¿Quién es Mank? Introducción al guionista icónico Herman Mankiewicz

Eche un vistazo detrás del guión de la nueva película biográfica de David Fincher sobre el legendario Ciudadano Kane el guionista Herman “Mank” Mankiewicz.

Tanto para los aficionados al cine como para los cineastas, uno de los mejores directores del cine contemporáneo tiene que ser David Fincher. Mejor conocido por abrirse camino en la industria como uno de los mejores directores de videos musicales de su generación, rápidamente encontró la fama dirigiendo emocionantes thrillers psicológicos como Se7en, Club de la luchay Chica se ha ido, además de crear programas de transmisión de gran éxito como Castillo de naipes y Mindhunter.

Entonces, cuando llegó la noticia de que estaba trabajando en su próxima película para Netflix, fue una sorpresa que no fuera un thriller cerebral o un misterio de asesinato. En cambio, era una película biográfica de época, filmada en blanco y negro y centrada en el famoso guionista. Herman “Mank” Mankiewicz.

Para aquellos que no están familiarizados con Mankiewicz o su carrera y reputación, esta puede parecer una elección curiosa. Sin embargo, como exploraremos, “Mank” es más que un fascinante estudio de personajes cinematográficos. De hecho, es una de las figuras más poderosas e importantes de la historia del cine. Entonces, antes de atrapar Mank en los cines o en la transmisión en línea, examinemos qué hizo a Mank tan grandioso, así como por qué la elección del tema de Fincher en realidad es tan querida para él.


De David Fincher Mank

La película biográfica de David Fincher sobre Mankiewicz ha estado en desarrollo desde 1997. En un momento, incluso iba a ser la continuación de Fincher de El juego, antes de que Fincher finalmente dirigiera Club de la lucha en lugar. Sin embargo, la verdadera razón por la que Mankiewicz ha estado en el radar de Fincher no proviene de su propio interés por el guionista.

El padre de David Fincher, Jack Fincher, escribió el guión de Mank basado en su propia fascinación por el famoso escriba. El anciano Fincher fue un periodista de mucho tiempo y también aspirante a guionista. Incluso escribió un guión basado en Howard Hughes, que casi se convirtió en una característica (en cambio, los estudios optaron por una versión diferente de otro escritor).

De muchas maneras, Mank es la carta de amor de Jack Fincher al cine, específicamente a su película favorita de todos los tiempos, Ciudadano Kane. Compartió su fascinación por el clásico con su hijo, y el sueño de Jack era ver a su hijo dirigirlo. Lamentablemente, Jack Fincher falleció en 2003. Sin embargo, David Fincher finalmente pudo dar vida al proyecto en su honor.


¿Quién es Herman “Mank” Mankiewicz?

Herman
Herman “Mank” Mankiewicz fue considerado uno de los mejores guionistas de todos los tiempos. Imagen vía Wikipedia.

Aún así, la pregunta sigue siendo: ¿Quién es Herman “Mank” Mankiewicz? La respuesta es sencilla: uno de los mejores guionistas de todos los tiempos. Esta última película biográfica se centra en su confusión personal y sus problemas al intentar escribir su famosa obra maestra. Ciudadano Kane. Sin embargo, los aficionados al cine también conocen a Mankiewicz por trabajar en guiones famosos como El mago de Oz, Hombre del mundo, Orgullo de los Yankeesy El orgullo de San Luis.

Originalmente periodista y crítico de teatro en Nueva York, Mankiewicz se convirtió en una personalidad más grande que la vida en el mundo del cine. Conocido por su mente brillante, su escritura hermosa y su problema con la bebida fuera de control. Junto con sus docenas de créditos, también fue un conocido doctor de guiones que los estudios usarían para arreglar proyectos y darles ese toque dorado de “Mank”.

Su estilo de escritura de guiones ayudó a marcar el comienzo de una nueva era de diálogo centrado “película ingeniosa, satírica y típicamente estadounidense”Lleno de agudos destellos de humor y sátira. Y, aunque encontró la mayor parte de su éxito inicial en las comedias, su mayor avance vendría cuando tuviera la oportunidad de trabajar con Orson Welles en Ciudadano Kane.


El infame Ciudadano Kane Guión

Considerado durante mucho tiempo como uno de los mayores logros del cine y una de las mejores películas jamás filmadas, Ciudadano Kane También es uno de los más fascinantes y controvertidos. Los orígenes y significados ambiguos de la película alimentan esta controversia. Incluso hasta el día de hoy, (como puede encontrar en el guión de Jack Fincher), aunque tanto Mankiewicz como Welles comparten créditos como guionista, existe mucho debate en cuanto a OMS el escritor real del guión fue.

Esto fue importante en ese momento, ya que la película fue enormemente popular, pero también provocó la ira del magnate de los periódicos. William Randolph Hearst, en quien supuestamente se basó la película. La disputa continuó cuando el guión ganó el Oscar al Mejor Guión (sin que ninguna de las partes asistiera a la ceremonia de la cena), e incluso duró hasta la muerte de Mankiewicz en 1953.

Sin embargo, incluso con orígenes confusos, el Ciudadano Kane script sigue siendo uno de los guiones más ambiciosos, aunque fundamentalmente sólidos, de todos los tiempos. Lo enseñan en las clases de escritura de películas hasta el día de hoy, ya que se ha convertido en un ejemplo de libro de texto de cómo crear una película biográfica, desarrollar un personaje y dejar a la audiencia con un final satisfactorio. Y, si está interesado, puede lee el guión online gratis aquí.


Lecciones de escritura de guiones

Lecciones de escritura de guiones
viejo Gary como Herman Mankiewicz en el bioptic Mank. Imagen vía Netflix.

La historia de Herman “Mank” Mankiewicz es importante tanto para los aspirantes a guionistas como para los cineastas. Y, la última película biográfica de Fincher hace un gran trabajo al dar vida tanto al personaje como a su trabajo. La película también sirve como un medio para conectar aún más los primeros días del Hollywood clásico con nuestra nueva era de Netflix y el cine digital.

Ciudadano Kane en sí mismo es un gran ejemplo de cómo un guión y una película pueden capturar la esencia de un lugar y un tiempo. Puede construir y desarrollar un personaje que se siente más grande que la vida, pero en realidad, podría estar más cerca de la realidad de lo que cree. El guión de Jack Fincher también puede verse como un reflejo de su propia vida, sus propias desilusiones al hacer que los proyectos despegaran, así como la creación de un amplio espacio para que su hijo le dé vida a su historia.

En general, Mank cuenta una historia importante y da una idea de cómo los grandes de la industria escriben guiones y hacen películas. Puede que no sea el éxito de taquilla de gran presupuesto que cabría esperar de David Fincher, pero para cualquiera que esté realmente interesado en el cine, definitivamente vale la pena explorarlo como parte de su viaje cinematográfico.


Si está buscando inspiración y consejos adicionales sobre escritura de guiones, consulte algunos de estos artículos a continuación.

Imagen de portada vía Netflix.

Cómo la música ayudó a motivar este documental de bricolaje sobre el coronavirus

Una charla con los realizadores de Afectados: la historia de nosotros sobre cómo pudieron poner la banda sonora primero para expresar sus emociones. ¡Buceo en!

No importa cuán oscuro pueda sentirse el mundo a veces, es bueno saber que hay jóvenes cineastas ambiciosos que se preocupan por contar las historias de las personas que los rodean. Dado que el nuevo coronavirus ha sido, con mucho, uno de los mayores problemas de nuestro tiempo, es interesante ver cómo se han visto afectados los cineastas de todo el mundo, así como cómo han decidido responder.

Dos de estos cineastas son Artem Koker y Nathan Cushing, que dirige una empresa de producción llamada Arazo Media. Como muchos profesionales del cine y el video, se vieron afectados por los cierres iniciales del coronavirus y estaban tratando de decidir qué hacer. Sin embargo, en lugar de agacharse, decidieron encender sus cámaras para explorar cómo ellos, y su comunidad, se vieron afectados.

Charlamos con Koker sobre la producción y edición de su largometraje. Afectado. Puede ver el avance a continuación, que ha obtenido más de 50.000 visitas en YouTube. Arazo Media también utiliza exclusivamente Pistas PremiumBeat para la banda sonora de su película y tráiler. Conversaron sobre este proceso y cómo pudieron usar la música para informar y guiar su película emocional.


¿Cómo se inicia el proceso de edición de un proyecto como este?

El equipo de Arazo Media
El equipo de Arazo Media en el set. Imagen vía Arazomedia.

Todo empieza con música. Todo comienza con una muy buena pista promocional. Siempre lo que busco es una pieza que me impacte de cierta manera con una nota realmente emocional. Y puedo escuchar esto generalmente en los primeros segundos cuando escucho una pista; simplemente sabré que es así.

En cuanto a la filmación y edición de Afectado, el equipo de Arazo Media tuvo que tomar muchas decisiones difíciles sobre todo, desde la cámara con la que filmaron (la Canon C200), hasta cómo iban a recopilar los cientos de horas de metraje que filmaron en un documental narrativo conciso.

Finalmente, se decidieron por un formato que combinaba entrevistas documentales con su propia narración, ya que también exploraron cómo la pandemia los afectó a ellos y a su productora. Como menciona Koker anteriormente, su metodología para la edición consistió en poner la música primero. Al buscar la canción y el tono emocional adecuados, construyeron la narración utilizando la música como columna vertebral de su historia.


¿Cuéntenos su decisión de utilizar PremiumBeat?

Edición de Artem Koker
Es importante que la música que elija provoque una respuesta emocional. Imagen vía IMDb.

De hecho, hemos estado usando PremiumBeat para casi todos nuestros videos desde que comenzamos Arazo Media. Y la razón principal es porque, de todos los diferentes sitios web en los que hemos buscado, PremiumBeat tiene los mejores sonidos. Y de nuevo, voy a volver a cómo busco esos sonidos que realmente pueden hacerte sentir algo, una emoción realmente poderosa que puede empoderarte para hacer lo que sea que se trate el video.

Al hablar sobre su proceso de toma de decisiones para una banda sonora y buscar esas pistas perfectas, Koker menciona que finalmente se redujo a la curaduría para él. Cuando trabajas en proyectos documentales, o en funciones corporativas, comerciales o narrativas, quieres saber que estás viendo las mejores pistas disponibles y las que más te pueden afectar en términos de respuesta emocional.

Además de observar la selección general con respecto a la calidad de una biblioteca de audio, Koker destacó cómo se verían a través de selecciones de expertos, así como las muchas colecciones de listas de reproducción (como esta coleccion documental) como una forma de concentrarse en el tono y el estado de ánimo exactos que estaban buscando.


¿Cómo ha sido tu proceso de edición con música PremiumBeat?

Afectados: Entrevista The Story of Us
Para Koker, su comprensión de la música ayuda en el proceso creativo, en general. Imagen vía IMDb.

Sin música, no puedo imaginar nada, así que realmente me gusta tener las pistas listas para que me ayuden a sentir lo que estoy creando. Para usar pistas PremiumBeat, generalmente prefiero descargar la pista completa como un todo y colocarla debajo de cualquier sección en la que estemos trabajando. Cuando las secciones comiencen a juntarse, entraré y cortaré la pista yo mismo para mezclarla a medida que nuestra narrativa toma forma.

Para aquellos que recién están comenzando sus carreras en la producción de películas y videos, los desafíos de pasar de videos corporativos y comerciales a documentales de formato largo son numerosos. Según admitió el propio Koker, este fue su primer proyecto que duró más de cinco minutos. Sin embargo, como descubrieron rápidamente, había muchas herramientas a su disposición para ayudarlos mientras trabajaban con proyectos y archivos mucho más grandes que nunca.

Al editar en Final Cut, finalmente pudieron descubrir un sistema de dos computadoras para organizar y manejar todo el metraje 4K y RAW, antes de pasarlo a una línea de tiempo de edición real. En ese punto, Koker traería la pista de audio PremiumBeat para colocar debajo de cada sección o secuencia.


¿Qué les ha enseñado en última instancia esta producción como cineastas que comienzan su viaje?

Entrevista de película afectada
Diversificarse por su cuenta es una buena forma de desarrollar su propia técnica. Imagen vía Arazomedia.

Para tener éxito y encontrar oportunidades, primero debes tener la mente abierta y siempre debes estar probando cosas nuevas y diferentes cuando se trata de innovación. Y, de hecho, hablo de esto en el documental como una de las conclusiones a las que llegamos cuando nos miramos a nosotros mismos y cómo la pandemia afectó nuestra empresa y nuestros ingresos. Yo diría que el hecho de que veas a todos corriendo en una dirección cuando se enfrentan a una crisis no significa que no puedas mirar hacia otro lado y verlo como una oportunidad para hacer algo nuevo o probar algo diferente y hacer que algo suceda. .

Como puede ver desde el tráiler hasta Afectado, realmente es una historia muy emotiva y personal tanto para los cineastas como para las personas de todo el mundo. Sin embargo, es refrescante ver a tantas personas que también pueden encontrar formas nuevas y creativas de diversificarse de sus antecedentes y modelos tradicionales de producción de videos para explorar nuevos estilos y formatos.

Mediante el uso pistas de musica Como base para construir una narrativa documental contundente y contundente, estos cineastas exploran algunos de los temas más importantes de nuestro tiempo. Este es un ejemplo prometedor de las posibilidades que se avecinan en el futuro.

Si desea obtener más información sobre el proyecto, puede consultar Arazo Media y sus oficial Afectado página.


Sumérjase más en listas de reproducción seleccionadas y consejos para trabajar con audio y bandas sonoras:

Imagen de portada vía Arazo Media.

Uso de archivos XML para mover su línea de tiempo a un NLE diferente

Si necesita transferir su línea de tiempo entre dos piezas diferentes de software de edición de video, el uso de archivos XML podría ser la solución para usted.

Por lo tanto, lo incorporaron a un proyecto y la edición ya se completó parcialmente. Está ansioso por comenzar a trabajar, pero hay un problema importante. La edición actual se realizó en un software que desprecia usar. Si bien desea aceptar el trabajo, el hecho de que no pueda utilizar su software de edición habitual es un verdadero impedimento.

Afortunadamente, hay algunas formas diferentes de mover ediciones entre varios programas de edición. Uno de ellos es el uso de archivos XML.

A continuación, se incluye una guía paso a paso para usar archivos XML en FCPX, Premiere Pro y DaVinci Resolve.


FCPX a Premiere Pro

Si prefiere evitar el uso de Final Cut Pro X de Apple para su edición, simplemente puede mover su línea de tiempo fuera de ella usando un archivo XML.

FCPX a Premiere Pro: Exportar XML
Exportar archivo XML.
  1. Para hacer esto, cargue su edición actual en la línea de tiempo (llamado “Proyecto” en FCPX) y navegue hasta Exportar XML, como se muestra arriba. Luego puede guardarlo en la ubicación deseada.
  2. Si desea importarlo a Adobe Premiere Pro, debe comprar e instalar un software adicional llamado Proyecto X27. Puede descargarlo de la App Store o el sitio web de Intelligent Assistance por $ 49,99.
  3. A continuación, navegue hasta su XML y botón derecho del ratón eso. Seleccione abrir con luego seleccione Proyecto X27. Después de esto, aparecerá una nueva ventana para que pueda seleccionar los atributos de la edición que desea transferir a Premiere. Una vez que haya hecho esto, presione Okay y salvar su nuevo archivo XML.
  4. Volver a Estreno y navegar a Importar, luego seleccione el XML que acaba de crear. Esto importará su línea de tiempo junto con sus imágenes y activos. Vale la pena investigar qué aspectos de la edición será y no transferir. Por ejemplo, los grados de color no se trasladarán a Premiere.

DaVinci Resolve a Premiere Pro

DaVinci Resolve a Premiere Pro: cargue su edición
Navegar a Exportar AAF, XML.
  1. Empiece por cargando sube tu edición en Resolver.
  2. Navegar a Exportar AAF, XML, como se muestra arriba.
  3. Una vez que haya hecho esto, aparecerá una nueva ventana para que pueda seleccionar dónde guardar su archivo y cómo nombrarlo. También le dará la opción de decidir qué tipo de XML desea crear. Recomiendo seleccionar FCP XML 1.3, ya que este es el que obtuve mejores resultados.
  4. Si desea importarlo a Adobe Premiere Pro, debe comprar e instalar un software adicional llamado Proyecto X27. Puedes descargarlo desde el sitio web de Intelligent Assistance por $ 49,99.
  5. A continuación, navegue hasta su XML y botón derecho del ratón eso. Seleccione abrir con luego seleccione Proyecto X27. Aparecerá una nueva ventana que le permitirá seleccionar los atributos de la edición a la que desea transferir Estreno. Una vez que haya hecho esto, presione Okay y salvar su nuevo archivo XML.
  6. Volver a Estreno y navegar a Importar, luego seleccione el XML que acaba de crear. Su línea de tiempo se importará a Premiere junto con sus imágenes y activos.

DaVinci Resolve a FCPX

  1. Empiece por cargando sube tu edición en resolución.
  2. Navegar a Exportar AAF, XML.
  3. Una vez que haya hecho esto, aparecerá una nueva ventana (como se muestra arriba), que le permitirá seleccionar dónde guardar su archivo y cómo nombrarlo. También le dará la opción de decidir qué tipo de XML desea crear. Recomiendo seleccionar FCP XML 1.3 ya que este es del que he obtenido mejores resultados.
  4. Abrir FCPX y navegar a Archivo> Importar> XML.
  5. Selecciona el Archivo XML que acaba de crear y pulsar Importar. Una vez que haya hecho eso, DaVinci Resolve creará un nuevo evento donde encontrará su línea de tiempo y metraje.

FCPX a DaVinci Resolve

FCPX a DaVinci Resolve: Exportar XML
Navegue hasta Exportar XML.
  1. Cargue su edición actual en la línea de tiempo (llamado “Proyecto” en FCPX) y navegue hasta Exportar XML. Luego puede guardarlo en la ubicación deseada.
  2. Abrir Resolver y navegar a Importar AAF, EDL, XML.
  3. Puede importar el XML desde FCPX sin ninguna interferencia, lo cual es conveniente. Seleccione su archivo y haga clic en Importar.
  4. Aparecerá una nueva ventana que le permitirá seleccionar varias opciones. Aconsejo deseleccionar utilizar información de tamaño para asegurarse de que su edición mantenga su apariencia en FCPX.
  5. Si golpeas utilizar información de color, se mostrarán los grados que creó utilizando la tabla de colores en FCPX.
  6. Seleccione Okay y su línea de tiempo se importará junto con su metraje. Lo encontrará en el grupo de medios.

