Etiqueta: Video marketing

En este desglose cinematográfico, vemos cómo Blade Runner 2049 usó el color para contar una historia a través de la luz y el sonido.

Imagen de portada a través de Warner Bros.

Amigos casuales y colaboradores inspiradores Denis Villeneuve y Roger Deakins he hecho algo especial con Blade Runner 2049. Esta película es tan densa en deleites visuales y auditivos que los cineastas la separarán y replicarán sus trucos durante años.

Parte de la razón por la que la película ha ganado tantos premios y ha recibido tantos elogios es la increíble atención al detalle y al desarrollo de la trama. Ya sea por el uso de ciertos colores para evocar ciertas emociones o simplemente sabiendo cómo se mueven los ojos de la audiencia, estos cineastas definitivamente han aportado un nuevo enfoque a la ciencia ficción distópica. Entonces, echemos un vistazo a cómo las contribuciones del diseño de producción de clase mundial, la dirección virtuosa y la cinematografía innovadora pueden crear una de las películas visualmente más impresionantes jamás realizadas.

---

Amarillo

Villeneuve usa el amarillo como fuente de información e iluminación para nuestro héroe, K. Cada vez que se revela un punto importante de la trama o ocurre un nuevo giro, el amarillo está en la composición de alguna manera. Ya sea un fuego, una luz de fondo o un pastel simulado, el color actúa como una señal subconsciente para la audiencia y nuestro héroe. En particular, el banco de información y la guarida de Niander son dorados, lo que representa su importancia y la importancia de los personajes que lo habitan.

Color puede ser una herramienta increíblemente poderosa para contar historias sutiles y transmitir significado. La belleza del uso del color de Villeneuve es que no lo hizo como un truco, sino para avanzar en su historia. Encuentra tu propio estilo que refleje tu personalidad y llena tus proyectos con él. Diviértete con la forma y no tengas miedo de usar los colores de diferentes formas.

Para profundizar en cómo Deakins filmó e iluminó estas escenas, consulte nuestro artículo sobre la cinematografía de Blade Runner 2049:

---

naranja

Una vez que K llega a Las Vegas, toda la ciudad se ve bañada por una misteriosa niebla naranja que continúa hasta que abandona este escenario. El uso de este color como telón de fondo crea una sensación de advertencia y precaución. A menudo asociada con la transformación, esta escena actúa como una transición entre el segundo y tercer acto cuando nuestro héroe se encuentra con Deckard, lo que lleva a otra gran revelación que K ha estado buscando.

---

Verde

Villeneuve usa el verde casi cada vez que Joi, el compañero robótico de K, está en la pantalla, así como cada vez que vemos una de las creaciones de Wallace. El verde típicamente connota vida y vitalidad, lo que solo juega con la forma en que el Cazarecompensas franquicia explora la idea de «vida». También puede tomar la escena anterior como un ejemplo del uso del verde para transmitir descubrimiento. K busca respuestas, ya que su novia sin vida lo ayuda desde su lado. Aunque cada aspecto de su vida es artificial, está bajo el disfraz de parecer real.

Otro ejemplo del uso del color para transmitir vida. Cuando K visita al “Dr. Ana Stelline «, literalmente está recreando la vida con su herramienta. Rodeado de un frondoso bosque provoca una reacción instintiva inmediata a lo que nuestros ojos ven: la vida. A medida que avanza la historia, aprendemos que esto es por diseño, ya que su personaje se revela como algo extraordinario (no revelaré nada si aún no lo has visto).

---

Rosado y morado

El rosa y el morado a menudo se asocian con extravagancia, ambigüedad, inocencia, romance y, en general, … inofensividad. Así que es apropiado que Villeneuve use este color para representar los intereses románticos de K. (Incluso si el aspecto romántico está claramente fabricado por el mundo que lo rodea). Estos tonos sirven como una ruptura casi etérea de los horrores que le ocurren. Es solo en estos momentos hacia el final de la película que K se da cuenta de su verdadero propósito o vocación. Se podría considerar este uso del color como una forma de cerrar la brecha entre el tono naranja de Las Vegas y los brutales azules y blancos de lo que vendrá.

---

blanco

White, que representa la verdad y la información, aparece en cualquier escena cuando K se acerca a descubrir quién es realmente. La niña y su casa están bañadas de blanco, lo que representa un faro para K. Hacia el final de la película, K y Deckard se acercan al edificio donde todas las respuestas saldrán a la luz, y que sabes, está nevando afuera y el edificio es blanco.

Salpicado a lo largo de la película, K se ve envuelto en un ambiente monótono y blanco en el que aparentemente se mezcla. Ya sea en la oficina de la comisaría, la nieve o al comienzo de la película, este uso del blanco establece a K como un ser casi camuflado, abriéndose paso en un mundo que no quiere reconocerlo.

Estas son solo algunas de las formas innovadoras en que Blade Runner 2049 El equipo cambió el juego de ciencia ficción al crear una secuela original e impresionante digna de repetirse. Si está interesado en obtener más información sobre la franquicia, consulte nuestra cobertura anterior:

Con la retirada de los principales proveedores del programa (Adobe, Blackmagic Design, Canon, Sony, etc.), era el momento adecuado para que NAB redujera sus pérdidas.

Tuve dificultades para decidir si asistiría COGER en 2021. El gran espectáculo anual se canceló el año pasado durante la pandemia de Covid-19. Tradicionalmente celebrado en abril, el espectáculo se trasladó a octubre de 2021.

Para aquellos que no están familiarizados, el impacto de NAB es masivo. Es la segunda feria comercial más grande que se celebra anualmente en Las Vegas, solo detrás de CES en varios asistentes y proveedores. Es el tipo de programa en el que te encuentras con tantas personas y empresas, y uno en el que, afortunadamente, he podido seguir creciendo en mi carrera con las numerosas reuniones y eventos en persona al azar a los que asistí.

Dado que el aumento de las variantes de Covid-19 sigue siendo un factor importante en los viajes, la mayoría de las principales empresas ya se han retirado de la feria de este año. Obviamente, citando la necesidad de proteger a sus propios empleados de los riesgos para la salud, tanto Canon como Sony han anunciado recientemente que no asistirían.

Esto se suma a otros proveedores importantes que se retiraron a principios de este año, como Adobe, Avid y Blackmagic Design.

NAB también declaró que El reportero de Hollywood:

NAB Show es un motor económico para nuestra industria y esperamos poder ofrecer una experiencia productiva en persona. Hemos tomado medidas importantes para priorizar la seguridad de nuestra comunidad y estamos emocionados de albergar a las muchas empresas expositoras que están listas para reunirse con los compradores y volver a trabajar en Las Vegas.

– THR

Sin embargo, esta misma mañana, NAB tuiteó lo siguiente:

Para nuestra comunidad de espectáculos, con los mejores intereses de la industria en mente, nos entristece anunciar que hemos tomado la difícil decisión de cancelar el evento de este año.

Esperamos verte en Las Vega, Nevada, del 23 al 27 de abril de 2022.

– NAB

En definitiva, es la decisión correcta. Realmente no puedo ver el beneficio de asistir sin varios de los proveedores más importantes. Pasé la mayor parte de mi tiempo explorando nuevas cámaras y equipos en estas cabinas, y viendo las últimas funciones en todo el software que uso, como Adobe CC, Cine 4D, y Resolver.

Para hacerlo desde la distancia, sin poder tocar ni usar el próximo equipo—Acabo de pedir el argumento para hacer que el evento sea digital o cancelarlo hasta el próximo año. Asimismo, como la mayoría de los asistentes probablemente saben, la verdadera acción de NAB está en las fiestas posteriores y los eventos.

Sé que programas como este son importantes para que los proveedores más pequeños obtengan su nombre y producto en el mercado masivo, y me encanta descubrir nuevas herramientas con las que no puedo trabajar. Ha sido genial ver a empresas como Aputure, SmallHD, e incluso DJI crecen desde mesas pequeñas hasta stands y escenarios cada vez más grandes.

Aunque estoy completamente vacunado y un poco menos ansioso en general, muy ligeramente, He asistido a algunos eventos más importantes en las últimas semanas, pero nada a la escala de NAB. Honestamente, no creo que esté mentalmente preparado para estar completamente rodeado de gente, aunque estoy desesperado por ver y pasar tiempo con aquellos a los que no he visto en años.

Realmente extraño asistir a NAB, y espero que abril de 2022 sea el gran regreso del programa. Pero, como todos los demás en el mundo, solo tenemos que esperar y ver el estado de los viajes y las grandes reuniones en los próximos meses.

---

Algunos consejos, trucos y consejos sobre equipos de fotografía para ti:

Imagen de portada a través de escoceses.

¡Cuidado! Canon está a punto de lanzar su tan esperada EOS R3. Y las especificaciones se ven bien. Vamos a ver . . .

En comparación con años anteriores, parece que la cantidad de lanzamientos de cámaras ha comenzado a disminuir. Aunque, dado el crecimiento desenfrenado de la tecnología de cámaras durante los últimos cinco años, creo que es natural que empecemos a ver una disminución en las cámaras nuevas hasta que se implemente el próximo avance.

Hoy, sin embargo, volvemos con un chupete.

