DeAnna McGrone aporta su perspectiva distinta al mundo de la música de archivo y espera ayudar a otros creativos emergentes en el camino.
DeAnna McGrone siempre amó la música: comenzó a tocar la flauta en la escuela secundaria y participó en competencias de solistas y conjuntos, pero nunca pensó en ello como una opción de carrera viable.
“Al crecer, solo éramos mi mamá, mi hermana y yo”, dice McGrone, “y cuando fui a la universidad, mi mamá realmente me animó a estudiar. [something practical] eso conduciría a un trabajo más ‘profesional’”.
En la Universidad del Norte de Colorado, McGrone se especializó en psicología y estaba en camino a una carrera en justicia penal, pero su amor por la música nunca desapareció.
“En la universidad, salía con estos muchachos que producían sus propias pistas en Ableton y FL Studio”, dice. “Los escuchaba tocar su música y, un día, el compañero de cuarto de mi amigo me dijo: ‘Parece que realmente te gusta esto. ¿Quieres intentarlo? me consiguió un [pirated] versión de FL Studio y me obsesioné. Iba a la escuela durante el día y luego trabajaba en mi música por la noche”.
Aunque continuó sus estudios y se graduó en 2014, finalmente se dio cuenta de que una carrera en justicia penal no era para ella. Consiguió un trabajo en iHeartMedia trabajando como asistente de camarógrafo y fotógrafo y pronto pudo convertir eso en un concierto regular de DJ.
“Yo pincharía su festival anual de whisky y su LovePup Family Fest, muchos eventos familiares extravagantes”.
No era exactamente el trabajo de sus sueños, pero fue un paso en la dirección correcta y continuó creando su propia música.
Entonces llegó la pandemia.
Ganador del Fondo Crear, DeAnna McGrone.
“Ya no hacían eventos, así que los DJ como yo obtuvimos el hacha”, dice ella.
Desempleado y aún viviendo en Colorado, McGrone, que produce bajo el nombre de Low Key D, se sintió estancado.
“Me encanta la música, pero me di cuenta de que realmente no sabía nada sobre el negocio de la música”, dice. Entonces, siempre emprendedora, comenzó a tomar cursos de negocios en línea a través de Berklee College of Music, mientras descubría su próximo paso.
Luego, su esposo recibió una oferta de trabajo que no pudo rechazar y, de repente, los dos se fueron a Seattle. “Todo sucedió muy rápido”, dice ella.
Sin embargo, el cambio de escenario era justo lo que McGrone necesitaba, y la escena musical de Seattle resultó ser mucho más receptiva a su sonido de lo que había sido Colorado.
“Toco mucha música house”, dice, “así que siempre sentí que era una minoría en Colorado, pero en Seattle era todo lo contrario”.
Comenzó a asistir a espectáculos locales de EDM y se unió a un grupo de jóvenes DJ y productores de música electrónica llamado Codex Collective. Encontró un hogar para su producción musical y pudo usar lo que estaba aprendiendo en sus cursos de negocios en línea para ayudar al grupo a monetizar.
Aun así, sabía que necesitaba seguir buscando oportunidades comerciales para ella. “Vi que Shutterstock estaba buscando contenido nuevo para su biblioteca de música y apliqué”, dijo.
Reconociendo su talento y deseando alentarlo, su contacto en Shutterstock le sugirió que se presentara al Create Fund de la empresa, que otorga subvenciones a los creadores emergentes de POC y les enseña los entresijos del mercado de contenido de acciones.
McGrone recibió $10,000 y fue contratado para producir cinco pistas originales para biblioteca de Shutterstock. El proceso fue esclarecedor.
“Aprendí mucho”, dice ella. “Cómo mantener un cronograma y cumplir con los plazos, cómo preparar mi música para la radio y cómo recibir comentarios y usarlos para mejorar en mi oficio. Me enseñaron cómo hacer que algo no suene como si fuera un bucle y cómo escuchar si algo está demasiado comprimido, que son dos cosas importantes con las que luché antes. Tener a alguien que realmente escuche mi trabajo y luego diga: ‘Esto es lo que está mal. Esto es lo que podría mejorarse’, fue un cambio de juego para mí».
Como mujer de color en una industria dominada por hombres, McGrone a veces se ha sentido aislada.
“Cuando comencé a producir, sabía de quizás tres o cuatro [other women] trabajando con FL Studio”, dice, “e incluso ahora, probablemente solo tengo tres o cuatro amigas que están seriamente involucradas en la producción”.
McGrone a menudo se encuentra a sí misma como la única mujer en la habitación y tiene que luchar para que sus colegas masculinos la tomen en serio.
“A veces, voy a una sesión de estudio y tengo que reiterar una y otra vez para [the male producer I’m working with] que esta es una relación estrictamente profesional en un entorno profesional y debemos actuar como profesionales. Es difícil, porque no quiero ser una manta mojada, pero encuentro que tengo que repetirme una y otra vez. [to be heard].”
Aún así, vale la pena luchar por ella, no solo porque ama la música, sino porque sabe cuán única es su perspectiva. “No ves muchas mujeres negras en EDM”, dice ella.
Y, si bien no tenía a nadie como ella que la guiara cuando estaba empezando, espera ser esa persona para los demás y encuentra alegría al presentar a los amantes de la música que conoce en sus shows las artes gemelas de ser DJ y producir.
En cuanto a su propia carrera, «realmente quiero llevar mi música a la televisión, las películas y los videojuegos, y realmente construir un catálogo del que pueda estar orgullosa», dice.
¿El trabajo de sus sueños?
“Me encantaría trabajar en la banda sonora de un anime popular. Algo como Asesino de demonios que tiene una audiencia tan grande. Quiero trabajar en algo que le hable a la gente y realmente ponerle mi sello”.
Ciertamente está en el camino correcto y, en este punto, incluso su madre se ha reconciliado.
“Estaba bien con que ella no me apoyara cuando comencé porque sabía que esto era lo que quería hacer”, dice, “pero ahora está orgullosa de mí y la escucho alardear de mí ante la gente. No sé qué cambió, pero me alegro de que lo haya hecho”.
Descubra más ideas creativas:
Obtenga la licencia de esta imagen de portada a través de Swill Klitch y briddy.
Ya sea que esté creando una escena melancólica en un bosque profundo o necesite un césped verde exuberante y puestas de sol, estos 13 HDRI de bosque GRATUITOS tienen lo que está buscando.
Una de mis cosas favoritas de trabajar en CG es cómo puedes tomar tu entorno y las cosas que te encuentras en la vida y encontrar formas interesantes de incluirlas en tu trabajo. La captura de mapas de luz HDRI con una cámara 360 es un ejemplo perfecto de esto. Cada vez que estés en el mundo y notes patrones interesantes de luz, o un cierto estado de ánimo y tono creado por tu entorno, simplemente saca una cámara 360 y captúrala para usarla con tus renders. Así es exactamente como creamos estos HDRI de bosque GRATUITOS.
Una cosa que he notado al revisar los sitios de HDRI es que a menudo se alejan de los árboles y los objetos con el potencial de crear mucho movimiento. Esto se debe a que para hacer un HDRI efectivo, debe unir y fusionar varias exposiciones del mismo lugar, y si el viento sopla alrededor de la hierba o los árboles, se obtiene algo de «efecto fantasma».
Sin embargo, para mí, todos los HDRI realmente deberían usarse para reflejos e iluminación. Si tiene una escena en la que el HDRI es tan visible y central en la escena que un poco de efecto fantasma o artefacto lo arruina todo, probablemente esté confiando demasiado en su HDRI.
Una selección de algunos de los diferentes looks incluidos.
Como resultado, siempre me ha resultado difícil encontrar buenos HDRI forestales. Se ve especialmente bosque profundo. Esto es lo que me puso en la misión de ir y tomar algunos de los míos para regalar aquí.
Entonces, disfrute de estos HDRI GRATUITOS que capturé en algunas caminatas y viajes de campamento diferentes.
Al descargar este paquete HDRI forestal GRATUITO, acepta no revender ni redistribuir estos activos.
¿Qué es un HDRI?
Uno de mis looks favoritos personales de este paquete.
Por lo tanto, si no está familiarizado con CG o VFX, es posible que no esté familiarizado con el concepto de HDRI, especialmente en lo que se refiere al diseño generado por computadora. Entonces, ¿qué es exactamente un HDRI?
HDRI significa Imagen de alto rango dinámico, que realmente puede significar muchas cosas en diferentes contextos. Pero, en este contexto, se refiere a una imagen sin procesar de 360 grados que contiene una cantidad extrema de detalles de luz desde el extremo superior del espectro hasta el extremo inferior.
Un HDRI perfecto puede ir desde casi negro hasta completamente apagado.
Para hacer un HDRI, toma diferentes exposiciones de una escena a varias velocidades de obturación para capturar la mayor cantidad de información de luz posible. Luego, cuando toma esa información en el software CG de su elección, agrega este mapa de entorno a una luz de cúpula o esfera, y permite que ilumine su escena.
Cuando se hace correctamente, esto proporcionará una tonalidad y sombras extremadamente realistas en su sujeto.
Con este HDRI, la estatua recibe una fuerte luz de fondo con una atenuación natural.
Al crear renderizaciones fotorrealistas, en casi todos los casos, tendrá un punto de partida más realista si comienza el proceso con un HDRI. Con fotorrealismo, el nombre del juego es introducir lo suficiente de esa aleatoriedad natural que ocurre cuando la luz comienza a rebotar por todas partes. Incluso si aumenta sus escenas con muchas luces generadas por computadora, seguirá ayudándose mucho si comienza con una capa base HDRI.
Cómo usar HDRI
Cómo usar un HDRI en Blender.
Para usar un HDRI, necesitará ingresar a algún software CG como Licuadora, Cine 4Do uno de la larga lista de otros (Maya, 3DS Max, Unreal, etc.).
En general, es bastante sencillo, pero el proceso es diferente para todos los software y renderizadores (como Redshift, Octane, Cycles, etc.).
Independientemente del paquete 3D que elija, los HDRI mejorarán sus renderizados en casi todos los casos. Simplemente agregan ese intangible poco de realismo a cada escena.
Un pequeño render junto con el HDRI llamado «LakePath».
Entonces, sal y haz algunos renders de mal humor al aire libre. Me he divertido mucho jugando con este paquete, y espero que tú también.
Para obtener más artículos inspiradores en tecnología, consulte estos:
El fotógrafo y cineasta Omid Razavi habla sobre su trayectoria artística y su pasado, profundizando en su relación íntima con el arte.
Omid Razavi es un fotógrafo y cineasta con sede en Los Ángeles, California. Nacido en Teherán, Irán, Razavi vino a Estados Unidos para estudiar cine en contra de los deseos de su familia y desde entonces se ha labrado una vida como artista con un enfoque en contar las historias de personas discapacitadas delante y detrás de la cámara.
Shutterstock: ¿Cómo te interesaste por primera vez en la fotografía y el cine?
Crear Fondo Ganador Omid Razavi
Omid Razavi: Nací con parálisis cerebral, por lo que la mitad de mi cuerpo está paralizado y sufro de espasticidad muscular severa.
Cuando era niño, en Teherán, no podía correr y jugar los juegos que otros niños jugaban debido al dolor. [my condition caused]así que pasaba la mayor parte de mi tiempo en casa, viendo películas.
Les dije a mis padres que quería hacer películas, pero dijeron: «No necesitamos un artista en la familia». Querían que estudiara informática o medicina, pero siempre se me dieron mal las matemáticas.
SSTK: ¿Qué hacen tus padres?
razavi: Mi padre es arquitecto con dos doctorados y mi madre es trabajadora social jubilada. Todos mis primos tienen doctorados, así que es como si yo fuera la única persona en mi familia sin uno.
SSTK: Entonces, ¿los desafiaste y fuiste a la escuela de cine de todos modos?
razavi: No de inmediato. Quería hacer películas, pero mi amigo me dijo que el primer paso para convertirme en un gran cineasta era aprender sobre fotografía. La fotografía es la base del cine, me dijo, así que tomé prestada la cámara de mi padre y comencé a tomar fotografías.
Obtenga la licencia de este video a través de Omidvar.
SSTK: ¿Te prestó su cámara?
razavi: Él no sabía que lo tomé prestado. Un día vino a buscarlo y me preguntó si lo había visto. Dije que no. Nunca.»
La cámara era de la universidad donde enseñaba y acabó pagándola.
SSTK: ¿Cuándo empezaste a tomar clases?
razavi: Nadie pensó que podría hacerlo, así que, al principio, me enseñé solo. Haría mis propios experimentos y luego miraría las fotos, encontraría los problemas, luego volvería a tomar la foto y trataría de solucionarlos.
