve para contar historias, y Josh y Benny comparten la misma opinión. . . Todos queríamos textura del grano. Filmamos pruebas de interiores y exteriores, experimentamos con diferentes tipos de procesamiento de empujar y tirar en el laboratorio, y sentimos que empujar en una parada era la fórmula que nos dio el mejor resultado en términos de textura. Filmamos toda la película empujada por una parada.

-Darius Khondji

Adam Sandler en Gemas sin cortar
El aspecto granulado de la película se suma al estilo de vida estático del personaje principal. Imagen vía A24.

Empujar la película a la luz del día una parada haría que el grano prevaleciera más bajo la luz del día y promovería esa crudeza subterránea que persigue la historia. Aún así, habría un problema con imágenes de ALEXA tan limpias. Por lo tanto, aumentaron el ISO a 1600, una parada más rápido que los 800 recomendados por ARRI. Esto resaltó el paisaje nocturno y también aumentó el ruido del sensor.

Sin embargo, para combinar a la perfección el ruido del sensor y el grano de la película, ellos agregaron grano a imágenes de ALEXA de la película 5219 expuesta. En las secuencias nocturnas, el grano transformaría sutilmente las escenas de fondo.

La versión de bajo presupuesto: Si bien aumentar cualquier ISO desde el ISO base del fabricante dará como resultado una apariencia de ruido del sensor, las cámaras de consumo no se verán tan orgánicas o suaves como el ruido de una ALEXA. Por lo tanto, si tiene la intención de aumentar el ISO para resaltar la aspereza de su imagen, asegúrese de realizar una prueba exhaustiva de antemano para ver qué tan perjudicial puede ser el aumento de ISO.


4. La ciudad perdida de Z

La ciudad perdida de Z podría ser una de las películas más subestimadas criminalmente de los últimos años. Marca la segunda colaboración de Khondji con James Gray, recibió una gran aclamación, pero lamentablemente tuvo un rendimiento inferior en la taquilla con solo un retorno de $ 19 millones con un presupuesto de $ 30 millones. Aparte de eso, dado que la película se desarrolla en la selva amazónica, la película (por supuesto) está bellamente filmada con muchas secuencias destacadas.

La toma de la que voy a hablar en este segmento es de la secuencia final de la película y tiene muchos spoilers, así que omita esto si tiene la intención de ver la película.

¡Spoilers!

En la secuencia final, tanto Percy Fawcett como su hijo, Jack, son capturados por los nativos. Es una escena inquietantemente hermosa. El personaje sabe que esta es la última vez que estará con su hijo y sus últimos momentos con vida. Le da a su hijo conocimiento, sabiduría y esperanza en sus últimos segundos. A modo de cinematografía, esto se refleja visualmente ya que la única fuente de luz es el fuego. Solo hay fuego y oscuridad.

Iluminación en La ciudad perdida de Z
La única fuente de luz de la escena final provino de las antorchas del actor. Imagen vía Estudios Amazon.

No hay iluminación de techo ni de fondo para sacar a los personajes de la oscuridad y, de hecho, se suponía que debía haberlos. En las conversaciones del libro con Darius Khondji, señala que las autoridades locales iban a construir una carretera hacia el lugar para que los cineastas pudieran transportar una grúa e iluminar el fondo. Sin embargo, más cerca del rodaje, descubrieron que ya no podían construir la carretera y, en cambio, toda la escena estaba iluminada de forma natural.

Además de colocar fuego en todas partes, a lo largo de los caminos, el agua y las colinas, Khondji también tuvo que empujar la película dos topes y mantener la abertura bien abierta.

La versión de bajo presupuesto: Si solo tiene la intención de filmar con luz práctica por la noche, necesitará una lente con una apertura realmente rápida como f / 1.8 of / 1.4, y también tendrá que hacer uso de aumentar su ISO. Si el ISO base de su cámara es 800, gírelo hasta 3200.


5. Se7en

Bien, sé que hay muchas películas para seleccionar del impresionante CV de Darius Khondji, pero quiero volver a Se7en para otra oportunidad. Tantos disparos en Se7en, como éste, son simplemente tocados por la luz, a diferencia de estar iluminados con cualquier forma de luz direccional. Aunque hay algunas prácticas en la escena, no hay una sensación general de iluminación dirigida hacia Freeman, y eso es lo que Khondji afirma en el libro. Conversaciones con Darius Khondji.

Morgan Freeman en Se7en
Las fuentes de luz colocadas estratégicamente crean un ambiente siniestro. Imagen a través de New Line Cinema.

Yo diría que, en la mayoría de los casos, me gusta usar lo que llamo los “restos” de la luz, no las partes directas y más fuertes de la luz, sino más bien los rastros finales de la misma. Entonces, tiendo a usar estas luces gigantes para iluminar una escena, pero la luz que termino filmando es mucho menos poderosa. Por lo general, mi lente está abierta con una apertura de f / 1.4 of / 2.8, porque aunque estoy usando luces grandes, están muy lejos o rebotan contra un gran lienzo roto a través de algunas capas de difusión.