En junio, informé que Canon se estaba preparando para anunciar el Canon R3, oficialmente. Y, en ese momento, solo habían compartido algunos detalles. A partir de la información inicial, junto con el diseño de la cámara (empuñadura de batería incorporada), parecía que iba a ser la versión R sin espejo de la serie 1D de Canon, una gama que se dirige explícitamente a los fotógrafos profesionales de deportes y noticias.

Hoy, podemos ver que ese es prácticamente el caso.

Antes de pasar a las especificaciones, debe tenerse en cuenta que la EOS R3 es la primera cámara de la serie “3” de Canon desde que se lanzó la cámara de película EOS-3 en 1998. Y, como se señala en la redacción inicial de esta cámara, como propietario anterior de la EOS-3 (increíble cámara de 35 mm), la R3 también incluye la misma característica.

La EOS R3 permite a los fotógrafos seleccionar el área inicial para el seguimiento de AF simplemente mirando directamente a la ubicación del visor donde quieren comenzar AF. Cuando utilicé por primera vez la EOS-3, no me di cuenta de lo sorprendente que era esa función, y también de cómo no se ha incorporado realmente a una cámara desde entonces.

---

Funciones principales

La EOS R3 tiene un sensor CMOS apilado retroiluminado de 24,1 megapíxeles. Canon dice que el sensor es el primero de su tipo.

Cuando se combina con el procesador DIGIC X, la EOS R3 ofrecerá una lectura de alta velocidad permitiendo continuo Disparo sin apagones hasta 30 fps en modo obturador electrónico y hasta 12 fps en obturador mecánico. Esto es con una mínima distorsión del obturador electrónico rodante.

Canon también dice:

La combinación también aumenta la alta sensibilidad y la eficiencia de captura de luz de un rango ISO nativo de 100-102,400, ampliable hasta 204.800 para imágenes fijas. Al igual que la EOS R5 y R6, la cámara presenta la mejora CMOS AF II de doble píxel con 1.053 AF puntos y evolucionado EOS iTR rastreando hasta EV -7,5 para sujetos como ojos, cara, cabeza, animales y ciertos automóviles y motocicletas. Además, la cámara cuenta con hasta 8 paradas de corrección de vibración con imagen estabilizada en el cuerpo (IBIS).

– Canon

Para fotógrafos deportivos, estas son algunas especificaciones locas.

Asimismo, el R3 utilizará tecnología de aprendizaje profundo para mejorar la detección de ojos y cuerpo, lo que ayuda aún más al disparo de acción. La cámara tiene una nueva 5,76 millones de puntos y 120 fps libre de apagones, visor electrónico. Cuando el Detección facial + seguimiento está en vivo, la cámara continuará siguiendo a los sujetos en movimiento por toda el área de AF activa.

---

Información cinematográfica

Dado el tamaño y el precio adicionales ($ 5.999), No estoy seguro de cuántas personas clamarán por esta cámara en lo que respecta a la realización de películas. Después de todo, por el mismo precio, puede obtener una herramienta de película designada como la C70.

Sin embargo, con eso en mente, la EOS R3 tiene impresionantes especificaciones de filmación para una herramienta de fotografía designada.

Puede grabar 6K 60p RAW (Canon RAW light) y 4K 120p de 10 bits video sin recortar con Canon Log 3 apoyo. los 4K El soporte sin recortar es notable, ya que hemos visto una tendencia reciente de cámaras 6K que solo albergan 4K cuando se recortan.

Canon también dice:

Además de la posibilidad de sobremuestreo 4K y CRUDO grabación interna de películas, Canon Log 3, que se utiliza con frecuencia en la producción cinematográfica, ayuda a reducir la posibilidad de que se produzcan explosiones en las altas luces.

Además, las funciones, como el estándar de la industria BT.709, Gamas de colores BT.2020, y gama de cine—Ayuda a mantener el color y la consistencia tonal. Coordinado IBIS de 5 ejes ayuda a corregir el movimiento o las sacudidas del operador, lo que proporciona una captura de video dependiente incluso cuando se usa una lente sin IS óptico integrado.

– Canon

---

Especificaciones adicionales del comunicado de prensa

• La próxima generación de Canon Zapato multifunción es compatible con una variedad de accesorios, incluido el Speedlite EL-1y nuevos accesorios como el Transmisor Speedlite ST-E10, micrófono externo, y adaptador de enlace de teléfono inteligente
• Una pieza aleación de magnesio diseño, integrando el cuerpo con una sección de agarre vertical
• Resistencia a la intemperie y al polvo equivalente a los modelos de cámara EOS-1D.
• Transmisor de archivos móvil La aplicación para dispositivos iOS® y Android® permite a los fotógrafos transferir sus imágenes de forma rápida y sencilla, sin la necesidad de un equipo LAN cableado.
• Incorporado LAN cableada, Wi-Fi® de 5 GHz, USB y Bluetooth® tecnología
• Ranuras para tarjetas dobles, apoyando a uno CF expreso y uno UHS-II SD

---

Mirando hacia atrás en este artículo, hay un elemento en el que siento que es bastante escaso de las características típicas que nos quedaríamos boquiabiertos con respecto a la realización de películas. Y supongo que esa es la cuestión: esta es una cámara que se enfoca primero en la fotografía con especificaciones de video ordenadas para arrancar. Realmente no preveo que esto se use sobre el C70.

La cámara sin espejo de fotograma completo Canon EOS R3 está programada para estar disponible en noviembre de 2021, por un precio minorista sugerido de $ 5999,99.

---

Algunas reseñas, sugerencias y consejos más sobre cámaras para usted:

Imagen de portada a través de Canon.

¿El metraje exportado se ve un poco descolorido? A continuación, le mostramos cómo solucionar el extraño problema de exportación de Premiere.

No recuerdo exactamente cuando me di cuenta de que estaba teniendo este problema, pero fue alrededor de 2018 cuando comencé a notar que mis exportaciones se veían un poco lavado. Al igual que en, hubo una caída bastante significativa (al menos para el ojo de un editor) en la saturación y, hasta cierto punto, en el contraste.

A continuación, se muestra un ejemplo de una toma que capturé el invierno pasado. Esto ya está calificado.

En aquel entonces, el verdadero problema era que En realidad, no podría decir si esto era un problema real.. Como, tal vez mis ojos simplemente estaban desgastados por mirar las mismas imágenes y colores durante horas. Quizás estaba experimentando la versión visual de lo que sea que se llame cuando una palabra se repite tanto que pierde todo significado. (Nougat. Nougat. Nowgut. Espera, ¿qué?)

Resulta que no se trataba simplemente de fatiga ocular. De hecho fue una cosa. Incluso era común. Me alegró saber que no estaba solo al enfrentar este problema, porque eso significaba que probablemente ya existía una solución.

Ahora, veamos por qué sucede esto y cómo solucionarlo.

---

¿Por qué está pasando esto?

Al hacer aproximadamente minutos de la investigación, encontré que Adobe realmente ha abordado este problema De frente. Todo se reduce a la ventana de visualización de Premiere. A continuación, se muestra un resumen de lo que dijeron:

Cuando se muestra un video en Premiere, la aplicación asume que su monitor está configurado en el espacio de color Rec709 y que su metraje se grabó en referencia a gamma 2.4, que muestra negros más oscuros y blancos más intensos. Mientras tanto, aplicaciones como QuickTime y navegadores como Chrome muestran video en gamma 1.96. Esto da como resultado negros más claros y blancos más suaves.

Adobe profundiza en el tema en su blog:

Este cambio de gamma depende completamente de la aplicación en la que reproduzca su video, como la mayoría de los usuarios lo han descubierto por su cuenta. FCP 10, QuickTime y ciertos navegadores web reproducen videos de la misma manera. Entonces, las personas asumen que están mostrando el video «correctamente» cuando, en realidad, es solo que están mostrando el video con estándares similares. ¡Tus archivos de video están bien! Los códigos de color reales dentro de los píxeles de su video no cambian entre aplicaciones. La falta de comunicación ocurre entre las aplicaciones y el monitor en el que se muestran.

– Adobe

Entonces, hay todo eso. Ahora, profundicemos en la solución.

---

La solución: la LUT

Este video tutorial de Matt «WhoisMatt”Johnson es una solución integral para el problema, independientemente de su sistema operativo. Si hace clic en el video en YouTube, encontrará una LUT descargable que puede aplicar durante su exportación. Si lo hace, corregirá automáticamente su metraje lo suficiente como para producir la imagen que vio en su línea de tiempo.

Vale la pena señalar: la LUT proviene directamente de Adobe. Entonces tú sabes-legítimo. (Además, ¿quieres algunos LUT gratuitos? ¡Aquí tienes!)

---

La ruta alternativa: jugar

Antes de encontrar la solución LUT única de Adobe, simplemente hacía una capa de ajuste sobre la longitud de mi línea de tiempo y aumentaba ligeramente el contraste y la saturación. Funcionó en un apuro, y funcionará para usted si su exportación no se «ve» como usted desea.

Por lo tanto, si siente que la LUT proporcionada por Adobe no está funcionando, no dude en confiar en el enfoque probado y verdadero de prueba y error de simplemente desviar y alterar su configuración. Llegarás ahi.

---

¿Quiere más consejos, trucos y tutoriales de Premiere Pro? Te tenemos:

Canon continúa agregando y mejorando su línea estelar de RF, acercándose cada vez más a la eliminación de los lentes EF.