Eventualmente, tomé un curso intensivo de fotografía de seis meses en una escuela en Teherán, donde aprendí sobre luces y filtros y cosas por el estilo, aunque la mayoría de las lecciones eran cosas que ya había aprendido por mi cuenta.
Sin embargo, tenía muchas ganas de ser cineasta, así que decidí dejar Irán y me matriculé en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.
Obtenga la licencia de este video a través de Omidvar.
SSTK: Esa es una escuela increíblemente prestigiosa, pero no necesariamente pienso en ella como un destino para aspirantes a cineastas.
razavi: Sí, están mucho más enfocados en el arte experimental y la teoría, en lugar de los aspectos prácticos de hacer películas. Entonces, durante los veranos, tomé cursos de cine en UCLA.
Después de un par de años, transfirí mis créditos al Colegio de Artes de California, donde obtuve mi título en cine, antes de mudarme a Los Ángeles.
Obtenga la licencia de este video a través de Omidvar.
SSTK: Y sin embargo, la mayor parte de tu trabajo es en fotografía, no en cine, ¿verdad?
razavi: Bueno, hacer una película requiere mucha gente y es muy exigente físicamente. Tenía muchas ganas de ser director de fotografía, pero mi discapacidad me impide manejar el equipo.
La fotografía está muy cerca de la cinematografía y es algo que puedo hacer de manera más independiente. Y me encanta la forma en que puedes contar una historia con una sola fotografía.
Durante un tiempo, pensé que me centraría en la fotografía detrás de escena y de arte clave, y todavía me gustaría hacer más de ese trabajo, pero con el tiempo, me interesé cada vez más en la fotografía de retratos. Y, siendo miembro de la comunidad de personas con discapacidad, me interesé en crear trabajo en torno a eso.
Obtenga la licencia de este video a través de Omidvar.
SSTK: ¿Cómo ha sido trabajar con Shutterstock a través de The Create Fund?
razavi: Realmente me ha permitido colaborar más y crear más trabajo en torno a las personas con discapacidad.
Después de obtener la subvención, realmente comencé a mirar los videos en Shutterstock para ver qué faltaba allí y noté una falta de contenido sobre personas con discapacidades físicas, particularmente en deportes y entretenimiento.
SSTK: ¿Cuál es tu sueño para el futuro?
razavi: Realmente me gustaría hacer más fotografía de arte clave y fotografía detrás de escena. Y, por supuesto, mi verdadero sueño siempre ha sido ser cineasta. Pero, creo que sucede en la vida que, en el camino hacia un sueño, descubres que tal vez eres mejor en otras cosas o que eres capaz de hacer lo que quieres de una manera diferente.
A medida que cambio mi atención cada vez más hacia la fotografía, me he dado cuenta de que todavía puedo contar las historias que quiero contar, solo con una sola imagen. Y, en cierto modo, creo que la fotografía es más accesible que el cine porque se puede consumir en cualquier lugar, en cualquier momento, y eso me encanta.
Obtenga la licencia de la imagen de portada a través de este video de Omidvar.
Estos LUT se fabricaron con cuidado para dar a tus tomas el aspecto estilizado que buscas. Descárgalos ahora GRATIS.
Últimamente he estado jugando con algunas herramientas de corrección de color de las que soy un gran admirador. Hay una nueva herramienta de corrección de color llamada Fotón de Color.io que tiene un conjunto completo de técnicas interesantes para crear tus propios LUT personalizados. he tenido bastante divertido experimentar con él. Es una herramienta que le permite ver y manipular sus colores en un espacio visualizado en 3D, sin necesidad de nodos o enmascaramiento excesivo. Es muy divertido. También tienen otra herramienta llamada Fósforo, que también es una herramienta fenomenal. Le permite cargar sus propias imágenes y asignar los colores a una tabla de búsqueda (LUT) que puede usar en cualquier lugar.
Mientras jugaba, creé algunos looks que son agradables para ciertas ocasiones y pensamos: ¿Por qué no regalarlos gratis? Aqui estamos.
Construí estos LUT mientras trabajaba en algunos proyectos diferentes, por lo que los colores se desarrollaron para escenas específicas. Se agregaron principalmente a imágenes de la Cámara de cine de bolsillo Blackmagic 6Kpor lo que si está utilizando la ciencia del color de Blackmagic, las LUT no deberían necesitar muchos ajustes.
Cuando se agrega a otras curvas de registro (F-LOG, C-Log, S-Log, etc.), es posible que deba bajar la intensidad de la LUT o ajustar algunas otras configuraciones para que funcione. solo bien. Simplemente experimente con ellos usted mismo y vea qué aspecto puede obtener.
Haga clic a continuación para descargar estos LUT GRATIS.
Al descargar este paquete de LUT GRATUITO, acepta no revender ni redistribuir estos activos.
Cómo usar LUT
Todos nuestros LUT gratuitos son archivos .CUBE en 3D, lo que significa que funcionan en una variedad de NLE y programas de gradación de color. Una vez instalado, puede aplicar estos grados de color con un solo clic en Premiere Pro CC, FCPX, After Effects CC, DaVinci Resolve y más.
En el video anterior, Robbie Janney explica cómo cargar LUT y probarlos.
Lo más importante a tener en cuenta es que estos LUT se diseñaron para material de archivo de registro. Esto significa que funcionan bien principalmente en tomas con un aspecto más plano. Por lo tanto, si está disparando en una curva de color más estándar, estos LUT potencialmente se verán demasiado duros.
La mayoría del software de edición tiene la opción de subir o bajar la intensidad de las LUT. Si este es el caso, eso es todo lo que necesita hacer si su metraje está en REC709, o algo similar.
Looks variados para diferentes tipos de escenas
Hay una búsqueda de varias situaciones incluidas en esta descarga. Desde una escena matutina azul y nítida hasta un bosque verde y exuberante, aquí hay diferentes looks para la mayoría de las ocasiones. Al igual que con la mayoría de los LUT, muchos de estos looks se basan en escenas de películas que me gustan o en películas que siempre busco cuando tomo fotografías.
Para que conste, creo que mi LUT favorito de este paquete, y que creo que usaré con bastante frecuencia como LUT base, se llama «NaturalBoost». En mi opinión, tiene suficiente de ese aspecto clásico verde azulado/azul con suficiente atenuación suave para otros escenarios.
Me divertí mucho haciéndolos, y espero que les sirvan.
35 LUT más gratis
¡Decidimos que 13 LUT gratuitos no eran suficientes, por lo que hemos ampliado esta publicación para incluir 35 más!
LUT vintage gratis
Con LUT gratuitos como «Faded 47» y «Tweed 71», puede darle a su metraje un aspecto vintage desteñido, que recuerda a fotografías antiguas procesadas.
LUT cinematográficos gratuitos
Oscurece las sombras con LUT cinematográficos audaces como «McKinnon 75» y «Pitaya 15».
LUT gratuitos para metraje estándar
Perfectas para material de archivo sRGB y Rec 709, las LUT como «Cobi 3» y «Trent 18» agregan un suave toque de color a su material de archivo.
Descargue los 35 LUT gratuitos ahora
Para descargar las LUT gratuitas, simplemente clic en el botón abajo. La descarga incluirá la LUT gratis, junto con algunos documentación eso lo ayudará a instalar los archivos .CUBE o cualquier complemento gratuito necesario.
La versatilidad de la tecnología de iluminación RGB no tiene comparación y es el futuro de la producción de video. ¿Es este el fin de los geles?
Vivimos un momento apasionante como cineastas. La tecnología para nuestro oficio ha evolucionado exponencialmente en los últimos años, y los accesorios de iluminación continua no son una excepción con el avance de la tecnología LED. Así como muchas producciones han hecho la transición de HMI y dispositivos de tungsteno hambrientos de energía a dispositivos LED con luz diurna balanceada a lo largo de los años, ahora estamos viendo que las luces RGB ganan la misma tracción que sus contrapartes de luz diurna.
¿Qué es la iluminación “RGB”? RGBWW/RGBACL
Cuando menciono «RGB» en este artículo, me refiero específicamente a dos tecnologías LED diferentes; RGBWW y RGBACL.
Ambos tienen chips rojos, verdes y azules en común, pero RGBWW tiene un chip blanco frío y uno blanco cálido, mientras que RGBACL tiene un chip ámbar, cian y lima. Estas dos tecnologías son los conjuntos líderes de LED en dispositivos de iluminación continua en la producción de películas, por lo que cuando busque luces RGB, busque RGBWW o RGBACL.
Además, me refiero solo a las luces diseñadas explícitamente para el cine y la fotografía. Veamos ahora por qué las luces RGB son tan útiles en la realización de películas.
CCTo “temperatura de color correlacionada”, se refiere a un valor asociado a la apariencia del color de una fuente de luz, como 3200 K (cálido/tungsteno) o 5600 K (frío/luz diurna).
Antes de la iluminación LED, los dos accesorios más populares eran tungsteno (~3200K) y HMI (~6000K). Para cambiar el CCT de esos aparatos, tenías que poner geles delante de ellos.
Con luces RGB, puede ajustar el CCT a una amplia gama de valores sin necesidad de geles. Esto hace que sea más fácil lograr configuraciones de iluminación creativas y visualmente interesantes. También es mucho más rápido y fácil obtener un aspecto de luz natural para ciertas horas del día en un lugar.
Imagina capturar una imagen como esta sin usar geles, C47, abrazaderas o quemarte las manos. Imagen vía ReeldealHD en compensación.
¿Qué pasa con las luces bicolores? Esos también tienen múltiples valores de CCT, ¿no es así? Si, absolutamente. Según el dispositivo, los dispositivos de iluminación bicolor tienen un rango de CCT de aproximadamente 2700K-6500K.
Lo que hace que las luminarias RGB sean aún mejores es la capacidad de expandir ese rango de CCT aún más a aproximadamente 1500K-20000K, según la luminaria. Esto le brinda más libertad creativa y oportunidades para agregar contraste de color o imitar fuentes de luz fuera de ese rango CCT bicolor, como la luz de las velas.
Geles incorporados
Como mencioné anteriormente, los geles solían ser el método para cambiar las características de color de las luces, como las lámparas de tungsteno y HMI. Aunque es engorroso de manipular o cambiar, especialmente como equipo de una o dos personas con un cronograma apretado, muchos DP prefieren la apariencia que crean ciertos geles. Por ejemplo, tanto CTS («Paja») como CTO («Naranja») agregan calidez a la luz, pero dan resultados ligeramente diferentes.
Dependiendo del uso de esa luz, un DP puede preferir usar una sobre la otra.
Lo mejor de las luminarias RGB es que los fabricantes han podido recrear las características de esos geles utilizando el conjunto de chips RGBWW/RGBACL. Esto significa que no más geles CTS para obtener ese aspecto. Ahora puede hacerlo todo con una simple selección de menú, que es un gran ahorro de tiempo en el set.
todos los colores
Una característica destacada pero convincente de las luces RGB es que tiene tantas opciones de color al alcance de su mano. Al cambiar del modo CCT al modo HSI, por ejemplo, puede marcar cualquier color (tono) específico que desee, y también tiene la capacidad de ajustar la saturación de ese color.
De antemano, si quisieras usar el color púrpura, por ejemplo, necesitarías algo como un gel Lee 126 (Malva). Si el color estuviera demasiado saturado, tendrías que cambiar ese gel por otro, lo que lleva tiempo.
Además, algunos geles como el 126 absorben el calor rápidamente y tienden a quemarse o derretirse. En esos casos, necesitaría usar un gel de protección térmica como un Lee 269.
La capacidad de cambiar con precisión y rapidez el color de la luz en el set es un gran ahorro de tiempo.
No se deje engañar; Lee hace filtros fantásticos, y todavía tengo y uso bastantes de ellos según sea necesario. Pero, toman más tiempo para configurar.
Corrección de verde/magenta
La gama ampliada de CCT, los geles incorporados y los numerosos colores son fantásticos. Aún así, creo que el punto de venta más importante de las luminarias RGB es la capacidad de marcar en verde o magenta en la luz para que coincida con otras luminarias.
Un ejemplo notable serían las luces fluorescentes que encuentras en un edificio de oficinas. Por lo general, esas luces tienen un cambio sólido bastante verde. Es posible que no lo note de inmediato cuando entre. Aún así, tan pronto como encienda su luz de video precisa y la ajuste a la misma temperatura de color, notará cuán diferentes se ven esas fuentes de luz debido al verde en las bombillas fluorescentes.
En el pasado, para equilibrar esa luz, tendría que agregar un gel verde negativo a las luces del techo (no es lo ideal) o poner un gel verde positivo en la luz de video para que coincida.
