Elija el monitor secundario adecuado para su suite de edición de video

Un monitor secundario puede acelerar su flujo de trabajo de edición y aumentar la productividad. A continuación, le indicamos cómo elegir un monitor secundario para su suite de edición.

Desde la selección del metraje hasta el corte y la adición de gráficos en movimiento: la edición de video requiere largas horas de mirar la misma pantalla. Y aunque la edición de video con un monitor es factible, es limitante y requiere mucho tiempo. Cambiar entre diferentes pestañas de un software de edición de video o entre otros programas puede ser una tarea ardua, pero se puede arreglar fácilmente con una segunda pantalla.

Un segundo monitor puede ayudar a visualizar otros aspectos del software de edición de video mientras los editores trabajan en la gradación de color, los efectos especiales o la selección de imágenes. No es necesario editar videos con dos monitores, y algunos eligen editar imágenes en computadoras portátiles o tabletas. Aún así, es una experiencia diferente que puede cambiar su flujo de trabajo y aumentar su productividad. La edición de video es una de las muchas cosas para las que puede usar un segundo monitor, pero hay funciones que es mejor tener si usa principalmente un segundo monitor para editar.

Aquí está nuestro desglose de qué buscar y por qué necesita un monitor secundario en su suite de edición de video.


Por qué necesita un segundo monitor

Segundo monitor: eficiencia

Con la línea de tiempo abierta en un monitor, puede corregir el color en el otro monitor, lo que es más eficiente. Imagen vía Gorodenkoff.

Cuando busque un segundo monitor para la edición de video, deberá priorizar ciertas funciones según sus necesidades. Con la opción de extender el software de edición de video en dos monitores, algunos editores pueden querer el mayor espacio de trabajo posible, capaz de navegar fácilmente desde la edición hasta colorear y exportar con unos pocos movimientos del mouse.

Aquellos con potentes equipos de edición pueden usar el segundo monitor para ejecutar otro software creativo simultáneamente. Los editores que usan Adobe Creative Suite, por ejemplo, pueden tener Premiere Pro abierto en una pantalla y Photoshop, Lightroom o Encoder abiertos en otra pantalla. (Tener varios programas de Adobe abiertos requerirá mucha RAM (consulte nuestra Guía de RAM estar preparados). Y los editores de video principiantes pueden usar ese segundo monitor para seguir un tutorial de YouTube, que es más fácil de seguir cuando se abre en un segundo monitor. En una nota que no sea de edición de video, un segundo monitor también puede ser útil para consultar el correo electrónico y navegar por Internet o las redes sociales.

Las características como el tiempo de respuesta y la frecuencia de actualización no tienen una clasificación tan alta cuando se trata de edición de video, pero vale la pena mencionar la precisión del color, la resolución, las relaciones de contraste y otras características. Por ejemplo, es posible que los coloristas deseen elegir un monitor IPS para obtener la mejor precisión de color o un monitor VA para obtener las mejores relaciones de contraste. Aquellos que editan videos de alta resolución pueden querer ver los monitores 4K, 8K y UHD más nuevos. Y los editores que prefieren sumergirse en su trabajo pueden mirar monitores curvos ultraanchos, que pueden reproducir la sensación de dos o más pantallas una al lado de la otra. Con tantas funciones para inspeccionar, buscar un nuevo monitor puede llevar algún tiempo, especialmente cuando no está seguro de términos específicos.

Si bien los monitores tienen un aspecto similar, lo que hay detrás del panel marca la diferencia. Aquí hay algunas cosas que debe saber antes de comprando un nuevo monitor secundario.


Qué buscar en un monitor secundario

En estos días, los monitores son elegantes, delgados, coloridos, a veces curvos, con frecuencias de actualización que siguen aumentando. Aunque muchos de los monitores en los estantes de las tiendas tienen un lenguaje de diseño sorprendentemente similar, varían en tamaño, resolución, tecnología de panel, frecuencia de actualización y otras características.

A las tiendas de tecnología les gusta bombardear a los compradores potenciales con términos de marketing que no se explican completamente, lo que a veces hace que ciertas funciones suenen mejor de lo que son. Por ejemplo, un monitor con 120 Hz de frecuencia de actualización suena mejor que uno con 60 Hz, y lo es, pero la mayoría de los consumidores no saben por qué y la mayoría no lo necesita. A continuación se muestran las características que debe tener en cuenta al comprar un monitor secundario para la edición de video.

Resolución

La resolución de un monitor es una de las características más importantes que debe buscar, una que determinará qué tipo de metraje puede editar. En estos días, es necesario tener al menos un monitor de 1080p, incluso si solo se usa como monitor secundario. Full HD (FHD), otro nombre para 1080p, es la resolución de facto para muchos programas de TV, películas y videos de YouTube, por lo que necesitará un monitor de 1080p para editar videos FHD.

Sin embargo, 4K se ha vuelto cada vez más popular, y muchos servicios de transmisión y plataformas de video brindan contenido en esa resolución. Sin embargo, al comprar un monitor 4K, asegúrese de saber lo que está comprando. Los monitores con una resolución de 4096 × 2160 son legítimamente 4K, pero la mayoría de los monitores 4K son en realidad monitores Ultra HD (UHD), que tienen cuatro veces la resolución de un monitor FHD de 1080p. La mayoría de los monitores UHD, 4K tienen una resolución real de 3840 × 2160, que es ligeramente menor que el 4K nativo. Sin embargo, existe una diferencia entre el 4K nativo y el 4K UHD, sería difícil para el observador con más ojos de águila detectar la diferencia. Aquellos con cámaras con capacidad 4K serían negligentes en no comprar un monitor 4K, considerando que la industria se está moviendo lentamente hacia videos 4K de mayor resolución.

Resolución: Cuadro comparativo

A continuación, se muestra una representación visual de las diferentes resoluciones. La resolución FHD estándar parece pequeña en comparación con el gigante 8K, que puede mostrar la friolera de treinta y dos millones de píxeles. Imagen vía Vorawich.

En el mundo de la tecnología, siempre hay algo mejor, más rápido y más nuevo. Y, cuando se trata de monitores, eso es 8K. Debido a que es el nuevo chico de la cuadra, no hay muchos monitores con resolución de 8K y hay incluso menos cámaras de consumo que pueden grabar en 8K. La entrada sin espejo más nueva de Canon: la EOS R5 – es capaz de 8K, pero se sobrecalienta con bastante rapidez, apagando la cámara en el proceso. Por supuesto, aquellos que graban videos de 8K deben considerar un monitor de 8K, que ofrece el doble de píxeles de 4K, pero la mayoría de las personas deben mantenerse alejadas, al menos hasta que su precio entre en este reino de la realidad.

Si bien el alto rango dinámico (HDR) no tiene nada que ver con la resolución, es una característica importante a tener en cuenta, una que está disponible en la mayoría de los nuevos monitores 4K. Los monitores con HDR usan el estándar HDR10, pero algunos usan el HDR10 + más nuevo. De hecho, TechRadar escribe

Lo que eso significa para usted y su experiencia de visualización es que con un HDR, los blancos brillantes del televisor se ven más brillantes, los negros oscuros se ven más oscuros y los paneles de 10 bits finalmente pueden mostrar los mil millones de colores que deseaba ver.

Para ver realmente el mayor detalle en su metraje, es imprescindible un monitor compatible con HDR. Un monitor con HDR puede mostrar más color, con mejores relaciones de contraste que hacen que los reflejos resalten y las sombras más matizadas, y es el camino a seguir si mantiene abierta la ventana de la línea de tiempo de NLE en un segundo monitor.

Tipos de paneles LCD

Hay tres tipos de monitores LCD que debe conocer. Los paneles Twisted Nematic son conocidos por tener frecuencias de actualización más altas y por venderse a un precio asequible. Los paneles In-Plane Switching (IPS) tienen una gama de colores mucho mejor y excelentes ángulos de visión. Los paneles VA son el tercer tipo de Paneles LCD. Ellos tienen lo mejor relaciones de contraste y también ofrecen una gran precisión de color, aunque no tan buena como un panel IPS. Con un monitor de alta relación de contraste, puede ver mejor la diferencia entre la luz y la oscuridad en un marco, lo cual es importante al editar.

Pantalla de cristal líquido

Los paneles TN, IPS y VA son todos tipos de pantallas de cristal líquido (LCD). Imagen vía Designua.

La diferencia entre un monitor IPS y TN no es tan clara cuando se colocan uno al lado del otro. Los monitores IPS tienen mejores ángulos de visión, lo cual es esencial si su monitor secundario estará ligeramente inclinado hacia usted (como el mío). Debido a su precisión de color y mejores relaciones de contraste, los paneles IPS son una excelente opción para los editores de video y creativos. Aún así, los paneles VA también son buenos debido a sus relaciones de contraste.

Configuración del monitor

Los monitores tienden a variar en color, brillo y contraste, pero todos se pueden ajustar, y cada fabricante configura el menú de configuración de diferentes maneras. Vale la pena ajustar el monitor para obtener la mejor imagen, pero los monitores también tienen ajustes preestablecidos que varían según el fabricante.

Estos ajustes preestablecidos cambian el color, el brillo y el contraste para diferentes escenarios, como ver una película o jugar un videojuego. Es mejor que los editores de video ajusten el monitor ellos mismos, ya que estos ajustes preestablecidos suelen ser demasiado dramáticos.

Aquellos que miran los monitores todo el día para trabajar pueden querer un monitor con una luz azul baja o una lectura preestablecida. Demasiada luz azul de las pantallas puede causar dolores de cabeza y fatiga ocular, por lo que un ajuste preestablecido de luz azul puede reducir el brillo de la pantalla y agregar un tinte amarillo para reducir la fatiga visual. Por cierto, Windows tiene una función llamada “Luz nocturna” que imita este efecto hasta cierto punto.

Monitores regulares, curvos (cóncavos) y ultraanchos

Los monitores con pantalla plana han existido desde siempre, pero los monitores curvos, ultraanchos y ultraanchos curvos son otras opciones: los monitores ultraanchos pueden ser planos o curvos.

Los monitores curvos regulares son más un truco, y su ligera curva es más una novedad que un activo real. Los monitores curvos ultraanchos, sin embargo, son algo sacado de una película de ciencia ficción y ofrecen una inmersión diferente a cualquier otro monitor. Tener un monitor curvo ultraancho es como tener dos pantallas envueltas alrededor de la cara, y es posible tener dos programas abiertos simultáneamente. Si el efecto curvo no es de su agrado, los monitores planos ultraanchos también son una excelente opción, ya que proporcionan un gran espacio de trabajo para múltiples ventanas de programas.

La desventaja de los monitores ultraanchos es que ocupan mucho espacio y ocupan mucho espacio disponible en un escritorio. Si ya tiene un monitor, puede colgarlo en la pared o en un brazo giratorio para abrir algo de espacio. Solo asegúrate de tener suficiente espacio antes de conseguir uno.


Una última cosa

Con una mejor idea de qué monitor comprar, es hora de hacer algunas compras, pero tenga cuidado con las funciones superfluas que no ofrecen mucho valor. Las siguientes funciones no son necesarias para los editores de video, y su adición aumentará el costo, sin agregar valor para la edición de video u otros proyectos creativos.

  • Superior a 75Hz – La frecuencia de actualización tiene que ver con la frecuencia con la que se actualiza la pantalla por segundo, medida en hercios. Una frecuencia de actualización más rápida significa que puede ver más cuadros por segundo (FPS), con velocidades de cuadro más altas que equivalen a una experiencia más fluida. Un monitor con una frecuencia de actualización de 60 Hz, por ejemplo, puede mostrar hasta 60 fps, que es lo suficientemente alto para la mayoría de las personas. Cuando se trata de frecuencias de actualización, 60 Hz es bueno y 75 Hz es excelente, pero las frecuencias de actualización más altas solo son necesarias para los juegos. A menos que planee jugar juegos competitivos de alta gama, manténgase alejado de los monitores de 144Hz, 240Hz y 360Hz.
  • FreeSync o G-Sync – Estas tecnologías patentadas integradas en los monitores utilizan sincronización adaptativa para lograr velocidades de cuadro más altas y evitar el desgarro de la pantalla y otros problemas. Los monitores con FreeSync son compatibles con las GPU de AMD. Los monitores G-Sync son compatibles con las GPU de Nvidia. Si bien es bueno tener una frecuencia de actualización alta, no es necesaria para la edición de videos.
  • Tiempo de respuesta de 1 ms – El tiempo de respuesta, medido en milisegundos (ms), “es el tiempo que le toma a su monitor cambiar de un color a otro”, escribe How-To-Geek. Los monitores comercializados para jugadores suelen tener un tiempo de respuesta de 1 ms, que es increíblemente rápido, pero innecesario para la mayoría de las otras tareas. Si su monitor tiene un tiempo de respuesta de 1 ms, es genial, pero no lo necesita.

¿Busca consejos y trucos relacionados con las estaciones de trabajo y el equipo de video? Aqui tienes:


Imagen de portada vía anttoniart.

Aprovecha el poder de los ajustes preestablecidos de la cámara Blackmagic

Los valores predeterminados ahorran tiempo y ayudan a evitar errores del operador. Veamos cómo usarlos al grabar con la popular Blackmagic Pocket Cinema Camera.

La mayoría de los días de la semana, uso mi Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K para grabar tutoriales en mi oficina. Tengo varios ángulos diferentes y, de vez en cuando, grabo algunos b-roll, pero casi siempre se configura en la misma configuración mientras estoy en la oficina.

Sin embargo, durante la semana pasada, salí de noche para filmar el festival anual Night of Lights que tiene lugar aquí en Le Mans, Francia. Naturalmente, esta situación de disparo requiere ajustes de exposición y balance de blancos muy diferentes a los de mi tutorial. Por esta razón, tengo que cambiar constantemente la configuración de mi cámara cada vez que salgo y regreso de mi sesión nocturna.

Para facilitarme las cosas, aprovecharé el poder de los ajustes preestablecidos en la cámara de Blackmagic. Una vez configurado, podré cambiar la configuración con solo tocar un botón. Veamos paso a paso cómo usar los ajustes preestablecidos.


Paso 1: ajuste la configuración de la cámara

Mi configuración interior se ilumina mediante una tecla Aputure 120D con la ayuda de una luz de ventana. El balance de blancos se establece en 5000K, con un ISO de 200 y un ángulo de obturación de 180 grados. Para el audio, estoy usando un micrófono lav de conexión inalámbrica Deity, así que configuré la entrada de audio en XLR Mic.

Blackmagic: Preset 1

Aquí está el ajuste preestablecido de Blackmagic antes de cambiar mi configuración para la sesión nocturna.

Cuando salgo a disparar de noche, cambiaré casi todos estos ajustes. Mi balance de blancos se establecerá en 3200K, con mi entrada de audio configurada en el micrófono interno de la cámara. El ISO oscilará entre 3200 y 8000, dependiendo de qué tan oscuro sea el entorno, y abriré el ángulo de obturación a poco menos de 360 ​​grados. Esto me dará suficiente luz y evitará problemas de parpadeo.

Blackmagic: ajustes preestablecidos de la cámara

Creación de ajustes preestablecidos para una sesión nocturna.

Ahora que conozco los parámetros para cada escenario de disparo, crearé mis ajustes preestablecidos.


Paso 2: crea los ajustes preestablecidos

Primero, crearé mi tutorial de interior diurno preestablecido. Con la configuración de la cámara en su lugar, abriré el Menú BMPCC y navega hasta el Preajustes página. Tocando el más (+) en la parte inferior izquierda creará un nuevo ajuste preestablecido, que nombraré Tutorial 1.

Una vez que salgo en mi sesión nocturna y tengo la configuración de la cámara en su lugar, agregaré mi segundo ajuste preestablecido siguiendo los mismos pasos, nombrándolo Sesión nocturna 1. He notado que ciertas calles son mucho más oscuras que otras, por lo que puedo crear dos o tres Sesión nocturna Preajustes. Esto hará que correr y disparar sea aún más fácil.

Blackmagic: agregar un segundo preajuste

Sobre el Preestablecido página, cree un segundo ajuste preestablecido.


Paso 3: cargue los ajustes preestablecidos

Ahora, es tan simple como navegar a la Preajustes página y cargando cada preset según sea necesario. Simplemente Seleccione el preset, luego presione el marca de verificación en la parte inferior izquierda del menú.

Blackmagic: cargar presets

Ahora, simplemente cargue los ajustes preestablecidos.