Estreno en FCPX

Estreno en FCPX: cargando su edición
Cargue su edición.
  1. Abrir Estreno y carga sube tu edición.
  2. Navegar a Exportar> XML de Final Cut Pro y guarde su archivo en una ubicación conveniente.
  3. Una vez más, deberá comprar un nuevo software para que su XML sea compatible con FCPX y Resolve. Dirigirse a el sitio web de Intelligent Assistance o la tienda de aplicaciones para comprarlo (se llama SendtoX).
  4. Una vez que lo haya descargado, botón derecho del ratón su archivo y seleccione abrir con> SendtoX.
  5. Cuando aparezca una nueva ventana, seleccione el biblioteca te gustaría importar la edición.
  6. Una vez que lo haya hecho, Premiere crea un nuevo evento e importa su línea de tiempo y metraje en él.

Estreno para resolver

  1. Complete los pasos 1-3 del Estreno en FCPX instrucciones anteriores.
  2. Abrir Resolver y navegar a Importar AAF, EDL, XML.
  3. Seleccione su archivo y haga clic en importar.
  4. Aparecerá una nueva ventana que le permitirá seleccionar varias opciones. Aconsejo deseleccionar utilizar información de tamaño para asegurarse de que su edición mantenga su apariencia en FCPX.
  5. Si golpeas utilizar información de color, se mostrarán los grados que creó utilizando la tabla de colores en FCPX.
  6. Seleccione Okay y su línea de tiempo se importará junto con su metraje, que se agregará al grupo de medios.

Así es como se trabaja con archivos XML dentro de estos tres programas de edición diferentes. ¡Es mucho más simple de lo que parece a primera vista y vale la pena dominarlo!


Para obtener más consejos y trucos de edición, consulte estos artículos adicionales.

Imagen de portada vía chico hey.

352 plantillas de formato de pantalla ancha gratuitas para edición de video (720 a 8K)

Dele fácilmente a sus videos el recorte cinematográfico que se merecen con estas plantillas de formato de pantalla ancha de alta resolución gratuitas para la edición de videos.

A pesar de tener la capacidad de exportar metraje en prácticamente cualquier resolución, los cineastas y productores de video todavía están limitados a mostrar su trabajo en pantallas con proporciones de aspecto muy específicas. Debido a esto, exportar su metraje con buzones es una forma de ayudar a ver su metraje en una relación de aspecto diferente a 16: 9.


¿Qué son las plantillas de buzón?

Simplemente pon, Los buzones son pequeñas barras que puede aplicar a su metraje para darles una relación de aspecto irregular, sin dejar de conservar su tamaño 16: 9. Los buzones pueden recortar el metraje filmado en 16: 9 a un 2,35: 1 más cinematográfico. También son una gran herramienta para visualizar previamente cómo se recortará su video en una pantalla de tamaño irregular.

Entonces, ¿en qué se diferencian estas barras / plantillas de recortar el metraje? Por ejemplo, cuando graba a una determinada resolución, ya sea 4096 × 2160, 3840 × 2160, 1920 × 1080 o 1280 × 720, determina cómo se verá la imagen directamente desde la cámara. Sin embargo, una vez que traiga los clips al programa de edición de su elección, tiene la opción de configurar su línea de tiempo a la resolución que desee. Luego recorta el metraje para que se ajuste a esa resolución.

Estas plantillas de formato de pantalla ancha simplemente actúan como una superposición, por lo que el clip general seguirá siendo tan grande como su resolución original.


Bares cinematográficos

Bares Cinematográficos
Vuelva a contextualizar su película con barras cinematográficas.

Entonces, ¿qué son exactamente estas barras cinematográficas? Son literalmente barras negras horizontales y verticales que se colocan en la parte superior e inferior o en los lados de la imagen. Agregar estos .pngs de barra cinematográfica y .png de barra de pantalla ancha a su metraje es tan simple como arrastrarlos y soltarlos en su clip. Estas barras son una excelente manera de no solo recontextualizar su película, sino que también le permiten demostrar a los demás cómo se verá la película al final.


¿Qué son las relaciones de aspecto?

Entonces, antes de entrar en los buzones, hablemos un poco sobre qué son las relaciones de aspecto y con qué puede esperar trabajar cuando intente crear ciertos tipos de películas o videos.

Estos números (como 16: 9, 4: 3, 2,35: 1) describen el ancho de la pantalla en relación con su altura. Por ejemplo, el 16: 9 típico describe una pantalla que, por cada 16 unidades de medida (pulgadas, pies, píxeles), la imagen es ancha, también tendrá 9 unidades de alto.

Por lo tanto, la proporción de la academia original, es decir, la mayoría de las películas filmadas en 1.33: 1 (4: 3), es una proporción más cuadrada. Esto ha vuelto con fuerza recientemente con películas más pequeñas.

16: 9 es probablemente la relación de aspecto más común en la actualidad. Si bien se considera un aspecto de “pantalla ancha” (especialmente en comparación con los televisores 4: 3 más antiguos), en realidad no es tan amplio como la mayoría de las relaciones de aspecto de las películas. Por ejemplo, Peter Jackson Disparo El Señor de los Anillos en 2.35: 1.

Si desea obtener más información, pruebe nuestra guía para comprender cómo y cuándo elegir determinadas relaciones de aspecto. Incluso entramos en detalles con ejemplos de sus películas favoritas y qué relación de aspecto tienen.


¿Qué hay en el paquete de plantillas de buzón gratuito?

Nuestra paquete gratuito de 352 plantillas de buzón incluye plantillas para todas las resoluciones de video populares en el mundo, que incluyen:

  • HD 720
  • HD 1080
  • 2K
  • 2.5K
  • 3K
  • 3K HD
  • 4K
  • 4K UHD
  • 5K
  • 6K
  • 8K
Ejemplos de buzón
Plantillas de buzón.

Utilice estas plantillas (vistas arriba) para convertir metraje en las siguientes relaciones de aspecto:

  • Cuadrado 1: 1
  • Película muda 4: 3 / NTSC
  • 1.37: 1 proporción de la academia
  • 1.43: 1 IMAX
  • 3: 2 Clásico 35 mm
  • Metroscopio 7: 4
  • Vistavision 1,85: 1
  • 2: 1 Panascope y ROJO
  • 2.2: 1 Todd AI
  • Cinemascope 2.35: 1
  • 2.39: 1 Teatro y Blu-ray
  • Cinemascope clásico 2.55: 1
  • 2.75: 1 Ultra Panavision
  • 2.76: 1 cámara MGM 65
  • Alcance extremo 3: 1
  • 4: 1 PolyVision

Todas las plantillas están disponibles en ambos buzón blanco y negro formatos.


Uso de las plantillas de buzón gratuitas

Estas plantillas de buzón gratuitas son increíblemente fáciles de usar y manipular. Todos los archivos son imágenes PNG con canales alfa. Para usar las plantillas, simplemente arrastre y suelte el buzón de resolución adecuada encima de su secuencia en la aplicación de edición de video que elija.

DESCARGAR PLANTILLAS GRATUITAS DE LETTERBOX


¿Interesado en más activos GRATIS? En la lista a continuación, encontrará resúmenes de todos los activos que hemos entregado. Hay algo perfecto para literalmente cualquier tipo de proyecto de video en el que puedas estar trabajando. ¡Disfrutar!

5 luces pequeñas y económicas para cualquier configuración de cámara

La iluminación adecuada puede mejorar enormemente la calidad de su video. Actualice su equipo con estas asequibles luces LED difusas.

La iluminación adecuada es una de esas cosas que pueden mejorar rápidamente la calidad de su video, y no tiene que gastar una fortuna para ver esa mejora. Las luces difusas portátiles son asequibles, funcionan con baterías y son versátiles, lo que las convierte en una opción confiable y económica tanto para principiantes como para profesionales.

La fotografía nocturna o con poca luz es probablemente la mejor razón para tener una de estas luces difusas portátiles, pero son mucho más versátiles que eso. Los vloggers pueden salir de la pantalla colocando una de estas luces en su cámara. También pueden funcionar como luces de fondo para llamar la atención sobre un objeto específico o crear profundidad separando el fondo del sujeto. Aquellos que ya tienen una luz clave aún pueden aprovechar una luz portátil usándola como luz de relleno o de fondo, y también es bueno tenerla para una emergencia. Una sola luz portátil puede mejorar la calidad de un video. Incluso puede marcar la diferencia entre parecer aficionado y profesional.

A continuación, encontrará algunas opciones de iluminación asequibles y (disculpe la rima) portátiles para actualizar su bolsa de equipo.


1. Aputure AL-M9

Aputure es una marca conocida que fabrica soluciones de iluminación para cineastas. Aunque Aputure comercializa muchos de sus productos a profesionales, también tienen una línea de luces relativamente asequibles. Una de esas luces es la Aputure AL-M9, que es un caballo de batalla absoluto de una luz que se vende por solo $ 45. Es, con mucho, la luz más asequible de Aputure. Esta pequeña luz está equipada con nueve LED SMD lo suficientemente potentes como para iluminar cualquier sujeto desde unos pocos pies de distancia.

La luz tiene brillo ajustable y una duración máxima de la batería de 1,75 horas con la configuración de brillo más alta. A primera vista, el AL-M9 no parece gran cosa, pero después de probarlo, ahora es una parte indispensable de mi configuración de disparo. En las videollamadas, esta luz (combinada con mi M50) parece una cámara al doble de precio y también funciona muy bien para hacer vlogs.

Grabé la primera parte del video sin luces y la imagen es granulada y un poco suave en el enfoque. Tampoco hay muchos detalles en mi cara. Sin embargo, una vez que encendí la luz, todo el ruido desapareció, y mi rostro y mi camisa estaban bien iluminados y bien enfocados.

A $ 45, el AL-M9 no tiene todas las funciones que quiero, pero se acerca. Desearía que esta luz tuviera una temperatura de color ajustable, pero es comprensible a este precio. Aputure lo compensa al incluir varios geles que cambian la temperatura de la luz del día a un tono más frío o más cálido. Esto es perfecto para situaciones en las que la luz del día no es apropiada.

Como alguien que siempre está buscando equipo económico, esta es una pieza que me alegro mucho de haber adquirido y que permanecerá en mi equipo durante años.


2. Big Softi

Especificaciones de Big Softi
El Big Softi con el montaje de rosca de 1/4 ″ -20. Imagen vía Big Softi.

Similar al Aputure AL-M9, el Big Softi es una luz difusa portátil, pero esta luz Kickstarted tiene algunas características adicionales que la hacen más atractiva. Si bien el proyecto fue totalmente respaldado en julio (el proyecto recaudó $ 491,176 de 6,334 patrocinadores en Kickstarter), todavía está disponible para preordenar en Indiegogo. Aquellos que preordenan pueden obtener el Big Softi y un accesorio por $ 65.

El ajuste de temperatura de color ajustable en Big Softi es la razón por la que vale la pena adquirir esta luz. El modo “luz diurna” es útil para tomas nocturnas y en exteriores, mientras que el modo “tungsteno” emite una luz cálida y amarillenta para escenas en interiores. Un tercer modo de color llamado “mezcla de blanco limpio” se encuentra en algún lugar entre los otros dos.

Cualquiera que sea la situación, estos tres modos de color deberían cubrir todas las bases, aunque carece del departamento de ajuste de brillo. Con la opción de elegir solo entre tres niveles de brillo (bajo, medio y máximo), no hay mucho espacio para llevar el brillo a un nivel perfecto. Sin embargo, debería funcionar bien en la mayoría de situaciones.

Debido a su portabilidad, la duración de la batería es importante. La compañía afirma que la luz tiene un tiempo de ejecución de 90 minutos en la configuración de brillo máximo. A la mitad, la luz dura 140 minutos y 240 minutos a baja. El Big Softi se carga a través de un puerto USB-C y tarda aproximadamente dos horas en cargarse de cero a batería completa. Después de alcanzar uno de los objetivos ambiciosos, el equipo agregó un práctico indicador de duración de la batería. También terminaron agregando controles capacitivos táctiles para ayudar a ajustar el brillo y el color.

Con un peso pluma de 74 g, esta luz es un accesorio portátil que cabe en casi cualquier lugar. Además, los tres accesorios disponibles (todos se venden por separado) hacen que la luz sea compatible con teléfonos, tabletas, cámaras, computadoras y prácticamente cualquier superficie plana. El clip universal es el más versátil del trío, ya que se engancha en teléfonos, tabletas y computadoras. Sin embargo, el montaje de rosca de 1/4 ″ -20 es la opción que los camarógrafos querrán obtener. Un tercer accesorio, el soporte adhesivo 3M, tiene un trozo de cinta 3M de doble cara que puede adherirse a varias superficies.

El AL-M9 es más asequible, está disponible en Amazon y Newegg y tiene nueve configuraciones de brillo. Sin embargo, la configuración de color ajustable de Big Softi, los controles táctiles y el indicador de batería pueden ser una mejor opción por solo $ 20 más.


3. Aputure AL-MX

Aputure AL-MX
Comparado con el AL-M9, el AL-MX es una mejora en todos los sentidos, desde la cantidad de luces LED en el dispositivo hasta los materiales. Imagen vía Aputure.

Si el AL-M9 es para principiantes, entonces el AL-MX es una lámpara más pesada, brillante y mejor fabricada para profesionales. Esencialmente, esta luz es la AL-M9 ya crecida. Alberga 128 LED SMD, un modo “Boost” que emite temporalmente más luz, además de que está hecho de aluminio de calidad aeronáutica. Aunque el AL-MX es aproximadamente comparable en tamaño a su predecesor, pesa mucho más (278 g). También se calienta lo suficiente como para que toda la parte trasera de la luz sea un esparcidor de calor. Si bien no sorprende que una versión mejorada del Al-M9 deba costar más, el Al-MX es tres veces más caro. Por lo tanto, puede ser una opción principalmente para profesionales o entusiastas serios.

No hay duda de que AL-MX tiene mejores especificaciones en todos los ámbitos, comenzando con cinco configuraciones de temperatura de color ascendentes que oscilan entre 2800K y 6500K. En comparación, tanto el AL-M9 como el Big Softi tienen una configuración máxima de 5500K, que se considera luz del día. La impresionante gama de colores de AL-MX la convierte en la luz más versátil en términos de temperatura de color en esta lista, capaz de cambiar de amarillo a blanco a azul en un instante. No solo cubre la gama de temperaturas de color, sino que el AL-MX también es increíblemente brillante. Esto es especialmente cierto con el modo “Boost”, que emite instantáneamente un treinta por ciento más de luz en intervalos de sesenta segundos. No está claro cómo el modo “Boost” afecta la duración general de la batería, aunque estoy seguro de que no puede ser bueno. Aputure afirma que el AL-MX funciona durante una hora cuando está en la configuración más brillante, o cuatro horas en la configuración de brillo más baja.

El aspecto de una luz no afecta el rendimiento. Sin embargo, no puedo evitar pensar en la estética de esta luz. La combinación de colores rojo y negro, combinada con un diseño industrial que utiliza aluminio de calidad aeronáutica para disipar el calor, grita funcionalidad (que es, en sí misma, hermosa). Como fanático de la función sobre la estética, admiro cuando un producto logra ser funcional y atractivo. No hay mucho más que decir sobre el AL-M9, excepto que es una gran elección, especialmente para aquellos que quieren lo mejor. Tal vez sea demasiado dinero para una luz, o tal vez sea la única luz portátil que necesitará llevar en su bolsa de equipo.


4. Luces LED más nuevas con trípode ajustable

Luces LED Neewer con trípode ajustable
Cada luz viene con un panel difusor blanco y tres geles de colores. Imagen vía Neewer.

Por alrededor de $ 55, estas luces asequibles de Neewer son una pastilla sólida para una iluminación de estudio económica. Neewer no es Aputure, pero es una de las marcas más importantes de Amazon en el sector de la iluminación, con varias soluciones de iluminación a precios asequibles. Estas luces vienen en un paquete de dos, junto con dos trípodes y un juego de filtros de color. Si bien una combinación de caja de luz y caja de luz más cara proporciona una mejor iluminación, estas luces Neewer funcionan bien en un apuro, y son lo suficientemente pequeñas y livianas para transportar.

Aunque estas luces son pequeñas, no son precisamente portátiles. Su falta de batería integrada también significa que no se pueden montar fácilmente en una cámara. Neewer recomienda enchufar estas luces alimentadas por USB a un enchufe de pared a través de un bloque de alimentación, que no incluyen. Sin embargo, en mis pruebas, descubrí que las luces funcionan bien cuando se conectan a un banco de baterías. Por supuesto, el tiempo de uso variará según el banco de energía.

A un precio tan bajo por dos luces decentes, seguramente habría algunas advertencias. En este caso, los trípodes de plástico son los trípodes más baratos y endebles que puede comprar. Son absolutamente terribles y se caerán con el más mínimo indicio de fuerza. Es irritante estar en medio de un disparo solo para que la luz de la tecla se caiga y reinicie el disparo completo. Otra elección de diseño frustrante es que las luces no guardan la configuración de brillo anterior. Por lo tanto, cada vez que use estas luces, tendrá que recorrer el brillo hasta encontrar la correcta. No es un gran problema, pero es molesto.

Excepto por los trípodes, después de horas de investigación, creo que estas luces son un gran negocio. Otras luces de estudio eran demasiado grandes, demasiado caras o demasiado para la configuración que quería. Si simplemente necesita un par de luces para agregar algo de calidad a su configuración, estas son las opciones.


5. Luz RX-8T con difusor de caja de luz

Luz RX-8T con difusor de caja de luz
Este paquete RX-8T es un poco más caro, pero incluye un difusor estándar y un difusor de caja de luz extendida. Imagen vía FalconOjos.

Similar a las luces Neewer de arriba, el RX-8T de FalconEyes está hecho para iluminación de estudio. No he tenido el placer de probarlo, pero Nigel Barros en YouTube es un gran admirador de esta luz relativamente asequible. El RX-8T se destaca por una razón importante: es plegable. Cuando se usa sin la caja de luz, puede doblar la luz de la forma que desee para estrechar o ampliar la luz. Esto lo hace mucho más versátil en la forma en que desea iluminar un sujeto en particular.