-Darius Khondji

También es importante tener en cuenta que no suele utilizar la luz de relleno cuando toma fotografías digitales, pero cuando lo hace (o graba una película), solo lo hace desde un ángulo de 30 grados desde la luz de la tecla. Mientras que, por lo general, esperamos que la luz de relleno esté en el lado opuesto de la tecla, a 2-3 paradas menos que la tecla. En thrillers, a veces el relleno sería una luz superior, y eso es lo que a menudo vemos que se usa en Se7en—Los restos de luz.

La versión de bajo presupuesto: Busque usar mucha luz de rebote en lugar de cualquier luz direccional y dura, y evite usar una luz de relleno para imitar una imagen oscura con contraste.


Para obtener una visión increíblemente profunda de la carrera de Darius Khondji, asegúrese de consultar Conversaciones con Darius Khondji.


Imagen de portada a través de New Line Cinema.

Para obtener más inspiración cinematográfica, consulte estos artículos:

Los mejores micrófonos lavalier para producción de video

Hoy desglosamos los mejores micrófonos lavalier actualmente en el mercado para sus producciones de películas y videos.

¿Escucha eso? Es un audio nítido, claro y perfecto proveniente de los sujetos o actores de su entrevista. ¿Cómo lo conseguiste, preguntas? Bueno, en lugar de simplemente usar el audio de su cámara, o tratar de luchar con un micrófono boom, un mástil boom y un operador de boom, simplemente configure un micrófono lavalier.

¿Qué es eso? ¿Ni siquiera puedes verlo? Bueno, eso es porque está oculto. Se coloca discretamente en la solapa del sujeto de la entrevista, con el cable detrás de la camisa para que no se vea por ninguna parte en la cámara.

Entonces, ¿qué es este maravilloso artilugio? Hoy, exploraremos los mejores micrófonos lavalier (o micrófonos “lav”) para usar en la producción de películas y videos. ¡Vamonos!


¿Qué es un micrófono lavalier?

En primer lugar, definamos el importantísimo “micrófono lav”. Como puede ver en el video de arriba, el micrófono lav es solo una herramienta en el arsenal de un cineasta o ingeniero de audio para capturar sonido de calidad en una película o un set de producción de video.

Otros nombres para un micrófono lav incluyen:

  • Lav
  • Micrófono de solapa
  • Micrófono de clip
  • Micrófono de cuerpo
  • Micrófono de cuello
  • Micrófono de cuello
  • Micrófono personal

Pero, como implican muchos nombres, el micrófono lav es básicamente un micrófono pequeño que se conecta directamente a los sujetos para grabar su audio directamente, de cerca y de manera personal. Debido a su pequeño diseño, estos micrófonos lav son fáciles de ocultar. También vienen en opciones con cable o inalámbricas. Exploremos opciones que van desde equipos baratos y asequibles hasta kits inalámbricos y con cable de mayor calidad.


Opciones de micrófono Lav baratas

El micrófono Audio-Technica ATR-3350iS Lav
El Audio-Technica ATR-3350iS es un micrófono de baño fantástico a tener en cuenta al comenzar. ¡Solo asegúrese de comprar copias de seguridad! Imagen vía Audio-Technica.

Aquí hay tres micrófonos lav que no arruinarán el banco. Personalmente, soy un fanático de comenzar con algunas de estas alternativas más económicas cuando recién está comenzando. Estos son buenos si está grabando videos para las redes sociales o incluso en su teléfono inteligente. Sin embargo, recomendaría comprar un par a la vez, para que tenga uno o dos de respaldo en caso de que uno deje de funcionar.

Estos tres están disponibles en Amazon por menos de $ 35 y son opciones cableadas. Si su producción es lo suficientemente compacta, recomiendo tender los cables desde sus sujetos y directamente a su cámara principal. El audio será mejor que el audio de la cámara o incluso si usa un micrófono de escopeta acoplable.


Opciones de micrófono Lav con cable

El RØDE smartLav +
El RØDE smartLav + es una sólida opción de micrófono lav que es flexible, además de confiable, para todo tipo de producciones de películas y videos. Imagen vía MONTÓ.

Una vez que haya explorado las opciones baratas y reemplazables, se sentirá más cómodo al realizar algunas compras de micrófonos de lujo que deberían durarle años, así como cientos de sesiones (¡no las pierda!). Estos cinco micrófonos lav son opciones con cable. Pero, como exploraremos a continuación, también puede usarlos con prácticamente cualquier sistema inalámbrico que tenga.