Si eres fanático de Canon, hoy fue un buen día. Viniendo del anuncio de la nueva Canon EOS R3, que parece ser una auténtica bestia para los fotógrafos, también han anunciado dos nuevos objetivos añadidos a su increíble línea de RF.

La primera, una lente ancha pequeña, duradera y capaz que seguramente encontrará su camino en cualquier fotógrafo de paisajes‘s estuche para la camara. En segundo lugar, un monstruo de un teleobjetivo que casi definitivamente será cualquier vida silvestre o fotógrafo deportivoVaso de referencia.

Veamos las especificaciones.

---

RF16mm

Primero, vamos a ampliar. Este pequeño caballo de batalla viene con una apertura máxima de lente rápida de f / 2.8, así como una capacidad de enfoque automático increíblemente robusta. Canon ha promocionado este objetivo como el compañero perfecto para cualquiera que tome fotografías con regularidad. arquitectónico o trabajo de paisajismo.

Esto también le vendría bien a cualquiera que esté filmando trabajos de tipo inmobiliario. Lo describieron como el «mejor amigo de los vloggers», que, si considera el tipo de tomas y el trabajo vloggers hacer, tiene sentido.

Las características adicionales del nuevo objetivo fijo ultra gran angular de Canon con una distancia focal de 16 mm f2.8 incluyen:

• Motor STM para un enfoque suave al grabar video
• Tamaño compacto y peso ligero, similar al RF50 mm f1.8 STM
• Distancia mínima de enfoque de 5,11 «
• Ampliación máxima de 0,26x
• Rosca de filtro de 43 mm

Precio:

---

RF100-400mm

Ahora, la EOS R3 parece presentarse como el objetivo final del sueño de los fotógrafos de noticias y deportes. Siguiendo esa lógica, esta lente irá perfecta con cualquiera que necesite un largo, teleobjetivo compatible con documentales.

Esto es lo que Canon dijo al respecto:

Por primera vez en un objetivo que no es de la serie L, el RF100–400 mm aceptará extensores de teleobjetivo Canon RF 1.4xy 2x opcionales, ofreciendo aún más potencial de telefoto en un paquete liviano. Sí, la Canon RF100–400mm es una excelente puerta de entrada al mundo de la fotografía de vida salvaje, naturaleza y deportes. Sin embargo, esta lente y sus capacidades de superteleobjetivo también se pueden aprovechar para el creador de contenido de video o vlogger al compilar metraje de tipo B-roll, o para sujetos que están a distancia.

– Canon

Entonces, una vez más, apuntan a la multitud de vloggers. Interesante, ¿no te parece?

Las características adicionales de Canon RF100-400mm incluyen:

• Alta calidad de imagen, similar al prestigioso EF 70-300 mm f / 4-5,6 IS II USM
• Alcance de zoom de teleobjetivo de 100-400 mm
• Acepta extensores Canon RF 1.4xy 2x opcionales
• Apertura máxima variable F5.6 – F8
• Funcionamiento manual sencillo: más ligero que el objetivo EF70-300 IS II
• Hasta 5.5 pasos, IS óptico y corrección de 6 pasos con IS coordinado
• Nano USM para AF suave y de alta velocidad
• AF suave y casi silencioso durante la grabación de video
• Excelente enfoque de cerca: a 400 mm, excelente aumento de 0.41x
• Apertura de 9 hojas, para fondos / primeros planos suaves
• Hilo de filtro de 67 mm

Precio:

Programado para estar disponible en octubre de 2021.

---

Tenemos todos los éxitos y noticias de última hora, solo para ti:

Imagen de portada a través de Canon.

¿Le faltan habilidades y experiencia en la animación? No se preocupe. Dé vida a sus ideas con nuestras cinco aplicaciones de animación favoritas y fáciles de usar.

Programas de producción locos, clientes exigentes, tiempos de renderizado prolongados …Hay muchas razones para estresarse si trabaja en películas y videos. Afortunadamente, la animación no tiene por qué ser uno de ellos.

De hecho, la animación puede, y debe, ser relativamente simple. Y, si bien el objetivo final debería ser llegar a un lugar donde pueda crear animación, efectos visuales, y gráficos en movimiento por su cuenta, usar una aplicación de animación que ahorra tiempo como las que se muestran a continuación es una opción totalmente razonable, especialmente para principiantes o principiantes.

---

1. Animaker

Animaker es bastante sencillo y sorprendentemente funcional. También es fácil de adoptar, por lo que debería poder sumergirse rápidamente en la creación de videos 2D y 2.5D, como simples videos infográficos, animaciones tipográficas, videos de pizarra, etc.

Si bien las opciones son básicas, existen muchas personalizaciones y controles que pueden ayudar a que sus videos sencillos se sientan como si los hubiera diseñado usted o su empresa. Animaker ofrece un versión gratuita, pero para cualquiera que busque usar la aplicación con regularidad, eventualmente requerirá un plan anual basado en sus tipos de uso.

---

2. Stop Motion Studio

Stop Motion Studio (como su nombre indica) es perfecto para animaciones stop-motion. Es fácil de usar para principiantes, ya que combina animaciones 4K stop-motion fáciles de controlar con otros estilos y funciones 2D.

La aplicación funciona en computadoras, teléfonos inteligentes y tabletas (iPhone, iPad, Android), e incluso puede sincronizar proyectos en múltiples dispositivos. No es tan personalizable como otras opciones, pero si está buscando crear algunas animaciones stop-motion básicas pero aún geniales para sus clientes o amigos, esta aplicación será la solución. (Descargue Stop Motion Studio para iOS o Androide.)

---

3. Armonía 21

Con Toon Boom Harmony (también conocido como Harmony 21) puede escanear y limpiar las animaciones de su plataforma, y ​​dar vida al arte dibujado a mano fotograma a fotograma. También ofrece algunas de las ventajas más sólidas, ya que no se limita a simples diseños y personalizaciones.

Con esta aplicación para computadora (Windows, Mac o Linux), tendrá muchas pistas para desarrollar sus habilidades a medida que encuentre formas nuevas y más desafiantes de expresarse creativamente con Animación 2D. Harmony 21 no es gratuito, por lo que deberá seleccionar su paquete según sus necesidades de funcionalidad.

---

4. Synfig Studio

Perfecto para principiantes y profesionales por igual, Estudios Synfig ha hecho olas en la industria de la animación con su software de código abierto y de uso gratuito.

Su funcionalidad está un poco más basada en flash que el estilo de animación cuadro por cuadro estándar que se encuentra con algunas de las otras opciones en esta lista. Además, Synfig Studio ofrece algunos de los controles más abiertos y creativamente inspiradores para editar ilustraciones vectoriales y personajes, con más de cincuenta tipos de capas: filtros, distorsiones, degradados, etc.

Además, ¿mencionamos que es gratis? Sí, es gratis. Por qué no dale una vuelta?

---

5. Adobe Character Animator

Relativamente nuevo en Creative Cloud, Animador de personajes de Adobe (como sugiere su nombre) se basa en el diseño de personajes.

Este software representa algunos de los controles de animación más enfocados al futuro del mercado. Utiliza tu cámara y micrófono para detectar tus expresiones faciales y tu voz con el fin de animar la actuación de tu personaje, por así decirlo.

Hay toneladas de funciones: sincronización automática de labios, plantillas en la aplicación y opciones de animación de marionetas como ciclos de caminata, parpadeo e incluso compatibilidad con animación en tiempo real y transmisión en vivo. Además, si accede a Adobe Character Animator a través de un Suscripción CC, luego puedes sincronizar tus personajes y diseños con otros programas en la nube.

---

Para obtener más sugerencias, trucos y recursos de edición de video y animación, consulte estos artículos:

Imagen de portada de Frame Material de archivo.

He aquí por qué Twitter podría ser su recurso más valioso para todo lo relacionado con la realización de películas.

Si bien es ocasionalmente basura completa, Twitter se ha convertido en un canal sorprendentemente de alta calidad para que los directores involucren a sus fans de la manera más directa posible.

Claro, muchas veces, los feeds de los cineastas obviamente son manejados por un publicista o un becario de marketing. Pero, en las manos del cineasta adecuado, un teléfono inteligente en el set y una cuenta de Twitter pueden crear una avalancha fluida de acción detrás de escena y conocimiento profesional. ¿Tiene alguna pregunta técnica sobre un disparo? ¿Tienes una pregunta de historia nerd sobre un personaje en el fondo? Envíelo por Twitter y es posible que obtenga una respuesta.

Por lo tanto, si ha llegado al final de YouTube, o simplemente necesita un descanso de Content Creators ™ compartiendo sus pensamientos sobre Canon ciencia del color mientras está sentado en un armario hablando con una cámara, Twitter está aquí para asegurarse de que se mantenga inspirado.

Echemos un vistazo a algunos tweets recientes de cineastas de primer nivel y veamos si podemos aprender un par de cosas.

---

Ve detrás de la toma

Ver contenido detrás de escena es una manera fantástica de aprender algunas técnicas y ver cómo piensan tus directores favoritos. Tomemos, por ejemplo, este tweet de James Gunn eso explica por qué usó una plataforma de ruedas para la toma inicial de El escuadrón suicida.