Paso 4: compartir los ajustes preestablecidos

Como puede ver, los ajustes preestablecidos son muy útiles cuando uso una cámara en varios entornos de disparo diferentes. Son igualmente útiles cuando se utilizan varias cámaras en el mismo proyecto. Aunque mis ajustes preestablecidos se almacenan en la memoria interna de la cámara, puedo compartirlos con otras cámaras Blackmagic Pocket Cinema. Esto es genial si quiero que varios tiradores salgan conmigo en mi sesión nocturna o simplemente agregar una segunda cámara a mi arsenal.

Blackmagic: compartir preajustes

Comparta sus ajustes preestablecidos con otras cámaras Blackmagic Pocket Cinema.

Para compartir un ajuste preestablecido, navegaré hasta el Preajustes página y seleccione el Importación y exportación botón. Tendré que enviar el archivo preestablecido a un CF, Dakota del Suro dispositivo USB. Usaré mi tarjeta Angelbird CFast, que ya está en mi cámara. Una vez exportado, insertaré el Tarjeta CFast en mi segundo BMPCC y tráelo a través del mismo Importar en la página Presets. Una vez importado, todavía necesitaré activar el preajuste a través del marca de verificación botón.

De hecho, los ajustes preestablecidos de Blackmagic pueden ahorrarme mucho tiempo perdido al cambiar la configuración de la cámara. También me ayudarán a evitar errores del operador. Si cambio la configuración de mi cámara dos veces al día todos los días, eso deja mucho margen para errores. Más de una vez, me he olvidado de cambiar la configuración de audio al saltar entre escenarios de disparo. Digamos que no fue bueno.

Si estás usando una cámara Blackmagic, definitivamente querrás echar un vistazo más de cerca a la página de Presets.


Si eres fanático de Blackmagic y, en realidad, quién no lo es, este contenido es para ti:

Iluminación de comedia y creación kitsch con Robert Yeoman

Descubra cómo el director de fotografía Robert Yeoman mantiene sus comedias ligeras y ayudó a desarrollar la peculiar estética de Wes Anderson.

Como te dirá cualquiera que haya sido parte de un club de cine de una escuela secundaria o que haya puesto un pie en el aula de una escuela de cine, uno de los aspectos más distintivos del cine moderno son los de la mente de Wes Anderson. Y, si bien es cierto que se sabe que Anderson está muy atento a la elaboración de cada elemento del estilo visual de sus películas, el hombre real detrás de la lente para cada una de sus funciones de acción en vivo (hasta ahora) es Robert Yeoman.

Sin embargo, aunque el trabajo de Yeoman hace mucho tiempo se entrelazó con la estética de la cafetería de Anderson, en realidad tiene una gran carrera como director de fotografía fuera de esa relación. Sus primeros trabajos le valieron un poco de la estima de los Independent Spirit Awards (Vivir y morir en Los Angeles., Vaquero de la farmacia) y sus trabajos posteriores han incluido varios éxitos de taquilla de comedia de gran éxito (Si hombre, Damas de honor).

Veamos cómo el hombre detrás de películas tan reconocibles cinematográficamente como Rushmore, Los Tenenbaums reales, Vida acuáticay El Gran Hotel Budapest eleva con tanto éxito las películas independientes de autor y las franquicias de comedia de gran éxito combinando su arte kitsch con su sensibilidad artística y cómica.


Encontrar su proceso creativo

Cada persona tiene su propia voz única, y para mí, la creatividad es poder expresar esa voz. Siempre me inspiró el lenguaje visual de las películas, incluso más que la escritura o cualquier otra cosa. Solo imágenes se me quedaron grabadas y me cautivaron. Entonces, comencé a hacer cinematografía en la escuela de cine y era bueno en eso, y era natural y tenía talento para eso. Y nunca miré hacia atrás, me encanta lo que hago.

Qué cita tan fantástica de Yeoman para comenzar nuestro viaje para comprender su cinematografía. En este video de introducción de Academy Originals, podemos vislumbrar a un artista en el punto más alto de su oficio, reflexionando sobre cómo pudo lograr su éxito. La búsqueda de su voz única y su proceso creativo es una lente fascinante para ver la cinematografía como una expresión del lenguaje cinematográfico. Y eso es exactamente lo que ves en todo el trabajo de Yeoman.

También es genial ver algunas de sus primeras técnicas de preproducción explicadas mientras habla de viajar a cualquier país extranjero en el que podría estar filmando, así como la preferencia de él y Wes Anderson por filmar fotografías de las primeras películas en el set (sin luces ni actores). ) para iniciar sus propios procesos creativos.


Desarrollar una gramática visual

Una vez que empezamos a analizar los sellos distintivos de la cinematografía de Yeoman, realmente se reduce a marcar la gramática visual del director con el que está trabajando.

Por ejemplo, con Wes Anderson en el video anterior de CookeOpticsTV, Yeoman habla de “encontrar el centro” para cada toma como parte de su comprensión de la mentalidad cinematográfica de Anderson, mientras trabaja con el documentalismo desordenado de Bill PohladEs Amor y misericordia, y estar abierto a la improvisación de Paul FeigComedias como Damas de honor y Cazafantasmas.

Todas las decisiones cinematográficas para cada uno, como explica Yeoman, son parte del desarrollo de una gramática visual que permite que él y el director se comuniquen de manera rápida y precisa para elaborar mejor la narrativa en cada toma.


Iluminación para claridad y comedia

Por supuesto, el hecho de que Yeoman tenga una complejidad de estilos no significa que no esté muy centrado en la iluminación con sus propios trucos y técnicas y en la creación de composiciones claras y concisas.

En otro artículo de la entrevista, Yeoman habla sobre los desafíos de seguir al sol para usarlo como una de las mejores fuentes de luz para muchas de sus tomas, un proceso que perfeccionó al utilizar la aplicación SunSeeker para el tiempo y la dirección del sol.

Además, dado que Yeoman trabaja con mayor frecuencia con comedias y en funciones más alegres, su atención se centra a menudo en la iluminación suave como un medio para mantener sus tomas claras y claras, en lugar de oscuras y duras. Su objetivo para abordar lo cómico y caprichoso es hacer que sus tomas luzcan como si estuvieran iluminadas de la manera más natural posible para llevar mejor a la audiencia a la realidad de la historia.


Sartenes de la vieja escuela y cámara lenta

Pasando más específicamente al trabajo de Yeoman con Wes Anderson, hay un par de estilos y técnicas que rápidamente se están convirtiendo en sinónimo de la cinematografía de Yeoman. Los más notables para muchos fanáticos de las obras de Anderson son los populares látigos salpicados a lo largo de sus películas y las famosas tomas en cámara lenta, que suelen ser las escenas finales y, a menudo, las más memorables.

Cuando se sumerge en sartenes, Yeoman adopta el enfoque de la vieja escuela y, tan a menudo como sea posible, los hará en cámara y en el set. Esto requiere algunas configuraciones de encuadre complejas con múltiples luces y actores listos para funcionar, pero logra un aspecto mucho más real e imperfecto que cuando agrega las bandejas de látigo como una transición en la publicación.

Para las tomas a cámara lenta, Yeoman confiesa que a Anderson le gusta trabajar lo más vieja posible. Entonces, nuevamente, a menudo se queda en configuraciones simples sin más que una plataforma rodante y un extractor de enfoque para capturar estas tomas icónicas en la menor cantidad de tomas posibles.


Desarrollando el look de Wes Anderson

Al mirar hacia atrás a través de la carrera de Yeoman hasta ahora, es importante reconocer que no es simplemente un medio para llevar la visión de un director a la pantalla, sino que, de hecho, es un gran desarrollador de la apariencia y la estética que hemos llegado a conocer. y amor.

Sería difícil ver una comedia convencional en estos días y no ver algunos de sus looks de iluminación suave en muchas configuraciones, y es aún más difícil ver cualquier película de Wes Anderson, o cualquier composición inspirada en Wes Anderson, y no ver cuánto tiene Yeoman. poner en desarrollar la estética general.

Yeoman le ha dado a la lente gran angular una renovada popularidad al alentar a Anderson a abrazar los extraños contornos de la vida real, a pesar de su preferencia por tratar de hacer todo perfectamente simétrico. Ha superado los límites de lo que los giros, el zoom de choque y otras técnicas de la vieja escuela pueden capturar en la cámara y no con simples ediciones. En última instancia, ha ayudado a inspirar a una audiencia completamente nueva y más joven de aspirantes a cinematógrafos a abrazar la fantasía kitsch en lugar de las composiciones y técnicas de narración antiguas y obsoletas.


Para obtener más información y puntos de vista de los directores de fotografía, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada vía ASC.

Cómo los cineastas utilizan la alegoría en proyectos de películas y videos

Una mirada a cómo los cineastas a lo largo de los años han utilizado la alegoría en sus obras, y cómo también puedes dar un significado más profundo a tus películas y proyectos de video.

La verdadera marca de una gran película no siempre está en sus números de taquilla o incluso en su respuesta crítica. A menudo se trata de cómo la película impacta a la sociedad en su conjunto. ¿Qué mensajes contiene una gran película? ¿Qué símbolos se esconden en la trama y los personajes? ¿Puede toda la premisa ser una metáfora de algo mucho más grande?

Estas son las preguntas que realmente pueden convertir una película de un pasatiempo simple y agradable en una experiencia cinematográfica inolvidable que deja a los espectadores anhelando más. Un término que a menudo se usa para describir este tipo de películas es “alegoría”. O, más específicamente, llamar a una película una “película alegórica” ​​como una forma de hablar sobre lo que realmente está sucediendo debajo de la superficie.

Pero, ¿qué significa esto realmente? Y, lo que es más importante, ¿cómo pueden los cineastas utilizar la alegoría en sus proyectos de películas y videos para desarrollar o resaltar significados más profundos que reflejen la sociedad y fascien al público? Echemos un vistazo más profundo.


¿Qué es la alegoría?

El mago de Oz

El mago de Oz es un ejemplo clásico de una película rica en alegorías. Imagen vía MGM.

Entonces, antes de sumergirnos más en la alegoría, debemos aclarar algunas cosas. En primer lugar, el término alegoría a menudo está estrechamente vinculado al término metáfora y se confunde con él. Y, a decir verdad, sus definiciones son similares. Aquí están las definiciones de Merriam-Webster para cada uno:

  • Alegoría: La expresión mediante figuras y acciones simbólicas de ficción de verdades o generalizaciones sobre la existencia humana.
  • Metáfora: Una figura retórica en la que una palabra o frase, que denota literalmente un tipo de objeto o idea, se usa en lugar de otro para sugerir una semejanza o analogía entre ellos.

Sin embargo, cuando se habla de una película específicamente, la metáfora generalmente se refiere a un elemento específico en una historia, mientras que la alegoría se refiere a la película o al texto en general. Utilizando El mago de Oz como ejemplo, el camino de ladrillos amarillos en sí puede verse como una metáfora del patrón oro en relación con el sistema monetario estadounidense. Considerando que, la película en general puede verse como una alegoría de la colapso del movimiento populista en los Estados Unidos.

Si bien estos términos pueden ser un poco confusos, es útil recordar que, en muchos casos, se pueden usar indistintamente, por lo que es mejor concentrarse en cómo usar la alegoría y la metáfora en sus obras, en lugar de simplemente definirlas.


Ejemplos de alegoría en el cine

La historia de la alegoría en el cine es tan profunda y rica como el cine en sí, ya que se podría argumentar que es casi imposible para un cineasta mantener realmente grandes significados fuera de su trabajo. Sin embargo, cuando se mira hacia atrás en la historia del cine, hay muchos ejemplos de alegorías en el cine que se destacan del resto.

1984

Basado en una obra clásica de literatura alegórica, Michael RadfordS 1984 es un ejemplo perfecto de película alegórica. La versión cinematográfica (que salió a la luz en 1984) continúa el uso de la alegoría, ya que explora temas de individualidad y varias metáforas para la opresión y el confinamiento gubernamentales a través de la narrativa y la narración visual cruda.

Cazarecompensas

los género de ciencia ficción, en particular, ha demostrado ser un gran escenario para la alegoría en el cine, y Ridley ScottS Cazarecompensas es otro ejemplo perfecto. Rico en subtexto sobre la relación difusa entre la tecnología y la humanidad, Cazarecompensas, en su conjunto, está repleto de alegorías que dejan al público preguntándose sobre su propia realidad.

El séptimo sello

Si está buscando una respuesta de libro de texto para “¿Qué es la alegoría en el cine?”, No busque más Ingmar BergmanEs El séptimo sello. El mejor ejemplo del uso magistral de imágenes y metáforas por parte del autor sueco, El séptimo sello es una de las alegorías más memorables e intensas sobre la muerte y la lucha del hombre con nuestro destino inevitable.


Usar la alegoría en sus proyectos

Entonces, ahora que hemos cubierto lo que realmente significa la alegoría en el cine y hemos compartido algunos ejemplos clásicos, profundicemos en cómo puede usar la alegoría en sus proyectos de cine y video.

La alegoría se puede explorar mejor cuando nos enfocamos en estas áreas clave: la escritura y la construcción del mundo, el rodaje y la cinematografía, y la edición y la historia narrativa. Echemos un vistazo a algunos ejemplos de creación de alegorías en cada uno.

Avatar

Muchas veces, una película se puede ver alegóricamente con solo mirar el mundo en el que reside. Un claro ejemplo de esto es James CameronEs Avatar, lo cual es bastante apropiado ya que construye todo un mundo CGI desde cero. El planeta Pandora en Avatar se puede ver que representa las selvas tropicales del Amazonas y las tierras indígenas, ya que este mundo ayuda a construir una alegoría más amplia de los peligros del imperialismo.

Cuando busque escribir y crear un mundo para sus películas, piense en lo que podrían representar estos mundos y cómo los interpretará el público. ¿Te recuerdan algo en tu vida o a lo largo de la historia? Si puede conectar los puntos (incluso sutilmente) con estas grandes pistas narrativas al principio, el resto de la historia puede unirse a medida que comienzan a dispersarse lentamente.

Parásito

Pasando a la filmación y la cinematografía, un ejemplo reciente es Bong Joon-HoS Parásito. Varias de las alegorías encontradas en Parásito relacionarse con las divisiones de clase, y La cinematografía de Joon-Ho en realidad, trae este subtexto a la vanguardia mediante el uso inteligente de líneas y niveles que separan a los personajes en las escenas. También obtenemos un uso brillante del montaje para reforzar estos temas y desarrollar alegorías generales para la política de clase, ética y propiedad.

Hay mucha cinematografía magistral en las películas de Joon-Ho, y se necesitaría mucho para tratar de imitar. Sin embargo, si desea crear alegorías en sus propios proyectos, es mejor comprender el simbolismo en el corazón de sus historias. Si puede encontrar estos crudos ejemplos (como diferentes casas, personajes, profesiones e incluso losas gigantes de roca), puede buscar formas creativas de enmarcar y componer con estos elementos en su cinematografía.

Club de la lucha

Finalmente, David FincherEs Club de la lucha es uno de mis ejemplos favoritos de cómo se puede editar una película para giros narrativos, así como para cambios de tono discordantes. Las metáforas de la película y el uso de ediciones estilísticas han hecho Club de la lucha un retrato notable de conformidad versus inconformidad. Al editar sus propios proyectos, se enfrentará a decisiones similares sobre cómo desea construir sus personajes y dejar que su historia se desarrolle. Club de la lucha Podría haber sido una película muy diferente si revelara ciertos giros y vueltas en diferentes puntos, así como si los molestara menos o más.

Encontrar el equilibrio adecuado entre las corrientes alegóricas que sirven a su visión y los mejores ritmos narrativos que sirven a su narrativa (y entretienen a su audiencia) es quizás el mayor desafío para los editores y cineastas por igual.


Explore más consejos y trucos de teoría del cine y narración cinematográfica:


Imagen de portada de Parásito vía CJ Entertainment.

Los mejores anuncios de monturas de lentes nuevas de 2020

Con la introducción de la montura RF, la montura L y la montura Z, el mundo de las lentes recientemente se reinició en los modelos disponibles. Veamos las emocionantes adiciones de 2020.

Hace solo unos años, comprar una lente nueva era como tratar de encontrar una película para ver en un mar interminable de recomendaciones de Netflix. Ya sea que esté actualizando o simplemente buscando probar una nueva distancia focal, había muchas en el mercado; fácilmente podría crear una paradoja de elección para los nuevos principiantes.