A $ 75, solo una RX-8T es más cara que las dos luces Neewer anteriores. Pero es más potente, tiene más usos y viene con una caja de luz decente y difusores estándar. En general, el RX-8T impacta a un precio asequible. Solo una de estas luces apuntando a un sujeto puede marcar una gran diferencia en cómo aparecen en la cámara.


Iluminar el camino

Después de comprar una cámara sin espejo a principios de este año, poco a poco fui acumulando equipo para mi configuración, agregando una o dos piezas al equipo cada pocos meses. Además de un micrófono externo, he descubierto que una luz difusa portátil es esencial para su equipo.

Ya sea que la utilice para iluminar el fondo o para rellenar las sombras del sujeto, una luz difusa portátil es una de esas piezas que buscará constantemente, incluso cuando tome fotografías a la luz del día. Si no tiene el presupuesto para una caja de luz profesional, que puede costar más de $ 1,000 o más, una de estas luces portátiles puede iluminar sus escenas por una fracción del precio y el espacio, dejando espacio en su presupuesto para invertir en una mejor cámara. u otro equipo de mayor calidad.


Para obtener artículos adicionales sobre equipos y técnicas cinematográficas, consulte estos artículos.

Imagen de portada vía Yurii Onyshchenko.

Cómo crear un zoom de choque de bajo presupuesto a partir de dos disparos

El zoom rápido (o instantáneo) es una técnica cinematográfica que verá en películas de gran presupuesto. A continuación, le indicamos cómo crearlo en casa.

El zoom rápido (o instantáneo) es una técnica cinematográfica que verá con bastante frecuencia en películas de gran presupuesto. Quentin Tarantino lo usa con frecuencia para llamar la atención del espectador sobre elementos específicos en la pantalla, como la punta de una escopeta o la hoja de una espada Hattori Hanzo. También lo usó cuando presentó a Calvin Candy, Leonardo DiCaprioCarácter colorido en Django desencadenado. Y, oh, cómo han fluido los memes desde …

También encontrará zoom de choque en películas con gran densidad de imágenes por computadora, ya que ayuda a dar una sensación de realismo y, a veces, incluso una sensación de documental a estos mundos. Zach Synder zoom digital en una toma de un Superman volador en Hombre de Acero, mientras George Lucas lo usé mucho en el Guerra de las Galaxias precuelas. Y cuando J.J. Abrams no está ocupado ensanchando sus lentes, también está haciendo zoom en naves estelares, tanto en Star Trek y Guerra de las Galaxias.

Ejemplo de Crash Zoom en Man of Steel
Imagen vía Warner Bros.

Sin embargo, esta técnica no se limita a las películas de acción de gran presupuesto. En este tutorial, le mostraré paso a paso cómo crear un zoom digital de bajo presupuesto en Adobe After Effects con solo dos tomas estáticas.


Paso 1: capturar un WS y un CU

En este ejemplo, estoy grabando una toma de producto básica de una cámara para un video de revisión y quiero agregar algo de movimiento a la toma. Más específicamente, quiero acercar rápidamente desde un WS a un CU del logotipo G2 en el costado de esta cámara.

Zoom de choque: gran angular
Zoom de choque: primer plano
Un ejemplo de zoom de choque con una toma de gran angular a primer plano.

Para realizar un zoom de choque de estilo Tarantino en la cámara, necesito una lente de zoom parafocal. Este tipo de lente le permite mantener al sujeto enfocado mientras hace zoom. Desafortunadamente, todo lo que tengo es una lente DLSR básica de 18-35 mm, ciertamente no es la herramienta para capturar un zoom de choque contundente. Afortunadamente para esta técnica, la lente no importa.

Crash Zoom: Disparos
Empiece por capturar una toma amplia de su sujeto.

Todo lo que necesito hacer es poner mi cámara en mi trípode y capturar un WS estático, luego simplemente acercar la cámara y capturar un CU estático del logo. Ahora, llevaré estos clips a Adobe After Effects.


Paso 2: alinea los clips

Dado que esta es esencialmente una toma compuesta muy básica, estoy usando After Effects para armarla. Si bien puedo lograr este mismo efecto en muchos NLE, es mucho más fácil con las herramientas en AE.

Crash Zoom: alinea los clips
Ahora alinee los clips.

Una vez que tenga los clips en una nueva composición, necesito alinearlos. Colocaré el disparo CU sobre el WS, trayendo el Opacidad de la UC a 50 por ciento. A continuación puedo ajustar el Escala y Posición para alinear perfectamente el CU con el WS. Con los disparos alineados, giraré el Opacidad de la UC de nuevo a 100 por ciento y tráelo de nuevo debajo del WS. Ahora estoy listo para animar.


Paso 3: animar el Crash Zoom

Para que la animación sea lo más simple y fácil de usar posible, usaré una capa de control. Esto me permitirá mantener la mayoría de los fotogramas clave en una sola capa. Para ello, crearé un nuevo Capa> Objeto nulo y cambiarle el nombre Zoom de choque. Como estoy haciendo zoom en el logotipo de G2 en el lateral de la cámara, cambiaré la posición del Objeto nulo directamente sobre el logo en el panel de composición. Ahora, vincularé ambas capas al objeto nulo.

Crash Zoom: Animar
Crea una animación de un segundo.

Con todo arreglado, ahora puedo crear una animación de un segundo agregando Posición y Escala fotogramas clave para el Zoom de choque capa. Para facilitar este proceso, desactivaré la visibilidad de WS. Ahora, puedo ver claramente la toma de CU mientras escalo y posiciono la capa Crash Zoom a través de los controles en el panel de composición.

Con el zoom animado, volveré a activar la visibilidad para el WS. Ahora, puedo animar el WS haciendo keyframing Opacidad desde 100 por ciento a 0 por ciento en el transcurso de uno o dos fotogramas.


Paso 4: cubra el corte

Con la animación del zoom de bloqueo, ahora me centraré en cubrir la transición entre las dos tomas. Empezaré con el primer plano. Para extender esta toma a los bordes del encuadre, iré a Ventana> Efectos y ajustes preestablecidos y aplicar el Mosaico de movimiento efecto. Estableceré tanto el Ancho de salida y Altura a 550y luego enciende Bordes de espejo.

Zoom de bloqueo: mosaico de movimiento
Aplica el efecto Mosaico de movimiento.

A continuación, tomaré el fotograma clave en Crash Zoom y aplicaré un Facilidad Facilidad. Quiero que la animación vuele rápidamente, así que abriré el Editor de gráficos y ajustar la influencia de mis fotogramas clave. Quiero que la velocidad sea la más rápida justo cuando el WS se desvanece. Para hacerlo perfecto, tendré que jugar con el Opacidad fotogramas clave del WS, así como curva de velocidad del Crash Zoom.

Zoom de choque: gráfico de velocidad
Ajuste los fotogramas clave de Opacidad y la curva de velocidad del zoom de choque.

Finalmente, habilitaré Desenfoque de movimiento a través de los interruptores en el Cronología panel. Guardé esto para el penúltimo paso, ya que requiere bastante renderizado. Para aumentar el desenfoque de movimiento, puedo abrir Composición> Configuración de composición y navega hasta el Avanzado lengüeta. Bajo la Desenfoque de movimiento sección, puedo subir el Ángulo de obturación para aumentar el nivel de desenfoque.

Crash Zoom: Desenfoque de movimiento
Crash Zoom: Desenfoque de movimiento
Aumente el ángulo del obturador para aumentar el nivel de desenfoque.

Paso 5: agregar movimiento de cámara

Ahora tengo una animación de zoom de choque perfectamente sincronizada con mis dos tomas combinándose a la perfección. Sin embargo, la toma todavía parece demasiado digital. Como toque final, agregaré un poco de movimiento de la cámara de mano. Para esto, podría jugar con la creación de algunos expresiones de meneo desde cero. Sin embargo, ¿por qué hacer eso cuando Premium Beat ya tiene Ajustes preestablecidos de animación GRATIS ¿disponible?

Estas 15 preajustes de movimiento de la cámara incluyen versiones HD y 4K para una variedad de distancias focales diferentes. Incluso tienen varias opciones de zoom, si está trabajando con material de archivo que tiene la resolución de sobra. Una vez instalado, es tan simple como aplicar uno de estos ajustes preestablecidos a un objeto nulo y luego criar al nulo. Revisar la tutorial completo.

¡Aquí está el zoom de choque final!

Zoom de choque

Lo mejor de esta técnica es que puede agregar rápidamente elementos de gráficos en movimiento, ya que Crash Zoom ya está animado por separado de las capas. Para agregar un elemento, simplemente conéctelo al Crash Zoom y active el desenfoque de movimiento. Algunos líneas de velocidad de anime también podría funcionar bien aquí.


Imagen de portada a través de The Weinstein Company.

Para obtener más consejos y trucos para la realización de películas, consulte los artículos a continuación:

Consejos de directores de fotografía de renombre para su próxima película

¿Le interesa convertirse en un director de fotografía digno de mención? El mejor lugar para comenzar es estudiando a los grandes maestros de la cinematografía.

Comenzaré diciendo que la mejor manera de dominar cualquier parte de la realización de películas es simplemente salir y hacerlo. Hazlo y falla y vuelve a intentarlo hasta que lo hagas bien. Sin embargo, si bien ese podría ser el enfoque práctico, definitivamente hay un enfoque más filosófico: estudiar el arte del cine y aprender de aquellos que lo dominaron a lo largo de los años.

Cuando analizamos la cinematografía específicamente, tenemos una vasta y rica historia de directores de fotografía legendarios para recordar. Han ayudado a desarrollar el oficio, así como a dar forma a nuevos estilos y técnicas. También son la fuerza impulsora detrás de las innovaciones que hacen avanzar la forma de arte con cada proyecto.

Habiendo tenido la oportunidad de revisar más de una docena de los mejores directores de fotografía de todos los tiempos, aquí están mis conclusiones. Aprendí mucho sobre cómo encontraron y desarrollaron su estilo, cómo trabajan de manera tan experta con los contrastes entre la oscuridad y la luz, y cómo continúan impulsando el arte de la cinematografía, incluso hoy.


Encuentra tu pasión

Una de las partes más fascinantes de la investigación de todos estos directores de fotografía notables ha sido simplemente explorar lo que los motiva a todos. No hace falta decir que la vida de un director de fotografía nunca es fácil. Requiere extrema pasión y dedicación. Tienes que sumergirte completamente en el oficio y trabajar en proyectos las 24 horas del día, los 7 días de la semana para dar vida a tu visión.

Sin embargo, cuando escuchas a un director de fotografía de renombre como Robert Yeoman Habla en el video de arriba sobre cómo encontrar su chispa creativa, comienza a tener un poco más de sentido. Y, cuando te sumerges en cómo Hacendado da forma a su estilo y visión mientras nutre a un compañero introvertido-creativo como Wes Anderson, obtienes una imagen clara de cuán profunda es su pasión.


Desarrolle su lenguaje cinematográfico

Del mismo modo, si miras la carrera de otro director de fotografía moderno notable como Rachel Morrison, puedes ver cuán conectados están estos artistas con su oficio. Como muchos PD, Morrison habla de cómo creció con una cámara en la mano. Para sobresalir de verdad en cinematografía, debes ser un apasionado del medio y estar constantemente motivado para mejorar tu trabajo.

El viaje de un director de fotografía también se forma en la forma en que puede desarrollar su propio lenguaje como un medio para su narración cinematográfica. En el ensayo de vídeo anterior sobre Morrison, puede ver cómo ha podido crear sutilmente un estilo único y mirar muchas de sus películas al emplear varias de las mismas técnicas de filmación y paletas de colores.


Explora diferentes ángulos

También es interesante explorar los diferentes ángulos y lentes que utilizan los directores de fotografía para dar vida a sus mundos. A algunos les gusta tomar fotografías muy planas y macro, explorando los sutiles matices de los rostros y las emociones. Mientras tanto, a otros les gusta trabajar en el gran angular para capturar escenarios más grandes que la vida y dar más contexto al espacio y la acción.

Mirando en el mundo de gran angular de legendarios DP como Wally Pfister, el video de arriba es un ejemplo perfecto de cómo enfocará sus películas. En sus múltiples colaboraciones con Christopher Nolan, así como en sus otros proyectos, Pfister utiliza su enfoque de gran angular para capturar la grandeza de sus sujetos y ayudar a dar vida al alcance de la acción.


Conviértete en un personaje de la escena

Otro consejo divertido que me parece realmente fascinante proviene del prometedor director de fotografía convertido en director Reed Morano, que ha podido capturar a sus personajes con notable sinceridad y detalle. Esto se debe en gran parte a su enfoque (que describe más arriba) de “convertirse en un personaje de la escena” con su cámara.

Un buen director de fotografía no debería ser simplemente una mosca en la pared o en el fondo del conflicto y la acción. Un director de fotografía fuerte como Morano quiere estar en el medio de la escena, moverse con los personajes, interactuar con ellos y sus emociones, y darle a la audiencia esa perspectiva POV como si también estuvieran en la habitación.


Experimente temprano y con frecuencia

En muchos sentidos, los que recién se inician en la cinematografía son los más afortunados. Esos primeros años son cuando los directores de fotografía tienen la libertad de explorar y experimentar realmente con el fascinante medio del cine. Si miramos la cinematografía innovadora y la carrera de Matthew Libatique, que ayudó a dar forma a muchos de los más cerebrales Darren Aronofsky películas que dirigió, empiezas a ver cuánta experimentación ha tenido lugar en el pasado.

Libatique debe gran parte de sus estilos y técnicas innovadores a sus primeros días de jugar con las cámaras y modificar diferentes películas y velocidades. Sus experimentos realmente perfeccionaron las habilidades en las que confiaría a lo largo de su carrera.


Crea un lookbook

De todos los directores de fotografía que hemos presentado y entrevistado a lo largo de los años, Bradford Young quizás sea el mejor consejo que he escuchado para cualquiera que quiera dedicarse a la cinematografía, o incluso a la cinematografía en general. ¡Crea un lookbook! Como afirma en el video anterior, no solo te ayuda a desarrollar tu propio estilo y apariencia, sino que también te prepara para superar los nervios de iniciarte en la industria.

Un lookbook tampoco tiene que ser tan claro y conciso como se ve en el ejemplo anterior, ya que Joven explica. A efectos prácticos, la práctica del lookbooking realmente informará a su mente y ojo cinematográfico para reconocer las miradas y estilos que eventualmente podrá desarrollar en sus propias composiciones.


Utilice la cinematografía para crear sonido

Uno de mis ejemplos favoritos del poder de la cinematografía proviene de El lugar tranquilo, por DP Charlotte Bruus Christensen. En esta película, Christensen hace lo impensable al crear sonido a partir de la práctica silenciosa de la cinematografía.

Christensen, que se formó originalmente en el estilo y la filosofía cinematográfica Dogme 95, a lo largo de los años desarrolló un enfoque naturalista de la cinematografía. Su enfoque le da al cineasta la capacidad de usar imágenes para hablarle al público de maneras mucho más profundas y más fuertes que solo los personajes y el movimiento.


Comprender la importancia del contraste

Otro aspecto importante de analizar las carreras de tantos directores de fotografía estimados es lo concentrados que están todos en el contraste y la importancia de la oscuridad y la luz. Estos son realmente los bloques de construcción absolutamente fundamentales de cómo se construyen las imágenes y las tomas. Entonces, mientras que un director de fotografía puede enfocarse en otros elementos de color y composición, los contrastes siempre están al frente de su mente.

Quizás no haya mejor ejemplo de esto que con Steven SpielbergDirector de fotografía de toda la vida Janusz Kamiński. Kamiński filmó secuencias tan famosas como la apertura “oración de la vela“Escena de La lista de Schindler. En la entrevista anterior, Kamiński expone la importancia de estos contrastes entre la luz y la oscuridad que informan su cinematografía, así como quién es él como artista.


Usa tu cámara como una extensión de ti mismo

Esta cita es cierta para cualquier director de fotografía experimentado que haya pasado una cantidad significativa de tiempo detrás de una cámara. En cierto momento, el arte de la cinematografía deja de ser una tarea y se convierte simplemente en una extensión de uno mismo. La cámara básicamente se convierte en una extremidad, o un tercer ojo, para que un director de fotografía vea y capture el mundo que lo rodea.

Mirando algunas de las cinematografías ejemplares y alucinantes de Ellen Kuras (quien filmó una de mis películas favoritas Eterno resplandor de una mente impecable) como ejemplo, puede comenzar a comprender cuán cierto es este concepto. Con solo mirar su proyecto más famoso, realmente tienes la sensación de que su cámara es similar a su visión mientras vemos algunos de los momentos fascinantes, pero verdaderamente humanos, de la película pasar ante nuestros ojos.


Sea el colaborador de su director

Esto probablemente debería ser evidente, pero si quieres ser un director de fotografía exitoso, ¡trabaja con grandes directores! Este es ciertamente el caso del legendario Robert Richardson, que ha trabajado con grandes directores como Oliver Stone y Quentin Tarantino. Sin embargo, el truco no es solo trabajar con grandes directores. En realidad, debes ser un gran colaborador.

Richardson ha encontrado trabajo una y otra vez con algunos de los nombres más importantes de la industria debido a su capacidad para ser un socio creativo. Además, es un astuto servidor del oficio de la cinematografía mientras está en el set. Se necesita una combinación perfecta de compatibilidad y comunicación para asociarse con un gran director y ayudar a dar vida a su visión.


Recuerde siempre dar servicio a la historia

Al igual que en el consejo anterior, otro principio de una gran cinematografía es recordar siempre que la historia es lo primero. Al mirar hacia atrás en la cinematografía de los últimos Michael Chapman, quien fue uno de Martin ScorsesePrimeros colaboradores en películas como Conductor de taxi y el blanco y negro Toro furioso, obtenemos un fuerte sentido de la historia en cada cuadro.

En el video de arriba, Chapman atribuyó el éxito de su trabajo a su constante enfoque en el servicio de la historia. Compartió su enfoque con Scorsese, y este enfoque es el motivo por el que ambos prosiguieron hasta alcanzar tanto éxito.