El feed de Twitter de Gunn es en realidad una mina de oro. Tiene una relación sólida con sus fanáticos y siempre deja caer chismes que ofrecen información sobre sus producciones. (Estoy esperando pacientemente a que las publicaciones de BTS comiencen a fluir para el próximo Guardianes de la Galaxia película. ¡En cualquier momento!)

No son solo los directores los que brindan a los cineastas una mirada detrás de la cortina. También hay muchas cuentas de BTS dedicadas que existen únicamente para mostrar imágenes geniales o secuencias de los sets de algunas de tus películas favoritas. Por ejemplo, mira este tweet con Spielberg en el set de En busca del arca perdida. Si bien no hay muchos consejos concretos sobre la realización de películas, ver el proceso de Spielberg es bastante informativo por derecho propio.

O, uno de mis favoritos personales, Paul Verhoeven dirigiendo en el set de RoboCop.

---

Consejos prácticos de expertos

¿Honestamente pensaste que no iba a incluir David F. Sandberg ¿aqui? Recientemente, ha estado filmando la secuela de ¡Shazam!y, por mi dinero, sus canales califican totalmente para el estado de GOAT en la categoría «nos da los bienes».

Además de tener uno de los más útiles Canales de YouTube Alrededor, sus cuentas de Twitter e Instagram están cargadas de miradas estelares en el proceso de filmación y posproducción.

Con el ciclo de promoción de películas avanzando tan rápido, es difícil ver todo lo que se publica en estos días. Por lo tanto, si tiene curiosidad acerca de algún cineasta o película en particular, la página del director es el lugar perfecto para obtener contenido relevante y oportuno.

Aún así, mis seguidores favoritos no son solo la promoción de su trabajo, sino que comparten los secretos de su oficio. Aquí, C. Robert Cargill, el guionista de Siniestro, a veces llamada la película más aterradora de todos los tiempos, comparte valiosos consejos sobre los personajes.

Para un ejemplo perfecto de esto, echa un vistazo a los primeros cinco minutos de PAYBACK en los que nuestro protagonista roba una billetera, compra un traje nuevo con la tarjeta de crédito, come un bistec y abandona el cheque cuando la tarjeta ha sido desactivada. No puedes apartar los ojos de él.

– C. Robert Cargill (@Massawyrm) 2 de septiembre de 2021

---

Fotos detrás de cámaras

Esto puede parecer obvio, pero, además de todo el contenido de video, los directores y las compañías de producción publican constantemente fotos detrás de escena de las películas que están promocionando.

Encuentro estas fotos fascinantes e increíblemente valiosas, ya que con frecuencia me dan ideas para mi próxima sesión.cámara se mueve, configuraciones de iluminación, bloqueo, etc.

---

Cuentas de festivales

Únase a nosotros el 1 de septiembre cuando la vicepresidenta ejecutiva Victoria Alonso nos lleva detrás de escena de la #Maravilla Universo cinematográfico. Exploraremos cómo desarrolla material, encuentra colaboradores, navega por la producción, usa la tecnología como herramienta de narración y más. #SundanceCollab

– El Instituto Sundance (@sundanceorg) 26 de agosto de 2021

Seguir las cuentas de los festivales de cine es una excelente manera de mantenerse informado sobre las fechas límite de inscripción, los horarios, los nuevos lanzamientos, etc. Por lo tanto, si hay un festival que ha estado mirando durante años y desea saber qué tipo de presentaciones necesitan, cuánto sus tarifas son, y cuando pueda enviar, asegúrese de buscar en Twitter su cuenta.

---

Cuando publiqué este artículo originalmente, era una idea mitad broma o mitad divertida, porque Twitter no puede Realmente enseñarle cómo ser un mejor cineasta. No obstante, existen recursos y cuentas legítimos y valiosos a seguir que no son una pérdida total de tiempo.

Al igual que crearía una comunidad en la escuela de cine para cualquier pregunta que tenga o problemas con los que se encuentre, Twitter está repleto de personas y profesionales que están listos para ayudarlo a evolucionar como creador.

Este es un ejemplo perfecto para cerrar, con Diamante de sangre director Edward Zwick y sus consejos para trabajar con actores.

9. NO LOS HAGAS ESPERAR
Haga todo lo posible para estar listo para recibirlos cuando lo llamen. Son caballos de carreras en la puerta, listos para correr. Quieres que alcancen su punto máximo en el set, no en su tráiler. Coordinar tu día es un arte y una ciencia. A veces, ser un gran director significa ser un buen AD.

– Edward Zwick (@ EdwardZwick1) 24 de agosto de 2021

---

¡Guau! ¡Mira esto! ¡Algunos artículos más sobre cine!

Imagen de portada a través de XanderSt.

En este video tutorial, le daremos sugerencias, trucos y consejos para usar Modulation, un complemento de After Effects de «forma de onda» genial.

Hoy, vamos a aprender los entresijos del uso del complemento After Effects. Modulación. Cubriremos todos los conceptos básicos y profundizaremos en cómo puede usar algunos ultra secreto consejos y trucos para mejorar el aspecto de «forma de onda» del complemento.

---

¿Qué es la modulación?

Modulación (creado por Zaebects) es un complemento de terceros para After Effects. Está disponible para comprar en aescripts.com. La modulación crea un efecto de «forma de onda» único en el metraje al que lo aplica. Las ondas a menudo parecen una señal de transmisión retro. Esto hace que el efecto sea una base genial para varios efectos de falla.

Recientemente tuve la oportunidad de usar Modulación en algunos efectos de falla creado para Lewis McGregorProyecto de video La batalla del cineasta en solitario.

---

Los fundamentos del uso de la modulación

Usar el complemento de modulación es bastante sencillo. Después de aplicar el efecto a su clip, puede marcar cómo se ven las «ondas» en su metraje usando el Omega, Fase, y Distorsión ajustes.

Mientras los modifica, comenzará a ver aparecer en las olas diferentes características de su metraje original. También puede hacer fotogramas clave de cada una de esas configuraciones para crear una animación con las ondas.

Además, tendrá acceso a algunas configuraciones secundarias, como wave Dirección, Orientación, y Invertir. También puede activar diferentes Paso bajo niveles para hacer más visibles las líneas de onda.

---

Mejorando la apariencia

Una vez que haya marcado los ajustes de modulación que desee, puede mejorar aún más su aspecto con algunos efectos. Uno de los más fáciles es el Tinte efecto. Esto le permitirá cambiar el Mapa blanco a y le permite seleccionar un color diferente, que cambiará el color de las líneas de onda de modulación.

A continuación, puede aplicar un efecto de brillo para crear más neón o apariencia de transmisión de TV. Si usa el predeterminado Brillo en After Effects, recomiendo apilar varias copias del efecto y aumentar gradualmente la Radio de resplandor y Intensidad de resplandor. Alternativamente, puede obtener resultados aún mejores usando un complemento de brillo como Profundo brillo.

---

Consejos y trucos adicionales

Muy bien, si estás buscando formas adicionales (ultrasecretas) de mejorar aún más el aspecto de la modulación, ¡aquí tienes algunas cosas que puedes probar!

Primero, agregue un poco de flecos de color usando el gratis efecto Aberración cromática rápida 2. En segundo lugar, intente usar Desenfocar mapas con el Desenfoque de la lente de la cámara efecto. Esto puede crear una apariencia similar a la de una lente de cambio de inclinación. También recomiendo encarecidamente experimentar con el complemento. Dioptría para obtener unos resultados fantásticos.

A continuación, intente agregar algunos superposiciones de grano de película en la parte superior de su metraje. Shutterstock tiene un paquete gratuito de cinco superposiciones de grano de película que funciona perfectamente! Esto también ayudará a romper cualquier banda de color que pueda ocurrir.

Finalmente, si desea modificar el aspecto de la modulación en la parte superior de su metraje o logo, intente agregar un Ruido efecto sobre el metraje original. Esto puede ayudar a desplazar el efecto de modulación para obtener un aspecto más estático.

---

¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

Y finalmente, aquí hay algunos consejos, trucos y técnicas más que pueden resultarle útiles:

Mientras nos preparamos para la próxima obra maestra de Denis Villeneuve, echemos un vistazo a una película que podría decirse que fue tratada injustamente en su estreno.

¿Alguna vez has visto una película y has pensado:bien, ¿qué #% @ $ está pasando aquí?—¿Pero todavía disfrutó de la experiencia? Esta es mi relación con David LynchAdaptación de 1984 de Frank Herbert‘s Duna.

Ahora, antes de empezar a ponerme poético sobre por qué es una de esas películas reconfortantes para los días lluviosos, permítanme primero declarar en el registro que, objetivamente, Duna no es una «gran» película. Tiene muchos problemas estructurales que ni siquiera se pueden señalar individualmente porque (en su conjunto) es simplemente desordenado.

Sin embargo, aunque gran parte de ella (algunos de los efectos, algunas de las actuaciones, la edición en general) no ha envejecido particularmente bien, todavía hay, desde el punto de vista del cine, muchas cosas que me encantan de Lynch. Duna.

Ahora echemos un vistazo más de cerca a este icónico clásico de ciencia ficción de los 80 y tal vez finalmente lleguemos al fondo de exactamente qué en el% @ $ está pasando aquí.