Sin embargo, a partir de 2018, los principales fabricantes de cámaras nos presentaron tres nuevos soportes de lentes diseñados para aprovechar el formato sin espejo. Con eso, vimos un restablecimiento completo del mercado de lentes y, por primera vez, podía contar la cantidad de lentes originales disponibles para una nueva montura con una sola mano.

De forma lenta pero segura, hemos visto crecer el mercado de las nuevas monturas. Cuando se introdujeron las nuevas monturas, por lo general veíamos lentes a precio profesional o lentes ocasionales económicas. En 2020, finalmente comenzamos a ver lentes de precio intermedio. Veamos algunos de los emocionantes lentes que se lanzarán en los próximos meses.


Panasonic Lumix S 85mm f / 1.8 – Finales de 2020

Si bien he enumerado el 85 mm en el subtítulo porque es un lente lanzado este año, debe tenerse en cuenta que también se anunciaron varios lentes F / 1.8 junto con el 85 mm, pero deberíamos ver los lanzados en una fecha posterior.

En 2018, Panasonic, junto con Sigma y Leica, formaron la alianza L-mount. Y después de eso, todas las cámaras de fotograma completo de Lumix y Sigma han alojado la montura Lecia (como hemos visto hacer la Sigma FP).

Entre Lumix y Sigma, hay una amplia variedad de lentes disponibles para la línea S de cámaras Lumix; El S1, S1H, S1R y S5. Sin embargo, cuando elimina Sigma de esa línea, la cantidad de lentes disponibles se reduce significativamente.

Disponibles son:

  • 24-70 mm f / 2.8 – $ 2197
  • 16-35 mm f / 4 – $ 1497
  • 24-105 mm f / 4 – $ 1297
  • 70-200 mm f / 2.8 $ 2597
  • 70-200 mm f / 4 – $ 1697
  • 50 mm f / 1.4 – $ 2297
  • 20-60 mm f / 3.5-5.6 – $ 597

Fuera del zoom de 20-60 mm de nivel de entrada algo caro, son lentes de primer nivel, o tendría que comprar el tercero con Sigma si tiene un presupuesto limitado.

Sin embargo, este año Panasonic ha anunciado varios primos f / 1.8 que cubren la brecha que falta para primos asequibles pero de calidad. No esperaría que la asequibilidad caiga por debajo de los $ 500, pero creo que sería una apuesta segura adivinar que estos lentes aterrizarán entre el margen de $ 600- $ 1000, que se correlaciona con la línea Nikon de montura Z f / 1.8.

Siempre que no haya retrasos, el 85 mm debería lanzarse en noviembre. Y en el futuro, veremos versiones de montaje f / 1.8 L de 24 mm, 35 mm, 50 mm (y también se anunció un 70-300 mm f / 4.5-5.6). Como puede ver en el material promocional, todas las lentes son de la misma altura y ancho, y aunque eso puede hacer que la recuperación de la lente de su bolso de la cámara sea incómoda, creo que me gusta ese enfoque.

Especificaciones rápidas del 85 mm f / 1.8: Actualmente no lanzado.


Nikkor Z 14-24 mm f / 2.8 S – Finales de 2020 – $ 2396

Todavía tenemos que ver un zoom gran angular extremo introducido en el mercado de lentes para las nuevas monturas. Quizás podríamos contar el Sigma 14-24 mm, ya que tienen una versión con montura L de ese objetivo, pero también se produjo para la montura Sony E y la montura Nikon F, por lo que vamos a renunciar a esa adición.

Sin embargo, hace solo unas semanas, Nikon anunció Nikon Z 14-24 mm f / 2.8 s. Con Nikon Z-24-70mm f / 2.8 y Nikon Z 70-200mm f / 2.8 en la naturaleza, el 14-24 mm también completa la santa trinidad f / 2.8 de Nikon, y con esos 2 mm adicionales en el zoom gran angular sobre el 15 / 16-35 mm, lo convierte en uno de los rangos focales más largos disponibles en el nuevo conjunto de soportes.

Creo que sería justo decir que normalmente no asociamos a Nikon con el video, aunque sus cámaras pueden ser de video 4k. Pero quizás con lentes de más calidad como el 14-24 mm f / 2.8, es posible que veamos que más creadores adoptan la marca.

Aparte del Z 50mm f / 1.2 S que también se anunció junto con el 14-24mm, no ha habido más anuncios formales para la nueva línea Z, pero Rumores de Nikon Sugiero que las siguientes lentes se anuncien en breve.

  • Lente Prime NIKKOR Z de 28 mm
  • Lente Prime NIKKOR Z de 40 mm
  • Objetivo NIKKOR Z 50 mm f / 1,2 S
  • Objetivo macro NIKKOR Z de 50 mm
  • Objetivo NIKKOR Z 105mm Micro S Prime
  • Objetivo zoom NIKKOR Z 24-105 mm S
  • Objetivo zoom NIKKOR Z 100-400 mm S
  • Objetivo con zoom NIKKOR Z 200-600 mm
  • Lente con zoom NIKKOR Z DX 18-140 mm

Especificaciones rápidas del 14-24 mm f / 2.8s

  • Tipo: montura Nikon Z
  • Distancia focal: 14–24 mm
  • Apertura máxima: f / 2.8
  • Apertura mínima: f / 22
  • Construcción de la lente: 16 elementos en 11 grupos (incluidos 4 elementos ED, 3 elementos asféricos, elementos con capas de nanocristal y ARNEO, y un elemento de lente frontal con revestimiento de flúor)
  • El ángulo de visión formato FX: 114 ° a 84 °, formato DX: 90 ° a 61 °
  • Escala de longitud focal: graduada en milímetros (14, 15, 16, 18, 20, 24)
  • Sistema de enfoque: sistema de enfoque interno
  • Enfoque automático: sí
  • Enfoque: automático, manual

Canon RF 85 mm F / 2 Macro – Finales de 2020 – $ 599

Desde el comienzo de la introducción de RF, Canon se apresuró a implementar varios objetivos en la gama. Desde la Santísima Trinidad hasta los primos, Canon quería asegurarse de que el mundo estuviera listo para adoptar la montura RF.

En 2020, los anuncios y lanzamientos se han centrado algo más en un nicho. Este año, Canon anunció lo siguiente con los lanzamientos 2020/2021.

  • MACRO F2 DE 85 mm ES STM
  • Canon RF 600 mm F11 IS STM.
  • Canon RF 800 mm F11 IS STM.
  • Canon RF 100-500 mm F4.5-7.1 L IS USM
  • Canon RF 24-105 mm F4-7.1 IS STM
  • Extensor RF 1.4x
  • Extensor RF 2x

Nada me llamó la atención de inmediato de esta lista para videógrafos. Aún así, en un segundo vistazo, el macro de 85 mm f / 2 es una adición bienvenida a la línea, ya que la distancia focal más larga permite una experiencia macro más nutrida. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que la ampliación macro de la lente no es ideal, ya que se encuentra en 0.5x.

¿Qué significa esto? Bueno, idealmente, querría una relación de aumento de 1x para una verdadera fotografía macro. Sin embargo, en el caso del video, una lente como esta se presenta bien para primeros planos de objetos como anillos de boda.

Especificaciones rápidas del macro 85 mm F / 2:

  • Tipo: Саnоn: RF
  • Ángulo de vista (grados) 24º, 16º, 28º 30
  • Ареrturе blаdеѕ 9
  • Longitud nominal (tеlе) 85
  • Límites de lecciones 12
  • Grupo de lecciones 11
  • Мах ареrturе – tеlе f / 2
  • Mínimo valor f / 29
  • Mínimo Focos DISTANCIA (m) 0.35

Canon RF 70-200mm f / 4L IS USM – Rumor.

Bien, técnicamente esto es más un rumor que un anuncio formal, pero no me sorprendería si nos enteramos de esta lente hacia finales de año.

La Canon RF 70-200mm F / 2.8 se lanzó a fines de 2019, completando el trifactor F / 2.8 y el 15-35 mm y el 24-70 mm F / 2.8. Si bien estos lentes cuentan con la calidad de primer nivel que se espera de la serie F / 2.8, no eran baratos. El juego completo le costaría hasta $ 7,227. Si bien un zoom de telefoto económico estaba disponible en forma de 24-240 mm f / 4-6.3 a $ 699 o 24-105 mm f / 4-7.1 a $ 399, no había un puente entre el nivel de entrada y el profesional que se encuentra típicamente en el F / 4 modelos de la santísima trinidad, coloquialmente denominada la impía trinidad.

Sin embargo, el guardián de los rumores Nokishita ha informado que Canon ha solicitado una patente para la versión RF del 70-200mm f / 4 en Rusia. Con eso, probablemente podríamos ver a la trinidad impía abrirse camino en el mercado de las cámaras, permitiendo a los creadores de video y fotógrafos obtener la línea de zoom favorita de los fanáticos sin la etiqueta de precio f / 2.8.

Especificaciones rápidas del 70-200 mm f / 4: Actualmente no lanzado.


Fuji 50 mm F1.0 – Finales de 2020 – $ 1499

Sí, esta no es una lente para una de las nuevas monturas introducidas en los últimos dos años. Si bien la montura X ha estado viva y bien desde 2012, la llegada de la F / 1.0 fue un anuncio sin precedentes de Fuji, ya que marca la llegada de la lente de enfoque automático más rápida para cámaras sin espejo.

A 50 mm, posee un campo de visión equivalente de alrededor de 75 mm (ya que Fuji usa sensores APS-C). Como propietario del lente Fuji 16-55 mm 2.8 Red Label, es probable que este lente sea tan grueso y pesado como el zoom.

Muchos comentaristas de blogs de fotografía y cine no estaban seguros de quién o qué es este objetivo en el momento de su lanzamiento. Pero El borde resume bastante bien la noción.

Con un largo desarrollo, este es un objetivo de declaración para Fujifilm en lugar de algo que será una herramienta práctica para la mayoría de los fotógrafos.

De cualquier manera, como usuario de Fuji, agregaré esto a la lista de deseos.

Especificaciones rápidas del 50 mm f / 1.0

  • Tipo: Fuјі Х
  • Саmеrа Lеnѕ Туре Ѕhоrt Теlерhоtо Рrіmе
  • Primero tres (mm) 77
  • Longitud nominal (tеlе) 50
  • Longitud nominal (ancho) 50
  • Lentes paralelos 12
  • Grupo de lecciones 9
  • Мах ареrturе – tеlе 1
  • Мах ареrturе – wіdе 1
  • Mínimo valor 16
  • Mínimo FOCA DISTANCIA (m) 0.7
  • Ángulo de visión (grados) 31,7
  • Ареrturе blаdеѕ 9

¿Que sigue?

Todavía estamos en la etapa de nacimiento de los nuevos lentes disponibles para la nueva serie de monturas de Canon, Nikon y la alianza L-mount. Fuera de las adiciones algo asequibles de Sigma, no hay muchos lentes de nivel de entrada y económicos disponibles para comprar. Pero al mismo tiempo, no hay exactamente una línea Lumix S de nivel de entrada o una cámara EOS R disponible. Sin embargo, puedo suponer que continuaremos viendo más lentes económicos agregados a las líneas durante el próximo año, junto con lentes de nicho que actualmente no están disponibles.


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Take Back the Power: Cinematografía con Charlotte Christensen

Descubra cómo Charlotte Bruus Christensen usa su cinematografía para empoderar a personajes fuertes, desarrollar estilos característicos y crear sonido en sus imágenes.

Al observar a los directores de fotografía de cine más destacados de la industria, Charlotte Bruus Christensen se destaca, no solo como alguien que ayudó a desarrollar los influyentes movimientos cinematográficos mediante los cuales perfeccionó su oficio, sino también como alguien que lucha entre bastidores para llevar nuevas y audaces voces a las pantallas de cine convencionales.

Desde crear mundos oscuros y misteriosos con éxitos independientes como Submarino, para sacar a relucir actuaciones dignas de un Oscar en películas como Vallas, para empujar los límites de la composición y el suspenso en thrillers como Un lugar tranquilo, echemos un vistazo a la poderosa cinematografía de Charlotte Bruus Christensen.


El poder del cine Dogme 95

Christensen se inició en la Escuela Nacional de Cine y Televisión en su Dinamarca natal. A medida que formó asociaciones tempranas con cineastas escandinavos icónicos como Thomas Vinterberg, un nuevo movimiento – Dogme 95 – se estaba desarrollando entre contemporáneos como Lars von Trier, uno basado en el deseo de “recuperar el poder” del cine de los grandes estudios.

Los principios básicos de la Dogme 95 El movimiento cinematográfico giraba en torno a la creación de un cine basado en los valores tradicionales de las historias, los personajes y los elementos temáticos, todo ello evitando los elaborados CGI y los efectos especiales. El movimiento incluso tenía reglas estrictas: el rodaje debía realizarse en el lugar, la cámara debía ser portátil y las películas no podían contener ninguna acción superficial.

Estos principios fueron una gran influencia en los primeros trabajos de Christensen, sobre todo en sus primeras colaboraciones con Thomas Vinterberg: Submarino y La caza. Ambas producciones adoptaron muchas de las limitaciones de Dogme 95, que permitieron a Christensen desarrollar un fuerte sentido de la realidad y la voz.


Desarrollar miradas individualistas

A medida que la carrera de Christensen se desarrollara, se le brindarían más, y mayores, oportunidades para crear estilos y looks únicos e individualistas, que podrían diferir mucho entre imágenes como Marc EvansHunky Dory y Anton CorbijnEs Vida.

Ambas películas son notables por perfiles de color y estilos de filmación muy diferentes. Hunky Dory es un musical claro y brillante que captura el amanecer de la juventud. Vida es el espejo opuesto en sus intentos de reflejar el pasado mundo del cine que rodeó el ascenso (y la caída) de James Dean en las décadas de 1940 y 1950.

Ambos son excelentes ejemplos de cómo Christensen es capaz de trabajar de forma adaptativa con la iluminación y la composición para contar historias individuales que, junto con la visión de un director, pueden ser independientes, pero también impresionistas de los escenarios y temas que intenta crear para cada película. .


Dar vida a mujeres fuertes

Otro sello interesante de la mirada cinematográfica de Christensen es su capacidad para sacar a relucir protagonistas femeninas fuertes y, a veces, elevar a los personajes secundarios a algo más.

Esto se repite una y otra vez en la filmografía de Christensen con ejemplos como el mencionado anteriormente. Hunky Dory, junto con características como Lejos del mundanal ruido, La chica del treny Juego de Molly. Incluso se podría argumentar que su trabajo detrás de escena en películas de conjunto como Vallas y Un lugar tranquilo ayudó a impulsar los roles femeninos hacia el estatus de co-líder.

La cinematografía de Christensen funciona mejor cuando permite la cobertura más completa y la representación equitativa en la pantalla. En muchas de sus películas, tenemos secuencias largas e intensas (a menudo con muchos diálogos) llenas de drama emocional, pasión y suspenso que no temen quedarse en el momento.


Creando misterio y suspenso

Hablando de la capacidad de Christensen para usar su cinematografía para crear tensión y suspenso, sus habilidades están realmente en exhibición en sus obras más famosas. La caza, La chica del tren, y el aclamado por la crítica y comercial Un lugar tranquilo.

Los tres son clases magistrales sobre el uso de la perspectiva en su cinematografía, ya que los tres utilizan la subjetividad, y a veces la falta de fiabilidad, en su trabajo de cámara para dejar al público incómodo y en busca de respuestas.

Al trabajar en películas de género, Los principios inspirados en Dogme 95 de Christensen demuestran ser su arma secreta. Es capaz de crear algunas secuencias profundamente inquietantes al sumergir por completo a los espectadores en momentos tremendamente intensos, sus tomas causan una gran distorsión y confusión.


Uso de la cinematografía para crear sonido

La película por la que Christensen podría ser más conocida: el gran éxito Un lugar tranquilo – recibió elogios universales y ayudó a relanzar todo un género de terror independiente de nuevo a la corriente principal. Las habilidades cinematográficas de Christensen se pusieron a prueba, ya que básicamente se le pidió que creara un mundo muy real y lleno de suspenso sin usar un par de las mejores herramientas del arsenal de cualquier cineasta: el sonido y el diálogo.

Y, aunque hay un diseño de sonido increíble en Un lugar tranquilo (que puedes leer más aquí), es la cinematografía de Christensen que se enfoca en los personajes, las emociones y retratar lo inaudito y lo invisible lo que realmente hace Un lugar tranquilo trabajo.