Sea parte de un movimiento cinematográfico

También es interesante mirar hacia atrás a través de la historia de la cinematografía para reconocer diferentes épocas y movimientos. Cuando Caleb Deschanel Comenzó en el cine y la cinematografía en los años 60 y 70, el Hollywood clásico seguía siendo la norma. Sin embargo, mientras ascendía, rápidamente se encontró a sí mismo como parte de un nuevo movimiento. Junto a contemporáneos como Robert Richardson y Roger Deakins, Deschanel llevó la cinematografía a un estilo nuevo y moderno de Hollywood.

Esto no significa que deba simplemente copiar lo que están haciendo sus colegas. En cambio, significa mucho como Deschanel, es importante reconocer que no es necesario que haga las cosas de la misma manera que siempre se ha hecho. En su lugar, busque nuevos estilos y técnicas en cada esquina.


Empuje el arte hacia adelante

Finalmente, uno de los mayores sellos de lo que hace que un director de fotografía en activo sea un verdadero maestro de la cinematografía es su voluntad de impulsar la forma de arte. Hay miles de directores de fotografía con mucho talento que trabajan en proyectos en todo el mundo. Pero destacarse en una industria altamente competitiva requiere cierta voluntad de adoptar nuevas tecnologías y oportunidades.

Como verdadero provocador de la innovación, tenemos que mencionar Steven Soderbergh firme voluntad de impulsar la industria. Soderbergh DPs muchos de sus propios proyectos bajo el seudónimo de Peter Andrews. Si bien muchos ejecutivos y directores de estudio están haciendo películas más grandes, más llamativas y más caras, Soderbergh continúa adoptando la nueva tecnología de video para teléfonos inteligentes como una forma de abrir la realización de películas a una nueva generación de aspirantes a cineastas.


Para obtener más información y recursos cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de bepsy.

Cómo crear animaciones de texto mate en After Effects

Consulte todas las posibilidades para crear animaciones de texto con mates en After Effects. ¡El tutorial incluye un archivo de proyecto gratuito!

En este tutorial, exploramos varias posibilidades de animación de texto utilizando mates de seguimiento en After Effects. Aprenderemos qué es un track matte y cómo podemos usarlo para crear varias animaciones de texto diferentes.

¿Listo para el tutorial? ¡Vamonos! ¡Asegúrese de descargar el archivo del proyecto gratuito!

Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos.


¿Qué es un Track Matte?

Los mates de seguimiento, también denominados mates, crean un “corte” de otra forma. La forma recortada puede ser un gráfico, texto o incluso metraje. Veamos cómo funcionaría esto con texto en After Effects.

Ejemplo de texto mate
Un ejemplo de cómo funciona un mate de pista de texto básico.

Primero, comenzamos con un texto, luego usamos ese texto como un mate. Esto nos da un “corte” perfecto de nuestra forma de texto original. Luego podemos agregar efectos y metraje detrás de ese texto mate para crear nuestra animación de texto.


Creación de una animación de texto mate simple

Comencemos creando una animación de texto mate simple. Primero, crea algunos texto en tus Despues de los efectos composición. A continuación, cree un capa sólida y póngalo debajo de la capa de texto. (El color del sólido puede ser cualquier color que desee. Servirá como fondo).

Mate Invertido Alfa
En la capa sólida, establezca el Track Matte opción a Mate Invertido Alfa.

Entonces, bajo el Track Matte opciones, establezca la capa sólida en Mate Invertido Alfa. (Si no ve las opciones de Track Matte, cambie F4 en su teclado.) El texto visible ahora debería aparecer transparente. Esto se debe a que ahora hemos creado un “recorte” mate del texto en la capa sólida.

Texto transparente
El texto ahora es transparente.

Ahora podemos colocar algunas imágenes animadas de garabatos debajo la capa sólida. (El metraje de garabatos se incluye en el archivo del proyecto).

Imágenes de garabatos
Clip de animación de garabatos.

Podemos ver a través del texto “recortado” en la capa sólida y podemos ver el metraje de garabatos animado en él. ¡Esto, a su vez, revela la forma de nuestro texto original!

Animación mate de garabatos
La animación de garabatos ahora revela el contorno del texto original.

No tienes que limitar tus mates de texto a solo animaciones o gráficos en movimiento. También puede colocar imágenes del mundo real detrás de los mates para obtener algunos looks creativos.

Material de archivo detrás del texto mate
Puede utilizar imágenes del mundo real detrás del texto mate.

Incluso puede agregar efectos y texturas al metraje. En este ejemplo, estoy usando el Desenfoque de la lente de la cámara efecto en mi metraje, junto con un textura arenosa. Esto abre la puerta para crear fácilmente varios estilos de texto diferentes.

Metraje con efectos
Experimente con efectos y texturas detrás de la capa mate.

Animaciones creativas de texto mate para probar

También puede crear una segunda copia de su texto mate original y colocarla debajo de la capa sólida mate. Luego, puede compensar el movimiento del texto debajo de las otras capas para crear una animación de revelación interesante.

Animación de texto de revelación de desplazamiento
Desplazamiento de una copia duplicada de la capa de texto original utilizada para el mate.

Finalmente, puede experimentar con el paralaje 3D en su texto mate. Para hacer esto, haga que su texto y el mate sean sólidos Capas 3D, luego agregue más capas detrás de ellos. También haz aquellos capas 3D y escalonarlas más atrás a varias distancias.

Capas en el espacio 3D
Capas de fondo 3D a varias distancias de la capa mate.

Ahora, cree una cámara 3D y haga un fotograma clave con una animación de movimiento sutil. Puede ver a través de su texto mate como una ventana, dando un efecto de profundidad de paralaje ordenado.

Parallax 3D
Ejemplo de paralaje 3D.

¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:


Aproveche After Effects al máximo con estos consejos y tutoriales:

Casey Neistat sobre el futuro del contenido de video creativo

Echemos un vistazo a la cámara del famoso YouTuber y veamos cómo está cambiando el video digital creativo.

Demasiados, Casey Neistat podría ser más conocido por estrellar su bicicleta contra los botes de basura de la ciudad de Nueva York, o gastando El dinero de Nike viaja por todo el mundo para un anuncio viral. Sin embargo, en su corazón, el famoso vlogger de YouTube es solo otro cineasta y creador de contenido que intenta convertir su creatividad en arte.

Y no me refiero solo a la creatividad que necesitas para componer una toma o editar un video. Me refiero a la creatividad para enfrentar los desafíos de adoptar nuevas tecnologías y estilos como un medio para conectarse mejor con su audiencia y contar historias significativas e impactantes.

Hablando recientemente en Adobe Max, Neistat compartió consejos y trucos para la narración digital, el rodaje, la edición y más, todo informado por su viaje de varias décadas como creador de contenido y cineasta. Tuvimos la oportunidad de ponernos al día con Neistat para hacerle algunas preguntas sobre lo que despierta su creatividad, su flujo de trabajo digital y cómo ve la evolución del contenido digital en el futuro.


¿Qué despierta tu creatividad en el mundo actual del contenido de video?

Encuentro mucha inspiración en lo diversificado que se está volviendo YouTube. Hace unos años, había lo que se sentía como solo un par de tipos de creadores. Y, si no encajaba en esa descripción restringida, era difícil tener éxito. Ahora veo el éxito por todas partes. Creadores centrados en la tecnología, emprendedores / creadores centrados en los negocios, estilo de vida, familia, deportes, etc. Sigue y sigue. En general, se trata de ver a los creadores realmente apoyarse en lo que les apasiona en lugar de tratar de ajustarse a lo que algunos creen que es necesario para tener éxito.

Neistat siempre ha sido una personalidad creativa que encontró muchas salidas para su arte. Sin embargo, realmente comenzó su carrera como cineasta que encontró un éxito temprano al subir algunos de sus videos a YouTube. Y, en muchos sentidos, su aumento de popularidad coincide estrechamente con la marca. Ambos han evolucionado a lo largo de los años a medida que cambiaba el contenido y las audiencias crecían y se diversificaban.

Para aquellos que puedan ser fanáticos del estilo de vlog de Neistat, o que estén interesados ​​en ver cómo pueden abordar el contenido de YouTube hoy, aquí hay algunos artículos geniales para leer.


¿En qué has estado grabando tus videos recientemente?

Recientemente me cambié por completo a Sony. Fue un proceso difícil porque creo que Canon fabrica cámaras fantásticas. Durante años, incluida toda mi serie de vlogs, filmé con Canon; me encanta la imagen directamente de sus cámaras, me encanta su ciencia del color, pero cuando Sony lanzó la ZV-1, realmente sentí que era la cámara perfecta para un YouTuber. Luego, cuando el a7S III cayó con la pantalla articulada, cerró el trato para mí. Estoy muy contento con la actuación.

Hablando de sus propias cámaras y equipo, después de años de ser un conocido usuario de cámaras Canon, Neistat habla sobre su reciente elección de pasar por completo a Sony. Sin embargo, como aprendería rápidamente al ver videos de vlogs de Neistat a lo largo de los años, realmente ha podido encontrar más coherencia en su estilo que con cualquier cámara o equipo.

Su disparo de carrera y pistola, combinado con su estilo de edición rápida, abre la posibilidad de usar cualquier variedad de cámaras DSLR, sin espejo o de acción a su disposición actualmente. Su preferencia actual por el Sony ZV-1 también tiene sentido para cualquiera que busque adoptar este estilo de vlog de selfies para sus proyectos. Mientras tanto, el Sony a7S III es quizás la mejor opción para aquellos que desean combinar el vlogging con prácticas de producción de video más tradicionales.

Si está buscando algunas recomendaciones de cámaras de vlog y resúmenes de equipos, consulte estos recursos a continuación.


¿Nos lleva a través de su flujo de trabajo de edición y proceso para sus videos?

Solo edito mis videos de YouTube en una computadora con Adobe Premiere Pro. A veces, cuando estoy jugando editando un montaje de surf o algo divertido para Twitter, uso mi teléfono, pero prefiero un teclado y un mouse para el trabajo pesado. Solo edito cronológicamente: empiezo con el primer fotograma del video y no me detengo ni reviso hasta llegar al final. Luego, retrocedo y puedo reorganizar y todo eso. Encuentro que editar escenas primero es confuso. Me encanta descubrir la historia obligándola a revelarse de esta manera. Técnicamente, soy bastante aburrido. Casi solo uso cortes rectos, rara vez corrijo el color y es aún más raro para mí poner efectos digitales en mi trabajo. Encuentro que la crudeza de la edición se presta a mi estilo de narración. En lugar de tapar cualquier cicatriz o evidencia de que este video fue hecho por una persona, acepto esos defectos, a menudo los adorno. Apoyarme en las imperfecciones es una forma de decirle a mi audiencia que no soy un profesional, solo soy un tipo normal que intenta contar una historia.

Cuando miras los videos de Neistat, hay una crudeza innegable en ellos que es bastante entretenida y entrañable. Realmente te sientes como si estuvieras pasando el rato con él y parece muy directo. Neistat atribuye este estilo y sentimiento principalmente a sus habilidades de narración digital y su preferencia por retratar la realidad sobre la fabricación de elementos cinematográficos. También es interesante observar que, si bien adopta muchas tecnologías nuevas y plataformas digitales para grabar y compartir su contenido, todavía se apega a Adobe Premiere Pro para la mayoría de sus necesidades de edición.

Y, como también muchos de nosotros, cineastas y editores, trabajar con Premiere Pro puede ser desafiante y emocionante, siempre que cuente con las herramientas y los recursos adecuados.


¿Cómo ve la evolución del futuro del contenido de vídeo con las nuevas plataformas digitales?

TikTok es un caso único. Realmente han cerrado la brecha entre la comunicación de creación de contenido en las redes sociales. TikTok es una plataforma de producción completa que se hace pasar por una aplicación. La edición, los efectos, la música y la distribución se construyen de manera fluida. Estoy emocionado de ver a dónde va. Creo que el estilo de creación es una gran parte del futuro de cómo compartimos. Un mundo donde las herramientas son tan fluidas que nos olvidamos del proceso y nos enfocamos en la idea.

Al mirar hacia el futuro, Neistat ve una nueva era de creadores de contenido y cineastas que están aprendiendo a producir con todas las herramientas que necesitan al alcance de la mano. Usando a Neistat como un ejemplo de quizás la última generación para aprender a crear contenido justo antes de la explosión de las redes sociales, y en el meollo del surgimiento de la tecnología de cámaras digitales asequibles, pero profesionales, Neistat ve una generación cada vez mayor que se desarrolla con ellos. utilizando nuevas plataformas como TikTok.

Señala la naturaleza perfecta del diseño único de TikTok y su uso como una ventanilla única para todas sus necesidades de grabación, edición y distribución de videos. Y, si aún no ha realizado la inmersión (al menos exploratoria), debe leer cómo los cineastas y los creadores de contenido pueden beneficiarse de probar TikTok.


¿Cuál es la mejor manera de crear videos atractivos?

No sé la respuesta a esto, pero volviendo a la primera pregunta sobre lo que me emociona; Creo que siendo fiel a tu pasión, respetando un entendimiento tácito de que si TÚ encuentras interesante que a otra persona también le resulte interesante, entonces finalmente encontrarás a tu audiencia.

Me gusta esto como una buena última cita de Neistat, ya que resume de la mejor manera todas sus ideas y consejos. Desde que comenzó y ganó popularidad, el estilo de vlogger de YouTube de Casey Neistat casi se ha convertido en un género de videos y películas en sí mismo. Puede verlo replicado y parodiado en Internet con otros creadores de contenido que utilizan el éxito de Neistat como una forma de informar cómo abordan su propio contenido y narración.

Sin embargo, al final del día, el estilo no triunfa sobre la sustancia. Si es alguien que se está iniciando en el video o busca adoptar nuevas plataformas y tecnologías, la clave para lograr el éxito no será solo la cámara, plataforma de edición o aplicación que utilice. En cambio, buscará sus propios intereses, voz y contenido que le apasione perseguir.


Para obtener más entrevistas e información sobre la creación de contenido digital y la realización de películas, consulte también estos artículos.

Imagen de portada vía Galería de fotos de IMDb.

Crear movimiento en After Effects

En After Effects, utilice la expresión de meneo para crear movimientos aleatorios modificando números, no fotogramas clave.

A veces, nuestra animación carece de carácter o se siente un poco sin vida. Lo que solucionaría el problema es un poco de movimiento. El problema es que es tedioso configurar manualmente los fotogramas clave para una línea continua de pequeños ajustes, ya que necesita alterar las propiedades cada pocos fotogramas y sin una coherencia real para mantener el movimiento orgánico.

Para solucionar esta tediosa tarea, siga el tutorial a continuación para aprender a usar la expresión de meneo para eliminar la tediosa naturaleza de este movimiento incremental.


¿Qué hace la expresión Wiggle?

Primero, antes de ver qué hace la expresión de meneo, debemos preguntar: ¿Qué es una expresión? Una expresión es un fragmento de código JavaScript que puede insertar en las propiedades animadas de sus medios.

Ahora, a diferencia de un script, que le dice a la aplicación que haga algo, una expresión informará a la propiedad individual que haga algo. Por ejemplo, este script le dice a la aplicación (la aplicación es After Effects) que coloque el punto de anclaje de esta capa en el centro, la derecha o la parte superior.

After Effects: ejemplo de secuencia de comandos
Un ejemplo de guión, no una expresión.

Con eso cubierto, ¿qué pasa en el caso de la expresión de meneo? Con un movimiento, le estamos indicando a la propiedad, ya sea la escala, la opacidad o la posición, que se mueva dentro de los parámetros establecidos.

Esto es mucho más rápido que animar tediosamente el elemento multimedia de un lado a otro, o reducir continuamente la opacidad o escala.

After Effects: ejemplos de meneo

Como se señaló en los ejemplos anteriores, aunque la expresión de ondulación generalmente se aplica a la posición de un objeto, existen numerosas aplicaciones para la expresión de ondulación. Si estás emulando el parpadeo de luz de una vela usando un color sólido y ajustando su opacidad, la expresión de meneo es perfecta para replicar la naturaleza esporádica de una llama parpadeante.

Si bien el lenguaje se basa en el lenguaje JavaScript, no necesita saber JavaScript para comenzar con las expresiones. Tengo numerosas expresiones escondidas en mi cabeza y no tengo la menor idea sobre JavaScript.


Cómo agregar una expresión de Wiggle en After Effects

Para mostrar cómo se agrega una expresión de meneo, he creado una tarjeta de final que vamos a fingir que aparece al final de un comercial de reciclaje. En la composición, tenemos una cámara 3D que se mueve hacia arriba con un paralaje visible entre el primer plano y las montañas. Tenemos las nubes moviéndose en el fondo, y luego un empujón 3D. Se ve bastante bien. Pero este “¡SÍ!” reciclar es un poco aburrido. Creo que un meneo en la posición sería la expresión perfecta para darle más vida.

After Effects: Composición 3D
Imagen de fondo a través de El hombre como Thep.

Para hacer esto, vamos a seleccionar el Capa SI y golpea PAG para abrir el Transformación de posición propiedades.

Golpear Alt (PC) o Opción (Mac) y hacer clic sobre el cronógrafo para crear la expresión. El texto gira rojo, diciéndole que hay una expresión aplicada.

Tipo menear, soporte abierto, entonces la primer número (que es la frecuencia del movimiento), entonces 2 serían dos movimientos por segundo, coma, entonces 50 (que es la amplitud del movimiento), y corchete cerrado. Entonces, esta expresión dice que va a mover 50 píxeles en los ejes x e y dos veces por segundo.

After Effects: Wiggle Expression Applied
Imagen de fondo a través de Hombre como Thep.

Entonces, déjame desglosar eso. El primer número es cuántas veces por segundo, el segundo es la cantidad de movimiento de píxeles.

After Effects: modificar Wiggle
Cambie los números para modificar el meneo.

Si desea modificar el meneo, cambie los números. Si hubiéramos hecho esto con fotogramas clave, cada vez que el cliente quisiera cambios, tendríamos que cambiar los fotogramas clave. ¡No es divertido!

Y esto se puede hacer en varias propiedades. Podríamos mover la opacidad y, en lugar de la cantidad de movimiento de los píxeles, será el nivel de transparencia, lo mismo para la escala, etc.


Cómo hacer fotogramas clave de una expresión de Wiggle

Si bien el meneo, en su mayor parte, es incontrolable ya que su movimiento repetirá el movimiento hasta que se indique lo contrario, podemos agregar un movimiento de meneo personalizado con fotogramas clave.