Con las luces RGB, puede agregar de forma rápida y precisa verde o magenta (en cualquier CCT) para verificar las otras luces. Es por eso que siempre opto por la versión de luz RGB si hay una opción bicolor, ya que las luces bicolores normalmente no tienen esa capacidad.
Descubrí que muchas luces bicolores tienen un cambio a verde y tuve que usar algo como un gel de 1/8 menos verde para corregirlo. El 95% de mi uso de luces RGB está en modo CCT, pero tener la corrección G/M me ha salvado en múltiples ocasiones.
Variedad de accesorios
Hay muchas luminarias RGB en varios tamaños en el mercado, como luces de tubo, bombillas prácticas, tapetes de luz flexibles, paneles y, recientemente, opciones de fuente puntual. Los accesorios de iluminación suave, como los paneles y los tubos de luz, son herramientas fantásticas, especialmente para las luces críticas.
Sin embargo, no es muy fácil convertir una fuente suave en una fuente de luz dura para obtener sombras y texturas dramáticas. Es por eso que las luces de fuente puntual son más versátiles. Aunque comienzan como una fuente de luz fuerte, pueden difundirse rápidamente para convertirse en una fuente de luz suave.
La versatilidad de la iluminación de fuente puntual y la flexibilidad creativa de la tecnología RGB hacen que estas nuevas luminarias sean herramientas útiles en el set. ¿Quieres crear la luz del sol entrando por una ventana? Simplemente coloque algo como Aputure LS 600c Pro o Prolycht Orion 675FS afuera e incluso seleccione un CTS completo tipo gel si lo desea. Las posibilidades son infinitas con la tecnología RGB.
“Panel LED versus fuente puntual | ¿Qué luz debería usar?” | Tyler Edwards
¿Son las luces monocolor una cosa del pasado?
En mi opinión, no. No salga y venda todas sus lámparas con luz diurna balanceada por lámparas RGB todavía porque las lámparas con luz diurna serán más brillantes que las luces RGB.
Al comparar los dispositivos COB de luz diurna (“chip on board”) y COB RGB del mismo tamaño de placa, un COB de luz diurna tiene más emisores blancos que un COB RGB, ya que los COB RGB tienen que compartir ese espacio con los emisores de diferentes colores. Eso dará como resultado una mayor salida en el accesorio de luz diurna.
La tecnología avanza constantemente, y tal vez en el futuro, podría ser posible que los dispositivos RGB sean tan brillantes como las luces monocromáticas. Por ahora, si necesita salida pura, las luminarias de luz diurna (LED o HMI) son la mejor herramienta.
Realmente creo que las luminarias RGB serán el futuro de la iluminación de producción de video.
Así como muchas producciones han pasado de la película a lo digital, estamos viendo un cambio de los accesorios tradicionales de alto voltaje a la iluminación LED. A medida que la tecnología avanza en la iluminación RGB, creo que veremos producciones que utilizan principalmente luces RGB en el set, especialmente cuando la salida comienza a coincidir con los LED de luz diurna y los dispositivos HMI.
La conveniencia de no usar geles junto con la precisión de RGB[WW or ACL] Los accesorios hacen que estas herramientas sean tan cruciales para la producción.
¿Abrumado por la idea de Instagram Reels? Aprenda qué son, cómo usarlos, cómo crearlos y cómo los Reels pueden llevar su plan de marketing al siguiente nivel.
¿Alguna vez has hojeado un viejo álbum de fotos? Puede ser difícil hacerse una idea de las personalidades de las personas en esas imágenes fijas. No hay voz, movimiento o actividad. Instagram Reels es la forma de una plataforma de redes sociales de insuflar vitalidad y energía a la personalidad de su marca.
En este artículo, aprenderá:
¿Instagram aún vale mi tiempo?
¿Qué son los carretes de Instagram?
¿En qué se diferencian los carretes de las historias y videos de Instagram?
¿Cuánto pueden durar los carretes?
Cómo usar carretes para hacer crecer su negocio
Cómo planificar tu carrete de Instagram
Cómo hacer un carrete en Instagram con fotos
Cómo guardar carretes
Aproveche al máximo sus carretes de Instagram
¿Instagram aún vale mi tiempo?
Este año acepté un puesto a tiempo parcial como directora de comunicaciones de una organización sin fines de lucro. Mi primera orden del día fue sumergirme en las redes sociales de la marca. ¿Por qué? Porque es una parte tan importante del plan de marketing moderno. Necesitaba saber dónde invertíamos nuestro tiempo y si había un sólido retorno de la inversión (ROI) en las diferentes plataformas.
Lo que aprendí: nuestro compromiso con las redes sociales había caído en picada en 2022. Antes de entrar en pánico, investigué las tendencias.
En todas las industrias, la participación en las redes sociales cayó un 30% el año pasado. Si bien eso suena impactante, el compromiso de Instagram sigue siendo significativamente más alto que el de Facebook y Twitter. Aún más interesante, mientras el compromiso caía, la cantidad de publicaciones por semana saltó alrededor del 25% en todas las industrias.
Esto significa que las personas publican mucho, pero los espectadores no interactúan con esas publicaciones. Pero, el hecho de que el compromiso haya disminuido no significa que las personas no estén en las redes sociales.
Un usuario promedio pasa dos horas y media diarias en las redes sociales en 2022.
La mitad de nuestro tiempo en nuestros teléfonos en 2022 está reservado para las redes sociales.
Los usuarios de Instagram pasan un promedio de 28 minutos en la plataforma diariamente.
Como propietario de una pequeña empresa o profesional de marketing, su trabajo es conseguir (y mantener) esos ojos en su mensaje.
Ahí es donde entran los carretes.
¿Qué son los carretes de Instagram?
Los carretes de Instagram son videos divertidos con un propósito. Ese propósito puede ser informar, entretener, educar o inspirar a su audiencia. Desde su creación en agosto de 2020, se han convertido en la formato de carga más popular en Instagram.
Los carretes son videos verticales de pantalla completa que se agregan sin problemas a las tomas fijas del feed tradicional de Instagram.
Estos videos pueden incluir música, filtros, subtítulos, calcomanías y fondos. Dado que los carretes se sugieren a los usuarios en función de sus intereses individuales, son una excelente herramienta de marketing para hacer crecer su marca.
Recuerda, el objetivo es enganchar al espectador. Le toma a la gente un promedio de 7 segundos para formar una impresión de su marca, y de 5 a 7 impresiones para que reconozcan el logotipo de su empresa.
¿En qué se diferencian los carretes de las historias y videos de Instagram?
Instagram permite cuatro tipos diferentes de videos: Historias, Reels, Videos y Livestream. Esto es lo que hace que cada uno sea único.
Las Historias de Instagram están limitadas a 15 segundos y suelen ser más informales. Solo están disponibles durante 24 horas, pero puede guardar su contenido como Destacado.
Los carretes de Instagram son videos llamativos que están limitados a 90 segundos. Los carretes aparecen en su feed tradicional. Se pueden encontrar en la pestaña entre su feed habitual y la sección de videos de Instagram. Se muestran a los usuarios que tienen interés en varios productos o servicios.
Los videos de Instagram son publicaciones de video regulares que permanecen en su perfil junto con las publicaciones de fotos, además de permanecer en la página de videos de su perfil. Instagram permite que estos videos duren 10 minutos para los usuarios normales y hasta 60 minutos para los usuarios verificados con una marca de verificación azul.
Alternativamente, tiene la opción de transmitir un video en vivo. Similar a Facebook Live, Instagram Live le permite exhibir eventos, productos y servicios mientras inyecta personalidad sin editar en su plan de marketing de redes sociales.
Una vez en la aplicación, las cuatro opciones aparecen al hacer clic en el signo más.
¿Cuánto pueden durar los carretes?
La duración máxima de Instagram Reels es de 90 segundos. Si bien la duración predeterminada de Instagram Reels es de 15 segundos, se puede ajustar a 90 segundos completos de dos maneras.
Método 1: ajuste la configuración mientras graba el Reel a través de la cámara en la aplicación. (Más sobre esto en la sección «Cómo hacer un carrete en Instagram» a continuación).
Método 2: Cargue un video como una publicación, que luego se comparte como un Reel. (Más sobre esto más adelante, también).
Nota: En julio de 2022, Instagram realizó un cambio en su política de videos. Ahora, acciones de instagram cualquier video de menos de 15 minutos como Reel automáticamente. Todos los videos publicados antes de los cambios no se ven afectados.
El tamaño del carrete de Instagram es de 1080 píxeles x 1920 píxeles. La aplicación hará este ajuste mientras grabas.
Cómo usar carretes para hacer crecer su negocio
Los carretes son una pieza de su rompecabezas de marketing. Sin una forma y un propósito definidos, las piezas no pueden encajar en una imagen de marketing hermosa y completa.
Los carretes son ideales para cosas como:
Además, puedes usar Reels para ofrecer códigos de descuento exclusivos. Incluso puede entrevistar a alguien dentro de su empresa u organización. Las posibilidades son infinitas.
Ahora que su cerebro creativo está funcionando, es hora de acorralar todas esas ideas creativas.
Cómo planificar tu carrete de Instagram
En el mundo de la carpintería, a las personas se les enseña a medir dos veces y cortar una vez. Si bien la videografía es un poco más indulgente que la madera, puede ser agotador simplemente presionar «grabar», mirarlo y presionar grabar nuevamente.
La clave: Planificación.
Pero la planificación no tiene por qué ser aburrida y solitaria. Después de todo, las redes sociales están destinadas a ser sociales. Al igual que crear su Junta Asesora Creativa, escoja un grupo de personas que puedan ayudarlo a planificar sus Reels.
No es necesario que escriba el guión de todo el video, pero sí debe hacerse algunas preguntas.
Empezar con:
¿Quién es mi público objetivo? ¿Qué podría proporcionarles Reels mejor que cualquier otra opción de redes sociales?
¿Qué temas puedo cubrir que beneficiarían a mi marca? Las recetas, por ejemplo, tienen sentido para un entrenador de nutrición, pero no tanto para alguien que es maquillador.
¿Tienes un calendario de contenido? ¿Qué podría agregar Reels a lo que ya estás planeando?
¿Quiénes son sus mayores competidores? ¿Cómo están utilizando Reels?
Cuando te desplazas por Instagram, ¿qué videos te llaman la atención? ¿Cómo puedes incorporar esas técnicas en tus propios videos?
Una vez que tenga una idea de su mensaje y su objetivo, es hora de tomar su cámara y comenzar a causar sensación con Reels.
Cómo hacer un carrete de Instagram
Para grabar un Reel, sigue estos sencillos pasos.
Haga clic en el Crear en el lado izquierdo de la aplicación. Se ve como un + botón.
Haga clic en el botón Carretes. Parece un botón de reproducción de video.
A partir de ahí, puedes jugar con los filtros. Esto es lo que hace cada herramienta.
Música le permite buscar una canción en la biblioteca de música de la aplicación. Elija la canción que sea ideal para su video, luego elija qué segmento va mejor con la acción en la pantalla.
La herramienta de sincronización cambia la longitud de su carrete. La duración predeterminada es de 15 segundos, pero se puede ajustar hasta 90 segundos.
El botón que parece destellos te muestra efectos especiales de la cámara. Estas superposiciones manipulan el mundo de la pantalla. Deslice hacia arriba para desplazarse por los efectos populares o toque el botón de búsqueda para encontrar más efectos.
El botón de velocidad le permite cambiar el ritmo de su carrete. Si está buscando agregar un pop único, cambiar su Reel a cámara lenta agrega énfasis a algo que la audiencia podría perderse. Hacerlo súper rápido es efectivo para un ciclo.
El botón de cronómetro/temporizador permite que los artistas solistas configuren la cámara, se coloquen en su lugar y comiencen a grabar sin necesidad de un ayudante. Esta es una gran característica para bailarines, cantantes y artistas.
El botón de diseño le permite organizar y cambiar el diseño de su carrete.
Aparece una nueva herramienta después de grabar su primer clip. Esta herramienta le permite ver el final de su último clip para que sepa cómo posicionarse para conectarse sin problemas con el siguiente clip. Puede usar la foto transparente para alinear su próximo clip antes de grabar.
El botón cámara plus le permite grabar un carrete usando las cámaras delantera y trasera de su dispositivo al mismo tiempo.
Cómo guardar carretes
Los carretes se pueden guardar de dos maneras: en Instagram como un video publicado y en el carrete de su cámara.
Cómo guardar tu carrete en Instagram
Antes de publicar, su video es solo para sus ojos. Si este es su primer Reel, es una buena idea obtener comentarios de otra persona. Una vez que esté satisfecho con él, puede compartir su Reel con el mundo.