---

1. Efectos prácticos enloquecidos

Después de años de obstáculos en la adaptación, la producción de Dune finalmente se puso en marcha en 1983. Como muchas películas de género de principios y mediados de los ochenta, presentaba una ambiciosa mezcla de efectos prácticos en el set y VFX de posproducción.

Son los efectos prácticos los que aún impresionan. Caso en cuestión, como se ve arriba: los navegantes del gremio. Cada vez que miro una de estas cosas, tengo que preguntar: «Exactamente cómo ellos construyeron eso? »

Lo que hago no tengo que preguntar en este caso específico es: «¿Qué diablos está pasando aquí?» Porque sé lo que está pasando aquí: lo que está pasando aquí es David Lynch con un presupuesto de oye-haznos-una-Star-Wars.

El villano de Duna, el taimado barón Harkonnen, es otro logro notable de efectos prácticos. El barón usa un traje especial que lo suspende en el aire. Debe levitar constantemente (debido a un punto extraño de la trama del libro que creo que es mejor en teoría, y en el que no entraré aquí). No obstante, el equipo tenía que ser práctico para mantenerlo a flote, yendo hacia arriba y hacia abajo y a través del set, en un cable durante escenas enteras. Sin duda fue una hazaña desafiante y, en mi opinión, lo hicieron funcionar.

Como se ve en el video de arriba, el asistente de efectos especiales Gary Zink y el equipo instaló un sistema de poleas y arneses para hacer volar al personaje (con la ayuda de algunos efectivos cortes de partido). ¿Es un poco tonto a veces? Probablemente. ¿Es perfectamente extraño a mediados de los ochenta? ciencia ficción? Absolutamente.

Los efectos fueron en realidad un punto de discusión durante todo el rodaje para el director de fotografía. Freddie Francis, a pesar de su buena relación laboral con Lynch.

Hablando de cinematografía–

---

2. Cinematografía impresionante

Mira, no me importa cuáles sean tus gustos cinematográficos ni lo que pienses Duna como una película. Nada de eso cambia el hecho de que hay docenas y docenas de fotogramas individuales de esta película que son realmente impresionantes.

Freddie Francis (director de fotografía de clásicos como Gloria, El cabo del miedo, y el preámbulo de LynchDuna El hombre elefante) utilizó vidrio anamórfico Todd AO 35 para capturar el amplio y grandioso alcance de los muchos mundos de Herbert.

Francis también usó un Lightflex. Esto le permitió usar menos luz de relleno mientras disparaba en paradas profundas, lo que le permitió capturar una profundidad extremadamente profunda. profundidad de campo.

¿Qué es un Lightflex? Buena pregunta. Lo busqué para que tú no tengas que hacerlo. Así es cómo Director de fotografía estadounidense definió la herramienta (construida por Gerry Turpin en 1972):

Lightflex es una campana filtrante de gran tamaño revestida con vidrio óptico. Las lámparas de cuarzo controladas por atenuador integradas en el parasol se reflejan en la lente y superponen una cantidad controlada de luz en la escena que se va a fotografiar en el momento de la exposición. El dispositivo se puede utilizar para ajustar la curva gamma de la emulsión y también amplía su rango fotométrico sin afectar el grano.

– Director de fotografía estadounidense

Esto ayudó a Francis a utilizar papeles de película de alta velocidad con un gran contraste y, al mismo tiempo, ampliar el rango de exposición del negativo. Es una película de aspecto bastante nítido para la época en que se filmó. Si bien no fue nominado para ningún Oscar, tiene ese aspecto cálido y grandioso que me encanta de los viejos películas de acción.

---

3. La lucha del escudo

En serio, no sé qué más decir sobre esto si no has visto la película, más que … solo mira el clip.

---

4. La banda sonora

Aquí hay un hecho que algunos podrían llamar Lynchian: TOTO—Ya sabes, la banda que cubrió Weezer«África», dijo el Duna banda sonora. TOTO.

Mirar, Flash Gordon consiguió la reina en 1980, y nadie más estaba contratando a TOTO para la banda sonora de su película, así que felicitaciones a Lynch por hacerlo. Y aunque supongo que hay un oportunidad esto podría haber sido una decisión de estudio, ya que TOTO era popular en ese momento, no importa. De cualquier manera, la banda sonora es única y se mantiene. Escúchalo y dime que estoy equivocado. (Para su información, me pueden contactar en totofan4ever@premiumbeat.net).

Vale la pena señalar: una pista:“Prophecy” fue realmente producido y grabado por Brian Eno. Puede que le recuerde a la Vangelis puntuación para Cazarecompensas. También es tan bueno que me vi obligado a incluir este clip de tres horas en repetición.

---

5. El legado de Duna

Creo que uno de los aspectos más alucinantes de cualquier intento de convertir la Duna saga en películas es que es alucinante que alguien intente convertir la saga Dune en películas. La trama real de Duna (el libro) es tan complicado e interior, que es (francamente) difícil de visualizar y poner en película.

Entonces, incluso cuando tomas a alguien como Lynch o Alejandro Jodorowski, te encuentras con obstáculos masivos creativamente (o desde el estudio) porque el material es muy denso. Quiero decir, hay un documental completo dedicado al tema de la adaptación Duna y cuán fascinante de viaje es esa idea.

Y ahora, otro cineasta valiente está a punto de intentarlo. Por supuesto, yo, como intelectual (levanta las gafas), sigo esperando que un estudio adapte el cuarto libro, Emperador Dios de Dune. Hasta entonces, este nuevo parece multa, Creo.

Estoy bromeando, obviamente. También estoy con todo; me encontrarás al frente y al centro con un completo cosplay de gusano de arena el día de la inauguración. Porque, si el tráiler, el zumbido avanzado del festival y VillenueveEl historial de seguimiento son indicios, desde hace mucho tiempo Duna los fanáticos finalmente pueden obtener la adaptación que estaban esperando. La especia tiene que fluir, todos ustedes.

---

Para obtener más perfiles de directores y consejos generales sobre cine, consulte estos artículos:

Imagen de portada a través de Fotos universales.

Reúnase alrededor del fuego para escuchar cómo los cineastas recurren al folclore clásico para elaborar cuentos modernos. Comencemos con El caballero verde.

Han pasado varias semanas desde que vi El caballero verde por primera vez, y creo que finalmente estoy listo para hablar de ello con amigos y familiares. Para una película que presenta a un zorro que habla y un caballero árbol verde gigante, debo decir que la película me conmovió de una manera que no pensé que las películas pudieran hacerlo.

El caballero verde es la última película del aclamado escritor y director (y editor) David Lowery. Sus películas anteriores incluyen Una historia de fantasmas, Dragón de Pete, y ¿No son los santos de los cuerpos? (más el próximo Peter Pan y Wendy).

Eso’es un recuento fantástico de un famoso cuento popular medieval y un poema del siglo XIV titulado Sir Gawain y el Caballero Verde, que cuenta la historia de un caballero arturiano llamado Gawain y su «juego de decapitación» con un misterioso y sobrenatural caballero verde.

La película explora algunos temas ricos, profundos y embriagadores (juego de palabras) sobre el honor, el legado y la muerte. Si bien esto puede parecer un cuento popular bastante sencillo, en realidad es todo lo contrario.

---

La historia de El caballero verde

Primero, centrémonos un poco más en El caballero verde y su folclore arturiano. Sir Gawain y el Caballero Verde es un poema en inglés medio del siglo XIV. Debido a su fecha, se desconoce su autor, pero generalmente se atribuye a lo que los eruditos llaman simplemente el Poeta Gawain. A pesar de sus misteriosos orígenes, sigue siendo una de las principales leyendas que rodean al Rey Arturo y su Mesa Redonda.

Como puede ver en el video de arriba (producido por A24, el estudio detrás de la película de Lowery), una comprensión general de la leyenda es útil al mirar El caballero verde. También subraya muchos de los personajes y temas que se han mantenido firmes en diferentes versiones del cuento durante años y medios.

Sin embargo, esta película es de hecho un recuento completamente nuevo. Tanto es así que podría verse no como otra adaptación fiel, sino más bien como una nueva historia que comparte algunos de los protagonistas y motivos clave.

---

Folclore en el cine

¿Cuánto poder tiene el cine sobre el folclore mismo? Para responder a esta pregunta, debemos mirar hacia atrás en los primeros días de la producción cinematográfica. Algunas de las primeras imágenes en movimiento capturadas fueron de algunos de los cuentos e historias más famosos de su tiempo.

Como otras formas de arte —la literatura y representaciones teatrales— a medida que el cine se convirtió en el nuevo medio popular, el público exigiría más recuentos de sus cuentos folclóricos favoritos.

Algunos ejemplos notables a lo largo de los años incluyen:

Y mientras El caballero verde no se clasificaría en el género de terror, per se, en las últimas décadas este género se ha convertido en uno de los modos más populares de volver a contar y refundir el folclore popular para el público moderno.

Películas como las de A24 La bruja y Midsommar vienen a la mente, así como muchos otros películas de terror folclórico que representan uno de los mayores subgéneros de terror.

---

Cómo los diferentes cineastas utilizan el folclore

El cine moderno ofrece muchos ejemplos de cineastas que crean su propio folclore: consulte el Guerra de las Galaxias películas o los universos profundos de las franquicias de cómics como Marvel y DC. Y aunque Jedis y Vengadores son adiciones más recientes a la cultura popular que el Rey Arturo y su corte, los temas centrales de sus historias son atemporales. Esencialmente, el tema es la cuestión.

