Las tendencias cinematográficas 2019

tendencias cinematográficas 2019
tendencias cinematográficas 2019

Las tendencias cinematográficas van y vienen, pero esa no es razón para que los cineastas prometedores no experimenten con la tendencia del día.

Cada año, empezamos a ver un aumento en el contenido con alguna tendencia cinematográfica específica en el punto de mira. Tanto que no puedes sintonizarte con tu creador de contenido favorito sin verlo. Y también hay quienes vienen a resentirse por el uso entusiasta de ciertos métodos cinematográficos. Entonces, ¿por qué tanto alboroto?

tendencias cinematográficas 2019
https://www.youtube.com/watch?v=ZTTKIx4_sKc

Como puedes ver en el video de arriba, Jakob Bowen – de The Buff Nerds – se siente incómodo con el uso excesivo de las gimbals en los últimos años (hablaremos de esto más adelante). Por mi parte, hago un gesto de dolor al cargar un cortometraje para ver que ha sido clasificado con el M31 LUT, enormemente sobreutilizado. Si el inframundo existe, sin duda está cubierto de naranja y verde azulado. Las modas y las tendencias cinematograficas van y vienen a un ritmo tan rápido que es difícil recordar cuál fue la técnica de la temporada la primavera pasada.

Durante la última década, hemos visto un aumento en las siguientes técnicas de cineastas aficionados y semiprofesionales en línea:

  1. Profundidad de campo baja
  2. Fotografías de deslizamiento/seguimiento
  3. Lapso de tiempo o timelaps
  4. Gimbal
  5. VR/360
  6. Drone

Nueva Tecnología, Bajo Costo

En la primavera de 2011, finalmente conseguí el 5D Mk II. A partir de ese día (durante todo el verano), casi todo lo que filmé fue en f/1.2. Por supuesto, casi todo era también nebuloso y se desenfocaba rápidamente. Sin embargo, había anhelado una profundidad de campo poco profunda durante años, Y después de pasar muchos meses investigando cómo añadir un adaptador de 35 mm al Canon HV20, y años anhelando una cámara que pudiera producir una sensación “cinematográfica” a distancia, definitivamente no estaba a punto de empezar a utilizar los ajustes de apertura correctamente.

Internet (y los profesionales de la industria) no tuvieron mucho tiempo para discutir, ya que poco después de la gran cantidad de tomas de poca profundidad de campo, de repente todo se convirtió en intervalos de tiempo.

Lapso de tiempo en movimiento de la Vía Láctea, lapso de tiempo de la misma ubicación durante diferentes estaciones, lapso de tiempo de la cámara moviéndose hacia el otro mundo a través de una ciudad llena de gente. Si hubiera algo que cambiara dinámicamente a lo largo del día, o incluso del año, se podría apostar a que había un cineasta o un fotógrafo sentado en algún lugar creando magia.

Entonces, ¿de dónde vienen exactamente estas modas?

No es como si un día alguien en algún lugar inventa una nueva técnica y de repente todo el mundo quiere entrar. Todos los métodos, sin RV, se han utilizado en el cine y la televisión durante décadas, que es precisamente por lo que estas técnicas se han vuelto tan populares. Por primera vez desde que vio estas técnicas empleadas en la pantalla grande, el pequeño consumidor puede finalmente replicar el disparo – por sólo una fracción del costo.

La incursión inicial de Canon en el mercado del vídeo de aficionado a profesional desencadenó una reacción en cadena en la industria de equipos y accesorios.

Los consumidores finalmente tuvieron acceso a cámaras que, hasta cierto punto, estaban creando resultados que se habían limitado a la gran pantalla. Pero había un vacío que había que llenar.

Mientras que los consumidores podían rodar a fotograma completo a f/1.8, no podían mover la cámara de la misma manera que lo harían las producciones de largometrajes. Aún así, tuviste que alquilar una pista y una plataforma rodante, o ir a YouTube para averiguar cómo construir la tuya propia.

Al principio, la nueva “alternativa favorable al presupuesto” a menudo no es tan favorable al presupuesto, ni para cineastas de bajo o nulo presupuesto. Si no está familiarizado con el equipo, estoy seguro de que recordará maravillarse con las imágenes detrás de escena de la operación de cámara en patines de ruedas, deslizándose desde la calle hasta el taxi.

tendencias cinematográficas 2019
https://youtu.be/pDv2OYKICoc

Como dijo Danny Greer en un post de PremiumBeat desde los archivos, “El sistema de cámara MōVI está preparado para cambiar completamente la estabilización de la cámara en la industria de la producción de vídeo profesional”.