Para guardar su carrete, haga clic en «Siguiente».
Elige la imagen de portada que quieras para el Reel. Luego, agrega un título.
Finalmente, puede elegir etiquetar personas, agregar su ubicación y elegir con qué cuentas compartir el Reel.
Cómo guardar su carrete en el carrete de su cámara
Ya sea que desee reutilizar su video o simplemente desee tener una copia de lo que ha creado, guardar su Reel en la galería de su teléfono es algo común.
Para descargar tus propios Reels a tu Camera Roll, sigue estos pasos:
Ve a tu perfil.
Abra los carretes que desea guardar.
Toque el botón de tres puntos en la esquina inferior derecha del carrete.
Elija la opción «Guardar en rollo de cámara» en el menú que aparece.
Cómo hacer un carrete en Instagram con fotos
También puede usar una combinación de videos e imágenes para crear un Reel.
Para comenzar, seleccione Reel como si estuviera creando un nuevo video. Luego, busque el video o la imagen en su Camera Roll eligiendo el + en la esquina inferior izquierda de la pantalla de la aplicación.
Ahora puede utilizar todas las herramientas del editor Reels.
Si desea un editor de imágenes de calidad o fotos de archivo, consulte la herramienta Crear. Es una solución creativa todo en uno que hace que la edición de fotos sea muy sencilla. Úselo para hacer que sus fotos estén listas para el carrete eliminando sus fondos o editando retratos.
Aproveche al máximo sus carretes de Instagram
Ahora que has aprendido lo básico, ¡sigue adelante! Juega con las herramientas y, a medida que te sientas cómodo, agrega más Reels a tu calendario de contenido para expandir tu alcance y aumentar tu audiencia.
¿Quieren más? Shutterstock tiene una línea completa de artículos de redes sociales para pequeñas empresas y profesionales de marketing que incluyen:
Obtenga la licencia de esta maqueta de imagen de portada a través de Dean Drobot y persianshortie.
Instagram es uno de los plataformas de redes sociales más populares. Atrás quedaron los días en que era simplemente una aplicación para compartir fotos. Con 1470 millones de usuarios activos mensuales y 100 millones de publicaciones cargadas diariamente, también es una de las plataformas de marketing más populares.
El video es una parte integral de Instagram. Los videos obtienen más vistas que las fotos y generar más comentarios y el compromiso también.
Si recién está comenzando y quiere saber cómo publicar un video en Instagram, aquí tiene nuestras instrucciones detalladas paso a paso.
Cómo compartir un video en Instagram desde un dispositivo móvil
Hay varias formas de subir tu video a Instagram. El proceso varía dependiendo de si usó su teléfono para hacer un video o una aplicación de terceros, como Wave.video.
Si ya tienes el video en tu teléfono
Publicar un video en el feed en Instagram
Mientras que los videos que las personas ven cuando se desplazan por las noticias antes se llamaban videos «en el feed», ahora se llaman Reels. Con eso en mente, aquí le mostramos cómo publicar Reels en Instagram.
Paso 1: abre Instagram
Abrir Instagram y haga clic en el + firmar en la parte superior derecha de la pantalla de suministro de noticias.
Si abre su página de perfil en lugar de la fuente de noticias, use el mismo + firme en la esquina superior derecha y seleccione «Publicar».
Paso 2: cambie a «Videos»
Esto abrirá la biblioteca multimedia de tu teléfono. Para cambiar a la carpeta con videos, toque el menú desplegable. Aquí es donde puede elegir un video que desea publicar de sus archivos.
Paso 3: elige y edita tu video
Aquí, elige un video que quieras publicar en Instagram.
Cuando publica su video en Instagram, la plataforma le ofrece varias opciones de edición de video. Estos incluyen recortar el video, aplicar filtros, agregar pegatinas, incluido texto y agregar sonidos.
¿Quieres compartir varios videos en una sola publicación? Seleccione hasta 10 videos y siga las instrucciones anteriores. En lugar de unirlos todos en un solo video para verlos sin problemas, aparecen como videos individuales en su publicación.
Si desea unirlos, use una aplicación de terceros o cree Reels (lo explicaremos a continuación) para compartir sus videos en Instagram.
Paso 4: elige una portada y escribe un gran pie de foto
Piensa en una excelente descripción para tu video de Instagram. Para que su Reel sea más reconocible, aproveche la Ubicación característica y etiquetas en la descripción. De esta manera, le das a más personas la oportunidad de encontrar el video una vez que lo publicas en Instagram.
Puede elegir una portada de cualquier cuadro dentro de su video. Alternativamente, puede cargar el suyo propio. Para una foto de portada que sea más llamativa, el uso de una herramienta como Create de Shutterstock lo ayuda a desarrollar gráficos impactantes.
Puede obtener algunos consejos sobre cómo crear una miniatura de video llamativa aquí:
Paso 5: elija sus opciones adicionales
Antes de publicar su video en Instagram, puede elegir etiquetar personas, ubicaciones o productos. Esto también puede aumentar la visibilidad de su video de Instagram.
Disparar un carrete desde la aplicación de Instagram
Otra forma de publicar un video en Instagram es grabar directamente desde la aplicación y publicar un video directamente en tu feed. Para hacer esto, después de abrir la aplicación, haga clic en el + firme y seleccione el icono de la cámara.
A partir de ahí, simplemente mantenga presionado el botón para capturar video (una sola pulsación toma fotos). Puede usar este mensaje para grabar videos «en la vida real» y compartirlos con su audiencia de inmediato. También funciona para crear Historias de Instagram.
Tamaños recomendados para Instagram Reels
Estos son los requisitos de formato estándar para Instagram Reels:
Duración del video requerida: hasta 90 segundos si se crea en la aplicación de Instagram. Hasta 15 minutos si se carga.
Dimensiones de video requeridas: 1080 x 1920 píxeles (o relación de aspecto 9:16)
Formato preferido: MP4 (con códec H.264 y audio AAC, tasa de bits de video de 3500 kbps)
Cuadros por segundo: 30 fps o menos
Cómo publicar un carrete en Instagram
Además de usar las opciones de entrada e Historias anteriores, también puede crear Reels en Instagram usando el específico Bobinas característica.
He aquí cómo usarlo:
Paso 1: abre Instagram y entra en el modo Reels
Para compartir Reels en Instagram, toca el + botón de nuevo. Sin embargo, en lugar de seleccionar «Historia» en el texto inferior, seleccione «Carretes».
Paso 2: elija o grabe uno o más videos
Para grabar, simplemente mantenga presionado el botón de captura y dispare lo que quiera compartir.
O, para elegir un video existente, seleccione el cuadro de imagen en la esquina inferior izquierda de su pantalla.
Desde allí, elija un video, recórtelo si es necesario y seleccione Agregar. Para agregar música y otros efectos, haga clic en próximo oelige otro video para unirlo.
Las instrucciones de alimentación anteriores explican cómo elegir varios videos y compartirlos en una sola publicación de Instagram. Usando la función de creación de Reels, puede unir clips en un solo video.
Su audiencia no tendrá que desplazarse por los videos uno por uno. En su lugar, se reproducirán automáticamente.
Paso 3: Agregar efectos
Después de hacer clic en «siguiente», podrá agregar una variedad de efectos, incluidos adhesivos, subtítulos, GIF y más audio.
Paso 4. Elija una portada y escriba un pie de foto
Ya sea que seleccione una imagen fija de su Reel o cree un gráfico con una herramienta como Create de Shutterstock, elija una imagen de portada que se destaque en las noticias de las personas. Un subtítulo le da contexto a su Reel, así que comparta cualquier información que sea más relevante para ayudar a las personas a entender de qué se trata su video.
Paso 5. Comparte tu carrete en Instagram
Ahora que ha aprendido a compartir videos en Instagram, es hora de compartir su Reel con su audiencia.
Tamaños de video recomendados para Instagram Reels
Aquí se explica cómo obtener el tamaño óptimo de Instagram Reel:
Dimensiones de video requeridas: 1080 x 1920 píxeles (o relación de aspecto 9:16)
Duración requerida del video: hasta 60 minutos
Formato preferido: MP4
Tamaño del archivo: menos de 650 MB para videos de menos de 10 minutos; 3,6 GB para vídeos de hasta 60 minutos
Tamaño de la foto de portada: 420 x 654 píxeles
Cómo publicar un video en Instagram cuando se hizo en una aplicación de terceros
Si impulsó aún más sus habilidades creativas al hacer un video con una aplicación de terceros como Wave.videoasí es como puedes compartir ese video en Instagram.
La mayoría de las aplicaciones móviles de edición de video permiten guardar el video directamente en su biblioteca de medios. A partir de ahí, puedes subirlo fácilmente a tu cuenta de Instagram siguiendo los pasos descritos anteriormente.
Cómo subir videos de Instagram en Mac o PC
Si bien existen algunas aplicaciones móviles para la edición de videos, muchas personas realizan la mayor parte de la edición de videos en una pantalla más grande. Si está buscando consejos sobre cómo subir videos de alta calidad a Instagram, probablemente esté en este campo.
¿Puedes hacerlo? Sí.
Sin embargo, al crear su video usando un creador de videos en línea antes de publicar en Instagram, tendrás que hacer una de estas dos cosas:
Cargar con una aplicación de programación en línea
O transferirlo a su teléfono móvil
Si está utilizando un programador en línea, siga las instrucciones proporcionadas por su aplicación, ya que cada uno tiene requisitos ligeramente diferentes.
Sin embargo, la mayoría de las personas prefieren transferir nuevos videos de Instagram a sus dispositivos móviles. Puede usar cualquier programa para compartir archivos como Google Drive o Dropbox. Cargue el video desde su computadora y luego simplemente ábralo en su teléfono.
O, si tiene una computadora Mac y un iPhone, si ambos dispositivos están configurados para sincronizarse con su iCloud, puede usar la aplicación Fotos nativa para mover imágenes y videos entre los dos dispositivos.
En su teléfono, vaya a configuración> ID de Apple> iCloud> Fotos y seleccione «Sincronizar este iPhone». En su Mac, abra Fotos, vaya a Configuración > iCloud y seleccione «Fotos de iCloud».
Una vez que confirme que los dispositivos están configurados para sincronizarse, simplemente guarde el video en la aplicación Fotos en su Mac y permita que la aplicación se sincronice con su iCloud. Una vez que se completa la sincronización, puede abrir la aplicación Fotos en su iPhone y acceder al video.
Qué tener en cuenta al transferir un video de su computadora al teléfono
A veces, cuando grabamos un video con una cámara DSLR, no se carga en un iPhone. Esto tiene que ver con el formato del archivo de video. Apple puede ser exigente con los archivos que lee.
Convierta un archivo de video a un formato compatible con iPhone usando herramientas como freno de mano. Es gratis y puede convertir tus videos a/desde una gran cantidad de formatos.
Como nota al margen, los teléfonos Android parecen manejar los formatos de video más populares sin ningún problema.
¿Qué pasó con IGTV?
Si se pregunta cómo subir videos a IGTV, la verdad es que esta funcionalidad desapareció en 2021. Si bien IGTV de Instagram comenzó como el propio YouTube de Instagram, se incorporó a todo el contenido de video de Instagram. Todo el contenido de video entrante, en vivo o existente ahora se comparte como Reels, no IGTV.
Debido a que todas estas funcionalidades ahora se encuentran en un solo cubo, es más fácil que nunca subir videos de alta calidad a Instagram. Mejor aún, pueden tener casi cualquier longitud, lo que hace posible contar su historia en una variedad de estilos de video de Instagram, según su audiencia.
Cómo guardar videos de Instagram en PC o Mac
Es fácil mantener una copia de un video en su PC o Mac y luego guardarlo de acuerdo con el tema o la fecha compartida. Sin embargo, si está creando un nuevo video de Instagram o Reel en la aplicación, es posible que desee conservar una copia en su computadora.
Si se pregunta cómo descargar videos de Instagram a su PC o Mac, hay dos opciones y ambas involucran su dispositivo móvil. Cuando publica un video en Instagram, automáticamente guarda una copia en su teléfono. Si eliminó accidentalmente el archivo original, aún puede obtener una copia del video. Así es cómo:
Paso 1. Encuentra el video
Abre Instagram, ve a tu perfil y desplaza tu cuadrícula hasta encontrar el video.
Paso 2. Abra el video y descárguelo
Abra el video y toque los tres puntos en la esquina superior derecha. Luego seleccione la opción para descargar el video.
Una vez que tenga el video en su teléfono, súbalo a su PC o Mac siguiendo las mismas opciones que arriba, a saber, Google Drive o Dropbox. Y una vez más, si está utilizando el ecosistema de Apple, puede usar la aplicación Fotos en sus dispositivos Mac y iPhone.