Para hacer esto, quieres abrir la propiedad con la expresión de meneo (en nuestro caso, la posición), botón derecho del ratóny seleccione Convertir expresión en fotogramas clave.

After Effects: convertir expresiones en fotogramas clave
Después de abrir la propiedad, seleccione Convertir expresión en fotogramas clave.

Ahora la expresión se presenta como una serie de fotogramas clave, lo que le permite ajustar la posición para áreas específicas y le permite detener e iniciar la expresión como mejor le parezca.

After Effects: ejemplo de expresión
Ahora puede ajustar la posición como mejor le parezca.

Sin embargo, detener e iniciar una expresión como esta no es una forma elegante de hacerlo. Veamos un proceso más refinado que le permite ajustar la velocidad a la que opera el meneo.


Cómo detener una expresión y cambiar la velocidad de una expresión

Una técnica común es agregar un control de expresión a una capa nula. Esto significa que operaremos los parámetros a través de la capa nula y no la capa en la que se encuentra la expresión. Si bien esto parece complicado, es más eficiente cuando se trabaja con varias expresiones que necesita sincronizar con un solo host.

Ahora, en nuestro ejemplo de simulación, vamos a decir que el cliente quiere que el área de movimiento aumente en los pocos segundos, el “¡Sí!” está en pantalla, por lo que debemos aumentar gradualmente la amplitud.

Para hacer esto, primero necesitamos agregar un objeto nulo. Luego aplica el efecto Control de deslizadores al nulo. Esto se puede encontrar en el Controles de expresiones categoría.

After Effects: efecto de control deslizante
Comience agregando un objeto nulo, luego aplique el efecto Control de deslizadores.

Selecciona el capa de control de meneo en la línea de tiempo y escriba mi para revelar el Control deslizante efecto. Haga clic en el triángulo para que Slider Control vea el cronómetro.

Ve a la movimiento de expresión de texto y seleccione solo el 5. Con el 5 seleccionado, haga clic en el recoger látigo y arrastre el látigo de pico a la Cronómetro deslizante.

After Effects: Pick Whip
Ahora arrastre el látigo de selección al cronómetro Slider.

El control deslizante ahora controla cuánto movimiento hay para la expresión, o en mejores términos, la amplitud del movimiento. Haga clic en el cronómetro para crear un fotograma clave al principio, luego mover el cabezal de reproducción más lejos en el tiempo y cambiar la cantidad para que el control deslizante aumente el movimiento.

After Effects: control deslizante
Usando el control deslizante, el meneo aumenta en amplitud.

El uso de un objeto nulo de esta manera le permite especificar dónde comenzará el meneo y también cuánto.


Meneando una dimensión

¿Qué pasa si quieres mover solo la posición xoy? Esta expresión es un poco más complicada, pero no es necesario que la escriba. Copie el código a continuación y téngalo a mano para la próxima vez que necesite mover un eje.

Mover solo en x (horizontal): org = valor; temp = meneo (5,50); [temp[0], org[1]];

Taquigrafía: [wiggle(5,50)[0],posición[1]]

Mover solo en y (vertical): org = valor; temp = meneo (5,50); [org[0],temperatura[1]];

Copie este texto en su proyecto de After Effects y ¡listo!


Para obtener más información sobre After Effects, consulte los artículos a continuación

Imagen de fondo de la portada a través de Hombre como Thep.

Grabar un video de principio a fin

Hacer cine puede parecer una bestia. Sin embargo, puede aprender todos los aspectos de este medio narrativo. Comencemos por levantar una cámara.


Cómo capturar video

Ahora que tienes en tus manos el pincel (la cámara), es hora de aprender a pintar con él. Analizaremos tres elementos en la creación de una imagen: velocidad de obturación, apertura e ISO. Cada uno juega un papel único al trabajar juntos para traer luz a su cámara para tocar el sensor de una manera específica. Entonces, entremos en ello.

Abertura

Ahora, comencemos con lo básico, como el aspecto que tendrá su lente. Verá números que se envuelven alrededor de la lente. Por lo general, comienzan desde 1.8, 2.8, 4 y pueden llegar hasta 22 o 36. Estos números se conocen como “f-stops” o “t-stops” para lentes de nivel de cine.

Cuanto menor sea el número (f2.8 o f4), más se abrirá el iris (dejando entrar más luz). Cuando tiene un número más grande como f22, significa que el iris se cerrará casi por completo, dejando entrar la menor cantidad de luz posible (más oscura). Esto no es más que una forma de controlar la cantidad de luz que entra a través de la lente.

Entonces, ¿cuándo cierras o abres la apertura? Bueno, si se encuentra en una situación brillante y muy iluminada, como estar afuera en medio del día, querrá cerrar la apertura para evitar sobreexponer su imagen. Cuando esté en una situación más oscura con menos luz disponible, querrá abrir su apertura. Esto también le dará una profundidad de campo más corta, lo que significa que menos estará enfocado.

Velocidad de obturación / frecuencia de cuadros

Piense en el obturador de su cámara como una puerta que se cierra y se abre, permitiendo que la luz llegue a su sensor. Puede controlar la velocidad a la que esta puerta se abre y se cierra, lo que permite que entre más o menos luz para su toma. La velocidad del obturador a menudo se mide en términos de segundos, por lo que verá los obturadores de uso común como 1/50, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500 o incluso 1/1000 de segundo.

Las exposiciones prolongadas literalmente mantienen el obturador abierto durante un período de tiempo prolongado, lo que permite que la luz llegue a su sensor de forma continua (o sin luz). La mayoría de los fotógrafos toman estas tomas de noche para recolectar suficiente luz para una imagen utilizable.

YO ASI

Lo que es importante entender es que ISO no es solo una herramienta que mágicamente hace que su imagen sea más brillante. Cuando subes el ISO, estás haciendo algo muy específico con tu imagen y ciertamente existen límites en cuanto a cuánto puedes impulsar esta herramienta.

Para llevarlo en el viaje de exponer una imagen, sigamos la luz mientras se abre paso a través de su iris. Primero pasa a través del obturador y aterriza en su sensor. El sensor contiene millones de pequeños receptáculos de luz llamados fotositos. Estos fotositos toman la luz roja, verde y azul y luego la interpretan todo, creando señales eléctricas que conducen a la imagen que ves en la parte posterior de tu cámara. Ahora, cuando aumenta su ISO, esencialmente está intensificando esta señal, brindándole más información. Sin embargo, esto suele provocar ruido y artefactos si lo empuja demasiado. Es como intentar trabajar con una luz que simplemente no existe.


Entendiendo la Luz

Triángulo de exposición
El triángulo de exposición. Imagen vía BeeBright.

Triángulo de exposición

Escucharás esto en algún momento, así que hablemos un poco sobre ello. El triángulo de exposición consta de los tres componentes de los que acabamos de hablar: apertura, velocidad de obturación e ISO. Estos tres factores son (casi) todo lo que necesita saber para exponer correctamente su imagen. La idea general es que debe equilibrar estos tres factores para lograr una imagen perfectamente expuesta. Entonces, ¿cómo se ve una imagen perfectamente expuesta? Bueno, hay algunas formas de determinar esto mientras modificas y juegas con tu cámara. Comencemos con el histograma.

Histograma Para decirlo claramente, los histogramas son una forma de verificar la exposición mientras actúan como una red de seguridad para cuando sus ojos lo engañen. Podría estar mirando su monitor y la imagen se ve totalmente bien. Sin embargo, a veces diferentes factores pueden llevarlo a no ver esa parte de la imagen que está ligeramente sobreexpuesta o subexpuesta. El histograma está aquí para decirle exactamente cómo se lee su imagen a través del sensor de la cámara. Echemos un vistazo a cómo puede leer un histograma para saber cómo va la imagen final.

Cuando miras un histograma, verás que se divide en tres secciones verticales. La sección de la izquierda representa las sombras en su imagen. La sección central representa los medios tonos. Luego, la sección de la derecha representa los aspectos más destacados. Estos son solo los diferentes niveles de luz en su toma. Por lo tanto, las áreas súper brillantes de la imagen se mostrarán en el lado derecho y las áreas oscuras de la imagen estarán en el lado izquierdo. ¿Cómo se ve cuando las sombras, los medios tonos o las luces están demasiado lejos en un lado del espectro? La onda se extiende hasta la parte superior del histograma, lo que le indicará que la imagen es demasiado oscura o demasiado brillante.

Dicho esto, si desea una imagen perfectamente expuesta, tendrá que controlar estas secciones de su histograma, es decir, en algún lugar en el medio y no demasiado prominente en un lado o en el otro.

Balance de Blancos

¿Qué es el balance de blancos? Una idea simple es que es la forma que tiene su cámara de saber qué temperaturas de color existen actualmente en lo que sea que apunte su lente. También puede eliminar o cambiar los matices de color no deseados. Entonces, ¿qué es la temperatura de color?

Notarás que en la parte posterior de tu cámara habrá una opción para cambiar o alterar “WB”. Si solo está configurando su cámara, es posible que vea “AWB”. También debería haber algunas opciones representadas por símbolos de posibles situaciones de iluminación. Por ejemplo, puede ver un sol, un sol con nubes, nubes, una casa o un sol que se cubre. Estas son solo formas de ayudarlo a predecir cuál es la temperatura de color precisa de una escena, según la hora del día o el lugar en el que podría estar filmando. Si todo esto es confuso, simplemente use su ojo y juzgue qué se ve bien para lo que está viendo. A veces, es mejor simplemente mirarlo y seguir tu instinto.


¿Qué cámara debería comprar?

Elección de la cámara
Elegir la cámara adecuada es fundamental. Imagen vía yoshi0511.

La pregunta obvia, ¿qué cámara debería comprar? Las cámaras se actualizan constantemente, se reducen de precio o se vuelven aparentemente irrelevantes de la noche a la mañana. Pero eso no significa que no haya algunos elementos básicos que se adapten perfectamente a esta función de “principiante”. Echemos un vistazo a las mejores opciones, comenzando por la más asequible. Luego, hablaremos sobre dónde puede fijar su mirada en el futuro.

Sin espejo

Una cámara sin espejo es diferente a una DSLR porque no usa una caja de espejo para enviar la imagen al visor. Esto solo significa que cuando miras la pantalla oa través del visor, estás viendo una representación digital de lo que el sensor está “viendo”. Estas cámaras a menudo se destacan por el tamaño real del cuerpo de la cámara, ya que no requieren mucho espacio, un rendimiento de bajo nivel y, lo crea o no, son asequibles.

Micro cuatro tercios Micro cuatro tercios es de hecho una cámara sin espejo. El descriptor “micro cuatro tercios” se refiere simplemente al tamaño total del sensor. Entonces, ¿qué tan grande es este sensor exactamente? Bueno, a menudo, se los conoce como el intermediario entre Super 35 mm y Super 16 mm (refiriéndose a los tamaños de película). Si ha escuchado el alboroto sobre la Blackmagic Pocket Cinema Camera 4K, esta cámara tiene un sensor micro cuatro tercios. Si está buscando actualizar desde una cámara sin espejo o DSLR y no tiene suficiente para una cámara de nivel de cine, la BMPCC4K es una excelente alternativa que recomiendo probar.

DSLR Una DSLR (cámara réflex digital de lente única) es lo que probablemente encontrará más asequible y disponible para comenzar su viaje cinematográfico. Entonces, ¿cómo funciona esta cámara? La respuesta simple es: la luz se mueve a través de un espejo, se mueve hacia arriba o hacia abajo y golpea el visor. Esto le permite ver la imagen que está tomando. Hay un sensor y, aunque algunas cámaras tienen sensores más grandes y potentes, en general funcionan de manera similar.

Cine Si está leyendo este artículo, probablemente no necesite una cámara de calidad cinematográfica. Por lo general, son costosos y generalmente requieren una gran cantidad de equipo solo para soportarlo. Sin embargo, vale la pena hablar de ello porque esto es idealmente lo que le espera en el futuro. Las cámaras de cine suelen tener sensores increíbles, ciencia del color y funciones divertidas como filtros ND incorporados e ISO dual. (Tendremos más información sobre los filtros ND en un momento).

También son mucho más grandes en tamaño, más pesados ​​y requieren un conocimiento avanzado y experimentado de cinematografía, composición y gradación de color para maximizar sus capacidades. Para obtener un buen desglose de lo que pueden hacer algunas de estas cámaras y si alguna vez vale la pena comprarlas, consulte nuestro artículo a continuación.


Lentes / Distancia focal / Tipos de disparos

Ahora tiene la cámara perfecta y las capacidades son todo lo que necesita para hacer su imagen o película ideal. Entonces, ¿en qué lente inviertes? Con todos los números (distancias focales), ¿qué modelo y número se ajusta a la estética visual y las capacidades que necesita?

En primer lugar, la distancia focal es una medida de la distancia de dos planos focales dentro de la lente. Una forma sencilla de verlo es que los números grandes equivalen a una distancia más larga y los números cortos son más anchos (más cortos). Entonces, con una lente de 100 mm, puede ver más lejos. Con una lente de 24 mm, obtendrá un campo de visión mucho más amplio

Lentes

Hay dos tipos de lentes que encontrará: zoom y primos.

Lentes de aumento Los objetivos con zoom se explican por sí mismos. Pueden hacer zoom desde una distancia focal más amplia a una distancia focal más larga. A continuación, se muestran algunos tamaños de lentes con zoom típicos que verá en las tiendas y en línea:

  • 18-35 mm
  • 24-70 mm
  • 24-105 mm
  • 70-200 mm

Lentes Prime – Si las lentes con zoom pueden cambiar las distancias focales, lo que le permite lograr diferentes miradas, las lentes principales son lo contrario. Estás fijo con una distancia focal. Por ejemplo, si compra una lente de 50 mm, solo podrá grabar videos a esa distancia focal. La razón por la que estos lentes son populares (e incluso existen) se debe a la nitidez de los lentes que los fabricantes han podido perfeccionar. Guardo un 50 mm en la bolsa de mi cámara en todo momento.

Filtros

Filtros
Elegir el filtro correcto le permite capturar la imagen correcta. Imagen vía EnriqueDCorral.

Ahora que hemos cubierto cómo exponer una toma con la composición deseada, hablemos sobre cómo controlar la luz y la imagen mediante el uso de filtros. Hay varios tipos de filtros que puede utilizar, ya sea de densidad neutra, neblina profesional negra, polarizador o filtro graduado. Todos proporcionan un efecto o nivel de control diferente. Por lo tanto, exploremos lo que puede hacer cada tipo de filtro para ayudarlo a obtener la imagen que desea.

Densidad neutra – Un filtro de densidad neutra reduce la cantidad de luz que llega al sensor sin alterar los tonos de la imagen. Esto le permite aumentar su apertura y controlar su exposición con mayor precisión. En lugar de detenerse en f22, o por muy pequeño que sea su lente, puede disparar con una profundidad de campo baja o algo como f5.6 – f8, lo que le brinda una imagen mucho más nítida.

Filtro de densidad graduado – A menudo utilizado para fotografía, este filtro se utiliza como una forma de reducir la exposición de la mitad de su imagen. Por ejemplo, si se trata de un cielo brillante que se está poniendo, el primer plano (es decir, el suelo frente a usted que conduce hacia el horizonte) podría ser más oscuro. Por lo tanto, querrá reducir la exposición al sol brillante mientras mantiene el suelo expuesto. Para ver un buen video sobre cómo se ve esto, consulte nuestro tutorial a continuación.

Filtros Black Pro Mist Estos filtros le darán a su metraje un aspecto fílmico y brumoso, ya que están destinados a agregar un toque suave a las luces. Verá esto mucho en los comerciales. Se ha convertido en la herramienta favorita de los YouTubers para capturar imágenes de ensueño.

Otra forma de describirlo es que las luces tienen un aspecto muy florido, casi un brillo celestial que pretende emular el aspecto que obtienes de la película llamada halo. Para ver un buen ejemplo de este filtro, vea este video a continuación.

Filtro polarizador Cuando compre una lente nueva en línea, probablemente obtendrá una de estas de forma gratuita. Lo que hace este filtro es reducir el deslumbramiento o los destellos causados ​​por los reflejos que salen del agua, la nieve brillante o cualquier otra cosa que refleje la luz del sol. Este filtro solo ayuda a administrar los destellos que a menudo pueden distraer a los espectadores y hacer que su imagen no se vea tan profesional.

Tipos de disparos

Cuando levantas la cámara para capturar una imagen, la imagen que miras dependerá del tipo de lente y la distancia focal que decidas usar. Dentro de esto, también está la decisión de cómo desea componer su imagen, es decir, ¿cómo se verán las cosas en el marco que cree? ¿Qué espacio ocuparán?

Una toma de una persona puede verse muy diferente según las formas estándar en que identificamos las composiciones, como amplio, medio, largo, primer plano extremo, ancho extremo, etc. Por lo tanto, hablemos de algunas de las tomas estándar que se le pedirá. para grabar o lo que requiere el tipo de video que estás haciendo.

Tiro medio

Tiro medio
Un plano medio de Daniel Craig en Skyfall. Imagen vía Sony Pictures.

Un plano medio enmarca al sujeto / actor de cintura para arriba. Debe considerarse una toma personal, ya que enmarca a un personaje para que la audiencia sienta que está teniendo una conversación directa con ellos. Si elige un objetivo para este tipo de toma, lo más probable es que utilice algo entre 35 mm y 50 mm.

Entonces, ¿para qué tipos de escenas o videos son buenos? Piensa en entrevistas (documentales o corporativas) y diálogos (narrativa y cortometrajes), así como escenas de introducción de personajes.

Tiro largo

Tiro largo
Este es un ejemplo perfecto de un plano largo en la película. Camino a la perdicion. Imagen vía DreamWorks SKG.

Usado a menudo para paisajes, el plano general se trata de cobertura. Desea obtener la mayor cantidad posible del entorno o la escena en esta toma. Si tu personaje está en la toma, asegúrate de tener todo su cuerpo, desde los pies hacia arriba, en el marco. Estas tomas no se suelen utilizar para escenas de conversación, ya que suelen ser de naturaleza impersonal. En cambio, si necesita una buena toma de establecimiento para comenzar su escena, intente una toma larga. Entonces, ¿cuál es la mejor lente para una toma larga? Pruebe algo más ancho como 18 mm o 24 mm. Esto debería darle más en el marco.