La poderosa cinematografía de Christensen ha demostrado una y otra vez que se necesita una visión audaz y una voz fuerte para contar historias poderosas y desafiar el status quo del cine.


Para obtener más perfiles de artistas y conocimientos cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada vía IMDb.

Cómo darle a sus imágenes un aspecto cinematográfico en FCPX

Final Cut Pro X tiene un sólido conjunto de herramientas de color que han mejorado enormemente a lo largo de los años. A continuación, le indicamos cómo utilizarlos para dar colores cinematográficos a su video.

Hacer que su paleta realmente destaque es una manera fácil de agregar valor de producción en un instante. En este video tutorial, veremos cómo crear sus propios colores cinematográficos, todo dentro de FCPX. Saltemos.


Paso 1: capture imágenes de alta calidad para lograr grados de color de alta calidad

Tener metraje de alta calidad, el códec correcto, la resolución, la iluminación y una exposición impresionante, todo esto es vital para lograr colores cinematográficos ideales. El metraje con el que estamos trabajando hoy es Canon RAW de 6K filmado en Canon Log 2. Verifique su cámara actual y vea qué códecs y perfiles de color podrían brindarle la mejor calidad de color.


Paso 2: Correcciones de color

FCPX: Correcciones de color

Solucione cualquier problema con las conversiones durante el proceso de corrección de color.

Una vez que se ha importado el metraje, está listo para el primer paso de color: correcciones de color. El proceso de corrección de color aborda cualquier problema de conversiones para formatos LOG. Estas correcciones pueden ser ajustes de exposición y balance de blancos. En última instancia, normaliza el color de su metraje en un formato estándar.

Dado que hoy estamos trabajando con material de archivo Canon Log 2, vamos a convertir nuestro material de archivo utilizando la conversión LUT de C-Log 2 en FCPX. Estos LUTS de conversión de LOG se pueden encontrar en el Inspector panel y seleccionando la función extendida.

Después de ver la LUT de conversión, podemos hacer ajustes menores de exposición y balance de blancos según sea necesario y de acuerdo con los alcances que utilizamos.


Paso 3: Grado de color

FCPX: Grado de color

Aproveche los verdaderos colores cinematográficos utilizando las funciones de FCPX.

Aquí es cuando la diversión realmente comienza. Utilizamos una variedad de curvas y máscaras de color para ajustar realmente nuestro metraje. Utilice las funciones Ruedas de color y Máscara de color para aislar y seleccionar colores y áreas específicas para personalizar su grado de color.

Para nuestro propósito, utilizamos máscaras de color para darle a nuestras sombras un aspecto un poco más verde azulado y luego otra máscara de color para calentar nuestros tonos medios. Esto resultó en un fuerte contraste de color que realmente complementó nuestro metraje.


Paso 4: revisiones

FCPX: Revisiones

La revisión le permite realizar los ajustes finales a su metraje.

Una vez que haya completado su calificación, siempre es ventajoso dar un paso atrás y evaluar realmente el metraje en su totalidad. Esto le permite ver si necesita hacer ajustes menores y finales, como reducir los reflejos o aumentar un poco las sombras. Básicamente, desea darle a su metraje un aspecto final para asegurarse de que sea lo más prístino y cinematográfico posible.

Por ejemplo, es posible que desee abrir sus curvas de tono / saturación para reducir la cantidad de rojo en los tonos de piel. Este ajuste podría ser algo que podría haberse perdido si hubiera perdido la oportunidad de hacer las revisiones finales de su metraje graduado en color.


Paso 5: copie la calificación

Si tiene varios clips en la escena a los que se puede aplicar la calificación, simplemente puede copiar y pegar los efectos. Así es como lo haces.

Seleccione el clip principal que calificó. Una vez seleccionado, presione Cmd + C. Ahora, seleccione el clip en la línea de tiempo en el que desea pegar los efectos. Una vez seleccionado, presione Comando + Opción + V para pegar los efectos. Si es necesario, puede realizar algunos ajustes menores para que coincidan perfectamente con los clips.


Ahora que eres un profesional del color cinematográfico, sigue mejorando tus habilidades de edición de video con este contenido adicional de FCPX:


Imagen de portada de Blade Runner 2049 vía Columbia Pictures / Kobal / Shutterstock.

Cree una transición de portal de tutorial con estilo en After Effects

Aprenda a crear una transición de portal de tutorial en After Effects utilizando mates de material de archivo y seguimiento 3D. ¡El tutorial incluye archivos de proyecto gratuitos!

Crear una transición de portal de tutorial elegante es sorprendentemente fácil en After Effects, y el resultado final seguramente provocará algunos oohs y aahs de sus espectadores. A menudo, puedes encontrar este estilo de transición de portal en primera persona en videos de viajes y secuencias de créditos iniciales, ya que son una forma llamativa de cambiar de una ubicación a otra.

¿Listo para crear tu propio portal? Descargue los archivos del proyecto gratuitos, inicie After Effects y siga el video paso a paso y la transcripción a continuación. Empecemos.

DESCARGUE LOS ARCHIVOS GRATUITOS DEL PROYECTO


Qué metraje usar

Para lograr el efecto, necesitará dos disparos diferentes, los cuales se dirigen hacia adelante. Definitivamente ayudará a la apariencia del efecto si se mueven casi a la misma velocidad.

Transición del portal en After Effects: tiro hacia adelante

Seguimiento de tiro hacia adelante.

El movimiento de la cámara también deberá ser bastante suave, por lo que recomiendo filmar con un cardán de tres ejes o un dron. Encuentro que también ayuda si el segundo disparo es más un área abierta que el primero. Esto ayuda a evitar problemas obvios de paralaje entre cada videoclip a medida que avanza.


Rastreador de cámara 3D

Una vez que haya elegido su primera toma, agréguela a una nueva composición. Luego, abre el Rastreador en After Effects y seleccione el Cámara de seguimiento opción. Una vez que el rastreador se haya completado, seleccione un área de puntos de rastreador cerca del centro de su metraje y botón derecho del ratón. Ahora, seleccione Establecer el plano de tierra y el origen.

Transición del portal en After Effects: Camera Tracker

Seleccione un área de puntos de seguimiento que esté cerca del centro de su metraje.

Esto establece efectivamente esa área 3D como el centro de la composición, lo que facilita la navegación cuando se agregan nuevos archivos. Finalmente, botón derecho del ratón en la misma área de puntos de seguimiento y seleccione Crear sólido y cámara.


Animación de revelación del portal

Transición del portal en After Effects: posición de la capa 3D

Una vez que haya agregado su forma (o texto), gire la capa y vuelva a colocarla en el espacio 3D.

Ahora necesitamos agregar una forma o texto que actuará como animación de revelación de nuestro portal. Para este portal, usaremos una animación de “escritura” de garabatos. (He incluido la animación de garabatos en el archivo del proyecto).

Arrastrar y soltar el clip de animación de garabatos en la composición y configurarlo como un Capa 3D. Luego, tendremos que rotar la capa y reposicionarla en el espacio 3D, de modo que la cámara del rastreador se mueva naturalmente a través del centro. Finalmente, enciende Desenfoque de movimiento para la capa de animación de garabatos.


Agregar el segundo videoclip

Ahora, podemos agregar el segundo videoclip a nuestra composición, colocándolo debajo de la capa de animación de garabatos. Dado que la capa de animación de garabatos tiene un canal alfa, podemos configurar nuestro segundo videoclip en Mate Alfa bajo la Track Matte ajustes. Esto matizará efectivamente nuestro metraje para que solo aparezca donde está la animación de garabatos.

Transición del portal en After Effects: Alpha Matte

Ahora, agregue el segundo videoclip a su composición.

Cuando la cámara 3D se mueve al centro del efecto de garabato, necesitaremos dividir la capa del segundo videoclip. Haga esto cuando el segundo videoclip ocupe toda la pantalla, pero antes de que la cámara 3D pase a través de la capa de garabatos 3D. Para dividir la capa para el segundo videoclip, puede usar el atajo Ctrl + Mayús + D (Cmd + Mayús + D en Mac).

Transición del portal en After Effects: capa dividida

Use Ctrl + Shift + D (Cmd + Shift + D en una Mac) para dividir la capa en el segundo videoclip.


Agregar rayos de luz

Para crear algunos rayos de luz, primero necesitamos precomponer todas las capas de nuestra composición, excepto el primer videoclip original que usamos. Una vez que haya compuesto todas las demás capas juntas, duplicar la precomp dos veces. Ahora debería tener tres copias del mismo precomp.

Nombra la copia de precomp. Superior Mate y la copia intermedia de precomp. Rayos de luz. Aplicar el efecto Desenfoque rápido radial CC a la precomposición de Rayos de Luz y configure el Cantidad a 80. En la precomp. mate, aplique el efecto Gargantilla mate y establezca la siguiente configuración: Suavidad geométrica a 35, Ahogo a 126, Suavidad de nivel de gris al 28 por ciento.

Transición del portal en After Effects: copias precomp.

Precomponga todas las capas de nuestra composición para crear rayos de luz.

Ahora, configure el Track Matte ajuste para el Rayos de luz precomp para ser Alfa Invertido. Luego, configure el Rayos de luz precomp a un Pantalla modo de fusión. A continuación, puede ajustar el Opacidad nivel de la compensación de rayos de luz a un valor que se vea mejor.

Transición del portal en After Effects: rayos de luz

Ahora, ajusta el nivel de opacidad.


Desenfoque de movimiento de píxeles

Finalmente, como toque final opcional, podemos agregar algunos Desenfoque de movimiento de píxeles al metraje para suavizar la animación de garabatos. Agregar un Capa de ajuste por encima de todo y aplicar Desenfoque de movimiento de píxeles lo. Me gusta configurar el Muestras de obturador a las doce.

Transición del portal en After Effects - Pixel Motion Blur

Suaviza la animación de garabatos agregando algo de Pixel Motion Blur a tu metraje.


¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:


Aquí hay algunos consejos / trucos / técnicas más que puede mantener en la manga de After Effects:

Mejora tu juego FCPX con estos cinco complementos de pago principales

Obtenga más de su experiencia de edición de FCPX con estos complementos dignos de inversión.

Ciertas inversiones (un mejor monitor, un disco duro externo más grande, una máquina más rápida) pueden realizar cambios positivos instantáneamente en su flujo de trabajo de edición. Invertir en los complementos correctos puede tener el mismo efecto al expandir esencialmente sus capacidades de edición de manera que sorprenda seriamente a los clientes.

Si, como yo, tu amor por Final Cut Pro X lo convierte en tu NLE favorito, los complementos adicionales son bastante vitales. Desafortunadamente, FCPX simplemente no se integra tan fluidamente con los gráficos en movimiento y el software VFX, ciertamente no tan bien como lo hace Premiere Pro con After Effects.

Afortunadamente, puede superar esta realidad si está dispuesto a gastar unos dólares en complementos. Aquí hay un vistazo a cinco complementos de FCPX en los que me alegro de haber invertido.


1. Paquete estándar ERA 4

Esta es una fantástica colección de complementos de limpieza de audio creados por Accusonus. El sitio web promete “grandes resultados con un mínimo esfuerzo”. Puedo testificar que esto es cierto. Esta fue una inversión revolucionaria.

Por sólo $ 149, recibirá un eliminador de ruido (mi favorito personal), un eliminador de reverberación, un nivelador de voz, un eliminador de espumas, un eliminador de explosiones y un eliminador de recortes. Incluso si eres bastante nuevo en la edición, estos complementos son entonces accesible. Simplemente compre, instale, cargue FCPX, arrastre el complemento de su elección a su audio y escuche la magia.

Recientemente descubrí que Noise Remover me salvó la vida mientras editaba entrevistas capturadas en una calle concurrida de Londres. Con solo el ajuste fino más ligero, los resultados fueron transformadores.


2. Video ordenado

Por mucho que me encante el paquete ERA 4, si solo va a invertir en un complemento FCPX, creo que debería hacerlo Video ordenado. Es el destructor de ruido digital definitivo. Realmente no hay nada que pueda agregar aquí: si tiene imágenes ruidosas, Neat Video hará que ese ruido desaparezca siempre.

Una cosa a tener en cuenta: probablemente ralentizará su computadora drásticamente una vez que se aplique. Para evitar esto, sugiero no agregarlo hasta justo antes de presionar exportar. Otra cosa que puede hacer es agregar el efecto a una capa de ajuste sobre cada clip, luego deshabilitar la mayoría de ellos mientras continúa trabajando. Justo antes de presionar exportar, puede volver a habilitar esas capas. Una vez que haya llegado a exportar, prepárese una bebida mientras espera porque ralentiza enormemente sus tiempos de exportación.

Sin embargo, el resultado final vale la pena. A continuación, se muestran algunos ejemplos de Neat Video en acción. Estas fotos fueron tomadas de un festival para el que edité una promoción.

Nuestros clientes se sorprendieron con las fantásticas imágenes que logramos capturar, considerando que estaba muy oscuro. Neat Video hizo gran parte del trabajo por nosotros allí. Intente hacer una pausa en diferentes fotogramas para ver la diferencia.


3. Piel más suave 2

Si alguna vez se ha preguntado por qué las caras de los actores suelen verse tan bien en las películas, es posible que se sorprenda al darse cuenta de la cantidad de esta “suavidad” que se agrega en la suite de gradación de color. Piel más suave 2 le ayudará a llevar sus habilidades de gradación de color al siguiente nivel sin salir de FCPX.

Por lo general, efectos como este están asociados con software específico de calificación como DaVinci Resolve o Baselight. Sin embargo, este fantástico complemento le brinda la capacidad de erradicar imperfecciones, nuevamente, sin dejar su confiable FPCX. Obviamente, al igual que con muchos de estos efectos, debes ser sutil con tu aplicación. De lo contrario, las caras comenzarán a verse como si hubieran sido animadas.


4. EasyTracker de CrumplePop

A pesar de no poder utilizar After Effects Motion Tracker de la forma más directa posible en Adobe Premiere, EasyTracker El complemento para FCPX definitivamente te ayuda a hacer algo similar.

Le permite crear títulos, animaciones y gráficos que se mueven con un objeto en su toma. No tener que dejar FCPX para crear este tipo de efectos es un gran ahorro de tiempo, por lo que EasyTracker es imprescindible.


5. Pop de datos

Con los complementos, a veces no se trata de invertir dinero. A veces se trata de invertir tiempo. Y dado que los nuevos editores a menudo tienen más tiempo que dinero, los complementos gratuitos son un recurso increíble.

Pop de datos es un fantástico complemento gratuito que le permite crear animaciones gráficas agradables visualmente sin salir de FCPX. Obtendrá acceso a cuatro tipos diferentes de gráficos cuando lo instale: circular, circular, barra horizontal y barra vertical. Vea el video de arriba para obtener más información.


Con suerte, tendrá la tentación de invertir en uno (o varios) de los complementos presentados hoy. Sé por experiencia que pueden aumentar enormemente el valor que aportas a la mesa como editor. No solo trabajará de forma más rápida e inteligente: su trabajo se mejor. Sus clientes quedarán completamente desconcertados y luego volverán por más.

¿Te gustan los complementos? Entonces te gustarán estas publicaciones de blog. Sumérjase y descubra su nuevo complemento favorito para FCPX, After Effects y más:


Imagen de portada vía fcpeffects.com.

Canon anuncia la nueva EOS C70, su primera cámara de cine con montura RF

No 8K con este, pero la nueva Canon EOS C70 dispara 4K 120p e incluye todas las campanas y silbidos tentadores que adoran los cineastas y los profesionales del video.

Con la industria todavía tambaleándose (y un poco polarizado) desde el anuncio de la Canon R5 Cámara de video digital 8K, la marca lanzó otro anuncio importante en el Canon Vision conferencia de prensa el 24 de septiembre de 2020 – la nueva EOS C70, la primera cámara de cine con montura RF de la empresa.

Si bien la EOS C70 puede ser decepcionante en el departamento de especificaciones cuando se compara con la R5, en realidad es una cámara de cine muy capaz que debería tener un impacto más práctico que la 8K R5. Echemos un vistazo a la nueva EOS C70 para ver si es una buena opción para sus proyectos de películas y videos.


La nueva Canon EOS C70

Como fanático de las DSLR clásicas de Canon como la 5D y su línea de cámaras de cine actual, creo que la C70 debería ser una opción intermedia sólida entre las dos. Parece más compatible con películas / videos que la funcionalidad de doble híbrido que la línea EOS R sin espejo persigue con fotos y videos. Y a un precio de alrededor de $ 5,000, estamos en un estadio realista para la multitud de videos de carreras y disparos. Además, con una montura RF, debería ser un buen compañero de cámara para aquellos que ya están trabajando con la nueva línea de lentes R de Canon.