Incluso con el cine aparentemente «tradicional» basado en el folclore, como la versión de Lowery de Sir Gawain, son los temas (cómo se interpretan para la época, cómo encajan en el mundo actual) los que quizás importan más, independientemente de cómo cambien la historia .

Uno de los mejores ejemplos de esto podría provenir de la película de 1988 de Martin Scorsese. La última tentación de Cristo, una película que volvió a contar polémicamente la historia de Jesucristo. Como cineasta, Scorsese tomó varias decisiones narrativas (y cinematográficas) que finalmente cambiaron algunos de los componentes clave del material fuente narrativo del evangelio. Estas decisiones fueron bastante controvertidas en ese momento. Y, si bien la película fue bien recibida por los críticos, podría haber contribuido un poco a su mala actuación en taquilla.

También podemos mirar más recientemente películas como Midsommar, otra película de A24, que reinventa el clásico escandinavo y el folclore del paganismo nórdico. Si bien estos cuentos y motivos pueden no ser tan conocidos para el público occidental, el cineasta Ari Aster hace referencias específicas a elementos de la religión nórdica antigua como una forma de fundamentar la película antes de convertir su folclore en un clásico película de terror slasher.

---

Consejos para grabar y editar folclore

¿Cómo manejan realmente los cineastas estas decisiones del folclore mientras escriben, filman y editan? David Lowery compartió algunas ideas poco comunes sobre su proceso creativo para la Feria de la vanidad Canal de Youtube. Si aún no lo ha visto completamente, le recomiendo que lo haga. Lowery detalla gran parte de su inspiración original y se sumerge en el rodaje, la iluminación y la edición de una de las escenas más cruciales de la película.

Cuando surge el tema del folclore, Lowery explica su enfoque para remodelar un cuento clásico tomando decisiones conscientes basadas en elementos prácticos, como cambiar la historia para incluir a Morgan le Fay como la madre de Sir Gawain simplemente por «conveniencia narrativa».

---

Dar forma y crear nuevas historias

Es importante que los cineastas se den cuenta de que reinventar el folclore popular para la pantalla es simplemente una continuación de quizás la más gloriosa de las tradiciones humanas: la narración dulce y dulce.

Historias de amor, pérdida y mentiras. Fe, amistad, miedo y locura. Loki, Lancelot, el Rey León, lo que sea. En todas sus formas, estas historias y lecciones populares que transmitimos transmiten nuestra historia compartida. Cambiarlos se trata menos de autoeditar el pasado y más de explorar cómo el pasado ha moldeado nuestra sensibilidad moderna y ha informado cómo miramos a través de la fogata y hacia la oscuridad del futuro.

En general, puede ser un gran peso para poner sobre sus hombros, pero si realmente está buscando contar historias significativas que aborden estos temas ricos, profundos y (de hecho) embriagadores, tal vez sea importante comprender por qué ‘ lo estás haciendo.

---

Para obtener más recursos que exploran el cine, el folclore y la teoría, consulte estos artículos:

Imagen de portada de Eric Zachanowich (vía Películas A24).

¿Alguna vez has estado en una rutina creativa? ¿O tal vez experimentó un poco de agotamiento después de hacer lo mismo una y otra vez? Puede resultar útil romper con su rutina creativa y experimentar con algo totalmente nuevo o incluso abstracto.

Hemos reunido cinco herramientas creativas (totalmente GRATIS) para ayudarlo a hacer precisamente eso. ¡Con suerte, te ayudarán a generar nuevas ideas creativas propias!

---

1. MagicaVoxel

MagicaVoxel es uno de mis programas favoritos para desconectar y divertirse de forma creativa. Probablemente porque me recuerda a construir con Legos. Y, básicamente, ¡también es así de fácil!

MagicaVoxel es un programa 3D que le permite construir sus modelos usando vóxeles, que es esencialmente un píxel 3D. Además, incluye increíbles efectos de iluminación, vidrio y resplandor que te permiten crear algunas escenas realmente cambiantes y cinematográficas. (Consulte nuestro tutorial para Creación de arte 3D Voxel con MagicaVoxel encima.)

Si desea obtener más información sobre el arte vóxel en general y ver cómo funciona, consulte nuestro tutorial (a continuación) en Qué es Voxel Art y cómo crearlo. Descubrirás cómo el arte de voxel también se puede usar en cosas como juegos, aplicaciones e incluso animaciones. ¡También hemos incluido un paquete gratuito de voxel!

---

2. Cuaderno de bocetos

El siguiente es un increíble programa de dibujo de Autodesk llamado Bloc de dibujo. Aún mejor, Sketchbook era anteriormente una aplicación de pago, pero ahora es totalmente gratuita. Tiene una hermosa interfaz de usuario que es fácil de entender y es el programa de inicio perfecto para los futuros artistas.

Autodesk se enorgullece de hacer que Sketchbook se sienta como si estuviera dibujando en papel: todos los pinceles tienen un flujo natural. También puede reorganizar fácilmente los paneles de la interfaz de usuario para adaptarlos a sus necesidades.

Sketchbook también proporciona mucha versatilidad para el usuario, ya que puede usar la aplicación en una computadora de escritorio, tableta o teléfono inteligente. Para los cineastas, puede ser útil para crear animaciones de texto para «escribir» o incluso para dibujar guiones gráficos.

---

3. Adobe Color

Adobe Color es probablemente una aplicación de la que ha oído hablar antes, pero tal vez nunca la haya probado. (Anteriormente se llamaba Adobe Kuler). Es una aplicación basada en la web que le permite crear, explorar y compartir fácilmente diferentes temas de color y paletas.

Esto lo hace perfecto para cuando necesite algo de inspiración o simplemente quiera experimentar con diferentes perfiles de color. Incluso puedes sincronizar paletas de colores encuentra o crea usted mismo con otras aplicaciones de Adobe, como Ilustrador, Photoshop, y InDesign.

Lo que realmente disfruto de Adobe Color es usar la rueda de colores y probar las diferentes reglas de armonía de colores, como Tríada, Complementaria y Complementaria de doble división. También tiene la capacidad de extraer temas de color de sus propias imágenes cargadas. (¡Esta característica es realmente genial!)

---

4. Piskel

Si alguna vez ha tenido curiosidad acerca de cómo hacer pixel art, entonces le va a gustar la aplicación basada en la web Piskel. Le permite crear simplemente pixel art y sprites animados desde el interior de su navegador web. (También tienen una aplicación independiente que puede descargar si desea crear su pixel art sin conexión).

La interfaz de usuario es sencilla e intuitiva. También presenta algunas características avanzadas, como capas, piel de cebolla y varias configuraciones de cuadrícula y mosaico.

Piskel tiene una variedad de opciones de exportación, como GIF, PNG, hojas de sprites y su propio formato de archivo Piskel nativo. Incluso tiene la capacidad de cargar su propia imagen de pixel art dentro de Piskel si desea usarla como guía para crear más pixel art.

---

5. Lienzo de NVIDIA

Finalmente, tengo que mencionar Lienzo de NVIDIA, que es una aplicación de pintura de IA alucinante para artistas conceptuales. Su lema es «Usa IA para convertir simples pinceladas en imágenes de paisajes realistas», y verlo en acción es creer.

Comienza seleccionando un «estilo», que es esencialmente un tipo de escena, y luego selecciona el material de su paisaje. A partir de ahí, puede dibujar una versión simplista y burda del paisaje que desee y verlo renderizado de manera fotorrealista.

Necesitará una GPU NVIDIA RTX para usar Canvas. (Las GPU compatibles son GeForce RTX, NVIDIA RTX, Quadro RTX, TITAN RTX).

Jonathan Winbush tiene un tutorial increíble que demuestra cómo usar NVIDIA Canvas y cómo puede exportar su paisaje como archivos PSD en capas para Adobe Photoshop. Incluso le muestra cómo mejorar sus paisajes exportados utilizando un Escalador de imágenes impulsado por IA.

---

¡Tiempo extra!

Puede encontrar varias ideas de software más en este video tutorial que produje para Tutoriales de Shutterstock. Sin embargo, no todos son gratuitos.

---

Algunos artículos de software más para usted:

Exploremos los pros y los contras de esta nueva tendencia basada en plantillas en la edición de videos y determinemos cuáles vale la pena revisar.

Como puede decirle cualquiera que haya trabajado en cine y vídeo durante un tiempo suficiente, la industria siempre está evolucionando. No solo parecen aparecer nuevas cámaras cada trimestre, con un alto número de píxeles y nuevas funciones, sino que nuestro software de edición se está volviendo más inteligente, más rápido y más fácil de usar.

Un ejemplo sólido de este tipo de avance en la industria es el repentino aumento de las plataformas de edición de video basadas en plantillas. Si eres un editor de video experimentado que trabaja con programas como Adobe Premiere Pro, Despues de los efectos, Final Cut Pro, y DaVinci Resolve, entonces existe la posibilidad de que no haya visto algunas de estas ofertas más nuevas. Y eso se debe a que todavía no te han «dirigido» realmente.

En cambio, estas plataformas están orientadas a las crecientes filas de creadores de contenido sobre la marcha que están explorando el mundo de la edición de video por primera vez y parecen estar abiertos a nuevas formas de hacer las cosas que no involucrar a los NLE.