Fotografía de cerca

Fotografía de cerca
Un primer plano de Clint Eastwood en Lo bueno, lo malo y lo feo. Imagen a través de United Artists (ahora MGM).

Un primer plano es solo eso, un primer plano del sujeto. Puede usarlos para escenas íntimas, emocionales o viscerales que necesitan que su audiencia se sienta como si estuviera a centímetros de los actores. También puede utilizar esta técnica para enfatizar un objeto o algo específico que necesite mostrar, como una mano, un lápiz o un libro.

Para obtener esta distancia focal correcta, asegúrese de usar una lente más larga. Algo como un 50-200 mm funcionará bien. Si usa una lente más ancha en algo de cerca, espere que haya algo de distorsión alrededor del borde del marco.


Movimientos de cámara

Una vez que haya enmarcado una buena composición completa, es hora de mover la cámara. Mover la cámara puede provocar muchas emociones diferentes en su audiencia. El movimiento de la cámara sigue ciertas reglas y significados de género que pueden funcionar para aumentar el efecto emocional que su historia está tratando de crear. Entonces, ¿cuáles son estos movimientos y cómo los realizas? Vamos a discutir.

Pan Piense en esto como un giro de cabeza. Un eslabón giratorio, por así decirlo. La idea es comenzar su campo de visión en un punto y luego girar a lo largo del eje horizontal mientras su campo de visión termina en otro punto. La mejor manera de realizar esta toma es colocar la cámara en un trípode de video con un cabezal giratorio, lo que significa que funciona en forma de panorámica / inclinación, moviéndose hacia arriba o hacia abajo y hacia la izquierda o hacia la derecha.

Inclinación Inclinar sería lo opuesto a una sartén. En lugar de moverse de izquierda a derecha (o de derecha a izquierda), se movería de arriba hacia abajo (o de abajo hacia arriba). Para el movimiento, piense en mirar hacia abajo y luego hacia arriba. Es solo un giro a lo largo del eje y cuando comienzas desde arriba o abajo y te diriges al otro lado. Al igual que con la sartén, la mejor y más suave forma de realizar una inclinación es usar un trípode.

Entonces, ¿cuándo usarías este movimiento? La mayoría de las veces es para una toma en perspectiva, lo que significa que la cámara está viendo lo que vería el personaje. La idea básica, sin embargo, es comenzar mostrando un objeto o sujeto e inclinarse hacia arriba o hacia abajo para revelar otro.

Enfocar Mientras que el movimiento horizontal y vertical se trata de mover físicamente la cámara, un zoom utilizará la lente para ampliar la imagen. Entonces, digamos que comienza con una casa y un árbol en el campo de visión. Después de hacer zoom, el espectador solo puede ver la casa. Este movimiento generalmente consiste en girar físicamente la rueda de la lente a medida que se separa el vidrio dentro de la lente, lo que parece acercar lo que está frente a la lente.

También existe la opción de realizar un zoom digital, lo que solo significa tomar la foto en posproducción y hacer zoom en la imagen. Si no tiene una lente de zoom, considere probar esta ruta. Puede ahorrarle dinero a largo plazo al permitirle evitar el alquiler de una lente costosa para una o dos tomas.

Rastreo Piense en rastrear como si estuviera siguiendo a su sujeto o moviéndose hacia un punto en su marco. Este movimiento consiste en mover la cámara hacia adelante (o hacia atrás), generalmente en sincronía con los actores.

Recuerda Hombre pájaro y 1917? Fueron tomas de seguimiento largas y prolongadas. Puede realizar este tipo de disparo con un gimbal, steadicam o en una pista o plataforma literal. He incluido algunos recursos a continuación para encontrar las opciones más asequibles, así como un método de bricolaje que puede probar por poco dinero.

Tirando del foco – A menudo denominado enfoque de rack, este movimiento no consiste tanto en mover la cámara como en la imagen. Estás cambiando el enfoque en medio de una toma para desviar la atención de los espectadores de un tema a otro. Para hacer esto, necesitará una profundidad de campo poco profunda para que el cambio de enfoque sea claro. Si desea saber cómo lograrlo, comience marcando en qué parte de su lente (puede hacer esto con una nota adhesiva o cinta) está el primer “enfoque”, luego enfóquese en el segundo punto (marcándolo con una segunda Nota). Esto le ayudará a saber exactamente dónde girar su lente cuando esté rodando.


Cómo elegir una tarjeta de memoria

Tarjetas de memoria
Asegúrese de seleccionar la tarjeta de memoria adecuada para su cámara en particular. Imagen vía Adrián Núñez.

Esto no debería ser una sorpresa, pero seleccionar una tarjeta de memoria puede ser complicado. Las diferentes cámaras requieren diferentes tipos de tarjetas y, por supuesto, hay una gran cantidad de marcas y tamaños para elegir. Por lo tanto, analicemos los conceptos básicos de qué esperar al comprar una tarjeta de memoria.

tarjeta SD – Una tarjeta digital de seguridad es una tarjeta de memoria, esencialmente. Esto es lo que usará para la mayoría de las cámaras DSLR, sin espejo y micro cuatro tercios. Ahora, diferentes tarjetas SD vendrán en diferentes velocidades y tamaños. los velocidad tiene que ver con la rapidez con que se realizarán las transferencias de datos durante una descarga, es decir, cuando coloque el metraje en su computadora o unidad. Depende de usted decidir cuánto espacio necesita y a qué velocidad desea que se transfieran los datos. Espere pagar más por más espacio y velocidades más rápidas. Si recién está comenzando, compraría algo como una tarjeta de 32 GB o 64 GB. Esto debería ser más que suficiente para su primera sesión de prueba o el metraje que desea capturar.

Tarjeta CFast – La tarjeta CFast (la tarjeta flash compacta) será la tarjeta de memoria más cara y potente construida para cámaras más grandes. En la mayoría de las tarjetas CFast, verá una pequeña tablilla con un número. Esto se refiere a la velocidad de escritura mínima / garantizada. Este número es importante porque es la velocidad a la que una cámara puede escribir en la tarjeta. La velocidad de su tarjeta necesaria dependerá de la resolución, el códec y la cámara que esté utilizando. Por lo tanto, verifique las reseñas, las especificaciones y los videos de la cámara que está mirando para asegurarse de que la combinación de tarjeta / cámara se ajuste bien.


¿Qué equipo debería comprar?

Bien, ahora tienes tu cámara lista para rockear. Sin embargo, ¡todavía no has terminado! ¿Cómo mantendrá su disparo estable? ¿Necesitas algo pequeño, más portátil? ¿O sería exactamente lo que necesita una configuración de trípode estable? Echemos un vistazo a lo que debe considerar al comprar la próxima ronda de equipos para sus videos.

Trípode

Sé que sabes lo que es un trípode: tres patas. Pero hay una razón por la que este elemento básico del cine sigue siendo nuestro equipo de referencia. Siempre vas a necesitar un buen trípode y no puedes poner precio a una toma estable y bien compuesta. Para obtener una lista de los mejores trípodes y sistemas de trípode disponibles en este momento, consulte nuestra lista a continuación.

Plataforma de hombro

Cuando piensa en un director de fotografía o un operador de cámara, probablemente se imagina a alguien con una plataforma de hombro moviéndose muy lentamente por una escena (o actor). La plataforma de hombro es una pieza clásica de equipo que ayuda a estabilizar el tiro mientras permite que el operador se mueva libremente. La idea es simple: la cámara está unida al frente, generalmente en una placa, con dos rieles de soporte que se extienden en el lado izquierdo y derecho con algún tipo de agarre adjunto. El peso se distribuye a la espalda mientras el equipo descansa sobre su hombro, generalmente con algún tipo de cojín o acolchado para permitir períodos prolongados de disparo. Esto hará que la toma se mueva, pero está bien. Solo prepárese para ello: seguirá siendo más estable que sostener la cámara en sus manos sin apoyo.

Gimbals

Un cardán es esencialmente un soporte giratorio para su cámara que se mueve a lo largo de un solo eje. Esto solo mantiene la toma estable mientras la cámara descansa sobre un plato, generalmente con usted sosteniendo el mango o la plataforma detrás de ella. Estos han aumentado enormemente en popularidad durante los últimos cinco o seis años, y cada vez son más baratos.

Esta es solo una forma de obtener una toma suave que elimina la necesidad de una pista de plataforma rodante o una cámara fija, según la configuración de la cámara. Lo que en realidad me lleva al siguiente punto. Los cardanes de agarre único son hecho para configuraciones ligeras, generalmente para cámaras DSLR o sin espejo. También puede obtener versiones más grandes de estos para cámaras más grandes, y si está interesado en ver cómo funcionan estos equipos, vea este video aquí.

Deslizador

Un control deslizante es simplemente una plataforma o configuración que permite que su cámara deslice hacia la izquierda, hacia la derecha, hacia adelante o hacia atrás en un plano horizontal. Por lo general, colocará su cámara en un cabezal de trípode, Hola sombrero, o placa que se coloca sobre dos rieles que le permiten “deslizarse”. Este movimiento le brinda una toma de barrido con estilo de seguimiento.

Puedes comprar controles deslizantes reales o puedes hacer los tuyos propios. De cualquier manera, la idea es darle a su video un movimiento sutil de la cámara que no requiera una gran pista de plataforma rodante o gastar dinero en efectivo para un cardán.


Grabación de audio

Ahora bien, esto puede parecer obvio, pero necesitará un micrófono. Sabiendo eso, ¿qué tipo de micrófono deberías comprar? Mejor aún, ¿qué tipo de micrófono necesitas? Sé que esto va a ser un shock, pero diferentes producciones requieren diferentes micrófonos de diferentes tamaños y calidad.

Si está interesado en aprender buenas prácticas para editar estos archivos de audio una vez que los haya grabado, consulte una lista completa de los mejores tutoriales en audio que puede seguir a continuación.

Auge – Este es quizás uno de los equipos más emblemáticos de un set de filmación. Un micrófono boom es simplemente un micrófono conectado a un poste que se usa para acercarse a sus actores o sujetos sin ser vistos en la toma. Para hacer esto, generalmente extenderá el poste sobre su cabeza con los brazos extendidos y rectos, o descansando sobre su espalda o su torso, en ángulo hacia el diálogo o los sonidos.

Lav – Un micrófono lavalier es un pequeño micrófono que puedes sujetar a tus sujetos, esconder en su ropa o colocar en accesorios alrededor del set. Estos micrófonos están diseñados idealmente para ocultarse, ya que le permiten grabar diálogos o audio sin tener que usar un micrófono boom. La forma en que funcionan estos pequeños micrófonos es que generalmente hay un receptor conectado a una grabadora externa o a tu cámara. La señal del micrófono lav se transmite a este receptor y se graba su audio.

Grabador externo

Grabador externo
Administre su audio con una grabadora externa. Imagen vía Dimitry Galagnov.

Una grabadora externa es solo una forma de controlar y administrar los archivos de audio que está grabando de una manera más segura y eficiente. Estas grabadoras generalmente te permiten conectar el micrófono o el cable XLR (un cable de audio) mientras controlas el volumen y hacia dónde se dirige la grabación. Por lo general, necesitará una tarjeta SD para una grabadora externa. Para obtener una lista de algunas buenas grabadoras de audio que vale la pena revisar, consulte nuestra lista a continuación.


Ahora, sé que este no fue el análisis más profundo de cada paso del proceso de producción. Pero la mejor manera de aprender a usar una cámara es simplemente comenzar a disparar. Tu metraje no se verá bien al principio y está bien. ¡Por eso sigues disparando y no tienes miedo de fallar!

Supongamos que siguió estos pasos, grabó su primer video y ahora se pregunta qué hacer con el metraje. ¡Buenas noticias! Recientemente lanzamos un curso completo sobre cómo editar un video de principio a fin. Compruébalo a continuación.


Imagen de portada vía Imágenes Virrage.

Encuentre más equipo para su lista de deseos con estos resúmenes y reseñas:

Comprenda a sus actores y sus métodos

Al igual que cualquier forma de arte, la actuación es un oficio que tiene muchas escuelas de pensamiento. Estas enseñanzas pueden denominarse técnicas o procesos. El proceso es la manera en que el actor se acerca a la escena y retrata mejor su carácter y emociones. Las técnicas pueden variar dependiendo de dónde estudió el actor y quiénes fueron sus maestros, y los actores a menudo eligen sus técnicas en función de lo que tiene más sentido para el actor.

Como verá a continuación, muchos estilos de actuación están estrechamente relacionados con algunas diferencias clave. Los actores pueden concentrarse en un tipo específico de proceso de actuación, pero también pueden depender de facetas específicas de otros procesos relacionados. De manera similar, a principios del siglo XX, los actores prominentes aprenderían una técnica, luego desarrollarían esa técnica y crearían un estilo propio. Analicemos algunos de los estilos más populares y destacados.


Actuación clásica

Actuación clásica
Las representaciones teatrales son una forma de actuación clásica. Imagen vía Kozlik.

La actuación clásica se originó mucho antes de la era del cine y se deriva de actuar para una audiencia en el escenario. Esta no es la forma más antigua de actuación, pero es algo así como un precursor de las técnicas de actuación modernas. El proceso clásico se basa en la capacidad de un actor para utilizar su rango completo de movimiento, cuerpo, voz, entorno y pensamientos en su actuación. Utilizar todas las herramientas disponibles para un actor le permite contar una historia veraz y ofrecer una actuación creíble.


Técnica de Stanislavski

Esta técnica de actuación, creada por Konstantin Stanislavski, sentó las bases sobre las que se basan las técnicas más modernas. Se centra en “experimentar el papel” en lugar de simplemente interpretarlo, y requiere que los actores piensen en sí mismos realizando las acciones dentro del guión. La técnica pide a los actores que sientan realmente lo que están retratando y que se pongan en el personaje. Un actor debe pensar en las acciones de su personaje en profundidad, en lugar de simplemente lo que está en la página o en una obra.

El proceso les dice a los actores que respondan preguntas clave para entender cómo interpretar a su personaje:

  • ¿Quién soy? – Las características que componen el personaje: antecedentes, edad, etc.
  • ¿Dónde estoy? – Esto no se limita solo a la escena física o el entorno, sino a la posición del personaje dentro de la narrativa.
  • ¿Cuando es? – Averiguar la hora del día, el mes, el año, el momento y cómo afecta eso a cómo se representaría al personaje.
  • ¿Qué quiero? – El (los) objetivo (s) de este personaje dentro de toda la narrativa o incluso dentro de una escena específica.
  • ¿Por qué lo quiero? – La motivación que lleva al personaje al objetivo anterior.
  • ¿Cómo lo conseguiré? – Cómo el personaje se propone lograr el (los) objetivo (s) y cómo eso cambia junto con la narrativa.
  • ¿Qué necesito superar? – ¿Qué se interpone en su camino?

Actores populares de la técnica Stanislavski: Marlon Brando, Marilyn Monroe, Stella Adler.


Método de actuación

Método de actuación se basa en la base del método Stanislavski. La principal diferencia es que se anima a los actores a vincular sus propias experiencias emocionales y recuerdos con los personajes.

Method Acting tiene la reputación de ser una técnica de actuación que acapara los titulares. Cada vez que escuchas que un actor permanece en el personaje, incluso fuera de escena, generalmente se combina con el actor que practica Método de actuación. Ver Robert Downey jr.El retrato exagerado de un actor de método en Trueno tropical como un ejemplo divertido. En realidad, esto no es parte de la técnica, simplemente una libertad que algunos actores eligen tomar. (Como un divertido huevo de Pascua, Robert Downey Jr., literalmente, permanece en el personaje durante todo el Trueno tropical Comentarios en DVD.)

Actores del método popular: Robert de Niro, Daniel Day-Lewis, Christian Bale


Técnica de Meisner

El método Meisner es otra derivación del método Stanislavski. Meisner requiere que los actores “vivan con sinceridad bajo circunstancias imaginarias” y confía en los impulsos que un personaje puede dar en la escena. En lugar de centrarse en acciones bien pensadas o reacciones planificadas, el actor intenta salir de su propia cabeza y reaccionar a su entorno en el momento, como si realmente estuviera sucediendo. El acto de espontaneidad e instintos permite una expresión humana realista. A menudo, el actor hace esto a través de la repetición, donde el actor encuentra un subtexto en el guión repitiendo las líneas de su personaje de múltiples maneras. Las palabras literales ya no tienen el significado, es la forma en que se expresan.

Además, Meisner sintió que los actores tienen una relación simbiótica. Cada actor en una escena se construye uno sobre el otro, y la forma en que interactúan crea no solo realismo sino más inspiración sobre cómo interpretar la escena. En lugar de centrarse únicamente en el yo de un actor, también deben considerar su relación e interacciones con aquellos con quienes comparten la escena.

Actores populares de Meisner: Diane Keaton, Karl Urban, Tom Cruise, Sam Rockwell


Estética práctica

Desarrollado por William H. Macy y dramaturgo David Mamet, el método de la Estética Práctica es otra derivación de la técnica de Meisner y Stanislavski. ¿Estás notando una tendencia todavía?

Donde el método difiere es el abandono de los recuerdos personales que impactan en la interpretación del personaje de un actor. El pensamiento es que como el actor ya sabe cómo termina la memoria real, dificulta las acciones del personaje, debido a que la memoria ya tiene resolución. Las experiencias personales requerirían que el actor internalice una “doble ficción”. Uno para el personaje de ficción y otro para la memoria personal que ya se ha resuelto.

El método de Estética Práctica formula cuatro preguntas para desglosar una escena:

  • Lo “literal”: lo que está sucediendo literalmente en una escena
  • El “deseo”: qué quiere hacer o decir el personaje en una escena determinada. Este es su objetivo general.
  • La “Acción Esencial” – El deseo más esencial del personaje. Básicamente reduciendo el “querer” a un impulso esencial o deseo humano.
  • El “como si”: relaciona las preguntas anteriores con la vida del actor, en un sentido metafórico, y no se basa en una experiencia o memoria real. Si el acción esencial es “Venganza para mi familia”, el como si podría ser “Como si el matón de la escuela golpeara a mi hermano menor. Necesito encontrar una manera de vengarme del matón y defender a mi hermano “.