Yo diría que esta es una opción intrigante para los profesionales del cine y el video, aunque existe la posibilidad de que le resulte difícil destacar en un mercado abarrotado, ya que carece de una característica excelente o de un avance tecnológico revolucionario.


Especificaciones completas de la Canon EOS C70

  • Sensor Super 35 de doble ganancia de salida (DGO)
  • Captura HDR 4K 120p, 2K Crop 180p
  • Grabación Canon Log 2, 3, PQ y HLG
  • Montura de lente RF / Montura EF con adaptador
  • Procesador de imágenes DIG! C DV7
  • Más de 16 paradas de rango dinámico total
  • Filtros ND integrados
  • ISO automático y ganancia
  • CMOS AF de doble píxel y EOS iTR AF X
  • 1 código de tiempo BNC
  • 2 entradas de audio mini-XLR
  • Ranuras para tarjetas SD dobles, compatibilidad con LUT / Long GOP

Precio: $ 5.499 (reserva para finales de noviembre)

En una era en la que las marcas persiguen especificaciones y avances tecnológicos con cada nueva cámara, la C70 carece de grandes números o aplicaciones. No obstante, con un sensor Super 35, aunque no es de fotograma completo y obviamente no es de 8K, ni siquiera de 6K, el 4K RAW de la C70 es completamente respetable. (¿No estás seguro de cómo te sientes con todo eso? Lea este artículo para decidir por sí mismo si 8K realmente importa.)

Saliendo de los aspectos positivos de estas especificaciones iniciales, el C70 sigue siendo intrigante. Tenemos 4K 4: 2: 2 de 10 bits (ALL-I e IPB) a hasta 120 fps y 4K RAW a hasta 120 fps cuando se graba externamente. Tenemos más de 16 paradas de rango dinámico, filtros ND incorporados, controles automáticos de ISO y ganancia, ranuras para tarjetas de memoria dobles y dos entradas de audio mini-XLR. Con todo esto trabajando en conjunto, la C70 es perfectamente práctica para tomas más avanzadas.


Reflexiones sobre el C70 para cineastas

Si esto fuera hace unos años, cuando Canon todavía era la fuerza dominante en la industria del video, la C70 sería una adición muy bienvenida al arsenal de cualquier cineasta. Promete ser una opción sólida para grabar documentales sobre la marcha. También podría servir como una cámara A o B confiable para una semana intensa de grabaciones de videos corporativos. El metraje 4K debe ser lo suficientemente consistente y de alta calidad para prácticamente cualquier necesidad cinematográfica.

Sin embargo, si ya se está adaptando a la vida de 6K + u 8K, esto puede parecer un paso atrás poco interesante. Realmente, lo más curioso de este anuncio del C70 es que sigue al anuncio del R5, con el que competirá. Y, sorprendentemente, el C70 en realidad cuesta más de $ 1,000 más que el R5.

En última instancia, la Canon EOS C70 será para aquellos que ya están en Canon, especialmente aquellos a quienes les gusta trabajar con la línea de cámaras de cine de la compañía y ya han invertido en lentes RF para la mayoría de sus necesidades de producción.


Para obtener más noticias y reseñas sobre cámaras, consulte estos artículos a continuación.

Un método de seis pasos para reducir los videos de sus entrevistas

Los editores de proyectos de entrevistas se enfrentan a una tarea abrumadora: reducir horas de metraje a solo minutos para el montaje final. Elimina ese estrés con estos seis pasos.

Editores de video, ¿cuántas veces se ha encontrado con el siguiente escenario?

Un director acaba de regresar de un rodaje con un disco duro lleno de imágenes de entrevistas. Hay una energía en el aire mientras discutes ideas y contemplas en qué podría convertirse esta pieza.

Te acomodas y te preparas para empezar a cortar, pensando en el tiempo limitado que tienes para reducir cinco horas de entrevistas a los veinte minutos de oro que formarán la columna vertebral de tu video. Hay tantas decisiones que tomar, es abrumador.

Luchas por encontrar un punto de partida. E incluso cuando comienzas, y estás bien en la edición, comienzas a sentir que no has hecho ningún progreso tangible y todo comienza a arrastrarse.

Después de enfrentar este tipo de situaciones demasiadas veces, desarrollé un proceso maravillosamente metódico que me permitió trabajar de manera eficiente en esta etapa de una edición. Lo he usado constantemente durante años y ha impresionado a algunos directores en el camino.

Aquí hay seis pasos que lo ayudarán a evitar la confusión mental para que pueda comenzar a cortar las entrevistas antes.


1. Transcripción

Exportar audio

Ahorre dinero eliminando las lagunas en las que el entrevistado no está hablando.

Obtener la transcripción de tus entrevistas es el mejor consejo que tengo para cualquiera que corte este tipo de videos. Hay muchas, muchas ventajas en la transcripción de sus entrevistas. Si el director de repente quiere encontrar un fragmento particular de una entrevista en particular, puede buscar fácilmente en la transcripción palabras o frases clave específicas. También puede simplemente hojear las entrevistas cuando esté fuera de la suite de edición. Descubrirá que los beneficios son infinitos.

La tarea de bloquear la transcripción puede recaer en un pasante, si esa es una opción. Alternativamente, si tiene el presupuesto, puede enviarlo a un sitio web de transcripción.

Antes de la transcripción, vale la pena formar sus MultiCams primero, si ha filmado desde múltiples ángulos, para que pueda arrastrar el clip de MultiCam a su línea de tiempo y exportar el audio desde allí. De esa manera, los códigos de tiempo en su transcripción coincidirán con los códigos de tiempo de la línea de tiempo de su entrevista. Esto es vital si desea mantener su proceso eficiente.

Tenga en cuenta que algunos sitios de transcripción cobran por minuto de audio. Entonces, si el clip que exporta es más corto, pagará menos. Para ahorrar dinero, incluso puede eliminar los espacios en los que el entrevistado no está hablando. Por ejemplo, durante la configuración o entre preguntas.

Con el servicio de transcripción que utilizo, cinco horas de entrevistas cuestan alrededor de $ 450, lo que, en el gran esquema de un presupuesto de posproducción, no es tan significativo. Obviamente, puede incluir esto en su cotización original para el cliente. antes de comienza la producción.


2. Destacando

Muestra de transcripción resaltada

Una vez que hayas completado tus transcripciones, ¡puedes comenzar con la edición! Sugiero descargarlos como PDF, ya que esto le brinda fantásticas capacidades de resaltado.

Lea todas las transcripciones de principio a fin, destacando cualquier cosa y todo lo que posiblemente se pueda usar en la edición. Normalmente abro los PDF en Avance, que le permite utilizar diferentes colores al resaltar.


3. Cree “buen contenido”

Crea buen contenido

Copie sus segmentos resaltados en un nuevo proyecto.

Ahora es el momento de volver a su software de edición. El siguiente paso es revisar todas sus entrevistas, recortando cualquiera de los segmentos destacados de cada entrevista en un nuevo proyecto (o secuencia, si es un usuario de Premiere). Sugiero nombrarlo Buen contenido, o algo similar.

Antes de copiar cada sección, agregue una diapositiva de texto encima de cada una. Si copia y pega el texto de la transcripción de lo que se dice en cada segmento resaltado, solo tendrá que arrastrar la cabeza lectora sobre un clip en particular para saber exactamente lo que se dice, en ese momento, sin tener que mirarlo. Esto puede suponer un gran ahorro de tiempo más adelante.

Una vez que haya copiado todas sus selecciones en este nuevo proyecto, puede avanzar al siguiente paso.


4. Cree un “buen contenido ordenado”

Buen contenido reordenado

Ahora es el momento de comenzar a reorganizar sus fragmentos de sonido por tema.

Es hora de comenzar a reorganizar los fragmentos de sonido según el tema. Por ejemplo, si se trata de un artículo sobre alguien que va a una expedición, los temas podrían ser Prepararse antes de ir, Empezandoy Volviendo a casa. A menudo uso una diapositiva de texto grande para etiquetar cada sección, como se muestra arriba.

Esta parte del proceso será más fácil gracias a las diapositivas de texto que acaba de crear. Es de esperar que, en este punto, conozca la estructura general que desea que tenga su contenido cortado / encadenado, de modo que pueda organizar las secciones en el orden en que irían, en caso de que se usen en el video final.


5. Cree un “corte de contenido”

Corte de contenido

Después de duplicar su proyecto, ahora puede cambiarle el nombre Corte de contenido.

Esta es la parte más creativa del proceso y, para muchos, la parte más agradable. Primero, duplica tu proyecto y cámbiale el nombre Corte de contenido. Debido a que su metraje ahora está en orden, podrá ver cuando haya repetición en lo que se dice y podrá eliminarlo rápidamente.

Esta es la etapa en la que debe ponerse a trabajar eliminando y reduciendo su corte hasta que tenga la longitud que desea que tenga su pieza final. Vale la pena dejar espacios entre las secciones, ya que inevitablemente tendrás lagunas en tu video final en las que podrás dejar que respire un poco.

También puede optar por cortar ciertos fragmentos de sonido por la mitad o conectarlos con otros fragmentos. Se trata de masajear el contenido hasta que cuente la historia que desea. Es posible que se encuentre juntando tres secciones cortas diferentes de tres partes diferentes de una entrevista para crear la oración que desea que hayan dicho.


6. Cree un “corte de contenido refinado”

Duplique su archivo de proyecto una vez más y cámbiele el nombre Corte de contenido refinado. En esta etapa es donde tiene lugar una verdadera delicadeza, eliminando los “umms” y los “errores”. Reconsidere qué partes se pueden cortar, aunque solo sea con unas pocas palabras aquí y allá.

Este es su corte de contenido final. Es inevitable que vuelva atrás y modifique ligeramente el contenido cortado en etapas posteriores de la edición. Sin embargo, esto será mucho más fácil gracias a las distintas líneas de tiempo que ya ha creado en cada etapa. Puedes volver al Buen contenido ordenado proyecte y tome un bocado que había descartado, pero ahora cree que funcionaría. Una vez más, las diapositivas de texto entran en juego para facilitarle la vida.

Aunque este proceso lleva mucho tiempo, en realidad ahorra tiempo a largo plazo, especialmente cuando un cliente comienza a solicitar fragmentos de sonido particulares (que ahora ha guardado convenientemente en uno de sus proyectos).

Obviamente, puede adaptar este proceso de la manera que mejor se adapte a sus necesidades. Con suerte, le permitirá crear sus cortes de contenido de manera más eficiente, sin sentirse abrumado.


Mientras piensa en la edición de videos, consulte algunos recursos más que pueden ayudarlo a mejorar sus cortes:


Imagen de portada vía MarcoStockFotas.

Configuración de una transmisión de rendimiento en vivo: económico a profesional

¿Quieres participar en la transmisión en vivo? Aquí hay algunas formas de comenzar a trabajar. Vea cómo configurar una transmisión en vivo de forma profesional y con un presupuesto limitado.

Si bien puede pasar algún tiempo antes de que podamos experimentar nuevamente las presentaciones en vivo en persona, muchos artistas, músicos y otros artistas están moviendo sus espectáculos en línea.

Si eres un artista que está interesado en la transmisión en vivo o alguien que busca brindar servicios de transmisión a otros, hay varias formas de hacerlo realidad, sin importar tu presupuesto. Hemos desglosado algunos de estos enfoques y reunido algunas sugerencias de equipo, que van desde el nivel básico hasta el profesional.

Por lo tanto, comencemos y conectemos.


Configuración de transmisión de nivel de entrada

Como siempre, el presupuesto es la principal preocupación de todos. La mejor manera de mantener bajos los costos es usar lo que ya tiene. Afortunadamente, 2020 ofrece excelentes vías para la transmisión en vivo a bajo costo, mientras utiliza algunos equipos que ya puede tener.

Software

Empecemos con el software. El software de transmisión es la forma en que coordinará los gráficos, los medios y las secuencias de video en una sola transmisión que se transmitirá a través de la plataforma de su preferencia (Twitch, Facebook, YouTube, etc.).

La opción preferida en este momento es OBS (software de transmisión abierta) – un programa de código abierto totalmente gratuito que puede ejecutarse incluso en computadoras modestas. OBS es un programa sencillo y fácil de usar con características sólidas que pueden llevarlo a un entorno profesional.

Aprender OBS lo familiarizará con las funciones de transmisión en vivo y cómo funciona una transmisión en vivo. Al igual que con cualquier software, existe una curva de aprendizaje, por lo que sugerimos probar las cosas antes de debutar en un programa en vivo.

Estudio OBS

Conozca los entresijos del streaming con OBS Studio. Imagen vía OBS.

Cámara y audio

Es importante tener una buena imagen para enviar a través de la transmisión. Pero, para reducir costos, intente utilizar el equipo que ya posee.

Afortunadamente, la mayoría de las empresas de cámaras han lanzado recientemente un software que hace que sus cámaras se puedan utilizar como cámaras web. Simplemente podrá conectar su cámara a su computadora a través de un cable USB y obtener una señal en OBS. Si posee una cámara lanzada en los últimos años, es probable que sea compatible con el nuevo software. Asegúrese de verificar primero la lista de cámaras compatibles: antes de empezando.

Éstos son algunos de los lanzamientos recientes:

Si no posee una cámara exclusiva propia, no se preocupe. Usar tu teléfono como cámara sigue siendo una opción. Comenzaremos con la opción para usuarios de iOS. Si es un usuario de Android, los pasos son un poco más complicados, pero puede omitir los siguientes pasos.

Para obtener la mejor calidad y un enfoque de baja latencia, querrá conectar su dispositivo iOS a través de USB directamente a su computadora con OBS. Para hacer esto, deberá descargar la aplicación Cámara para OBS Studio. Si bien esta aplicación no es gratuita, es rentable en comparación con la compra de una cámara capaz de realizar una función similar. La ejecución de la aplicación hará que su dispositivo iOS funcione como una cámara web.

Para que todo funcione, también deberá instalar el Cámara para OBS Studio en su computadora para que OBS también pueda reconocer el teléfono. Como beneficio adicional, la aplicación iOS le dará acceso a algunas herramientas de video profesionales integradas en la cámara, como cebras, control de exposición, balance de blancos, histograma y picos de enfoque.

Cámara para OBS Studio

Comience conectando su dispositivo iOS a su computadora a través de USB. Imagen vía SOL TZIDO.

Si es un usuario de Android, todavía tiene opciones. Utilizará un tipo de función de video inalámbrico a través de Wi-Fi llamada Protocolo NewTek NDI. Básicamente, usará su teléfono como servidor de medios y luego enviará su señal de video a su computadora dentro de su red Wi-Fi local. Esto es eficiente (en teoría) pero podría ser propenso a algunos problemas de retraso y calidad. La calidad de su red, la señal del teléfono, el video y la computadora podrían ser un factor en el funcionamiento de este feed.

Para que todo funcione, deberá instalar Cámara web IP desde el Tienda de juegos en su teléfono. Esto le dará la opción de iniciar el servidor desde su teléfono cuando ejecute la aplicación. Dentro de OBS, creará una fuente de medios que mostrará la señal de su teléfono. Si bien es un proceso bastante sencillo, puede resultar un poco complicado si es la primera vez que visita este territorio. Afortunadamente, hemos encontrado una configuración simple y concisa tutorial que te guía por todos los pasos.

Para audio con un presupuesto limitado, es posible que deba utilizar los micrófonos integrados integrados en la cámara que está utilizando o un micrófono externo que pueda conectarse directamente a su cámara (Røde Videomic o Diety V-Mic). Esta no es la mejor solución cuando se trata de capturar un buen audio, especialmente con una interpretación musical, pero puede ser lo que se ajuste a su presupuesto.

OBS tiene algunas funciones de audio integradas, como limitadores de audio, supresión de ruido, compresión y puerta de ruido, que podrían resultar útiles. Asegúrese de monitorear sus niveles de audio dentro de OBS para asegurarse de que está dando una buena señal y no está en picos.

Cámara sin espejo con micrófono

Para el audio, use el micrófono de la cámara integrado o un micrófono externo que ingrese a su cámara. Imagen vía SOL TZIDO.