Entonces, ¿estas aplicaciones basadas en plantillas son buenas? ¿Alguna vez rivalizarán con los favoritos de la industria como Premiere Pro o Final Cut? Exploremos este nuevo mundo de aplicaciones de edición de video plug-and-play basadas en plantillas para ver cuáles merecen la pena.

---

Introducción a la edición basada en plantillas

Muy bien, antes de echar un vistazo al mundo actual de la edición de video basada en plantillas, retrocedamos un poco.

Al principio, la película se editaba a mano y con tijeras y máquinas de edición ingeniosas como la Frances McDormand utilizó en ¡Alabad al cesar!. Finalmente, la industria pasó a la edición de video digital.

Con la edición digital vino la introducción de plataformas de edición no lineal—Ako NLEs — que hizo que la edición fuera simple y fácil de administrar. Con un NLE, los clips se pueden editar, organizar y establecer a lo largo de una línea de tiempo (o secuencia).

Hoy en día, los creadores de contenido cotidianos (personas que pueden no ser editores de video «tradicionales» pero que aún necesitan cortar videos) pueden editar clips y activos simplemente eligiendo y eligiendo plantillas prefabricadas. Estas plantillas pueden variar desde diseños simples toma por toma hasta formatos de video sofisticados con transiciones dinámicas, funciones de texto llamativas, superposiciones estilizadas y muchas otras campanas y silbidos A / V.

Para obtener una lista rápida, estas son algunas de las mejores aplicaciones de edición basadas en plantillas que existen actualmente en el mercado:

Centrándonos en un par, exploremos cómo funcionan estas aplicaciones y cómo pueden ayudar a los editores de video de diferentes niveles.

---

Adobe Spark

Como muchas de las opciones en el floreciente ámbito de la edición de video basada en plantillas, los orígenes de Adobe Spark se basan en una perspectiva de diseño web. Adobe Spark es una combinación de tres productos anteriores de Adobe (Spark Page, Spark Post y Spark Video) que se centraron en permitir a los creadores editar y compartir historias visuales desde cualquier dispositivo.

En última instancia, la mayoría de estas aplicaciones de edición basadas en plantillas están diseñadas para la creación de videos de redes sociales. Como tal, Spark le indica (al inicio) que elija entre una variedad de plantillas diseñadas específicamente para video (o imagen) en Facebook, Gorjeo, Instagrametc.

Esta es una buena opción para empezar para cualquiera que ya sea un usuario de Adobe y forme parte de Creative Cloud. Su formato simplificado debería facilitar que cualquiera pueda crear videos, anuncios o historias directamente desde sus teléfonos.

---

Vimeo Create

Otra opción sólida a considerar es Vimeo Create, que es un nombre más reciente y bastante poderoso en la lista. Al igual que Adobe Spark, Vimeo es fácil de usar para cualquier persona con cualquier nivel de habilidad. Tiene toneladas de plantillas para elegir con mucha personalización disponible.

Con cualquiera de estas aplicaciones, realmente estás viendo tres cosas:

1. ¿Qué tan profesional hace que sus videos se vean en función de elementos como el diseño, el movimiento y el audio?
2. ¿Qué tan personalizable es para los creadores que desean combinar sus propios recursos con los prefabricados?
3. ¿Qué tan fácil es el proceso de iniciar sesión, configurar y publicar directamente en los canales sociales?

Aquí hay un buen video que desglosa el proceso para crear videos con Vimeo Create.

---

Revisión de la edición basada en plantillas

En general, la edición basada en plantillas es bastante sencilla. Es fácil de usar, fácil de personalizar y perfecto para crear videos rápidamente para las redes sociales. Sin embargo, la funcionalidad basada en plantillas obviamente tiene sus inconvenientes. No puede ajustar con precisión sus ediciones. Además, no siempre puedes elegir el tuyo transiciones o efectosy existe un control muy limitado del producto en general.

Los editores de video serios deberían al menos tomar nota. Hay algo atractivo en este nuevo estilo de edición: podría ser muy ventajoso para las agencias de publicidad adecuadas o como herramienta para los equipos de marketing internos que buscan eludir la producción de video tradicional.

Para los profesionales del video interesados ​​en las nuevas tendencias y tecnologías, les recomiendo que revisen algunas de las opciones anteriores. Puede familiarizarse con la competencia (por así decirlo), pero también puede integrar algunas de las aplicaciones (o elementos de ellas) en sus propios servicios y ofertas de producción de video.

---

Para obtener más sugerencias, trucos y conocimientos de la industria sobre la edición de videos, consulte estos artículos:

Imagen de portada a través de beeboys.

La nueva cámara insignia y el sensor de RED están buscando cambiar las reglas del juego. Veamos cómo.

Hoy RED Cameras anunció su nueva cámara “insignia”, la V-RAPTOR ST. Entonces, técnicamente, esta es la primera cámara en su tercera generación de imágenes fijas RED y línea de cámaras de imágenes en movimiento.

Tome esa información como quiera, pero lo más probable es que signifique que cada lanzamiento posterior de la cámara RED tendrá algún parecido con este en alguna capacidad.

Entonces, veamos lo que implica este chico malo.

---

Lo que sabemos hasta ahora

Aquí hay un poco sobre la nueva cámara, directamente de RED:

Con un innovador sensor multiformato de 8K, con la capacidad de disparar en gran formato 8K o 6K S35, desbloquea la selección de lentes más grande de cualquier cámara comparable en el mercado y permite a los tiradores la capacidad de entregar siempre a más de 4K.

El sensor también cuenta con el rango dinámico registrado más alto de todas las cámaras RED y el tiempo de escaneo con calidad de cine más rápido. Con un rango dinámico de más de 17 paradas y con tiempos de escaneo 2 veces más rápidos que cualquier cámara RED anterior, lo que permite a los usuarios capturar hasta 600 fps a 2K.

V-RAPTOR también continuará presentando el códec REDCODE RAW patentado de RED, lo que permitirá a los usuarios capturar RAW de 16 bits y aprovechar el último flujo de trabajo IPP2 y la gestión del color de RED.

– ROJO

De todos modos, RED sacó este nuevo y espectacular video, con música de moda y efectos visuales épicos. ¡Me dan ganas de ir a hacer flexiones y dar puñetazos!

Una de las especificaciones que me llamó la atención fue 600 fps a 2K. Entonces, cuando estaba esperando que comenzara el lanzamiento en vivo de esta cámara en YouTube, vi un comentario que decía: «Probablemente será otra cámara en cámara lenta», del cual me reí porque, bueno, sí, yo ‘ Estoy seguro de que funcionará bien con cámara lenta.

RED no defraudó en este sentido. Pero sí, cosas bastante estándar aquí, ya que estoy seguro de que comenzaremos a ver algunos carretes de demostración y producciones con estos. En todo caso, tengo curiosidad por ver qué sucede con la próxima iteración del Komodo, ya que esa cámara realmente me ha sorprendido por lo popular que se ha vuelto.

---

Lo escencial

Precio: $ 24,500

Se espera que se envíe en tres o cuatro semanas.

Especificaciones:

• Píxeles efectivos: 8192 x 4320
• 17+ pasos de rango dinámico
• Montura de lente RF
• Velocidad de datos: hasta 800 MB / s utilizando tarjetas de medios CFexpress de marca RED u otras calificadas
• 4.03 libras
• Tamaño del sensor: 40,96 mm x 21,60 mm (diagonal: 46,31 mm)
• Haga clic aquí para ver las capacidades de grabación REDCODE RAW

---

¿Necesita más noticias, reseñas y conocimientos sobre cámaras? Aquí tienes:

Imagen vía ROJO.

En este video tutorial, cubriremos cinco consejos para mantener organizadas sus composiciones de After Effects.—¡Puntas extra incluidas!

Mantenerse organizado en After Effects puede ser difícil, especialmente cuando trabaja con un equipo o tiene que volver a visitar un proyecto varias veces. Afortunadamente, hay varias funciones integradas en After Effects que pueden ayudarlo a mantenerse organizado.

En este tutorial, cubriremos cinco consejos para organizar sus composiciones en After Effects, ¡y también algunos consejos adicionales adicionales!

---

1. Colores de la etiqueta

La primera forma en que puede mantenerse organizado en After Effects es aprovechando Etiquetas. Estos son los que dan su color a cada capa de After Effects. Y puede cambiarlos haciendo clic en el cuadro de color de la etiqueta para cualquier capa.

También tienes la opción de Seleccione un grupo de etiquetas, que le permite seleccionar todas las capas con el mismo color de etiqueta. Esto facilita el trabajo con varias capas del mismo tipo, como capas de texto.

Otra opción que tiene con las etiquetas es la capacidad de establecer colores predeterminados para varios medios con los que está trabajando en After Effects. Para hacer esto, navegue hasta Editar> Preferencias> Etiquetas. A partir de ahí, puede configurar el valores predeterminados de etiqueta e incluso rebautizar y personalizar el aspecto de los colores de la etiqueta.

---

2. Marcadores

Probablemente hayas usado Marcadores en After Effects algunas veces antes, pero muchos usuarios no se dan cuenta de cuántas opciones diferentes pueden proporcionar los marcadores.