Actores populares de estética práctica: William H. Macy, Jessica Alba, Rose Byrne


Poniendo este conocimiento en uso

Ahora que tiene una descripción general rápida de algunos estilos de actuación populares, es importante trabajar con su talento para obtener la mejor interpretación posible. Como todo lo demás en el proceso de realización de películas, dirigir y actuar es una relación de cooperación basada en la confianza y la comunicación. Comunique a sus actores lo que está tratando de lograr y cómo van a lograrlo. Luego confíe en sus talentos y en el camino que elijan.

Pregúntales a tus actores cómo van a abordar un personaje, una escena específica o la narrativa general. Es posible que un actor no diga directamente: “Estoy usando la escuela de pensamiento de la Estética Práctica”, pero sus respuestas pueden darte una pista sobre cómo llegarán a su personaje.

Set de filmación
Tómese el tiempo adecuado para discutir los personajes con los actores. Imagen vía Estudio 72.

Por ejemplo, si un actor menciona su relación con otro personaje y cómo eso afectará sus elecciones, es posible que esté utilizando el método Meisner. Toma esta información y construye sobre ella. Traiga a los otros actores a la conversación y discutan la escena juntos. Aproveche las fortalezas de sus actores y sus procesos.

Permita que sus actores exploren los personajes, incluso si tiene una dirección específica que desea que tomen. Un actor dedicará mucho tiempo y preparación a un papel. Tener una nueva versión de una acción o un conjunto de diálogo puede dar un poco de aire fresco a tu escena. Permítales improvisar, si es necesario. Con las enseñanzas de Meisner, la improvisación es clave para ofrecer una interpretación creíble.

Si un actor enumera su preparación de acuerdo con Practical Aesthetics, repase sus respuestas con él. Haga preguntas, dé su opinión y desarrolle el carácter juntos. Es importante llegar a la misma conclusión sobre los antecedentes de un personaje y su motivación. Quieres saber cómo se acerca el actor a la escena y darles todas las herramientas que necesitarán para triunfar.


Dónde aprender más

Da algunos pasos en la piel del talento. Cada estilo de actuación también tiene ejercicios incorporados en sus enseñanzas. Como director, sería muy beneficioso aprender algunos y aplicarlos a su proceso con cada actor. Dando un paso más, considera tomar una clase de actuación (o dos) tú mismo. Puede que no estés destinado al escenario o estar frente a la cámara, pero esto te daría una idea del punto de vista del actor y un mejor conocimiento sobre cómo puedes ayudarlo.

Entrenador interino
Reconozca y comprenda los métodos de sus actores. Imagen vía Jonnyslav.

Como director, trabajará con actores que incorporan una variedad de estilos de actuación, técnicas y algunas que pueden combinar múltiples técnicas en sus actuaciones. La lista de métodos y sus diferencias anteriores no es de ninguna manera definitiva, pero es un gran curso intensivo sobre algunos métodos populares. No existe una técnica de actuación correcta o incorrecta, por lo que comprender algunos de los métodos populares le será de gran utilidad como director.


Imagen de portada vía guruXOX.

Descubra aún más secretos para trabajar con actores (o sin ellos) aquí:

Dolby Cinema para cineastas y público

¿Qué hace que la experiencia Dolby Cinema sea tan única? Vamos a ver.

Comenzó con un fotógrafo inglés dando una conferencia y proyectando imágenes dibujadas a mano en una pantalla en el Feria Mundial de Chicago en 1893. Durante las próximas décadas, los cines de Nickelodeon comenzarían a aparecer mostrando “imágenes en movimiento” a audiencias asombradas en todo el mundo. A partir de ahí, a medida que la tecnología continuara avanzando y los largometrajes se hicieran cargo, el cine se convertiría en una de las formas de entretenimiento más poderosas, y posiblemente importantes, de la historia humana moderna.

La industria del cine y el cine ciertamente ha evolucionado a lo largo de los años, pero los matices de las primeras adaptaciones de imágenes en pantalla siguen siendo parte de nuestra experiencia cinematográfica. Pero, ¿dónde estamos realmente hoy? Y cuando los cineastas filman películas y el público va a las salas de cine, ¿qué tipo de formato y proyectos estamos utilizando realmente?

Uno de los formatos de detección más populares (y prevalentes) actualmente en el mundo es Dolby Cinema y su experiencia cinematográfica única. Exploremos Dolby Cinema, de dónde viene y cómo funciona. También miraremos hacia lo que el futuro del cine podría ofrecernos.


¿Qué es Dolby Cinema?

En primer lugar, ¿qué es Dolby Cinema y cómo se compara con los otros formatos que puede encontrar en su cine local? En pocas palabras, Dolby Cinema es una de las principales configuraciones de cine de gran formato que utiliza tecnologías exclusivas de Dolby como Dolby Vision y Dolby Atmos (más sobre las siguientes). Dolby Cinema es comparable a otros cines de gran formato de Cinemark y Regal, así como a IMAX, con el que fue desarrollado para competir.

Según la propia compañía, “solo Dolby Cinema puede brindarle una experiencia verdaderamente única y transformadora, en la que se conecta profundamente con la historia. Sentirás que estás entrando en la vida de los personajes y el mundo que el cineasta creó para ti “.

Debido a sus tecnologías patentadas, muchos cineastas y espectadores consideran Dolby Cinema como una de las mejores experiencias cinematográficas disponibles actualmente para ver de todo, desde grandes éxitos de taquilla hasta películas independientes de presupuesto medio.


La historia del Dolby Cinema

Fundada en la década de 1960, Dolby Laboratories siempre ha sido una marca heredada en tecnologías de compresión de sonido y reducción de ruido de audio. Sin embargo, aunque esos productos todavía se encuentran en su timonera, la compañía eventualmente pasaría al procesamiento de video.

A partir de ahí, Dolby se convirtió en un nombre mucho más reconocido en la industria. Con su tecnología de audio prioritaria ya instalada en cines y teatros de todo el mundo, y con los avances en la tecnología digital, la compañía eventualmente se aventuraría más en el cine digital. Dolby finalmente desarrolló su propio formato insignia con Dolby Cinema, que a su vez está asociado con AMC para una mayor implementación.

El primer Dolby Cinema se desarrolló e instaló en 2014 en Eindhoven, Países Bajos. Hoy en día hay más de 200, y contando, Dolby Cinemas completos en todo el mundo. Ese número es aún mayor cuando comienza a contar las pantallas habilitadas para Dolby Atmos.


¿Qué hace que Dolby Cinema sea tan genial?

La diferencia con Dolby Cinema en comparación con una experiencia de cine digital o estándar tradicional tiene que ver con muchos elementos. Sin embargo, el más importante tiene que ver con los proyectos láser. Para Dolby Cinema, estamos hablando de proyectos de láser modular 4K dual que pueden proyectar hasta tres veces la luminancia del 3D tradicional.

Este sistema de proyección láser Dolby Vision 4K produce una imagen nítida con mejor brillo, cobertura de color y contraste más nítido en comparación con otros proyectores de xenón que podría haber visto en los cines antes de Dolby Cinema. Dolby Vision también es flexible. Puede mostrar una variedad de combinaciones de resolución y velocidad de fotogramas, que incluyen:

  • 2K – 2D a 120 fps, 60 fps, 48 ​​fps y 24 fps
  • 4K – 2D a 48 fps, 30 fps y 24 fps
  • 8K – 2D a 48 fps, 30 fps y 24 fps

Junto con Dolby Vision, Dolby Cinema también incluye su formato de audio de sonido envolvente 3D único llamado Dolby Atmos. Esta función incluye hasta sesenta y cuatro altavoces (así como hasta 128 entradas de audio) para crear su icónico “muro de sonido” y ayudar a sumergir completamente a la audiencia en la experiencia del cine.

En general, Dolby Cinema ofrece uno de los formatos más envolventes para cineastas y espectadores por igual. Y como puede ver en el video anterior, si bien hay formatos grandes comparables para considerar, los éxitos de taquilla más ambiciosos siempre buscarán la mejor y más grande experiencia para atraer a los asistentes al teatro.


El futuro de los formatos de cine

Sin embargo, es fácil señalar que desde la introducción de Dolby Cinema en 2014, la industria cinematográfica siguió cambiando y evolucionando. Cada vez hay más competidores de gran formato, y solo a partir del reconocimiento del nombre, IMAX también atraerá a su propia audiencia.

Sin embargo, a raíz de los acontecimientos recientes, la industria también podría estar cambiando en nuevas direcciones que no favorezcan el gran formato y las grandes multitudes. Más bien, el futuro de los cines podría tener que estar en las salas de estar o posiblemente en la realidad virtual.

Y aunque Dolby Cinema sigue siendo una de las experiencias de gran formato más grandes y mejores disponibles actualmente, es importante que los cineastas se mantengan al día con estas tendencias y avances tecnológicos. El cine en sí siempre ha sido un reflejo de cómo la sociedad se comunica y evoluciona.


Para obtener más información y recursos de la industria, consulte estos artículos a continuación.

Shooting Darkness para “El hombre vacío”

PremiumBeat charla con el director de fotografía Anastas Michos sobre el rodaje con RED Monstro 8K en su último largometraje. Buceo en.

Si bien todos sabemos que la industria del cine se encuentra en un estado de cambio rápido, una cosa que siempre se mantendrá constante es cuánto le gusta al público un buen susto. Y, aunque es posible que muchas películas se retrasen en este momento, El hombre vacío, Escrito y dirigido por David Prior, ha llegado a los cines ofreciendo un agradable escape de regreso a la familiaridad del cine.

Pero disparar una función de terror de alto concepto no es solo diversión y juegos, por así decirlo. El terror presenta muchos desafíos únicos, desde los prácticos sobre los ISO de la cámara y la iluminación en entornos oscuros, hasta los psicológicos sobre cómo encontrar nuevas formas de asustar al público.

Charlamos con El hombre vacíoDirector de fotografía Anastas Michos sobre su proceso cinematográfico, así como sus consejos y conocimientos para irrumpir en la industria.


Los desafíos de establecer el estado de ánimo, el tiempo y el lugar

Hablar con Michos fue un verdadero placer. Como director de fotografía, tiene casi cincuenta créditos de DP a su nombre que van desde una amplia variedad de proyectos y géneros. Para la mayoría, sin embargo, podría ser más conocido por sus colaboraciones con directores como Milos Forman, Oliver Stoney Ron Howard, así como en algunas películas de renombre como Hombre en la luna, motosierra de Texas y La primera purga. Como ocurre con la mayoría de los cineastas que han tenido éxito durante años, le pregunté qué lo trajo a la industria.

Siempre he sentido que la realización de películas se trata de capturar la comunidad y la esencia de la experiencia humana universal. Y eso es lo que quería hacer y me dieron la oportunidad de viajar por el mundo cinematográfico. En lo que respecta a la cinematografía, aunque tengo un trasfondo musical, desde el principio reconocí que también me atraía mucho la narración visual y los desafíos de establecer el estado de ánimo, el tiempo y el lugar.

Son estos desafíos de la narración visual los que definen el oficio de la cinematografía como se puede ver a lo largo de la carrera de Michos, incluyendo El hombre vacío. Se necesita un buen ojo, así como una mente creativa y técnica para manejar la cinematografía de largometrajes de gran presupuesto.


Disparo digital con RED Monstro 8K

Fotografía: RED Monstro 8K

El RED Monstro 8K. Imagen vía RED.

Como muchos en la industria, a lo largo de su carrera Michos ha tenido que evolucionar de filmar películas a nuestro nuevo futuro digital. El hombre vacío no es diferente ya que Michos, que tiene toneladas de experiencia en alta resolución e incluso en la realización de películas digitales IMAX, rodó su última película de terror con la RED Monstro 8K. Aquí está su cámara completa y desglose del equipo, y por qué la producción eligió el Monstro 8K.

Fue filmado en anamórfico con lentes Panavision de la serie C, con una mezcla de posiblemente una lente de la serie G allí. Y lo filmamos en el Monstro 8K. El director, David Prior, es un protegido y amigo de David Fincher, y Fincher es un gran usuario y partidario de la cámara RED. Por lo tanto, nos influyó principalmente la familiaridad de nuestro director con esa cámara.

Al igual que con cualquier director y director de fotografía, la elección de la cámara y el formato con los que filmar es una decisión importante. También es uno que se realiza en estrecha colaboración, donde ambas partes tienen voz en cómo se debe capturar el metraje, así como cuáles son los objetivos finales de la producción. por El hombre vacío, que contó con algunas estrellas notables y un presupuesto decente, la Monstro 8K encajaba bien en función de la familiaridad y las preferencias del dúo por la cámara DSMC2.


Los desafíos de trabajar con la oscuridad

Cinematografía: The Empty Man

Con El hombre vacío Al ser filmado principalmente de noche, la elección de la cámara era primordial. Imagen a través de 20th Century Fox.

Junto a las muchas decisiones prácticas y técnicas que deben tomar un director de fotografía y un director que elige su cámara para una producción, se deben abordar los desafíos únicos de la película en sí. Michos y Prior sabían desde el principio que gran parte de El hombre vacío tendría lugar en algunos lugares clásicos llenos de terror: túneles oscuros y al aire libre por la noche. Michos habló sobre lo que buscaba en una cámara para estos desafíos, en concreto.

En general, con la cinematografía digital elijo una cámara por su apariencia y sensibilidad a la luz. En cine, haría lo mismo, pero con material cinematográfico. Entonces, con El hombre vacíoAl ser filmado principalmente de noche, fue una elección ir con esa cámara específica y con su ISO 800 nativo, que fue muy útil, específicamente en anamórfico, para obtener esas imágenes en esos espacios muy oscuros.

También es interesante observar cómo un director de fotografía experimentado maneja estas decisiones en función de si la película se rodará en película o digitalmente. Con la película, la decisión se basa sin lugar a dudas en el tipo de material de la película y el tipo de sensibilidad que puede manejar a la luz. Los principios son similares para lo digital. Sin embargo, Michos está analizando ISO y qué configuraciones podría ofrecer Monstro 8K para sus necesidades únicas.


El ritmo y la imprevisibilidad de disparar terror

Cinematografía: en el set

Rodaje El hombre vacío. Imagen a través de Anastas Michos y 20th Century Fox.

Como puede ver en el tráiler, El hombre vacío es mucho del género de terror. Y, para aquellos que han intentado filmar terror antes, el género puede ser accesible y problemático. Los mayores problemas con muchas películas tienen menos que ver con los aspectos técnicos y más con definir cómo funcionan las películas de terror y qué asusta a la gente.

Creo que para rodar una película de terror eficaz hay que entender las imágenes en movimiento. Literalmente, el hecho de que estamos creando imágenes que existen en el tiempo y el espacio. Una vez que tenemos esa comprensión, reconoce que los humanos reaccionan a lo impredecible, o reaccionan a lo que esperan, y luego tiene que cambiar eso. Es tanto como estudiar el ritmo de las películas de terror y lo que asusta a una persona, como la fotografía. Específicamente en términos de iluminación en cuanto a cómo lo logras.

Michos continúa aconsejando a los aspirantes a cineastas que buscan entrar en el horror que sus mejores pasos para aprender y mejorar serían devorar tanto contenido de terror como sea posible. Además, aunque Michos ha trabajado tanto en el género de suspenso, el terror en realidad puede ser mucho más satisfactorio porque su objetivo es siempre proporcionar una recompensa al final.


Asesoramiento para irrumpir en la industria

Cinematografía: The Empty Man

Michos atribuye su éxito al trabajo duro y a las tutorías. Imagen a través de Anastas Michos y 20th Century Fox.

Finalmente, aunque Michos estaba ansioso por hablar sobre sus proyectos más recientes y futuros, también ha tenido la suerte de trabajar en la industria durante décadas en una amplia variedad de proyectos, grandes y pequeños. Al ascender como operador de cámara, reconoce el trabajo duro y algunos mentores increíbles que lo ayudaron en el camino.

El consejo que tengo para los jóvenes cineastas es … perseverancia. Estudiar el oficio y conocer el oficio, y tener perseverancia para superar los obstáculos que podrían interponerse en su camino para los trabajos que desee, se superarán si es lo suficientemente tenaz. Las personas reconocerán tu habilidad y reconocerán tu talento y te darán un respiro.

Este consejo es válido para cualquiera que sea su pasión por el cine. Nadie comienza dirigiendo, filmando o actuando en películas de Marvel de $ 100 millones. En cambio, se necesita una combinación de entusiasmo y perseverancia para seguir y aprovechar al máximo cada oportunidad que se le presente.


Imagen de portada a través de Anastas Michos y 20th Century Fox.

Para obtener más entrevistas y consejos sobre cine, consulte estos artículos a continuación.

Las mejores soluciones de software de escritura de guiones gratuitas y de pago

Ya sea que esté escribiendo en un dispositivo Windows, macOS, Linux o Android, este es el software que necesita para escribir un guión, gratis y de pago.

Para empezar a escribir un guión, todo lo que necesitas es una idea y un lugar para poner una palabra tras otra. Aunque es posible escribir un guión en casi cualquier editor de texto, la escritura de guiones sigue sus propias reglas y formato. Screenwriting.io tiene una guía de formato excelente (aunque breve) para guiones estándar, pero el software de escritura de guiones dedicado es capaz de manejar el formato mientras usted, el guionista, transfiere esas grandes ideas al papel.

El mejor software de escritura de guiones que existe (el que utilizan los guionistas profesionales y las grandes empresas de producción) no es gratuito y muchos de ellos son exclusivamente para dispositivos macOS. De alguna manera, las computadoras macOS se han convertido en las máquinas de escribir guiones de facto, pero no hay de qué preocuparse. Muchas opciones de software de escritura de guiones son gratuitas, o al menos asequibles, y se ejecutan en Windows o incluso desde una pestaña del navegador. Los guionistas que trabajan en equipo pueden optar por un software que permita la colaboración en tiempo real, pero los guionistas en solitario, o aquellos con un presupuesto limitado, pueden trabajar en su Obra Maestra con cualquiera de las opciones gratuitas a continuación. Para encontrar la solución de escritura de guiones perfecta, consulte las opciones a continuación.


Gratis

Fuente

Software de escritura de guiones: Fountain
Fountain no es una aplicación, un software o un lenguaje de codificación, pero su sintaxis lo ayudará enormemente. Imagen de GoodStudio.

Me tomó un tiempo envolver mi cabeza Fuente, pero tuvo perfecto sentido una vez que lo hice. Los nuevos guionistas, especialmente, deben aprender a usar Fountain y desarrollar esa habilidad para proyectos futuros. Entonces, ¿qué es Fountain? Bueno, no es una aplicación, software o lenguaje de codificación.