Pensamientos finales sobre los videos de Instagram
El video es claramente el futuro de Instagram. Debido a que está cambiando rápidamente, debes prestar atención a las tendencias de video actuales, tanto dentro como fuera de Instagram. Ya sea que elija o no aparecer en otras plataformas, como TikTok o YouTube, preste atención a la música, los sonidos y las frases de moda para mantener el contenido actualizado para su audiencia.
Comprender cómo publicar un video en Instagram es el punto de partida. ¡Desde aquí, el mundo del vídeo se llena de infinitas posibilidades!
Para leer más, consulte:
Obtenga la licencia de esta maqueta de imagen de portada a través de Bangun Stock Productions, Leszek Glasner y Pretty Woman.
¿Cómo transmitimos una emoción o sentimiento de un personaje sin cambiar el estado de ánimo general de la escena? ¡Algo de luz sutil en los ojos puede ayudar!
La descripción visual de una emoción en una imagen o escena a menudo puede ser de varias capas; tendemos a usar longitud focal, movimiento de cámara, colore iluminación para comunicar y enfatizar cómo queremos que nuestra audiencia interprete los sentimientos en una escena, o las emociones de nuestro personaje dentro de esa escena.
Generalmente, cuando usamos iluminación, podemos usar la luz para crear un estado de ánimo general. Pero podemos profundizar un poco más y usar algo tan sutil como focos de luz en el ojo para representar mejor cómo se siente nuestro personaje en un primer plano, o cómo es percibido.
Sin luz ocular
Aquí, nuestro sujeto está envuelto en la oscuridad; apenas podemos distinguir los rasgos de su rostro.
Esto se iluminó desde arriba, con nuestro sujeto sentado justo delante de la luz para crear una sombra en la cara. También tuvimos otra luz que rebotaba desde el techo para rellenar las sombras en el frente, solo un poco; puedes ver los ojos y se ven sin vida.
Dado que no hay focos en los ojos, es difícil sentir alguna emoción de nuestro sujeto, y es posible que debamos interpretarla nosotros mismos a través de la música o el contexto que rodea la escena. La falta de reflectores podría sugerir muchas cosas: falta de familiaridad, vacío, peligro, una sensación de misterio o ambigüedad.
Pequeño ojo de luz central
Añadamos un foco de luz a los ojos mientras tratamos de no cambiar demasiado la exposición en la cara.
Hicimos esto colocando un pequeño panel LED de bolsillo justo encima de nuestra cámara, con el brillo del LED de bolsillo hacia abajo.
En comparación con el escenario sin reflectores, ahora estamos obteniendo más sentimientos de nuestro personaje, solo de sus ojos. Dado que la fuente de luz es pequeña, los reflectores son pequeños y la posición de la luz junto a la cámara coloca los reflectores bastante centrados en los ojos. Es directo, y podemos sentir esta franqueza de nuestro carácter. Casi se siente agresivo.
Luz ocular pequeña y alta
¿Qué pasa si movemos nuestro reflector un poco más arriba?
Encendimos nuestro LED de bolsillo justo por encima y en frente de nuestro sujeto para lograr esto.
Comparado con los reflectores anteriores, todavía se siente como si nuestro personaje viniera de un lugar fuerte, pero tal vez algo menos agresivo. Esto podría sentirse tranquilizador en la situación correcta, como fuerza en la oscuridad.
Puedes ver cómo cambiar la ubicación del reflector ha cambiado nuestros sentimientos hacia el personaje.
Luz ocular pequeña y baja
Bajemos el reflector a la parte inferior del ojo.
Para esta configuración, colocamos nuestro LED de bolsillo en el piso debajo de nuestro sujeto.
En comparación con nuestro escenario anterior de reflectores, hemos recuperado esa sensación agresiva de los reflectores ubicados en el centro. Aún así, colocarlos en una posición antinatural hacia la parte inferior del ojo ahora se siente mucho menos como una agresión humana y algo más desprovisto de humanidad. Se ve un poco más aterrador.
Observe cómo el simple hecho de cambiar la posición de nuestros reflectores cambia nuestra percepción del personaje. Aunque nuestra iluminación general sigue siendo similar entre cada toma, la sensación de la imagen cambia.
Luz ocular grande y baja
Incluso podemos experimentar cambiando el tamaño del reflector del ojo.
Aquí, colocamos un material de muselina blanqueada en el suelo frente a nuestro sujeto para que se refleje en la parte inferior de los ojos.
En comparación con la fuente menor, hemos introducido un poco más de luz en la cara, pero eso no es lo único que ha cambiado.
Los reflectores más grandes traen más emoción a los ojos, y aunque nuestro personaje todavía parece un poco enojado, también parece más decidido, más humano.
Luz ocular grande y alta
Muevamos estos reflectores más grandes a la parte superior de los ojos.
Hicimos explotar un octabox cuadriculado grande sobre nuestro sujeto para lograr esto.
En comparación con nuestros reflectores más pequeños en la parte superior de los ojos, tenemos una apariencia general más suave en la cara de nuestro personaje. Esto no es solo porque la luz al principio es ligeramente diferente.
Si nos enfocamos en cómo se sienten los ojos, podríamos obtener una sensación un poco más suave de nuestro personaje con focos más grandes. No se siente tan fuerte, hay una sensación de vulnerabilidad.
Los reflectores a menudo pueden pasarse por alto, o simplemente usarse como una forma práctica de iluminar los ojos. Pero también pueden funcionar como una herramienta sutil para crear y exagerar sentimientos y emociones en tu personaje e imagen, estableciendo el tono de las ideas contenidas en la escena que tu audiencia puede captar de una manera más subconsciente.
Para obtener más inspiración sobre iluminación y cinematografía, visite las publicaciones de blog a continuación.
¿Cómo grabar audio de manera profesional?, Códigos de tiempo, micrófonos boom, tono de habitación y más. Graba un sonido impecable cuando estés solo con este desglose de todo lo relacionado con el audio.
Excelente calidad de imagen por encima de todo, ¿verdad?
Piénsalo. Hay innumerables videos en línea que muestran errores del operador de cámara cuando el operador de cámara aparece accidentalmente en un reflejo, y muchas películas usan cámaras de baja calidad como cámaras de emergencia. Pero, a menudo estamos demasiado absortos en la acción para darnos cuenta. No obstante, en el momento en que escuchamos un mal audio, se vuelve reconocible al instante.
entonces ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Es por eso que hay equipos en grandes producciones dedicados solo a capturar audio, llenos de una buena cantidad de miembros del equipo que ayudan a asegurarse de que el audio se capture correctamente.
Sin embargo, en producciones más pequeñas como sesiones de entrevistas en solitario, no siempre tenemos ese lujo. Entonces, tenemos que capturar ese audio. y ejecutar una cámara. La buena noticia es que podemos usar algunas herramientas y técnicas para obtener un audio de excelente sonido. En el siguiente video tutorial, puede descubrir cómo.
¿Qué equipo necesito para grabar audio como cineasta?
Sé que esta lista puede parecer bastante intensa. Sin embargo, una de las cosas más importantes como cineasta en solitario es asegurarse de estar lo más preparado posible. Como dijo el excelente David F. Sandberg, hacer cine es resolver problemas. Lo que ha planeado puede desmoronarse en un instante y estará agradecido de haber tenido esos micrófonos lav adicionales o una tarjeta de memoria adicional en su equipo.
Si no tienes el dinero ahorrado para todo esto, siempre puedes alquilar el equipo que necesitas. Si recién está comenzando, alquilar equipos puede ser una excelente manera de tener equipo profesional en el set sin gastar mucho dinero. Aunque tengo un kit completo para mi compañía de producción, si es necesario alquilo el equipo, especialmente cuando estoy de viaje.
Configuración del micrófono Boom
Sistema de micrófono lavalier inalámbrico
Grabador de audio
Cables de código de tiempo apropiados
Tarjetas de memoria (x2) para grabadora
Auriculares para monitoreo
Ahora que tenemos un kit básico, profundicemos un poco más en cada uno de estos elementos.
Micrófonos Boom
Imagen vía Grusho Anna.
¿Qué es exactamente un micrófono boom? En pocas palabras: un micrófono boom es un micrófono conectado a un poste boom y se coloca apuntando hacia el talento. Hay varias opciones para los micrófonos boom pero, con mucho, el más común es un micrófono de cañón.
sigamos desglozando nuestra gran duda de ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Micrófonos de escopeta
Los micrófonos de cañón se usan ampliamente en la industria del cine y el video debido a su versatilidad. Estos micrófonos hacen un gran trabajo al rechazar el ruido fuera del eje y aislar el audio directamente en frente del micrófono.
Además, los micrófonos de cañón tienen un diseño físico más extenso en comparación con otros micrófonos, como resultado de los tubos de interferencia que ayudan a crear un patrón polar estrecho. Con el patrón polar estrecho de un micrófono de cañón, debe asegurarse de que el micrófono apunte directamente hacia la fuente.
Los micrófonos de cañón brillan en exteriores porque rechazan el ruido fuera del eje, pero también se pueden usar en interiores con excelentes resultados.
Lo ideal es utilizar un micrófono de cañón con una conexión XLR porque los cables XLR ofrecen una calidad de sonido superior a la de un solo cable de 3,5 mm. Con los cables XLR, puede tener un cable largo desde el micrófono hasta la grabadora de sonido sin pérdida de calidad de audio, pero no se puede decir lo mismo de los cables de 3,5 mm.
Aquí hay algunas excelentes opciones de micrófonos de cañón que personalmente he usado muchas veces con excelentes resultados:
Todos estos micrófonos requieren alimentación fantasma de 48 V, proporcionada por la grabadora de sonido o la cámara (si es posible) y pasa a través del cable XLR. La única excepción en esta lista es el MKE600, que puede funcionar con una batería AA extraíble. Sin embargo, descubrí que la calidad del audio es mejor cuando se enciende el MKE 600 con alimentación fantasma. El Sennheiser MKH 416 es probablemente el micrófono de cañón más popular y es considerado por muchos como el estándar de la industria.
Suponga que el presupuesto y/o la disponibilidad le impiden obtener uno de los micrófonos enumerados anteriormente. En ese caso, hay otras opciones que son más asequibles, pero que no rendirán la misma calidad:
Solo recomiendo este tipo de micrófonos de cañón como micrófonos en la cámara para audio de referencia o para capturar una entrevista rápida de tipo «hombre en la calle» si estoy filmando solo.
Micrófonos hipercardioides
Si está filmando entrevistas principalmente en interiores, entonces un micrófono de cañón no siempre es la mejor opción, ya que los micrófonos de cañón a veces pueden captar ecos que distraen y reverberaciones de gama baja.
Los micrófonos supercardioides o hipercardioides que no son de escopeta no muestran el mismo comportamiento, por lo que son una opción popular para grabar diálogos en interiores, especialmente en salas más pequeñas que no están tratadas acústicamente. Estos micrófonos también requieren alimentación fantasma de 48 V. Aquí hay algunas excelentes opciones:
¿Cómo hago boom en un micrófono?
Primero, configure su soporte en C fuera del marco. Me gusta colocar el soporte a 90º del lado opuesto del talento de la luz principal si el espacio lo permite.
A continuación, necesitará un soporte para poste de aguilón. Monte el soporte del poste de la barrera en el cabezal de agarre de modo que la dirección de la barra de la barrera (cuando esté montada) mire hacia la derecha, y la pata más alta del soporte apunte en la misma dirección que la barra de la barrera por seguridad.
Imagen a través de volantes altos.
Antes de continuar, asegúrese de colocar también un saco de arena en la pata más alta por seguridad. Ahora que el soporte está listo, monte el poste de la pluma en el soporte y extiéndalo para que quede sobre el lugar donde se sentará el talento.
A continuación, conecte el micrófono a la montura antivibración y luego conéctelo a la pértiga de la pluma; por lo general, la pértiga de la pluma se enroscará en la montura antivibración.
Por último, conecte el cable del micrófono al micrófono y páselo por el soporte en C.
¿Dónde coloco el micrófono Boom?
La ubicación del micrófono boom es crítico para capturar audio claro debido a los estrechos patrones polares de estos micrófonos. El objetivo es acercar el micrófono lo más posible a la fuente sin que el micrófono esté en el marco. Cuanto más cerca esté el micrófono, mejor será el sonido.
En cualquier lugar entre 15 y 50 cm (6 y 20 pulgadas), por lo general, se obtendrán excelentes resultados según el micrófono. Lo mejor es colocar el micrófono sobre la cabeza y un poco por delante del talento para que el micrófono apunte hacia el talento.