Con un presupuesto mínimo, hay mucho que mejorar, pero este es un punto de partida perfecto. Puede mojarse los pies en el mundo de la transmisión en vivo. Una vez que tenga algunas transmisiones en su haber, sabrá dónde podría mejorar la calidad y dónde debería ahorrar para dar el siguiente salto de calidad.


Configuración de transmisión de nivel medio

Obtener una configuración de transmisión en vivo de rango medio y mantener las cosas dentro de un presupuesto específico puede ser un poco complicado. Muchas de las opciones asumen que ya tienes acceso a un nivel específico de equipo, como una cámara de video o micrófonos. A continuación, le mostramos cómo puede mejorar su transmisión en vivo desde el nivel de entrada sin que sea demasiado costoso.

Software

Esta es un área en la que te alegrará saber que no tendrás que gastar más dinero. OBS sigue siendo una opción sólida para cualquier nivel de transmisión. Si se está aventurando en esta categoría, asegúrese de tomarse el tiempo para aprender las características más sólidas de OBS que quizás haya estado ignorando antes.

Utilice el Escenas opción de transición entre diapositivas previas a la presentación, pausas, presentación en vivo y créditos finales. Cree gráficos que puedan mostrarse en la transmisión de video para que los espectadores conozcan más información sobre el artista y / o la producción. La calidad de producción no solo proviene del equipo y las cámaras que se utilizan, sino también de lo bien que se transmite todo a la audiencia.

Vídeo

Si va a pasar de la opción de teléfono con cámara anterior, considere comprar una cámara de cualquiera de los principales fabricantes que tengan la capacidad de usar la cámara como cámara web. Consulte los enlaces anteriores para conocer las cámaras compatibles. Los modelos económicos se pueden comprar por aproximadamente $ 500 (FUJIFILM X-T200, Canon EOS Rebel T7).

Es posible que tenga un modelo de cámara que no sea compatible con las utilidades de cámara web del fabricante, pero que tenga la capacidad de generar una imagen HDMI limpia. Cámaras como la Blackmagic Pocket Cinema Camera 4 / 6K, Sony a6300, Fujifilm x100V o Canon C100 no se pueden conectar a través de USB a su computadora, pero pueden proporcionar una señal HDMI limpia a una grabadora externa.

Para utilizar esta señal, necesitará un dispositivo de captura de video. Estos dispositivos tomarán su señal HDMI de la cámara y la convertirán en una señal USB que su computadora podrá usar como cámara web. Muchos de estos dispositivos son tan fáciles de usar que podría tener un video que se pueda transmitir en cuestión de segundos. Estos dispositivos USB están limitados a una salida de 1080p, aunque muchas plataformas de transmisión tienen un límite de 1080p de todos modos.

Captura de video HDMI

Dongle HDMI a USB en acción.

Estos dispositivos generalmente se encuentran en el rango de $ 30 a $ 100, dependiendo de la salida, la conectividad y las características. Un estandar Llave USB 2.0 se ejecutará en el extremo inferior, mientras que un Conexión USB-C o Thunderbolt será un poco más caro.

Si tiene varias cámaras disponibles, es posible que pueda utilizar varios dispositivos de captura y crear una transmisión de varias cámaras. Asegúrese de probar esto con anticipación, ya que es posible que su computadora no pueda manejar el rendimiento de varias cámaras.

Además, si está mezclando diferentes cámaras de varios fabricantes, asegúrese de acercar los perfiles de color lo más posible. El simple balance de blancos de manera similar puede no ser suficiente. OBS permite algunos ajustes y ajustes de color dentro de la aplicación.

Audio

Mejorar su juego de audio es tan importante como la calidad de su video. El objetivo es tener múltiples entradas de audio con la capacidad de controlarlas de forma independiente. Al igual que su cámara de video, es posible que pueda usar algunos equipos que se encuentran comúnmente en el arsenal de un cineasta.

Grabadores de audio portátiles, como el Tascam DR-40X o Zoom H6 – permitir el uso de la grabadora como una interfaz de audio USB en lugar de solo una grabadora de audio externa. Esto tiene la misma función que los dispositivos de captura de video anteriores, solo para audio. Es posible que su computadora requiera la instalación de algunos controladores, así que consulte con el fabricante de su grabadora de audio para asegurarse de tener instalado el software correcto. Si no posee una grabadora de audio portátil, es una gran inversión para agregar a su lista de equipos.

Opciones de interfaz Zoom H6

Utilizando las opciones de interfaz de audio integradas del Zoom H6.

Con un presupuesto limitado, los micrófonos pueden ser un poco complicados, especialmente cuando se trata de grabar música. Las grabadoras de audio portátiles mencionadas anteriormente pueden funcionar como micrófonos dedicados, pero no están diseñadas específicamente para la grabación de música. Si ha alcanzado el límite de su presupuesto, puede usar micrófonos de video para hacer el truco, como un micrófono de corbata o de escopeta. Si bien esto no es ideal para grabaciones de música o músicos profesionales, podría funcionar por el momento.

Invertir en algunos micrófonos de música de nivel de entrada sería la ruta ideal si planea ofrecer continuamente actuaciones de música en vivo. Afortunadamente, hay algunas opciones económicas para micrófonos de grabación de música que proporcionarán suficiente valor por el dinero.

Para voces, el Shure SM58-LC es un punto de partida perfecto. Este micrófono está diseñado específicamente para captación vocal, tiene un patrón de captación cardioide y filtro de viento / pop incorporado. También tiene el beneficio adicional de parecerse a un micrófono para una interpretación musical, por lo que el público no se pregunta por qué se usa un micrófono boom para las voces.

Micrófonos de grabación

Para una grabación a largo plazo, invierta en algunos micrófonos de nivel de entrada. Imagen vía OSABEE.

Para los instrumentos, el Shure SM57 lo tendrá cubierto. Este micrófono se utilizará para captar el audio que proviene directamente de una guitarra acústica o batería. Por alrededor de $ 99 cada uno, elegir varios micrófonos puede ser una buena opción si planea grabar una actuación más grande fuera de una configuración de tipo cantautor.

Este rango de nivel medio es un buen punto de partida si desea que su transmisión en vivo se vea y se sienta profesional (pero con un presupuesto limitado). Detrás de escena, es posible que encuentre soluciones creativas para que la transmisión funcione, pero en la pantalla, tiene la capacidad de verse y sonar genial.


Configuración de transmisión profesional

Donde los niveles anteriores eran opciones que podían ponerlo en línea y transmitir con la barrera de entrada más baja, el equipo profesional se construye por la razón específica de la transmisión en vivo. En el entorno profesional, la estabilidad, la facilidad de uso y la organización son fundamentales. Puede parecer mucho dinero por adelantado, pero en un set profesional, obtienes lo que pagas.

Vídeo

Suponiendo que ya ha resuelto la situación de su cámara, querrá varias cámaras de video de nivel profesional, idealmente con una calidad de video similar o del mismo fabricante. El uso de cámaras del mismo fabricante hará que la combinación de colores y la calidad general sean consistentes al cambiar entre ángulos.

Conectar todas sus cámaras es donde entra en juego el equipo de transmisión de nivel profesional. Es posible que haya visto un conmutador de estudio de TV antes; usaremos algo similar para esta configuración. los Blackmagic Design ATEM Mini es un conmutador de producción diseñado para producciones de transmisión en vivo con varias cámaras.

El conmutador de producción permitirá que su configuración utilice hasta cuatro entradas de video de alta calidad a través de la entrada HDMI, haga la transición entre cámaras con solo presionar un botón y agregue superposiciones gráficas desde el dispositivo. Los movimientos y cambios que requerirían navegar por los menús y hacer clic en el software OBS se pueden hacer a mano con botones dedicados.

Configuración multicámara

La organización es clave. Imagen cortesía de Blackmagic Design.

Además de la organización y el cambio a nivel de estudio, la línea Atem Mini también brinda a los productores acceso a Software del panel de control del software ATEM. Muchas funciones disponibles dentro de OBS (gráficos, texto, efectos) se pueden administrar de manera más fácil y eficiente dentro de este software. Podrá programar ajustes preestablecidos, ver fuentes de origen, ajustar gráficos, mezclar audio y realizar programación de macros avanzada. El panel de control servirá como intermediario entre el conmutador y la alimentación de OBS.

Opciones de entrada / salida

Ejemplo de entradas y conectividad. Imagen cortesía de Blackmagic Design.

Con el uso de otras computadoras conectadas a través de Ethernet a un panel de control de Atem, también puede dividir la carga de trabajo de una única emisora. Otros que ejecutan el software de control ATEM en otras computadoras pueden manejar la configuración de gráficos, audio o cámara. Esto puede liberar a una persona dedicada a controlar aspectos específicos de la transmisión. A partir de $ 300 para el modelo base, esta es una gran camioneta para llevar su producción al nivel profesional sin romper el banco.

Audio

Similar al video, el equipo de audio de nivel profesional está diseñado específicamente para configuraciones profesionales y configuraciones de presentaciones en vivo. Lo que buscamos son capacidades de grabación de alto nivel, grabación multipista y multicanal, fidelidad de alta calidad y otras características únicas que no se encuentran dentro de nuestro presupuesto o opciones de nivel medio.

Si planeas grabar varios instrumentos o pistas de voz en una sola interpretación, necesitarás mejorar tu interfaz de audio. Donde un Zoom H6 estándar podría grabar cuatro canales de audio a la vez, una banda de rock típica podría necesitar seis o más canales grabados. Aquí es donde entramos en el territorio de la interfaz de audio dedicada. Se construirá una interfaz de audio dedicada con características y especificaciones orientadas a actuaciones en vivo de múltiples pistas, como ganancia, opciones de ecualización, grabación interna y mucho más. Estas interfaces se conectarán directamente a su PC de transmisión y pueden tener software adicional (similar al ATEM Mini) que puede llevar sus capacidades de grabación aún más lejos.

Zoom LiveTrak

El Zoom LiveTrak L-8 puede manejar hasta ocho canales simultáneamente. Imagen cortesía de Enfocar.

Nuestra primera recomendación sería la Zoom LiveTrak L-8 – un mezclador digital e interfaz con la capacidad de manejar hasta ocho canales simultáneamente. Esta interfaz es ideal para bandas pequeñas, lo que le brinda un control completo sobre cada entrada en cualquier momento. La forma en que esto mejora con respecto a una grabadora portátil es su capacidad para mezclar las entradas sobre la marcha, equilibrando la salida directa de instrumentos y voces. Las opciones que pueden estar ocultas en los menús de una grabadora de mano están disponibles mediante botones o perillas dedicadas. Con el uso del monitorear conexiones, también podrá proporcionar audio de monitorización a los intérpretes, para que sepan exactamente cómo están sonando mientras actúan.

Si bien la transmisión de mezcla en vivo directamente desde la interfaz puede ser de calidad suficiente para una transmisión en vivo, el L-8 también permite grabar cada canal en una tarjeta SD para su posterior mezcla / masterización. Podrás llevarte la actuación en vivo a casa y modificarla aún más para obtener el sonido exacto que desean los artistas. La sesión en vivo puede mezclarse con su programa preferido y luego lanzarse como pistas de música independientes.

Si necesita más de ocho entradas, puede optar por la Behringer XR18. Esta interfaz de audio USB es un poco más robusta, pero admite hasta dieciocho canales de grabación de punto flotante de cuarenta bits. Este mezclador se diferencia del Zoom L-8 más pequeño en más que solo entradas sin procesar. El XR18 se controla de forma inalámbrica a través de tabletas iPad o Android, lo que lo hace completamente modificable desde el otro lado de la habitación. Podrá marcar su configuración exacta de ecualizador, reverberación, retardo y otros efectos desde una tableta, mientras que la consola hace el trabajo pesado con su procesador de audio incorporado. Esta interfaz de audio podrá manejar casi cualquier cosa que le arroje y lo llevará a través de casi cualquier flujo de producción profesional.

Las opciones de nivel profesional están diseñadas para que pueda transmitir y ser lo más estable posible. Estas características vienen con una etiqueta de precio, pero harán un entorno de transmisión más fluido y seguro. Detrás de la cámara se verá y se sentirá tan profesional como lo que se muestra en la pantalla.


Siéntase libre de mezclar y combinar nuestras recomendaciones para satisfacer sus necesidades y presupuesto. A medida que la transmisión en vivo se convierte en una vía de actuación más popular para los artistas, puede apostar a que veremos más y más equipos, software, funciones y plataformas nuevos dedicados a la transmisión. También puede apostar a que tendremos una lista completamente nueva de recomendaciones para usted cuando suceda.


¡Sigue leyendo! Aquí hay algunos artículos más relacionados con la transmisión en vivo y los vlogs:


Imagen de portada vía Estudios LightField.

Las mejores cámaras de video 6K + para cineastas

¿Listo para pasar de 4K? Vea este resumen de las mejores cámaras 6K (y más allá) para cineastas.

Si bien ha pasado un tiempo desde que pude entrar en una tienda de cámaras física real, estaría dispuesto a apostar a que, ahora mismo, en algún lugar, los gerentes de tienda ansiosos están eliminando todos sus “Full HD ”Y“ 4K ”y reemplazarlos por“ 6K ”,“ 8K ”y tal vez incluso“ 12K + ”.

La carrera armamentista de resolución de grabación no muestra signos de ceder. Como hemos comentado antes, 8K llegó para quedarse. Y, de hecho, si bien podría impulsar algunos de sus flujos de trabajo de filmación y video hoy, sin duda es el camino del mañana. Entonces, si está listo para abrazar el futuro de la industria, estas son algunas de las mejores opciones actuales para grabar videos de 6K o más.


Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K

Comenzaremos con una de las opciones más antiguas (y también más asequibles) de nuestra lista: el Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K. Lanzada solo un año después de la popular versión 4K de la marca, esta actualización aumentó la apuesta al agregar un soporte EF y grabación de video 6K. Impresionante para una cámara que se vende a menos de $ 2,000 y, aunque en realidad no es de bolsillo, sigue siendo muy pequeña y liviana.

El BMPCC6K dispara hasta 6K (6144 x 3456) a 50 fps e incluye las mejores funciones de Blackmagic con un gran rango dinámico y un sensor Super 35 HDR.

  • Montura Canon EF / EF-S activa
  • Sensor HDR de tamaño Super 35
  • Graba 6K 6144 x 3456 hasta 50 fps
  • ISO 400 y 3200 nativos dobles a 25.600
  • Pantalla táctil de 5 ″ 1920 x 1080
  • Grabe hasta 120 fps en HD con ventana
  • Ranuras para tarjetas CFast 2.0 y SD / UHS-II
  • Grabación externa a través de USB tipo C
  • Rango dinámico de 13 pasos, soporte 3D LUT
  • Incluye licencia DaVinci Resolve Studio

Precio: $ 1,999


Panasonic Lumix S1H

La siguiente en nuestra lista es otra opción que ha estado en el mercado el tiempo suficiente como para obtener críticas sólidas. los Panasonic Lumix S1H cuenta con un sensor CMOS de fotograma completo de 24,2 megapíxeles que es excelente para video.

Si bien el S1H puede grabar videos de 6K, todavía no puede grabar a más de 24 fps, una desventaja para aquellos que podrían estar buscando esa elegante cámara lenta de 6K. Sin embargo, junto con 6K, el S1H también puede grabar a 16: 9 5.9K a hasta 30 fps y DCI y UHD 4K a hasta 60 fps.

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 24.2MP
  • Vídeo 6K24p, 4: 2: 2 DCI 4K / UHD 4K de 10 bits
  • V-Log, ISO nativo dual, HFR con sonido
  • LVF OLED de 5.76m-Dot 0.78x-Aumento
  • LCD táctil inclinable / de ángulo libre de 3,2 ″ y 2,33 m de puntos
  • LCD superior de 1.8 ″, lámparas indicadoras, ranuras SD dobles
  • ISO 100-51200, disparo de hasta 9 fps
  • Sistema AF DFD de 225 áreas con detección de contraste
  • Estabilización de imagen con cambio de sensor de 5 ejes
  • Construcción sellada a la intemperie

Precio: $ 3,999


Canon EOS R5

La Canon EOS R5 está en los titulares como una de las ofertas de mayor renombre para presentar video 8K y hacer fanáticos gracias a su cuerpo compacto y precio agresivo.

Por supuesto, no llamaría al R5 un barato cámara – de hecho, se anunció junto con una versión más delgada y asequible – el Canon R6 – que es solo un sólido pero no hace 8K. Aún así, el R5 es una opción atractiva para aquellos que buscan más de 6K, gracias a un impresionante sensor de fotograma completo de 45 megapíxeles que graba 8K RAW a hasta 30 fps.