Yo personalmente recomiendo el RØDE smartLav +, ya que lo he usado en muchas sesiones a lo largo de los años. Como muchas de estas opciones, es un condensador omnidireccional que capta un audio extraordinario cuando se instala en la solapa de un sujeto, pero no tiene que preocuparse demasiado por obtener el ángulo correcto o si se desplaza a mitad de la toma. Sin embargo, a medida que suben los precios, buscará micrófonos de mayor calidad y mejores materiales para opciones más duraderas.


Kits de micrófono inalámbrico Lav

Kit de micrófono Movo WMIC50 Lav
Si bien hay muchas opciones de gama alta para considerar, el Movo WMIC50 es un kit de micrófono lav inalámbrico de calidad para ayudarlo a aprender a manejar el audio. Imagen vía Movo.

Por último, una vez que se tome en serio el trabajo con micrófonos lav en sus equipos de video con regularidad y con un estándar profesional, querrá invertir en un kit o equipo de micrófono lav inalámbrico completo. Como puede ver a continuación, estos van desde poco menos de $ 100 hasta casi $ 1,000. Y, en cada punto de precio, buscará más sofisticación y mayor control de audio.

Si bien las opciones de Sennheiser pueden representar esta clase de calidad más alta para los kits de micrófono lav inalámbricos, todavía recomiendo comenzar más barato y progresar. El Movo WMIC50 es una décima parte del costo y lo ayudará a aprender a manejar mientras desarrolla su flujo de trabajo con múltiples micrófonos lav a la vez.

Todas estas son opciones perfectas para ayudarlo a comenzar. La prueba real es experimentar con micrófonos lav en sus filmaciones y grabaciones de video, recordando que estos micrófonos no son el fin de la producción de audio, sino una herramienta en su arsenal de diseño de sonido para ayudarlo a proporcionar imágenes nítidas, claras y hermosas. audio.


Imagen de portada de HC FOTOSTUDIO.

Para obtener más consejos, trucos y recursos de audio, consulte estos artículos a continuación:

Así es como las marcas pueden experimentar con contenido de video comercial

El marketing de contenidos ya no se limita solo al contenido editorial. Ahora, más marcas están preocupadas por llegar a una audiencia más amplia y, por eso, nada supera el poder del medio visual. El marketing de video y el contenido visual promocional es una de las mejores formas de comercializar y publicitar un servicio, producto o marca, y tiene sentido utilizar el medio, dado que el público espera con ansias dichos videos. Atrás quedaron los tiempos en los que una pancarta en la carretera sería el mejor medio para vender un producto.

Empezando:

Hoy en día, los clientes quieren mucho más que anuncios y están muy impresionados por el contenido de calidad. Básicamente, hay más posibilidades de que un video se vuelva viral en las redes sociales que un anuncio de periódico regular que impulse grandes ventas. Entre las principales consideraciones para la mayoría de las empresas, nuevas empresas y marcas está la producción de videos, pero afortunadamente, ya no necesitas un equipo para eso. Hay servicios profesionales que pueden hacer la tarea por usted a un precio excelente. Estas son las cosas que necesita saber.

Comprenda los objetivos de la marca:

Antes de buscar uno de los empresas de producción de videos comerciales, debes comenzar evaluando los objetivos de la marca. A menos que esté absolutamente seguro de lo que está buscando, es difícil obtener el mensaje correcto en un video. Además, debes decidir la combinación de contenidos. Por ejemplo, ¿solo busca contenidos para la audiencia o necesita videos especiales para empresas corporativas, inversores y necesidades internas? Además, ¿con qué frecuencia desea invertir en los materiales de video? Siempre es una buena idea ser regular con los videos, ya que mantiene a los clientes y espectadores comprometidos con el canal, las páginas de redes sociales y el sitio web.

Elección de una empresa de producción:

Cuando se trata de producción de videos comerciales, debe estar más seguro de la inversión y el presupuesto. Querrá un equipo que pueda comprender los valores fundamentales de su negocio y pueda trabajar en torno al presupuesto decidido. Antes de elegir un servicio, hágales preguntas sobre el tipo de servicios que brindan y los presupuestos con los que han trabajado hasta ahora. También es necesario comprobar la calidad de su trabajo. Busque detalles de sus proyectos, el tipo de videos que han producido hasta ahora, con un enfoque en el presupuesto. Si una empresa afirma tener experiencia en el manejo de contenido de marca, debería poder brindarle algunos detalles sobre su clientela. En caso de que obtenga referencias, asegúrese de verificarlas.

Finalmente, también es esencial marcar un plan para sus necesidades de producción de video. Pregúntele a la empresa en cuestión si pueden darle un mapa de acción detallado, para que pueda organizar los fondos y otros aspectos. El contenido de video de marca debe ser lo más nítido y lo más breve posible, ya que la capacidad de atención de las audiencias es cada vez menor. En resumen, necesita un servicio que pueda crear contenido de video atractivo y único en un formato más pequeño, sin diluir el marketing y el atractivo visual.