Esto asegurará que aún se capture un audio claro si el talento se inclina hacia la cámara. El micrófono boom suele ser una de las últimas cosas que configuro. Lo pondré en el área general del asiento de la entrevista y luego haré los ajustes finales cuando el talento se siente en el asiento.
Esperamos vallas teniendo un poco mas claro la respuesta de la pregunta sobre ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Sistema de solapa inalámbrico: no confíe solo en el micrófono Boom.
Los micrófonos Boom son herramientas encantadoras para capturar audio debido a lo rico y natural que suenan. Sin embargo, nunca grabo una entrevista solo con un micrófono boom.
Como micrófono secundario, utilizo un sistema de micrófono lavalier inalámbrico como el Sennheiser AVX. Los micrófonos Lav son micrófonos omnidireccionales que se montan en el talento, ya sea sujetándolos a su camisa o escondiéndolos de alguna manera. Por mucho que prefiera el audio de un micrófono boom, el micrófono lav es, en mi opinión, una pieza fundamental de un kit de audio.
Imagen vía Grusho Anna.
Puede servir como una pista de audio de respaldo en caso de un problema con el audio del micrófono boom, pero a veces incluso opté por la pista del micrófono lav en la publicación porque terminó sonando mejor para la edición en particular.
Además, si está filmando una entrevista en la que el talento está lejos de la cámara o caminando en el marco (piense en el presentador de televisión), un micrófono de lavamanos inalámbrico le servirá mejor. Asegúrese de ver el video de YouTube para escuchar la diferencia entre un micrófono boom y un micrófono lav.
Grabación de audio
Aunque algunas cámaras tienen entradas XLR y preamplificadores decentes, nunca serán mejores que una grabadora de sonido dedicada.
Las grabadoras de sonido tienen un trabajo que hacen muy bien; captura de audio. Las grabadoras de sonido tienen preamplificadores mejores y más limpios que los que se encuentran en las cámaras y, según el tipo de grabadora, brindan más beneficios que la grabación de audio en la cámara. Eso incluye limitadores analógicos, más pistas/entradas de audio que cámaras, suministro de alimentación fantasma, grabación en flotante de 32 bits y generación de código de tiempo, por nombrar algunos.
Además, cuando graba audio separado de la cámara, tiene la tranquilidad de saber que si la cámara deja de grabar por cualquier motivo, su audio seguirá acelerando. Luego puede usar un material adicional para cubrir eso en la publicación si fue una buena toma.
Grabar audio separado de la cámara suena como una molestia con respecto a la edición, ¿verdad? Bueno, sí, es un paso extra, pero en mi opinión vale la pena. Además, si está ejecutando varias cámaras, tendrá que sincronizar esas pistas de todos modos. Aquí es donde la programación al comienzo de la toma es fundamental para que tenga un pico distinto en la forma de onda para usar para sincronizar todo.
Sin embargo, existe una herramienta aún mejor: el código de tiempo.
El código de tiempo es esencialmente un reloj interno de alta precisión, y si todos los dispositivos tienen el mismo código de tiempo, hace que la sincronización en la publicación sea extremadamente rápida. Muchas grabadoras de campo tienen la capacidad de enviar el código de tiempo desde la grabadora a través de un cable a la cámara (siempre que la cámara admita el código de tiempo).
Esto es lo que se conoce como código de tiempo de «jamming». Meto el código de tiempo en cada una de las cámaras una vez que están todas configuradas. Luego, cuando los traigo a mi editor, simplemente apilo todos los clips en la línea de tiempo y los alineo según el código de tiempo. De esa manera se sincronizan instantáneamente.
Monitoreo de audio
Así como monitoreamos nuestras cámaras durante una entrevista, también es importante monitorear el audio. Esto nos ayuda a captar cosas que tal vez ni siquiera notemos, pero el micrófono las capta hasta el punto en que distrae, como un automóvil que pasa, una puerta que se cierra de golpe, personas hablando en el pasillo o un avión volando por encima.
Existen muchos tipos de auriculares de monitoreo, por lo que, por supuesto, cuál elegir se reduce a las preferencias personales y el presupuesto. Utilizo monitores internos ya que tienen un perfil realmente bajo, suenan muy bien y se empaquetan muy bien para viajar.
Otras consideraciones al capturar audio como cineasta en solitario
Tratamiento de sonido
A menos que esté filmando una entrevista en un estudio de grabación o en alguna otra sala tratada acústicamente, deberá tratar la ubicación/la sala para el sonido. Hacemos esto para ayudar a reducir el ruido, el eco y la reverberación no deseados tanto como sea posible. Aquí hay algunas cosas a considerar al tratar la ubicación para el sonido:
Si es posible y con permiso, apague el horno o la unidad de enfriamiento solo durante la entrevista.
Si es posible y con permiso, desenchufe el refrigerador/congelador durante la entrevista. (Trate de no desenchufar mientras el compresor está funcionando, ya que podría dañar el compresor, ¡lo cual no es bueno!)
Coloque mantas de sonido/arme mantas de sonido para ayudar a reducir la reverberación del eco.
Hacer estas cosas puede ayudar a capturar el audio más limpio posible, por lo que se necesita menos trabajo en la publicación.
Tono de habitación
El tono de la habitación es el sonido ambiental o el tono de la habitación donde está filmando. Para capturar el tono de la habitación, simplemente grabe 20-30 segundos de puro silencio. Asegúrese de que nadie en la habitación esté dando vueltas o moviéndose, y si se encuentra en un entorno de oficina, pregunte cortésmente a los que están fuera de la habitación si pueden acomodar la grabación del tono de la habitación.
Entonces, ¿por qué necesitamos el tono de la habitación? El tono de la habitación ayuda a combinar el audio entre dos cortes durante una edición para que la transición no se sienta abrupta, por ejemplo.
Capturar audio puede parecer abrumador, pero como con cualquier cosa, cuanto más haces, más fácil se vuelve. Organice entrevistas simuladas o entreviste a miembros de la familia para probar estas cosas, de modo que esté bien preparado para el rodaje cuando llegue al set con un cliente. Empieza a practicar en casa si te estás adentrando en el mundo del cine.
Esperamos alla podido resolver su duda sobre ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Imagen destacada a través de Grusho Anna.
¿Qué más artículos de audio y tutoriales en vídeo? ¡Mira los enlaces a continuación!
Vídeos verticales . ¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?Las películas de Stephen Small-Warner están hechas para dispositivos móviles. Aquí están sus pensamientos sobre videos verticales y consejos para crear contenido cautivador.
Stephen Small-Warner quiere que le des la vuelta al contenido. ¿Su perspectiva? El video vertical, es decir, la forma en que vemos TikToks, Reels y anuncios en nuestros dispositivos móviles, es una forma mucho más humana e íntima de conectarnos con el espectador.
Desde 2007, el graduado de la Universidad de Howard y la Universidad de Nueva York ha defendido este punto al crear películas y videos cautivadores y complejos, todos filmados y entregados verticalmente, para empresas como Moda, American Express, Fedex y Fendi. Pero, escuchó no mucho antes de llegar a donde está hoy.
Ahora que el resto del mundo finalmente se está dando cuenta del poder del video vertical, Small-Warner está reivindicado y emocionado de ver más del estilo que ama presente en todos los aspectos de nuestras vidas.
Está lanzando su propia compañía vertical de imágenes de video, Imágenes en movimiento verticalesy preparándose para recibir a su primer hijo este verano.
También se asoció recientemente con Create Fund de Shutterstock, que brinda apoyo a artistas históricamente excluidos con el objetivo de crear una biblioteca de contenido de colaboradores más inclusiva y diversa.
Esto significa que puede ver el increíble trabajo de Small-Warner y usarlo también para sus propios proyectos.
A continuación, Small-Warner comparte por qué es un evangelista del video vertical y cómo espera que su trabajo cambie la forma en que vemos el mundo.
¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?
¿Cuándo te enamoraste por primera vez del video?
Stephen Small-Warner: Tomé una cámara el verano de 2007, casi al mismo tiempo que la revolución de las DSLR. Rápidamente me di cuenta de que me encantaba grabar videos: imágenes en movimiento reales.
Yo era un estudiante de administración de empresas en la Universidad de Howard en ese momento, y me estaba volviendo loco. Para hacerle frente, me colé en un par de clases de cinematografía, y era evidente que tenía muy buen ojo. Acabo de entender muy bien el lenguaje de las imágenes en movimiento.
Terminé trabajando con la Universidad para filmar sus videos de regreso a casa (el regreso a casa es un gran problema en Howard), y desde allí decidí ir al programa de Producción de Medios Internacionales de NYU en Singapur para aprender más sobre tecnologías y tendencias emergentes.
Junto con otros diez productores de todo el mundo, concentré mi tiempo en descubrir cómo contar una historia a través de plataformas y cuál sería el próximo gran medio.
SSTK: ¿Fue entonces cuando descubriste tu pasión por el video vertical?
SSO: Sí. Escribí un artículo sobre la importancia del tamaño en el video y comencé a investigar realmente qué se convertiría en la audiencia móvil y la fuerza de lo que sería la pantalla móvil, en cuanto a la orientación. Cuando me fui de Singapur, era un hilo muy pequeño en mi cerebro que sabía que tenía que seguir.
Regresé a Nueva York y estaba filmando la Semana de la Moda. Tomé un par de fotos verticales, pero no tenía dónde ponerlas.
Instagram e Instagram Stories no existían, Snap (entonces Snapchat) estaba aquí, pero los videos eran cortos. Realmente no pude subir el video completo, pero pude editarlo y subirlo, y verlo en mi teléfono.
El simple hecho de ver el marco completo de 9 x 16 en mi teléfono inició un viaje de siete años para descubrir cómo avanzar y vender videos verticales.
SSTK: La venta de video vertical probablemente fue un desafío al principio. ¿Cuándo empezaste a ver el éxito?
SSO: Fui uno de los primeros cineastas en residencia en el Festival de Cine de Tribeca. Intenté que hicieran un programa de cine móvil para estudiantes y, en ese momento, estaban más interesados en la realidad virtual. Pero sabía que la orientación vertical era el futuro, e incluso si todos usamos la realidad virtual, llegará en forma vertical.
Fue una batalla dura hasta 2018-19, cuando Snap me llamó para presentarme a la programación original. Luego, en 2020, sucedió Quibi, que fue (temporalmente) enorme para videos verticales. Pero todavía tengo mucho rechazo.
Viniendo del mundo del cine, muchos de mis compañeros cineastas no entendían por qué estaba tan convencido de que el video vertical era el futuro.
En 2020, canalicé esa frustración (y el tiempo extra que tuve durante la pandemia) en un libro de 55 páginas sobre la innovación del cine vertical. Al mismo tiempo, TikTok comenzó a despegar y comencé a recibir llamadas de agencias de publicidad que me pedían que hiciera videos de marca.
SSTK: ¿Qué lo trajo a Shutterstock? Y, ¿qué espera lograr con el Fondo Crear?
SSO: Siempre supe que las imágenes de stock eventualmente tendrían que volverse verticales, y que habría una gran necesidad de ello, ya que no hay mucho contenido vertical disponible.
Con todas las iteraciones de contenido, desde la radio hasta el cine y la televisión, existen bibliotecas de contenido a las que los productores pueden acceder fácilmente. Pero no había bibliotecas de contenido vertical. (Sabía) que tendríamos que hacerlos. Entonces, cuando Create Fund se acercó, les dije que solo quería hacer videos verticales.
Todavía hay cierto retraso en el aspecto que puede tener la vertical premium. Entonces, pensé mucho en cómo podría ser el contenido vertical en este espacio.
Y, ¿qué podría significar para una generación que utiliza principalmente contenido vertical para expresarse? Esa es una perspectiva diferente de la que se creó originalmente para las imágenes de stock.
SSTK: ¿Tiene algún consejo rápido para las personas que están creando su propio contenido de video vertical?
SSO: Creo que una de las principales cosas que siempre digo sobre el medio es que tiene una intimidad innata. Cuando hablo de vertical, me refiero a video de retrato, ¿verdad? Y cuando pienso en videos de retratos, tiendo a usar la regla número uno de encuadrar adecuadamente al sujeto, ya sea una persona o un producto.
En mi colección de Shutterstock, fotografié muchos artículos como sopa y cosas diferentes, pero lo que hice fue que los fotografié como retratos. Por lo tanto, una lente de retrato clásica es de 85 milímetros, pero en cualquier lugar entre 50 y 85 milímetros se ve bien en vertical. Tiene esa sensación íntima.
También creo que las capas son muy importantes para el marco vertical, especialmente cuando intentas transmitir detalles. Otra cosa sobre la vertical es que es un formato extremadamente utilitario.