Fountain es una forma sencilla de escribir guiones en cualquier editor de texto utilizando un conjunto de reglas claramente definidas. Si se usa correctamente, el texto sin formato se convierte en un guión. Para explicar lo fácil que es de usar, puede abrir la aplicación gratuita Bloc de notas de Windows y comenzar a escribir usando la sintaxis para formatear el guión. Sintaxis de Fountain es sencillo: puede aprender los elementos básicos en unos minutos. La mayoría de los usuarios solo necesitarán recordar la sintaxis básica para un formato adecuado, pero también existen reglas avanzadas para aquellos que quieran aprovechar al máximo Fountain. A continuación se muestran los conceptos básicos:

  • Para crear un encabezado de escena, comience una oración con EN T, EXT, u otras palabras aplicables.
  • Agrega un elemento de carácter escribiendo el nombre del personaje completamente en mayúsculas después de una línea vacía y continúa con una línea de diálogo en la siguiente línea.
  • Cree un diálogo escribiendo el diálogo después de un elemento de carácter o paréntesis.
  • Para crear transiciones como CORTAR A: tipo A: después CORTAR—Debe estar en mayúsculas con una línea clara antes y después.

Fountain hace que la escritura de guiones esté disponible para cualquiera que tenga un editor de texto y un teclado, y El latido previó esto como el futuro de la escritura de guiones hace seis años. Abra el editor de texto que prefiera y comience a jugar con Fountain para aprender lo básico. Después de terminar, guarde el archivo que termina con .fuente y convertirlo usando Después de escribir, Guion, o, si tiene un dispositivo macOS, Tierras altas.

Dúo de escritores

Software de escritura de guiones: Writer Duet
Todas las herramientas necesarias se pueden seleccionar en la barra lateral, pero también hay teclas de acceso rápido fáciles de memorizar para agilizar aún más el proceso de escritura. Imagen vía Dúo del escritor.

En cuanto a las opciones gratuitas, Dúo de escritores es uno de los mejores. La versión gratuita del software es una herramienta de escritura de guiones completa que funciona en casi todos los navegadores, con la capacidad de exportar a varios tipos de archivos. Puede exportar a Fountain y trabajar en otro editor de texto o exportar el archivo como PDF, que convierte su trabajo, la página de título y todo, en un guión; otros tipos de archivos incluyen Celtx, Final Draft, Docx y RTF.

Como usuario por primera vez, Writer Duet proporciona una guía sucinta de formato de escritura de guiones, y luego se va a las carreras. Escribir un guión en Writer Duet es una experiencia optimizada, con muchas funciones inteligentes útiles que recomiendan personajes, escenas, títulos y otras palabras de uso frecuente que se han usado anteriormente.

Writer Duet tiene una práctica barra lateral con herramientas de formato. Sin embargo, la aplicación también utiliza teclas de acceso rápido para las mismas herramientas: (a) cción, (c) carácter, (d) diálogo, (s) encabezados cene,

Aquellos que quieran proyectos o colaboradores ilimitados deben buscar en el nivel “Plus”, que cuesta $ 5 / mes. También hay dos niveles de suscripción de pago más. Sin embargo, para los guionistas en solitario con un presupuesto limitado, la versión gratuita de Writer Duet es suficiente.

Kit Escenario

Software de escritura de guiones: Kit Scenarist
Kit Scenarist es uno de los softwares de escritura de guiones más mínimos disponibles en Windows, que promete un entorno sin distracciones óptimo para escribir. Imagen vía Kit Escenario.

Este software de escritura de guiones de fabricación rusa se puede descargar y utilizar de forma totalmente gratuita. La versión “Pro” del software no ofrece ninguna característica adicional, pero realiza copias de seguridad de proyectos en la nube. La conclusión es que no tiene que pagar por ello, pero puede donar algunos dólares al creador a través del sitio web.

A diferencia de otros programas o aplicaciones de esta lista gratuita, Kit Escenario es una aplicación solo para escritorio. El software es compatible con Windows, macOS y varias de las distribuciones de Linux más populares, como Ubuntu y Debian. Incluso puede funcionar en una Raspberry Pi con el sistema operativo Raspberry Pi, ya que está basado en Debian. Los propietarios de Chromebook inteligentes también pueden usar Kit Scenarist activando la función Linux (Beta), que ejecuta Debian.

Probé Kit Scenarist en Windows y disfruté de tener un software de escritura de guiones fuera de línea dedicado para eliminar todas las distracciones. La opción de usar el software en modo oscuro es una de mis cosas favoritas, aumentando su valor entre los noctámbulos. La pestaña de escritura de guiones es la atracción principal, pero las pestañas “Investigación” y “Tarjetas” también son útiles. En el Investigación pestaña, puede escribir antecedentes sobre personajes y ubicaciones, escribir una sinopsis y agregar archivos multimedia. los Tarjetas La pestaña funciona como un guión gráfico. Esta pestaña crea una tarjeta virtual para cada escena en el guión y fija las tarjetas en un tablero de corcho. los Guión La pestaña también tiene una práctica barra lateral de escenas para navegar hacia adelante y hacia atrás entre escenas.

Kit Scenarist no tiene ninguna herramienta de corrección de texto, la capacidad de colaborar con varias personas en línea o una forma de exportar a diferentes tipos de archivos. Pero, es útil para lo que hace, especialmente al bajo precio de GRATIS. Si está buscando un software de escritura de guiones simple con funciones de guión gráfico ligeras, vale la pena echarle un vistazo.

Solo DubScript (sistema operativo Android)

Software de escritura de guiones: DubScript
DubScript podría ser la respuesta para cualquiera que desee escribir en sus teléfonos. Imagen de Generación visual.

Si bien existe la creencia de que todos los guionistas pasan su tiempo en cafeterías escribiendo en costosos Macbooks, ese no es el caso de todos. El acceso a una determinada computadora no debería ser un impedimento para escribir un guión, especialmente para los guionistas jóvenes que buscan aprender lo básico. Si bien puede ser más fácil escribir con un teclado completo conectado a una computadora o tableta, DubScript les da a todos la oportunidad de escribir un script desde su teléfono Android. Nuevamente, los usuarios de Chromebook pueden descargar esta aplicación si su máquina es compatible con Android, lo que la convierte en un software perfecto y económico para casi cualquier persona. La aplicación es completamente funcional con el teclado de la pantalla táctil de un teléfono o tableta. Aún así, recomiendo comprar un teclado Bluetooth asequible para maximizar la productividad. Por ejemplo, este Teclado Logitech es portátil y tiene Bluetooth por alrededor de $ 50.

La aplicación usa Fountain, por lo que deberá repasar la sintaxis para usar DubScript correctamente. DubScript no hace el trabajo de formato por usted, pero le sugerirá correcciones para los títulos de las escenas si no están en mayúsculas. Puede guardar el script como HTML, Fountain o Archivo de borrador final, y también puede exportar el script terminado a un archivo PDF directamente desde la aplicación. Una cosa que DubScript hace bien es que puede cambiar entre las pestañas “Escribir” y “Leer”, y la última le muestra la versión formateada de la primera. Debido a esto, puede ver si su secuencia de comandos tiene el formato adecuado antes de exportar.

La aplicación se puede descargar y usar de forma gratuita, pero hay anuncios. Los anuncios aparecen solo en la pestaña de escritura y no en la pestaña de lectura, y también se agrega un logotipo “DubScript” a los archivos exportados. Para eliminar anuncios y el logotipo en archivos PDF, los usuarios pueden pagar $ 0,99 al mes o $ 9,99 al año. Aunque esta no es mi primera opción, es la única opción para aquellos que solo tienen un teléfono Android. Un caso de uso que encuentro probable es transferir un archivo Fountain a DubScript para que funcione en un viaje en avión u otro escenario en el que tener una computadora no es lo ideal. Y, si le preocupa perder su archivo, no lo esté. Puede cargar y hacer copias de seguridad en Dropbox y Google Drive.

Texto sublime 3

Software de escritura de guiones: texto sublime
Con la sintaxis de Fountain seleccionada en el menú de configuración, Sublime Text es un competidor serio para aquellos que buscan un software de escritura de guiones gratuito. Imagen vía Texto sublime.

Mi conocimiento de la codificación no va más allá del uso de HTML para crear los sitios web más simples. Sin embargo, yo se que Texto sublime es uno de los mejores editores de texto para codificadores. Entonces, ¿qué tiene que ver la codificación con escribir un guión? A menos que esté escribiendo un guión que tiene lugar en Silicon Valley, no mucho, pero los editores de texto para la codificación también pueden escribir guiones con Fountain.

Sublime Text se puede descargar y usar de forma gratuita, y puede escribir un guión con Fountain. Como se mencionó anteriormente, Fountain es un conjunto simple de reglas para escribir guiones. Para que Fountain funcione en Sublime Text, tendrás que descargar un paquete. Una vez que instalé el paquete Fountainhead en Sublime text, seguí las reglas de Fountain para escribir una muestra. Funcionó perfectamente. Probé el archivo convirtiéndolo a PDF, y eso también funcionó bien. Si bien Sublime Text es gratuito y sencillo, carece de todas las funciones de formato inteligente que se encuentran en otros software, lo que dificulta su uso para los usuarios de Fountain por primera vez.

Google Docs con Fountain Tools

Software de escritura de guiones: Google Docs
Para ver cómo se verá el texto cuando se exporte, puede abrir la ventana de vista previa, que es una función proporcionada por Fountain Tools, un complemento gratuito de Google Docs. Imagen vía Herramientas de fuente.

Yo creo que Documentos de Google es uno de los mayores inventos de nuestro tiempo. He usado Docs. Era un estudiante universitario en quiebra escribiendo artículos en una Chromebook barata. Google Docs hace mucho por nada de dinero, y está disponible para usar en cualquier dispositivo con un navegador; si funciona en una Raspberry Pi de $ 50, puede funcionar en cualquier cosa. Pero, a pesar de todo lo bueno que hace, no es la mejor herramienta para escribir guiones.

Excepto, es decir, gracias a un ingenioso complemento de Google Docs llamado Herramientas de fuente.

Fountain Tools ayuda a los usuarios que quieran utilizar Fountain a escribir guiones en Google Docs. El complemento solo hace dos cosas: previsualizar y exportar a PDF. Lo probé y ambas funciones funcionaron bien. Al exportar, Fountain Tools no permite a los usuarios seleccionar el destino, pero encontré el archivo PDF exportado en la página de inicio de mis Documentos de Google.

El uso de Google Docs para escribir un guión probablemente no sea la primera opción para muchos, ya que carece de funciones específicas del guión, pero Google Docs realiza constantemente copias de seguridad de los archivos en la nube, lo que garantiza que su guión nunca se pierda. Mejor aún, puede agregar colaboradores al archivo para que trabajen con usted simultáneamente o dejar comentarios y ediciones. Siempre que conozca Fountain, Google Docs le permite escribir guiones desde cualquier dispositivo con un navegador.


Pagado

Borrador final

Software de escritura de guiones: Borrador final
Una de las potencias de la escritura de guiones, Final Draft tiene algunas características únicas y poderosas. Imagen vía Borrador final.

Existe una gran posibilidad de que su película favorita se haya escrito con Borrador final. Es solo el software de escritura de guiones profesional más utilizado en la industria, con una etiqueta de precio equivalente. Para un guionista profesional, $ 250 por software de escritura de guiones es el costo de hacer negocios, pero los artistas con dificultades pueden no tener los fondos. El precio, sin embargo, no es inmerecido. Este software contiene varias funciones útiles, algunas de las cuales no están disponibles en software de la competencia.

Una de sus características más útiles es la capacidad de colaborar en un guión en tiempo real, lo que permite que los guionistas y otro personal de producción resuelvan ciertos aspectos de un guión dentro del software. “SmartType” es otra característica excelente que puede completar automáticamente los nombres de los caracteres, ubicaciones y otras palabras de uso frecuente. Hay demasiadas funciones en Final Draft para repasar, pero es el estándar de la industria por una razón. Si bien los guionistas en solitario pueden querer ceñirse a una de las opciones gratuitas o más asequibles, Final Draft es la opción para el escritor que lo quiere todo, independientemente del precio. Si es lo suficientemente bueno para J.J. Abrams, que utilizó Final Draft para escribir el guión de Star Wars: El despertar de la fuerza, entonces es lo suficientemente bueno para cualquiera.

Celtx

Software de escritura de guiones: Celtx
Escribir un guión es gratis en Celtx, pero otras funciones avanzadas están bloqueadas detrás de un muro de pago. Imagen vía Celtx.

Para los guionistas que quieren algo más que un software de escritura de guiones, Celtx es una buena opción. Es posible escribir un guión dentro de Celtx, pero, si simplemente estás escribiendo un guión, creo que Writer Duet es una mejor opción. Donde Celtx brilla, y donde se diferencia principalmente de las aplicaciones de escritura de guiones, es su conjunto completo de herramientas de planificación y programación.

Celtx es básicamente la G-Suite de Google para empresas de producción. Es un centro central que alberga listas de tomas, hojas de llamadas, guiones, presupuestos y todo lo demás. Una vez que complete un guión, puede comenzar a planificar el rodaje abriendo el Lista de disparos ventana. Esto abre el guión, lo desglosa escena por escena y abre una ventana con muchos cuadros de texto para planificar la toma. los Presupuesto window es una práctica hoja de cálculo en la que puede desglosar el costo de todo, desde el talento hasta el equipo de producción, el equipo de cámara y todos los demás gastos.

Si bien muchos guionistas pueden necesitar un editor de texto simple, Celtx es un conjunto completo de herramientas de producción. Sin embargo, la versión gratuita ofrece solo las características más esenciales. Querrá suscribirse a uno de los niveles pagos para aprovechar al máximo el software.

Highland 2

Software de escritura de guiones: Highland 2
La interfaz optimizada de Highland 2 es perfecta para los escritores que desean minimizar las distracciones. Imagen vía Highland 2.

Hay más de unas pocas opciones para el software de escritura de guiones solo para macOS. Sin embargo, Highland 2La interfaz de usuario mínima y las opciones gratuitas lo distinguen de la competencia. A diferencia de otros programas de escritura de guiones, la versión gratuita de Highland 2 desbloquea todas las funciones y no establece un límite de tiempo ni de páginas. Puedes usar Highland 2 gratis durante el tiempo y tanto como quieras, pero hay una pequeña trampa. Al exportar con la versión gratuita, Highland 2 estampa cada página con una marca de agua. Afortunadamente, la versión paga de Highland 2 elimina la molesta marca de agua al exportar a PDF.

El enfoque de Highland 2 para la escritura de guiones es mínimo, lo que atraerá al escritor que se distrae fácilmente. El “Sprint Timer” que establece un temporizador para escribir sin distracciones también es una característica interesante. Y con las funciones inteligentes, Highland 2 reconoce escenas, transiciones, personajes y ubicaciones, lo que ahorra tiempo a los usuarios. Seleccionando Ir a vista previa, Highland 2 convierte el texto escrito en una vista previa de un guión, donde puede verificar su trabajo antes de exportar. Mientras que Highland 2 usa el archivo .highland formato, puede importar archivos PDF, Final Draft y FDX. Screenwriting.io recomienda Highland 2 para convertir archivos Fountain en PDF.

Highland 2 es eficiente, simple y asequible, y una de las mejores opciones para los usuarios de macOS. Aquellos que se distraen con facilidad deben mirar en Highland 2. Y, la función Sprint Timer, que toma prestada de la Técnica Pomodoro, es la herramienta perfecta para los escritores a los que les gusta trabajar en ráfagas muy concentradas. Aunque Highland 2 carece de muchas de las funciones avanzadas de Final Draft, Celtx y Fade In, sigue siendo un software querido por muchos.

Quizás la característica más singular que se encuentra en Highland 2 es “Análisis de género”, que rastrea el género de todos los personajes dentro de un guión. Esta herramienta desglosa su guión en porcentajes, contando el número de veces y el número de palabras pronunciadas por cada género. Con la conciencia de la inclusión en Hollywood en su punto más alto, esta característica por sí sola la convierte en una recogida que vale la pena y puede ayudar a los escritores a ver su prejuicio no percibido cuando se trata de género.

Alternativas de macOS: Línea de bala, Logline

Fundirse

Software de escritura de guiones: Fade In
Cuando se escribe en el modo “Pantalla completa mínima”, Fade In oculta la interfaz, lo que la hace perfecta para los escritores que desean un entorno de escritura silencioso. Imagen vía Fundirse.

Déjame empezar diciendo que Rian Johnson usado Fundirse escribir lo espectacular Cuchillos fuera, película que fue nominada a los Premios de la Academia al Mejor Guión Original. Fade In probablemente no tuvo nada que ver con la nominación de la película al Mejor Guión Original, pero también no lo hizo no tiene nada que ver con eso. El software de $ 80 cuesta mucho menos que Final Draft, y su compra única lo hace más viable financieramente que Celtx u otro software basado en suscripción. Fade In también está disponible en todas las plataformas principales, incluidas Android, iOS y varias distribuciones de Linux.

A un precio asequible, Fade In tiene las funciones avanzadas que los guionistas necesitan: colaboración en tiempo real, mecanografía autocompletada, almacenamiento en la nube, soporte para varios formatos de archivo y más. Fade In tiene las mejores partes de Final Draft a una fracción del costo, y hay un Versión de demostración disponible para descargar de forma gratuita como incentivo para los usuarios potenciales. Pruébelo y compruébelo usted mismo.


Tienes que empezar en alguna parte

Aunque un buen software de escritura de guiones puede facilitar la escritura de un guión, se necesita más que un editor de texto para escribir algo atractivo. Recomiendo encarecidamente visitar Internet Movie Script Database (IMSDB), donde puedes leer guiones gratis y aprender cómo lo hacen los mejores guionistas de la industria. Un profesor mío dijo que la única forma de mejorar en la escritura es leyendo tanto como sea posible, y es el mejor consejo de escritura que he recibido.

Mientras investigaba este artículo, decidí escribir un guión corto propio usando la versión de Writer Duet, que puede leer aquí. Simplemente elija una idea y comience a escribir una palabra a la vez. Muy pronto, tendrás un guión terminado.


Imagen de portada vía pashabo.

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