Fue completamente revolucionario porque el estabilizador se construyó alrededor de la estabilización de giroscopios y acelerómetros. No hay necesidad de los clunky chalecos y pesos Steadicam cuando este equipo hace el mismo trabajo con más agilidad y menos configuración. Pero estaba la etiqueta de precio de 14.995 dólares – no necesariamente un punto de entrada de bajo presupuesto para un estabilizador para su 5D.

Sin embargo, cuando una nueva tecnología como ésta entra en el mercado, también se puede contar con el hecho de que, unos años más tarde, veremos una tecnología similar a una fracción del costo, como el Ronin M, que se puede obtener totalmente nuevo por 800 dólares. Es una gran diferencia de precio. Por supuesto, hay razones, como se puede ver a continuación.

https://youtu.be/6zvpkPOg9Xc

MōVI vs. la discusión de Ronin aparte, el punto es que estos tipos de tomas de estabilización fueron realmente producidas sólo por producciones de primer nivel porque no es como si todos los entusiastas tuvieran $50,000 en el banco para una ARRI Trinity. ¿Pero para un Ronin-M? Absolutamente. Por lo tanto, vamos a ver una abundancia de contenido que consiste únicamente en imágenes capturadas en un gimbal, porque nunca antes los entusiastas y aspirantes a cineastas habían sido capaces de imitar el movimiento de la cámara desde la gran pantalla, a un coste tan bajo. Para volver al vídeo de Jakob que aparece en la introducción, afirma con razón lo siguiente:

“Todo el mundo y su abuela han estado disparando con gimbals y sólo gimbals. Ya sea en YouTube, Instagram u otra plataforma de medios sociales, parece que cada persona está grabando cada pieza de contenido en un gimbal”.

Jakob continúa diciendo que “Tienes que usar esas herramientas cinematográficas (gimbal) a tu disposición para provocar una emoción, o decirle a la audiencia cómo se supone que se debe sentir en este momento”.

Estoy de acuerdo (mirando el material de su avión no tripulado y la clasificación M31). Sin embargo, ¿es ésta una postura que deberíamos adoptar? Al igual que las tendencias de la moda cinematografica y la evolución de la música, este no es un proceso que nosotros, como individuos, podamos detener o cambiar.

Pero, ¿hay necesidad de hacerlo? Las tendencias y modas cinematograficas en el contenido en línea rara vez (en el momento de su popularidad) se trasladan al cine y la televisión, y en esencia, se trata sólo de jóvenes creadores de contenido que se divierten con herramientas que no estaban disponibles hace diez años.

Como descubrí al filmar todo en f/1.2, creo que aquellos que crean contenido (y abusan de una técnica) aprenderán a entender el valor del método. También creo que los nuevos creadores de contenido aprenden hoy en día que el uso de la tecnología para lograr una toma específica parecerá más profundo cuando se usa con moderación, para provocar una emoción. Pero por el momento, los creadores de contenido tienen la capacidad figurativa de volar a la luna. Eso es algo de lo que deleitarse, no de lo que descartar.

Esta mentalidad no me llevó muy lejos. Fue divertido pero poco práctico.

Con el aumento de cámaras asequibles de fotograma completo, la profundidad de campo y el enfoque en rack se apoderaron de la comunidad cinematográfica de YouTube como un virus en una ciudad llena de gente.

¿Podrías llamar a un video de viaje un video de viaje si no tuvieras un rack enfocado desde una flor hacia el pintoresco paisaje que hay detrás? No, no podrías. Por supuesto, con el auge de rodar absolutamente todo con una gran apertura, los foros de rodaje estaban repletos de voces descontentas preocupadas por el uso excesivo de la poca profundidad del campo.

La poca profundidad de campo debe ser usada como una herramienta cinematográfica para dirigir el enfoque, no para crear bokeh en la gasolinera sólo para hacer que la escena parezca “fílmica”.

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Fuentes:

https://es.wikipedia.org/wiki/Producci%C3%B3n_cinematogr%C3%A1fica

https://www.premiumbeat.com/blog/filmmaking-video-production-fads-trends/