Una de las principales razones por las que TikTok tiene tanto éxito es porque es utilitario. La gente siente que está aprendiendo de él, incluso si es solo un video de baile.
Cualquier cosa que sea un proceso se puede fotografiar maravillosamente en vertical.
SSTK: ¿En qué estás trabajando ahora?
SSO: Inmediatamente después de lanzar la colección de Shutterstock, lancé una empresa llamada Vertical Motion Pictures. Vertical Motion Pictures solo sirve a la audiencia móvil.
Me he estado asociando y hablando con directores creativos sobre proyectos muy interesantes que usarían video vertical y, por ejemplo, lo superpondrían a experiencias de realidad virtual.
Estos son los tipos de cosas que creo que empujan la aguja y realmente exploran la innovación del video vertical y lo que podría hacer por nosotros.
Imagen de portada cortesía de Stephen Small-Warner.
La iluminación juega un papel destacado en el aspecto visual de una película, sin importar la producción. Aquí está su manual básico para la iluminación de entrevistas motivadas.
Las cámaras capturan una escena en un espacio 2D, por lo que se convierte en el trabajo de una excelente iluminación para que el marco se sienta lo más tridimensional posible. Con una excelente configuración de iluminación, comienza a agregar contraste, forma, textura y espacio compositivo a la escena. Podemos llevar esto aún más lejos haciendo que la fuente de luz parezca como si estuviera siendo proyectada por un elemento dentro de la escena. Esto se llama iluminación motivada. Aquí hay un antes y un después de la escena de mi entrevista:
Escena de entrevista sin iluminación añadida.Escena de entrevista iluminada
Agregue algunas luces estratégicamente y ¡bum! Podemos ver la cara de nuestro talento; hemos agregado una rica textura de fondo a una pared que de otro modo estaría desnuda e incluso la hemos espolvoreado de manera práctica para agregar más profundidad. Aquí esta el resultado final:
Descubra el pensamiento detrás de la configuración de iluminación de esta entrevista y el equipo que usé para crear esta escena en el video tutorial a continuación.
1. Encuadre compositivo
Al igual que con cualquier configuración de entrevista, es esencial encontrar primero el encuadre y luego iluminar a su alrededor. En mi toma inicial, tenemos una buena cantidad de profundidad en la toma, algunos elementos para agregar interés visual, una ventana práctica y grande en el lado izquierdo del marco que nos ayudará un poco.
Ahora que tenemos nuestra toma enmarcada como queremos, ajustaré mi exposición para exponer la ventana. Luego podemos comenzar a agregar luces, que ahora son más críticas que nunca porque ni siquiera podemos distinguir el talento.
2. La llave de luz
La luz principal suele ser una luz esencial durante una entrevista, ya que es la luz principal que ilumina al talento. Como puede ver en la imagen final, tenemos luz del lado izquierdo del marco que ilumina el lado derecho de la cara del talento.
La ubicación y la dirección de esa luz son muy intencionales. ¿Recuerdas que dije que esa ventana nos ayudaría? Al colocar nuestra luz crucial en el mismo lado del marco que esa ventana, estamos permitiendo que esa ventana sea la motivación para nuestra luz principal.
Con la ventana en la toma, naturalmente esperamos que la luz provenga de esa dirección. Entonces, al colocar la luz principal en ese lado, ahora tenemos luz que proviene de la misma dirección que la «luz de la ventana», lo que da como resultado una toma de apariencia más natural.
Si colocara la luz principal en el lado derecho del marco, no se vería tan natural e incluso podría confundir inconscientemente al espectador.
Con la excepción de estar al aire libre bajo el sol directo, la mayoría de los entornos en los que estamos suelen tener una calidad de luz suave. Eso es bueno porque las fuentes de luz intensas suelen ser menos cómodas para nuestros ojos que las fuentes de luz suave. Para la luz principal de esta escena, utilicé un Aputura LS 300D II con una caja de luz de 60 pulgadas (152 cm) para suavizar la luz.
También estoy suavizando o difundiendo la luz porque se ve más favorecedora en las personas que la luz dura. Por último, para agregar forma y contraste a la cara del talento, coloqué la luz principal a unos 50-55º de la cámara. Esto ayuda a que el talento parezca más tridimensional. Esta luz clave también brinda una agradable luz de captura en los ojos del talento para que se destaquen un poco más.
3. Prácticas
La siguiente luz que quiero comentar es la práctica (la lámpara del fondo). Una práctica es simplemente cualquier fuente de luz que sea visible en la escena. Esto puede ser cualquier cosa, desde una vela hasta una lámpara o incluso una linterna. En este caso, la práctica a la que me refiero es la lámpara del fondo justo sobre el hombro izquierdo del talento. La lámpara está sirviendo para algunos propósitos.
En primer lugar, es una excelente adición al diseño del set. Equilibra la imagen y ayuda a vender que es una sala de estar acogedora. También agrega una cantidad sutil de exposición a la silla que se sienta a su lado, lo que le da al fondo mejores efectos visuales y textura. Dentro de la lámpara, utilicé un Aputure B7c para ajustar la exposición de la luz y la temperatura de color al gusto.
Además, lo práctico nos motiva para otra luz; la luz del borde. La lámpara se colocó intencionalmente en el lado derecho del marco por ese motivo. Prefiero que mi luz de borde entre desde el lado opuesto del marco como la luz principal. Como la luz principal provenía de la izquierda de la cámara, coloqué la luz del borde justo fuera del encuadre en la cámara derecha.
Iluminar desde el fondo
El dispositivo que utilicé para esto fue el Amaran p60c, que fue una gran elección ya que podía igualar la temperatura de color de la práctica. La luz del borde ayuda a separar el talento del fondo, como se ve en su hombro. También da una pequeña cantidad de exposición al cabello del talento e incluso un pequeño rasguño cuando su cabello está recogido.
Mueva el control deslizante sobre el área del hombro derecho de Chelsea para ver el efecto sutil de la luz de fondo.
Me gusta mantener las luces de borde muy sutiles. Tenía el p60c ajustado al 30% solo por la distancia del dispositivo en relación con el talento. Establecerlo al 100% habría parecido menos natural. Recuerda, lo práctico es la motivación; no esperaría que una lámpara tan atrás arrojara tanta luz a través de la habitación.
Al tenerlo al 30 % (con un softbox adjunto), el p60c arroja [in my opinion] una cantidad natural de luz, dando la ilusión de que lo práctico está dando una luz sutil pero suficiente para separar el talento del fondo.
4. ¡Fíngelo!
La iluminación motivada es una forma fantástica de crear marcos de aspecto natural. Sin embargo, ¿qué pasa si no hay una ventana que pueda usar como motivación para la luz de su llave, por ejemplo?
Bueno, puedes fingir la motivación. Digamos que estás en una sala de conferencias sin ventanas y estás filmando una entrevista. Puede usar una fuente de luz fuerte y usar un cucoloris (también conocido como «cookie») o una lente de montura de proyección con gobos y crear un patrón de ventana en la pared posterior.
Esto da la ilusión de que hay una ventana justo fuera del marco y engaña a nuestra mente para que piense que hay una fuente de luz natural. A partir de ahí, aplica el mismo principio y coloca la luz principal en el mismo lado del marco que la luz de la «ventana». Ahí tienes; ahora tiene una luz clave motivada por una fuente de luz.
También agregué algunos Amaran T4C junto a la ventana y frente al sofá. Esto agregó un poco de textura en primer plano y ayudó a que todo se equilibrara muy bien.
Siempre me gusta usar la analogía de la pintura cuando se trata de cine y fotografía.
Piense en la escena que captura el sensor de nuestra cámara como el lienzo. Las luces que usamos son la pintura y los modificadores son nuestros pinceles. Nuestras luces y modificadores crean profundidad, textura y dimensión en nuestra escena para que se vea real y natural.
¡Asegúrate de ver el video de YouTube para ver las otras luces que se usaron para iluminar esta escena!
¿Quieres más consejos y trucos de iluminación motivados? ¡Mira estos artículos!
Elegir música para cualquier proyecto es una transacción decisiva. Dirijámonos al documentalista independiente Dan Perez para obtener algunos consejos.
Cuando se usa de manera eficiente, la música puede mejorar una escena o incluso crear una dimensión emocional completamente nueva en una película o documental. La música tiene el poder de transmitir emociones que no son visibles pero que, en última instancia, puede agregar esa atmósfera adicional.
Ya sea un ritmo rápido y áspero que provoca una sensación de tensión o un sonido más suave para acompañar el paso del tiempo durante un largo viaje, la música adecuada transmitirá el estado de ánimo adecuado a su audiencia.
Cuando se trata de cine documental—una búsqueda que requiere una narración poderosa y emocional—, la banda sonora debe ser igualmente poderosa.
Es una parte vital del proceso, ya que la música adecuada puede permitir que la audiencia simpatice con la historia. La música adecuada realza las emociones y puede complementar los muchos colores y texturas de una escena.
Para obtener algunos consejos sobre cómo seleccionar la música adecuada, recurrimos a dan perezun documentalista independiente.
Quédate con tus instintos
Licencia esta imagen a través de Cristian Amoretti.
Cuando Pérez filma documentales, hace todo él mismo, desde configurar la cámara hasta hacer los ajustes finales dentro de la sala de edición.
Pero, incluso con esta cantidad de control, se enorgullece de seguir la corriente. Seguir la corriente es especialmente importante cuando se trata de seleccionar música. Pérez dice que debes confiar en que los momentos que requieren música se revelarán durante la producción.
Cuando la inspiración brota, Pérez hace una nota mental para volver a visitar esa escena más tarde y aplicar música para crear el ambiente adecuado.
Pérez también edita en su mente a medida que avanza. Dijo que ya podía ver la edición en su mente y sabe dónde ralentizar o acelerar la música.
Cuando siente que se necesita música, generalmente representa algo más significativo sobre la escena, el entorno o los alrededores. Es uno de los muchos mecanismos que utiliza para alterar el tono de una escena.
No te enamores demasiado de una pista
Todos los cineastas aficionados y veteranos pueden contarte anécdotas sobre escuchar una canción y pensar que encajará perfectamente en un proyecto. Solo que, cuando tratan de hacer que funcione, simplemente. . . no.
Pérez dijo que la frustración es una parte inevitable del negocio y que debes estar dispuesto a dejarlo ir. Nunca intente forzar un ajuste que no está allí.
Para evitar este escollo emocional, sugiere probar canciones antes de comprarlas, lo que le permite reproducir la música mientras mira su clip para asegurarse de que se alineen.
Solo una vez que emparejes la escena y la canción sabrás si es la combinación correcta. Cuanto antes pueda hacer esa conexión, mejor estará.
Cuanto más escuches, mejor. Puedes tener tus favoritos; sin embargo, ampliar tus horizontes hará que elegir la música sea un poco más fácil.
Adopte los sonidos naturales
Licencia esta imagen a través de Cristian Amoretti.
Aunque la música puede llevar las cosas a un nivel superior, también puede interponerse en el camino de la historia en general. A veces, se requiere ruido ambiental crudo, y no querrás interferir con el estado natural de una escena, aconsejó Pérez.
Por ejemplo, deja que los sonidos orgánicos suenen más fuertes si tienes una toma en la calle o una escena en un hospital o una fábrica. Si el espectador está familiarizado con un sitio y sus sonidos resonantes, asegúrese de que lleguen. Además, una combinación saludable de entornos naturales con escenarios mejorados musicalmente suena bien en conjunto.
Mientras tenga en cuenta los sonidos naturales, no subestime el poder del silencio.
Hecho de la diversión: De hecho, ¡hay un debate sobre si el silencio puede considerarse música! A veces, el silencio puede ser igual de efectivo. Le da al documental un respiro, pero también puede ser un momento de reflexión para el espectador.
Estado de ánimo, tono y atmósfera
Licencia esta imagen a través de Cristian Amoretti.
Lo primero es lo primero, determinemos la diferencia entre el estado de ánimo, el tono y la atmósfera.
El estado de ánimo se refiere a los sentimientos del espectador hacia una escena. El tono se refiere a las interacciones y emociones de los sujetos en una escena. La atmósfera puede caer bajo el estado de ánimo; sin embargo, podemos pensar en esto como una referencia al lugar o escenario de una escena.
Saber qué estado de ánimo desea producir y el tono que ha establecido puede ayudar en el proceso de selección de su música. Si el estado de ánimo y el tono son bastante relajados, elegir una banda sonora que no sea demasiado invasiva, tenga una velocidad constante y sea de textura suave y no demasiado espesa sería una opción adecuada.
Para generar tensión, algo con un crescendo gradual dinámica y texturalmente iría bien. Una banda sonora que tenga un pulso rítmico sería ideal para los momentos en los que es necesario avanzar por el bien de la progresión en una escena en particular.