Vale la pena señalar que ha habido algunos problemas asociados con el R5, a saber, informes de sobrecalentamiento y puntos de flujo de trabajo. Si desea leer más, eche un vistazo a nuestra artículo completo sobre los pros y los contras de la Canon R5.

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 45 MP
  • Procesador de imágenes DIGIC X
  • Vídeo interno 8K30 Raw y 4K120 de 10 bits
  • Estabilización de imagen de 5 ejes con cambio de sensor
  • Mecánico de 12 fps. Obturador, 20 fps E. Obturador
  • CMOS AF II de doble píxel con 1053 puntos
  • EVF OLED de 0.5 ″ 5.76m-Dot
  • Pantalla LCD táctil de ángulo variable de 3,2 ″
  • Seguimiento de materias con aprendizaje profundo
  • Ranuras para tarjetas de memoria CFexpress y SD UHS-II

Precio: $ 3,899


Z CAM E2-S6

Cuando se incluye en una lista con Canon, Panasonic y Blackmagic, algunos de los fabricantes de cámaras más grandes del juego, la Z CAM E2-S6 se destaca como un comodín menos conocido.

No obstante, el E2-S6 ofrece algunas especificaciones increíbles, incluido un sensor CMOS Super 35 con grabación en color de 10 bits 4: 2: 2 y un impresionante rango dinámico de 14 pasos. Además, estamos viendo videos de 6K a hasta 60 fps por menos de $ 2,500.

  • Grabe hasta 6K60 Video
  • Grabación ZRAW
  • 14 paradas de rango dinámico
  • Sensor CMOS Super 35
  • Montura de objetivo Canon EF
  • Grabación de color de 10 bits
  • Soporte inalámbrico 5G, soporte de código de tiempo
  • Gigabit Ethernet para datos y control
  • Transmisión en vivo a través de Ethernet
  • Aplicación iOS para control y vista previa en vivo

Precio: $ 2,499


Blackmagic URSA Mini Pro 12K

Finalmente, para completar nuestra lista, vamos a lo grande. Por ejemplo, no solo en el tamaño de la cámara y el precio, sino en el recuento de píxeles. Estoy hablando de la recientemente anunciado Blackmagic URSA Mini Pro 12K que graba, lo has adivinado, videos de 12K a hasta 60 fps.

Si bien existen otras cámaras de cine de alta gama que pueden impulsar números similares, incluimos la URSA Mini Pro 12K, ya que es una opción a un precio más razonable, tanto para alquiler como para compra, que algo como el ARRI Alexa 65.

Además, al igual que la BMPCC6K, la URSA Mini Pro 12K tiene las mejores características de una cámara Blackmagic, como una gran ciencia del color y un fuerte rango dinámico. (De hecho, ¿quieres una combinación sólida de A-Cam / B-Cam? Empareja la BMPCC6K con la URSA Mini Pro 12K).

Junto con el 12K a 60 fps, el URSA Mini Pro 12K le permite trabajar de manera aún más eficiente con DCI 8K a hasta 100 fps. Solo tenga en cuenta una cosa si nunca ha trabajado con cámaras de alta gama: enfrentará tamaños de archivo y velocidades de procesamiento bastante increíbles, así que esté preparado.

  • Sensor CMOS 12K Super35 HDR
  • 12K 17: 9 hasta 60 fps, DCI 8K a 100 fps
  • 14 paradas de rango dinámico
  • Montura de lente PL intercambiable por el usuario
  • 4K Super16 hasta 220 fps
  • 80MP / cuadro Blackmagic Raw
  • Grabación dual en tarjeta CFast o SD
  • Grabación USB tipo C en disco / SSD

Precio: $ 9,999


¡Esa es nuestra lista! Si desea considerar algunas menciones honoríficas, consulte la Sharp 8K y el Panasonic AU-EVA1. Y si quieres explorar algunos resúmenes de cámaras y recursos cinematográficos, bueno, aquí tienes:

Entrevista de mesa redonda: Cómo crear videos de YouTube exitosos

Crear un canal de YouTube exitoso es lo más fácil y lo más difícil. Aquí hay algunas ideas de cuatro YouTubers que lo están haciendo realidad.

Hay más de una forma de definir el éxito cuando se trata de sus videos de YouTube. Tal vez simplemente desee vistas y suscriptores. Tal vez desee participación y discusión sobre su última obra de arte. Tal vez esté trabajando en un evangelismo de marca y solo esté tratando de mantener una campaña en el objetivo. Independientemente de lo que intente hacer, los parámetros para el éxito variarán, pero en general, las vistas, los me gusta y los suscriptores son el nombre del juego.

Ya es bastante difícil producir el contenido de su video; a continuación, cubriremos algunos consejos al respecto, pero eso es solo la mitad de la batalla. Puede dedicar tanto tiempo a trabajar en su presentación y metadatos como a hacer el video. Puede parecer que estás gritando al vacío cuando subes tu preciosa creación y. . . nadie mira. Entonces, ¿cómo logras que tu gota se destaque en el segmento de YouTube?

Le pedimos a cuatro de nuestros YouTubers favoritos que fueran sinceros con nosotros sobre cómo hacen lo que hacen. Todos estos muchachos han sido fundamentales en el éxito de nuestra Canal de Youtube – y nuestro canal hermano Tutoriales de Shutterstock. Pero, cada uno de estos cineastas tiene sus propios canales, donde son libres de ser tan creativos como quieran. . . en lo que quieran ser creativos.

Esto es lo que dijeron sobre la generación de ideas, los metadatos, la preproducción, la posproducción y el equipo.


Generación de ideas

A veces, pensar en qué tipo de video hacer puede resultar completamente inmovilizador. Tal vez tengas el núcleo de una idea, pero una vez que empiezas a pensar en ella, suena poco interesante. Quizás se pregunte por qué debería molestarse en primer lugar. ¿Estás creando este contenido para poder monetizarlo? ¿Lo estás logrando porque tienes el impulso de ¿crear? ¿Lo está haciendo para otra persona para que pueda ganar dinero y comer? No importa por qué lo hagas, es probable que termines en el extremo equivocado del bloqueo del creador en algún momento u otro.

Así que les pedimos a nuestros YouTubers que nos llevaran a través de su proceso de generación de ideas. Queríamos saber cómo pasan de la nada a la inspiración para crear contenido que otros quieran ver. Esto es lo que tenían que decir.

Jason Boone: La mayor parte de la inspiración se basa en temas que me interesan, como crear animaciones de mapas, trabajar con expresiones en After Effects o revisar complementos y herramientas de AE ​​interesantes de otros creadores. Me parece que si me apasiona y me interesa lo suficiente una idea, vale la pena hacer un video sobre esa idea. También trato de proporcionar el mayor valor posible a la audiencia, como regalar ajustes preestablecidos, plantillas y archivos de proyecto. Tengo un documento de Google en el que enumero todas mis ideas a medida que aparecen. Encuentro que mis mejores ideas surgen en momentos extraños, así que tengo la aplicación Google Docs en mi teléfono lista para enumerar mis pensamientos cuando caiga un rayo. A veces, se trata de una sola palabra, mientras que otras veces es una idea completamente desarrollada. Luego, me tomaré un tiempo para revisar la lista y ver si puedo combinar ideas en algo interesante y original.

Logan Baker: El primer indicio de una idea generalmente proviene de ver una película, ver una fotografía o ver otro video de YouTube. Mientras trabajo en otros proyectos, videos, artículos, por lo general dejo de hacer lo que estoy haciendo si tengo una idea o veo algo que me inspira y lo escribo de inmediato. Entonces, en su mayor parte tengo una lista de aproximadamente 30-40 temas / temas diferentes para hacer videos, luego elijo el que tenga sentido en ese momento.

Zach Ramelan: Siempre estoy filmando algo. Cada día. Todo el dia. Estoy seguro de que a la mayoría de mis amigos les resulta molesto. Desde fotos hasta vlogs, hasta breves documentos sobre el buceo, la mayoría de estas cosas nunca verán la luz del día, pero creo que la creación continua es una de las mejores formas de mantenerse alerta. En estos viajes de creación, me encontraré con un problema que conduce a una solución creativa que sé que alguien encontrará valiosa. ¡Entonces lo comparto!

Lewis McGregor: Mi canal no tiene identidad formal; es en gran medida el epítome de una bolsa mixta. No hay ninguna estructura fuera del canal que gire en torno a imágenes en movimiento, desde tutoriales de software hasta videos de humor y cortometrajes. Es algo limitante, ya que no me permite crear una audiencia regular porque no hay un estilo de contenido establecido, pero tampoco es restrictivo porque puedo publicar cualquier cosa sin que mis suscriptores piensen que es extraño.

Con eso, sin embargo, me centraré en los cambios de humor, ya que son el contenido más popular de mi canal. Tengo ocho carretes en mi canal y apenas superan las 50.000 visualizaciones para cruzar el hito del millón (combinado).

Por lo general, cuando creo un video como este, es porque estoy tratando de descubrir cómo replicar un estilo que he visto en la pantalla. Me encantó la cinematografía de inspiración indie en Hombre de Acero, y me encantó esa paleta fría que se encuentra al comienzo de la película. Tratando de replicar esa cinematografía de Amir Mokri fue la base de mi carrete Pocket 4K. Terrence MalickEs El arbol de la Vida es otra gran inspiración mía, y esa ha sido la base de dos videos.

Puede descomponerse en lo siguiente:

  • Me gusta este estilo.
  • ¿Cómo puedo conseguir esto?
  • Película.
  • Cargar resultados.

Metadatos

Si has jugado al juego Obtener vistas de YouTube durante algún tiempo, sabes que hacer el video es solo el primer paso para construir una audiencia. Se requiere mucho trabajo para presentar correctamente su video para que se destaque en la maraña de contenido. Este es definitivamente el lado menos glamoroso de la creación exitosa de contenido de YouTube, pero es fundamental y hay herramientas que pueden ayudar.

Entonces, les preguntamos a nuestros YouTubers qué tan importantes creen que son los metadatos para un video de YouTube. Les preguntamos los secretos detrás de las descripciones, las miniaturas y cualquier otro detalle que todo creador de videos necesita saber.

Esto es lo que descubrimos.

Jason Boone: Todavía no domino el juego de los metadatos, pero está claro que las miniaturas y los títulos son las dos características más importantes de cualquier video de YouTube. Mi juego de miniaturas ciertamente no es el mejor, así que he estado experimentando con las pruebas A / B a través de TubeBuddy. También he estado traduciendo los títulos y descripciones de mis videos a los idiomas más populares de mis espectadores. Si bien al principio encontré este proceso agotador, alejándome de la diversión de la creación de contenido, ahora lo veo como una experimentación divertida. YouTubing se parece mucho a la jardinería. Realmente tienes que intentar divertirte con esta parte del proceso, porque lleva mucho tiempo y, si no tienes cuidado, tu alma podría abandonar accidentalmente tu cuerpo.

Logan Baker: Por mucho que me gustaría decir que me centro en la historia / creatividad, me centro bastante en la estrategia. ¿Qué están mirando todos? ¿Qué videos son populares? ¿Por qué son populares? ¿Qué miniaturas y títulos funcionan en YouTube para este tipo de contenido? Entonces, lo usaré a veces como punto de partida, y luego intentaré agregarle mi propia originalidad. Mi canal es pequeño en este momento, pero he visto un buen crecimiento después de presentar los videos de una manera que es común para esta comunidad (título, etiquetas, descripción y miniatura). Así que veremos si el crecimiento continúa a medida que subo más videos en los próximos meses.

Zach Ramelan: ¡Las miniaturas son la pesadilla de mi existencia! A veces, desarrollar una miniatura lleva la misma cantidad de tiempo que el video para el que es. Ojalá fuera una broma. La realidad es que YouTube es una plataforma donde cada consumidor lo juzga a usted y a su contenido por su portada. ¡Tienen que! El libro puede ser genial, pero en un océano de títulos de clickbait e imágenes pegadizas, la representación en microsegundos de tu video es primordial. Mis videos más exitosos generalmente tienen miniaturas simples que crean curiosidad en el espectador o respaldan el título con imágenes muy obvias que lo acompañan.

Lewis McGregor: Para el carrete de estado de ánimo de Pocket 6K, inicialmente tenía el dinero como miniatura. Era una hermosa toma amplia con el cielo rosado de la tarde golpeando el paisaje marino y un jinete a caballo brincando a través del marco. Desafortunadamente, si bien la grabación del video funciona bien, la tasa de clics no fue tan alta el día inicial del lanzamiento.

Tan pronto como cambié la miniatura a uno de los actores que aparecieron en el video, comenzó a dispararse. Incluso cuando el video es principalmente tomas de paisajes, aún prevalece la presencia de una persona en la miniatura.

Si está creando contenido para promocionar la imagen que una cámara puede crear específicamente, es esencial cubrir todos los aspectos con las palabras clave en YouTube. Por ejemplo, la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K tiene varios apodos, así que los incluí en las etiquetas. Usaría lo siguiente:

  • Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K
  • Blackmagic Pocket 6K
  • Bolsillo 6K
  • BMPCC6K

Y si bien no debe sobrecargar su video con etiquetas que son irrelevantes para la cámara que está usando, no estaría de más mencionar la cámara hermana, como la BMPCC4K, ya que, por lo general, los espectadores buscan comparar los modelos. .

Si bien me encantaría darle un título poético a estos videos, en la mayoría de los casos funciona mejor simplemente ponerle un título al video con el nombre de la cámara y lo que estás haciendo.: “Panasonic S1H – City break”.


Preproducción

Una vez que tenga una idea encerrada y sepa lo que debe hacer para presentarla al finalizar, ¿cómo se ve la preproducción? Todos somos diferentes, por supuesto, pero algunos tipos diferentes pueden hacer tu vida un poco más fácil que otros tipos diferentes. Entonces, le preguntamos a nuestro panel sobre sus procesos de preproducción. Queríamos saber si el proceso es el mismo para todos los videos, o si tienen diferentes enfoques para diferentes tipos de videos.

Esto es lo que tenían que decir.

Jason Boone: Una vez que seleccione una idea de mi lista, crearé un nuevo documento y luego realizaré un rápido volcado de memoria de todo lo relacionado con el tema. Eso finalmente se convierte en un esquema, que a veces puede servir como un guión de rodaje suelto. Pasaré algún tiempo experimentando con la idea, ya sea una animación o un truco cinematográfico. Otras veces termino completamente un guión antes de filmar o grabar algo. Si se trata de una revisión de complementos o equipos, es bastante sencillo. La parte más interesante y emocionante del proceso es cuando descubres algo nuevo y tu idea inicial genera tres o cuatro ideas aún mejores para proyectos futuros.

Logan Baker: La preproducción por lo general consiste en comprar el material de la película, buscar composiciones potenciales en la ciudad y luego mirar mi aplicación meteorológica para determinar qué día tendrá la mejor iluminación. Dado que mi canal es sobre fotografía, la iluminación y los colores lo son todo, así que realmente tengo que prepararme de la manera correcta. Con todo, normalmente me tomo una semana para asegurarme de que todo esté listo.

Zach Ramelan: Cada video que hago, trato de desafiarme a mí mismo de manera diferente; esto podría ser una nueva configuración de hablar a la cámara o una estructura de narración diferente. YouTube es mi única plataforma en la que puedo experimentar con cosas que los clientes no me permiten. Desafía mi expresión creativa con la experimentación, que generalmente desarrolla un resultado bastante bueno, generalmente.

Pasando al proceso de escritura, por lo general desglosaré mi idea en notas de apuntes en mi diario, puntos esenciales de los que puedo sacarme cuando estoy frente a la cámara. Curiosamente, las mejores películas que he hecho han sido escritas en gran medida, y los mejores videos de YouTube que he hecho nunca han sido sin guión. Comenzaré con un motivo, un mensaje, por ejemplo: Cómo ser auténtico. Luego, insertaré ese título en TubeBuddy (un generador de SEO que le ayuda a Frankenstein a crear el mejor título para su video, utilizando palabras clave comunes, resultados de búsqueda populares y análisis de canales). Encerraré en un círculo un título principal que concuerde conmigo (es decir, “Estás demasiado inspirado por los grandes influyentes: cómo ser auténtico”) y luego lo usaré como trampolín para mi próxima etapa de creación de ideas. A partir de ahí, crearé varias viñetas que respalden ese mensaje:

  • Círculo de influencia
  • Sobreconsumo
  • Inspírate
  • Los malos recuerdos hacen grandes historias

Cuando la cámara rueda, salgo de estos puntos de bala y, por lo general, la magia fluye. Pero a veces puede ser necesario varios intentos. Haré un riff y luego me quedaré sin combustible, así que luego reiniciaré. Y reinicie y reinicie. Hasta que haya hecho una toma con poco o ningún tartamudeo, con toda la energía y eso respalde mis puntos, ¡sigo adelante!