Primero, el atajo para agregar un marcador es el clave de asterisco (*) en el teclado numérico. Si tiene una capa seleccionada, esto agregará un marcador en esa capa. Si no se selecciona ninguna capa, esto agregará un marcador a la línea de tiempo de la composición.

También puede arrastrar marcadores a la línea de tiempo de la composición desde el Papelera de marcador (ubicado en el extremo derecho de la línea de tiempo). Para eliminar un marcador, haga clic derecho sobre él y seleccione Eliminar este marcador, o mantén presionado Ctrl + clic en el marcador para quitarlo. (Verá que el cursor se convierte en un par de tijeras).

Finalmente, haga doble clic en un marcador para abrir el Marcador de composición ajustes. Desde aquí, puede agregar etiquetas de texto a un marcador, personalizar el color, la longitud y más.

---

3. Uso de una plantilla de proyecto

Siempre es una buena idea organizar los recursos de su proyecto creando carpetas en el panel del proyecto. Sin embargo, esto puede convertirse en un proceso tedioso para cada nuevo proyecto. Afortunadamente, puede establecer un valor predeterminado Plantilla de proyecto que se abrirá automáticamente cada vez que cree un nuevo proyecto de After Effects.

Esto le permite crear una estructura de carpetas organizada en su Proyecto panel, y luego ese proyecto se lanzará cada vez que cree un nuevo proyecto, lo que le ahorrará el tiempo de tener que repetir ese proceso.

Para configurar una plantilla de proyecto, navegue hasta Editar> Preferencias> Nuevo proyecto. Desde allí, seleccione un archivo de proyecto de After Effects que haya creado para que se convierta en su plantilla de proyecto.

---

4. Aplicar efectos a las capas de ajuste

Si su metraje original es más grande que el tamaño de su composición, puede acelerar sus renderizaciones aplicando efectos a Capas de ajuste. (O alternativamente, Precomposición su metraje para cambiar su tamaño al tamaño de su composición).

Así es como y por qué funciona este enfoque: cuando reduce el metraje para ajustarlo a un tamaño de composición más pequeño, After Effects sigue aplicando efectos a todo el clip multimedia con el tamaño predeterminado. Por lo tanto, los efectos aplicados a imágenes 4K en una composición de 1080p seguirán renderizándose como si fueran 4K.

Aplicar efectos a una capa de ajuste (que es del mismo tamaño que la composición) es una buena forma de evitar esto y no renderizar más de lo necesario.

---

5. Efectos previos a la reproducción que reutiliza con frecuencia

Breve historia: solía trabajar en una agencia de publicidad y había varios efectos que reutilizamos para los comerciales de cada cliente, como un destello específico transiciones, texto animaciones, o íconos genéricos de redes sociales que aparecen en una etiqueta final comercial.

Aquí hay un enfoque para esta situación: Importar una previa Proyecto After Effects en el actual y copie la composición que necesite. Aquí está el problema con este enfoque: vas a enturbiar tu proyecto importando muchos archivos que no necesitas (y los tiempos de renderización serán más largos).

Entonces, en cambio, lo que recomiendo es renderizando esos efectos con un canal alfa. Luego, en el futuro, siempre que necesite usarlos, solo tendrá que importar un solo archivo. Todo también se renderizará mucho más rápido en After Effects porque solo tiene que renderizar un clip corto frente a cada activo original (y fotogramas clave relacionados, complementos, etc.).

---

Consejos de bonificación

• Complementos: Si desea organizarse aún más en After Effects, hay un montón de complementos de terceros para ayudarlo a hacer precisamente eso. Recomiendo echarle un vistazo Guiones AE. Tienen varios complementos orientados a optimizar su flujo de trabajo en las composiciones y mantenerse organizado. Échales un vistazo: Ordenar, Flor de trabajo, KBar 2, Guardar acciones, y Redactar gratis.
• Agrega un guión bajo: Agregue un guión bajo al comienzo del nombre de su composición principal en After Effects. Siempre hago esto porque pondrá tu composición en la parte superior del panel del proyecto, lo que hará que sea muy fácil encontrar la composición principal cuando necesites volver atrás y volver a visitar un proyecto.

---

¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

Aquí hay algunos beneficios adicionales de After Effects:

Aprenda a agregar reverberación natural al final de un corte de música con Premiere Pro, DaVinci Resolve y Final Cut Pro X.

En este tutorial, aprenderemos a agregar caída natural de la reverberación hasta el final de un corte en una pista de música. Empezaremos en Adobe Premiere Pro con nuestra pista de música, luego haga un corte y algunos ajustes antes de enviar el clip a Audición.

Una vez que esté completo, hablaremos sobre cómo abordar el mismo efecto en el interior DaVinci Resolve y Final Cut Pro X. Usamos mucho estos trucos de reverberación cuando necesitamos acortar el tiempo de una pista de música, o si necesitamos cortarla de repente. Encuentro que la caída de la reverberación es menos discordante que un corte duro o que simplemente disminuye el volumen. Este efecto de audio también funciona muy bien para intros y outros.

¿Listo? Analicemos cómo lograrlo en Premiere Pro.

---

Pasos en Premiere Pro

Primero, en Premiere Pro, deberá crear un corte en su pista de música. Recomiendo hacer esto sobre medio segundo después de un golpe fuerte o golpe en la música.

Ahora, antes de enviar el clip a Audition, necesitamos bajar el volumen nivel al final del clip de audio. Sostener CONTROL y haga clic en la línea de fotogramas clave en el medio de la pista de música, justo después del ritmo fuerte en el que le gustaría terminar. (Sostener CMD y haga clic en un Mac.) Esto creará un fotograma clave.

A continuación, cree otro fotograma clave al final de su pista de música y baje el fotograma clave a la parte inferior para que el nivel de audio se establezca en infinito negativo.

Finalmente, continúe y haga clic derecho en su clip de música y seleccione Editar clip en Adobe Audition.

---

Pasos en Adobe Audition

Una vez que se haya lanzado Adobe Audition, verá el forma de onda para tu pista de música. Mueve el cabeza de juego hasta el final del clip de música haciendo clic en al final. Ahora ve a Editar> Insertar> Silencio.

Después de haber insertado el Silencio sección al final de su clip de música, configure el puntos de entrada y salida. Colocar el en punto en medio del tiempo final de la canción. Colocar el superar todo el camino al final de la Silencio sección.

Ahora puede aplicar el Reverberación efecto ubicado debajo Efectos> Reverberación> Reverberación. Mis configuraciones para el efecto se enumeran a continuación. Después de configurar los valores de reverberación, haga clic en Solicitar.

Esto resultará en una más natural caída de la reverberación al final del ritmo de la música. Puede ver esto reflejado a continuación a medida que la forma de onda disminuye gradualmente con el tiempo. Ahora, todo lo que necesitas hacer es ahorrar su archivo yendo a Archivo> Guardar.

De vuelta en Premiere Pro, verá que su clip de música se ha actualizado. Todo lo que necesitas hacer ahora es ampliar los hora de finalización de su clip de música para ver dónde se agregó la nueva terminación de reverberación.

Entonces, para resumir todo esto, los siguientes puntos pueden ayudar cuando crea su Final de reverberación corta tu música:

• Haz que tu música final se corte medio segundo después de un fuerte ritmo musical.
• Más bajo los nivel de volumen del final de la música en Premiere Pro.
• Insertar sobre cuatro segundos de silencio (o más) hasta el final de su clip de música en Audition.
• Aplica el Efecto de reverberación a la mitad en el compás final de la música. Selecciona el Tiempo de decaimiento para 3800 o más.

---

Pasos en DaVinci Resolve

Terminar un clip con reverberación en DaVinci Resolve es bastante simple y no es necesario pasar a otro programa como en Premiere.

Primero tú duplicar los segmento de audio que necesita el efecto. Haz que ese clip sea un Clip compuesto, y luego duplicar ese clip de nuevo. Extienda mucho la pista duplicada, luego silencio ese pista. Finalmente, regrese a su línea de tiempo maestra y extienda el clip que desea “reverberar” y aplique el efecto de reverberación a ese clip. ¡Voilà!

Es super simple. Si descubre que no está obteniendo el sonido o los resultados que esperaba, simplemente juegue con la canción hasta que encuentre la nota correcta para terminar.

---

Pasos en Final Cut Pro X

De manera similar a como hacemos esto en Resolve, mientras editamos en Final Cut Pro X, querrás encontrar la parte de la canción que deseas para el efecto, cortar el clip, duplicar eso, luego golpea Mayús-mantener para arrastrar el clip duplicado. Este es el clip al que le aplicará el efecto. (Lamento usar tanto la palabra «clip». También estoy a punto de usarla mucho más).

Entonces, elija el Catedral efecto y aplíquelo a su clip. Luego, botón derecho del ratón y hacer que el clip sea un Clip compuesto. Una vez que hayas hecho esto, recorta el clip para que solo quede la reverberación, luego agrega la ganancia o pérdida de volumen necesaria para que haga una transición suave desde el clip anterior. Es así de simple.

Ahora, aquí hay un CLIP adicional que demuestra una forma interesante de usar el audio para las transiciones de escena.

---

Para obtener más regalos, consejos de audio y otros recursos cinematográficos, consulte estos artículos:

Imagen de portada a través de Patrick Daxenbichler.