Lewis McGregor: En cuanto a los rollos de humor, no hay preproducción, por así decirlo, más allá de buscar inspiración. No planeo tomas, no mapeo el movimiento ni pienso en el resultado. Tengo una vaga idea de lo que me gustaría capturar y espero que mis habilidades y el clima puedan ayudar a capturar la idea cuando esté en el lugar. Crear estos carretes tonales, para mí, es un proceso muy orgánico. Si bien busco inspirarme en otras imágenes, descubrí que una vez que comienzo a planificar intrincadamente el rodaje, el material se parece demasiado al material original.


Post-producción

Todo el mundo tiene un NLE favorito y a todo el mundo le gusta decirle a los demás por qué se equivocan. Eso es parte de la diversión. (Vimos una tendencia decidida hacia la resolución entre nuestros panelistas; siéntase libre de pelear con ellos en sus canales sobre esto. Aunque yo no lo haría). Todos hacen sus gráficos en movimiento en diferentes etapas del proceso, personalizan sus tercios inferiores, califican los metraje, etc.

Al igual que en la preproducción, cada creador es diferente, pero, de nuevo, queríamos saber qué tipos diferentes simplemente hacen la vida más difícil y cuáles funcionan para un grupo de YouTubers con recuentos totales de vistas (para nosotros y otros) en millones. .

Entonces, les preguntamos qué herramientas prefieren en sus procesos de postproducción y por qué. Queríamos saber si crean activos y gráficos en movimiento después de la edición o antes, y pedimos directamente trucos que faciliten la postproducción.

Aquí está la primicia.

Jason Boone: Intento hacer la mayor parte del trabajo en preproducción y producción, ya que esto facilita la edición. Últimamente he capturado muchos proyectos en 4K y RAW, lo que ocupa mucho espacio en el disco duro. Esto cuesta dinero. Por esta razón, me he encontrado realizando más tomas durante mis sesiones y grabaciones de pantalla. Marcaré e importaré solo las tomas buenas y luego borraré el resto. También solía grabar audio separado de mi video, pero para acelerar las cosas, ahora lo combiné durante la grabación a través de un micrófono lav conectado a mi cámara principal.

Logan Baker: Últimamente he estado usando DaVinci Resolve para editar mis videos. Soy nuevo en el programa, pero mis videos son bastante simples en términos de diseño. Al igual que todos los demás, la razón principal por la que me cambié a Resolve es la gradación de color. Era escéptico a la hora de subirme a este tren en particular, ya que todo el mundo parece estar haciéndolo, pero está claro que hay una razón para el cambio, ya que las herramientas son superiores a Premiere en casi todos los sentidos. Para este canal, no utilizo muchos gráficos en movimiento aparte de la animación ocasional de la tarjeta de título. En una edición típica, crearé las animaciones durante el proceso de edición. Pero mi proceso de postproducción en general está por todos lados. Por lo general, tengo que esperar a que la película regrese del laboratorio o encontrar la motivación para desarrollarla yo mismo. Por lo tanto, generalmente construyo la edición con espacios a lo largo de la línea de tiempo que completaré más adelante con fotos.

Zach Ramelan: Los chefs franceses utilizan el término culinario mise en place, que se traduce como “todo en su lugar”. Antes de comenzar a cocinar su plato, el chef organizará y preparará todos sus ingredientes clave, asegurándose de que todo esté en su lugar. Este enfoque organizado de la preparación acelera el flujo de trabajo y la productividad.

He elaborado mi propio mise en place método, donde tengo una carpeta que vive en mi escritorio que contiene todos mis activos más utilizados, como efectos de sonido, música, transiciones, gráficos y tarjetas de título. Después de montar mi primer corte, arrastro y suelto esta carpeta en Premiere Pro y guardo mis activos críticos. Por lo general, comienza con un pase de música, aplicando la pista perfecta (desde Premiumbeat.com), luego pasa a recortar escenas en esa nueva pista, luego pasa a aplicar transiciones y luego finaliza con un pase de efectos de sonido.

Lewis McGregor: Los carretes de humor se basan en gran medida en imágenes bonitas y no creo que llegaría muy lejos sin DaVinci Resolve. Se ha convertido en el caballo de batalla integral tanto para la edición como para la corrección de color. Sin embargo, la deconstrucción de mi grado ha cambiado enormemente con mi cámara reciente. S1H.

Creo que podría ser la primera vez en muchos años que cambio mi estilo de tiro. Siempre me ha gustado la versatilidad de manipular colores en la postproducción y, con la adición de RAW, poder modificar la configuración que inicialmente se incluyó en la imagen. Pero más recientemente, me ha gustado simplemente devolver el metraje de LOG al espacio de color REC709 con un REC709 LUT y dejarlo allí.

Anteriormente, mis árboles de nodos se verían así:

Árbol de nodo de Lewis McGregor

Árbol de nodos anterior de Lewis McGregor.

Pero más recientemente han evolucionado (o evolucionado) hacia una estructura más básica con solo simples ajustes de color.

Árbol de nodos actual de Lewis McGregor

Árbol de nodos actual de Lewis McGregor

Con mis cambios de humor, me gusta que los paisajes hablen por sí mismos, y a menudo encuentro que cuando trato de poblar demasiado la imagen con grados de color, pierdo la esencia de cómo se veía mientras estaba filmando, y la razón por la que grabó esa imagen.


Equipo

Engranaje. Seamos realistas, por eso la mayoría de nosotros estamos aquí. Sabemos que nuestras publicaciones sobre equipos son lo que la mayoría de ustedes ven aquí. Y por una buena razón. El equipo es genial y, bueno, es esencial para toda esta conversación. Es la única conversación que puede unir a un equipo, sin importar qué trabajo estén haciendo. Todo el mundo tiene opiniones sobre el equipo: cuánto debe tener, con qué frecuencia debe actualizar, qué apesta y qué no.

Por lo tanto, esta conversación no estaría completa sin hablar sobre lo que usan nuestros panelistas y cómo lo usan. Les pedimos que nos guiaran a través de sus equipamientos y que nos dijeran qué hacen en la cámara para las tomas que son particularmente buenas en YouTube.

Esto es lo que tenían que decir.

Jason Boone: Tengo una asociación con Blackmagic Design y utilizo su Cámara de cine de bolsillo 6K como la configuración principal de mi tutorial en mi oficina, así como URSA Mini Pro G2 para trabajo de campo. Realmente me sorprendió lo buena que es la calidad de la imagen en esas cámaras. Especialmente cuando miro viejos tutoriales que grabé en mi Canon 7D MII. También tengo uno de sus monitores Video Assist, que me permite encuadrar mis tomas y activar la grabación en mi cámara. Para el audio tengo un Deity Wireless Connect lav que engancho al BMPCC6K. Cuando hago tutoriales de grabación de pantalla, utilizo un Yeti azul en un Brazo articulado Yeticaster para audio y Camtasia para las grabaciones de pantalla. Edito todo en Premiere Pro y trabajo bastante en Adobe After Effects.

Logan Baker: Como no tengo a nadie que me filme la mayor parte del tiempo, suelo mantener la configuración bastante liviana, ya que tengo que llevarla a todas partes, además de mi cámara de película y lentes. Para este canal, utilizo una BMPCC4K con una vieja lente Canon FD de 24 mm. Por lo general, usaré esta lente para todo el video. Si necesito algo más, traeré mi Lente SLR Magic HyperPrime Cine 50 mm T0.95. Para estos lentes, utilizo un Filtro ND variable HOYA y tener un Filtro Pro Mist negro a mano si alguna vez siento que lo necesito. Llevo un Trípode Manfrotto 055, que comienza a sentirse bastante pesado después de unas horas de carga, pero es resistente y cumple su función. Casi todas mis inyecciones en estos días se toman por la mañana o alrededor de la hora dorada. En mi opinión, Blackmagic maneja estos colores y tonos mejor que cualquier otra cosa en el mercado.

Zach Ramelan: Normalmente utilizo lo que sea que esté cerca. A veces es mi teléfono celular, la mayoría de las veces es mi Sony A7III. Para configuraciones de hablar con la cámara, utilizo mi Sony A7III emparejado con un Micrófono Sennheiser Lav, que está todo adjunto a mis $ 300 Sistema deslizante motorizado Neewer. Por lo general, disparo con un 16-35 en un F2.8, pero recientemente lo cambié a 50 mm en un F2.8 y lo he estado cavando.

Mi iluminación clave proviene de un Ojo de halcón BL 30TD luz con una linterna de bola de porcelana adjunta para su difusión. Combino esto con dos pequeños LED de bolsillo que he adquirido a lo largo de los años. Si esas herramientas no están cerca, entonces me posicionaré hacia una ventana.

Por lo general, configuro la configuración de la cámara en automático, desde Auto ISO hasta Auto Focus. Estableceré mi WB en uno de los ajustes preestablecidos en la cámara (nunca me meto con los niveles de Kelvin).

Finalmente (para usuarios de Sony), mi perfil de imagen está configurado en PP5.

Lewis McGregor: Rara vez me quedo asociado con una cámara el tiempo suficiente para rayarla. No diría que esto se debe a que tengo el “síndrome de adquisición de engranajes” (como lo expresa Internet), sino a que me encanta experimentar con nuevas herramientas. Sin embargo, durante más tiempo, he estado usando el BMPCC4K, pero más recientemente, he cambiado al S1H.

Si bien no creo que alguien necesite inherentemente filmar en 4K dado que muchas personas ven YouTube a través de su teléfono (que transmite a 1080p o 720p), la claridad que se obtiene en 4K es fundamental para los carretes de humor y, para ser honesto, YouTube en general. . La razón de esto es la reducción de resolución. Anteriormente toqué este tema con el GH5:

Cuando reduce la escala de 4K a Full HD, esencialmente está sobremuestreando la imagen para tener 4 veces los datos por cada píxel. Por lo tanto, cuando tiene metraje 4K y lo reduce a 1080p (Full HD), la imagen se verá mejor que en 1080p nativo. Verá que la imagen es mucho más nítida, los colores más vívidos y (según las propiedades de la imagen), también verá menos ruido.

Si ha visto los videos esparcidos a lo largo de estas respuestas, notará que siempre estoy en el desierto y, como resultado, no me gusta llevar mucho. Si bien me encantaría poder darte un desglose de todo el equipo que utilizo, en la mayoría de las circunstancias, no es más que yo sosteniendo mi cámara, tratando con mucha paciencia de no balancearme con el viento galés.


Así que ahí lo tienes. Cuatro visiones del mundo de YouTube diferentes de cuatro creadores que han hecho el trabajo y lo están haciendo de nuevo. Haz tu vida más fácil aprendiendo de aquellos que te han precedido. De esa manera, puedes dedicar tus energías a crear un buen contenido (y metadatos).

¿Busca más sobre cómo hacer videos para YouTube? Consulte estos artículos.

Descubre el fascinante mundo de los accesorios de cine mudo

¿Tiene problemas con las molestas peculiaridades del audio? Echa un vistazo a estos creativos y prácticos accesorios de cine mudo que hacen felices a los mezcladores de sonido.

Estás en el set (hoy es un salón de billar lleno de gente) y te estás preparando para capturar una conversación íntima entre tus dos clientes potenciales. La iluminación, el ambiente, la utilería, el vestuario, todo es perfectamente auténtico.

Y solo unos segundos después de llamar a la acción, se da cuenta de que tiene un problema grave: su audio está completamente desordenado debido al constante clic, chasquido y golpeteo de bolas de billar en el fondo. ¿Y ahora que?

Bolas de billar completamente silenciosas, eso es.

Bienvenido al sorprendentemente vasto mundo de accesorios de películas mudas, presentado por primera vez a la corriente principal por el extraordinario usuario de TikTok / papá-broma Scott Reeder. Echemos un vistazo más de cerca a esta solución en el set de “¿por qué no lo pensé primero?” Y exploremos algunas formas en las que puede pedir o hacer algunas propias para su próxima producción. Créame, su mezclador de sonido se lo agradecerá.


Presentamos Silent Props

En el TikTok de arriba (filmado en el almacén donde trabaja como maestro de utilería para cine y televisión), Scott Reeder presenta a una nueva generación el extraño y fascinante mundo de la utilería del cine mudo y sus beneficios en el set.

El primer ejemplo que exhibe Reeder es una bolsa de “papel” de vinilo que elimina el ruido arrugado, crujiente y que acaba con la conversación que se produce al manipular las bolsas de la compra. Es una situación que ocurre en la pantalla con más frecuencia de lo que piensas (por lo general, involucra una barra de pan larga y bonita) y, según Reeder, el vinilo ayuda a reducir el ruido de utilería hasta en un 90%.

En el mismo video, comparte una solución sorprendentemente práctica a un problema de producción de larga data: las ruidosas bolas de billar que mencionamos arriba. En lugar de pedirle a sus extras de fondo que hagan una pantomima de jugar al billar (lo que hace que la autenticidad sea un desafío), Reeder sugiere una solución inteligente y asombrosamente simple: pintar algunas pelotas de goma. ¡Genio!


Compra de bolsos y accesorios Silent

Bolsas y accesorios silenciosos

Bolsas silenciosas y accesorios disponibles para su compra. Imagen vía PROP TRX.

Para algo que mucha gente acaba de descubrir, los accesorios silenciosos son bastante fáciles de conseguir. Las bolsas de vinilo presentadas en el video de arriba están disponibles para su compra en una compañía llamada Prop Trx.

Y Prop Trx no se limita a las bolsas de la compra. Ofrecen una amplia gama de productos de papel que no son de papel, y la mayoría están disponibles en varios estilos: bolsas de almuerzo, bolsas de vino, bolsas para la escena del crimen, sobres de manila e incluso papel de seda y celofán silencioso para regalo. Los precios varían (dependiendo de las necesidades de su bolso) pero la mayoría ronda los $ 20. Me parece bastante razonable, y se trata de lo que gastarías en tiempo y materias primas si las hicieras tú mismo. Hablando de . . .


Haz tus propios accesorios silenciosos

Si bien comprar accesorios específicos de la industria puede ser ideal para producciones de mayor presupuesto, en realidad puede usar muchos de los mismos principios y trucos de reducción de ruido para hacer que sus propios accesorios cotidianos sean más silenciosos.

Como puede ver en el video de arriba (a través de La mirada de la película), simplemente agregando un poco de goma de neopreno a sus accesorios (suelas de zapatos, platos, tazas, casi todo) puede reducir el ruido significativamente.

Las láminas de tela de neopreno se pueden comprar a granel en cualquier tienda de pasatiempos o suministros, y el video realmente explica cómo hacer algunos clips instantáneos personalizados que puede aplicar rápidamente a cualquier accesorio de película que pueda necesitar.


Otros accesorios prácticos para películas


Continuando con su serie en TikTok, Reeder muestra algunos accesorios de película diseñados a medida que se pueden usar como armas en escenas de lucha, incluidos tubos de metal, dos por cuatro de madera e incluso sartenes de hierro fundido, todos hechos de goma y seguro de usar en contacto. Puede navegar y comprar algunas de estas opciones en tiendas en línea como Apoyos Barkode.

Reeder también demuestra pesos de utilería, incluidos algunos utilizados en la producción de Las luces del viernes por la noche – hecho de espuma densa que se puede utilizar en escenas de gimnasios, así como algunas versiones de goma flexible para escenas de lucha. Puede obtener varios de estos pesos falsos en línea en una tienda llamada – espere – Pesos falsos.

Y, por último, el material cinematográfico favorito de todos para lograr el máximo impacto en las peleas de los bares y las escenas de lucha, las infames botellas y tazas de café que se escaparon. Y, si bien es importante tener en cuenta que estos accesorios separatistas aún pueden ser muy peligrosos y deben usarse con el mayor cuidado y supervisión profesional, también se pueden comprar en línea a uno de los nombres más importantes de accesorios cinematográficos: Nueva regla FX.


Para obtener más consejos, trucos y conocimientos sobre la realización de películas, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada de Stokkete.