La música puede igualar el ritmo establecido en su película seleccionando bandas sonoras con un pulso, una forma y un contorno distintivos en color y textura. Esto puede ser un cambio de juego en la narración.
Si tiene una atmósfera vasta, para esas tomas amplias de paisajes, la música que refleja esto puede consistir en grandes conjuntos de cuerdas con pasajes sostenidos largos o sintetizadores/drones electrónicos sostenidos (consulte esta lista de reproducción de señales cinematográficas radicales en Shutterstock Music).
Las atmósferas que son más restringidas en términos de espacio o ambientes más oscuros/industriales pueden adaptarse a bandas sonoras con texturas más delgadas, o necesitar algo más percusivo y áspero.
Es útil recordar no disuadirte de la narración en el documental, ya que el lado informativo debe llegar al espectador rápidamente.
La música no debe eclipsar esto, sino complementarlo.
Público objetivo
El público objetivo puede dar una gran indicación sobre qué música se adaptaría mejor a su documental.
Si está creando un documental sobre el viaje de un atleta hacia el éxito, ese elemento de fitness es más importante de lo que piensa. Investigar pistas que la gente pueda escuchar durante un entrenamiento físico puede ayudarte a seleccionar la música para tu película.
Otro tema de ejemplo podría ser el viaje de un músico hacia el éxito. Si estás buscando un miembro de una banda de rock, las bandas sonoras de este género serían un buen punto de partida. No necesariamente tiene que ser “rock” en todas partes; es posible que encuentre una banda sonora con fragmentos de una guitarra eléctrica solista.
Recuerda . . . un poco va un largo camino.
No tengas miedo de pedir ayuda
A veces es difícil elegir qué música es mejor. Se necesita práctica y mucho escuchar, pero está bien pedir un consejo.
Ponerse en contacto con compositores, músicos o compañeros cineastas puede ser de gran ayuda, ya que pueden recomendar estilos particulares que mejor se adapten a un determinado sentimiento o acción en pantalla.
Esta también es una forma inteligente de construir una red de personas que pueden brindar comentarios y consejos para ayudarlo a mejorar como cineasta.
Licencia esta imagen de portada a través de Cristian Amoretti.
Si acaba de sumergirse en el grupo de la edición de audio, no hay necesidad de gastar el dinero todavía. Ya sea que esté editando el audio para podcastsnarración o efectos de sonidoquiere algo que le permita hacer cortes simples, agregar transiciones y controlar los decibelios.
Si está buscando efectos de audio más profundos y prácticos, es posible que deba aventurarse en aguas más profundas con uno de los programas pagos. Si bien pueden sentirse limitados, estos programas aún ofrecen el uso de algunos efectos de audio básicos, con los programas gratuitos de edicion de audio
Una vez que decida dar el paso y descargar uno (o todos) de estos, considere nuestra biblioteca para cualquier música que pueda necesitar, y si está en el negocio de podcasts y necesitas buena música para incluir en tus entrevistas e historias, echa un vistazo a los increíbles temas que ofrecemos con casi todas las canciones.
1. Audacity: Windows, Mac, Linux
Probablemente hayas oído hablar de Audacity como conozco a muchos podcasters y cualquiera que necesite un servicio de transcripción use este programa. ¿Entonces por qué es tan popular?
Primero, es un de los programas gratuitos de edición de audio. En segundo lugar, es una estación de trabajo de audio digital bien hecha (GRAJILLA) que se ha ganado este lugar en la parte superior de la lista. es intuitivo Puede usar efectos como transiciones, reducción de ruido e incluso «silencio truncado».
Aunque es un programa gratuito , Audacity todavía tiene una gran cantidad de efectos y complementos que son muy fáciles de usar. Tiene su reverberación clásica, retraso, reducción de ruido, automatización de volumen, controles de ecualización, controles de tono y muchos más.
Si desea editar algunos efectos de sonido en su biblioteca o pulir una grabación de su voz para un podcast, Audacity lo resolverá sin problemas. Tiene tantas funciones como las que ofrecería un DAW de pago.
Si desea ayuda para comenzar con Audacity, consulte nuestra guía completa para aprender el programa y lo que puede esperar al descargarlo.
2. DaVinci Resolve: Windows, Mac, Linux
Se supone que esta lista es para «edición de audio», es decir, sin edición de video. Pero, Blackmagic Design es una de las compañías más generosas que produce producto estelar tras producto estelar, y su software base (Resolución de DaVinci) está libre.
Tiene funciones como un inspector de clips que automatiza el volumen, la panorámica, los niveles de ecualización y los ajustes de tono. También incluye un mezclador profesional que le permite acceder a varios canales, mostrando sus niveles y efectos de audio, proporcionando un flujo de trabajo fluido al manejar múltiples canales de audio.
Además, tiene ecualización en tiempo real y procesamiento dinámico, una función de-esser y de-hummer, reducción de ruido, ¡y mucho más!
El tutorial a continuación tiene toda la información sobre esta increíble pieza de software. Prácticamente repasa todo lo que puede hacer por sus archivos de audio dentro del programa.
Hemos cubierto bastante DaVinci Resolve en este blog y otra vez Golpe Premium. Si es nuevo en el programa y desea una descripción general de lo que puede esperar al abrirlo por primera vez, consulte el tutorial a continuación.
Al igual que Audacity, está em la categoría de programas gratuitos de edicion de audio software de edición de audio simple y limpio. Este software gratuito le permite cortar un archivo de audio en segundos.
La diferencia que tiene en comparación con el software de la competencia, Audacity, es que puede aplicar efectos en tiempo real. En lugar de grabar el efecto directamente en el audio, puede ajustar los parámetros mientras se reproduce la pista para escuchar el efecto al instante.
No espere demasiado de este, ya que es solo para una edición simple. Desafortunadamente, no admite sesiones multipista, por lo que solo puede trabajar con pistas mono/estéreo individuales.
Puede aplicar algunos efectos básicos como fundidos de entrada, un ecualizador gráfico y la capacidad de invertir o acelerar su archivo. Es genial para grabaciones de voz.
Es simple y gratis. Échale un vistazo.
4. WavePad: Mac
WavePad ha existido por un tiempo, y lo notará en función del aspecto de su interfaz. Sin embargo, eso no cambia el hecho de que este software hará exactamente lo que necesitas.
Ya sea que esté cargando archivos .wav o .mp3, WavePad le permite cortarlo y exportarlo perfectamente. Tiene un montón de funciones, incluido el procesamiento por lotes (aplicando un efecto en varias pistas), funciones de restauración de audio, efectos de audio básicos como reverberación y retraso, y análisis espectral.
Este software solo está disponible como programas gratuitos de edicion de audio para usuarios de Mac, por lo que la pregunta es, ¿debería usar GarageBand si está en una Mac?
Si eres usuario de Mac, GarageBand viene gratis con la computadora. Se utiliza para la producción musical y es una herramienta excelente y fácil para editar cualquier audio.
Si tienes un iPhone o un iPad, ¡GarageBand también está disponible en cualquier lugar! Puede recortar pistas de audio, dividirlas y automatizar el volumen. Tiene controles panorámicos además de un compresor y un controlador EQ.
Otros efectos de audio incluyen reverberación, retardo, distorsión, modulación y muchos más.
GarageBand también ofrece varias plantillas para comenzar, una de las cuales es la voz. Este es un punto de partida sólido para aquellos que desean planificar o editar cualquier entrevista o grabación de podcast.
Este video a continuación es un tutorial sobre cómo editar un podcast en GarageBand, que le muestra cómo mapearlo y editar el audio.
¿Necesita el paquete completo? este es uno de los programas gratuitos de edicion de audioy video, todo en uno. Wondershare FilmoraPro es una excelente inclusión en esta lista, ya que está diseñada específicamente para editores de video.
Las funciones incluyen la separación rápida del audio de su video y la reducción del volumen de la música de fondo con la función de atenuación de audio.
Puede dividir y recortar clips de audio y, para sacar lo mejor de su audio, use la herramienta de ecualización para equilibrar esas frecuencias.
Ajustar la velocidad, el tono, el volumen y agregar fundidos es tan simple como mover un control deslizante según sus necesidades deseadas. Manteniéndolo simple, puede eliminar cualquier ruido de fondo con solo un clic.
La interfaz se parece mucho a la estándar de pago. NLE (su Final Cut Pro X, DaVinci Resolves y Premiere Pro).
Entonces, si quieres cambiar a algo gratis en general, dale una oportunidad. Han estado perfeccionando este software durante los últimos años y realmente creo que la gente está durmiendo con él.
Necesitas un repaso ocasional? ¡No lo hacemos todos! Bueno, lo tenemos cubierto con esta impresionante hoja de trucos de expresiones de After Effects.
Anoche, un desarrollador me sirvió un carrete de comedia de Instagram. La primera parte del video tenía al desarrollador con una capucha encorvado en su silla, y decía: Cuando empiezas a codificar, y el personaje busca en Google: ¿Cómo codifico un div? Luego se salta diez años cuando el personaje ahora es un desarrollador exitoso con un escritorio grande y una configuración costosa. Y él, una vez más, busca en Google: ¿Cómo codifico un div?
La parodia sugiere que no importa tu experiencia, a veces lo básico requiere una ligera actualización para despertar ese recuerdo. También tengo algo similar que necesito constantemente para refrescarme, y son las expresiones de After Effects.
Los uso con bastante frecuencia. Sin embargo, a veces todavía me encuentro buscando en Google «Expresión de fotogramas clave de bucle de After Effects«, a pesar de que lo he hecho miles de millones de veces en el pasado. Al igual que la parodia del desarrollador, existe una forma de codificación con expresiones, y cualquier cosa relacionada con la codificación o las matemáticas no es mi punto fuerte.
Bueno, a partir de hoy, creo que Google asumirá que me he convertido en un maestro de las expresiones, ya que ya no buscaré esa información en Google. Desafortunadamente, no me he convertido en un diccionario humano de todas las expresiones con After Effects. En cambio, me encontré con estas expresiones animadas y convenientes hoja de trucos por Good Boy Ninja.
Buen chico ninja produce varias herramientas de After Effects para diseñadores de movimiento. Y, dado que aparentemente me gusta recopilar complementos y scripts de After Effects, como Thanos recopila piedras infinitas, estoy seguro de que estaré aprendiendo algunas de estas atractivas herramientas en breve.
Fuera de eso, ayer mismo, lanzaron una expresión de After Effects. hoja de trucos. Sin embargo, creo que llamarlo hoja de trucos disminuye un poco la grandeza de la página web porque no es solo una hoja de trucos promedio.
Al hacer clic en una de la gran cantidad de expresiones disponibles, aparece una ventana emergente que lo inunda con información sobre la expresión:qué hace la expresión en forma animada, cómo lo hace, cómo hacerlo y las variables disponibles para la expresión.
Y la información sobre lo que hace la expresión a fondo no es ligera. Good Boy Ninja ha ido en todos los detalles con cada expresión, incluso brindando ejemplos del mundo real.
En el caso de wiggle expression after effects, la hoja de referencia denota todas las formas de contoneo y, de nuevo, hay un ejemplo animado para cada tipo de contoneo. Para el nuevo diseñador de movimiento, esto le ahorrará mucho tiempo, ya que no tendrá que ir y venir en After Effects para tratar de averiguar qué hace exactamente la expresión.
Y, lo que es más importante, si sabe cómo funcionan estas expresiones pero solo necesita un repaso de la codificación, el código de la expresión es la primera información que recibe al hacer clic en la expresión.
Ahora, una de las cosas que más me gusta ver al crear algo en After Effects es «Este proyecto contiene un error de expresión». Lo que hace que le grite a la PC: «¡Lo hice tal como decía el sitio web!»
Bueno, en la parte inferior de la hoja de referencia, también encontrará varios errores comunes y formas de resolverlos. Como dije, el término hoja de referencia no le hace justicia.
Si llegaste tan lejos sin pasar a la hoja de trucos y experimentar el puro placer de lo fáciles que son las expresiones de implementar de aquí en adelante, bueno, aquí tienes enlaces útiles hacia otro contenido similar de mi blog.
Rodar entrevistas e ir a diferentes lugares para completarlas es uno de los componentes más importantes del negocio de producción de vídeos de la empresa. Irás a muchos lugares y llegarás a través de varios desafíos que tendrás que enfrentar cada vez.
Para ayudarle, lea estas pocas ideas.
La intro del video. Antes de filmar las secuencias, usted debe pararse frente a la cámara digital, de uniforme, y presentarse. Consiste en la información posterior en su introducción.
Talking Arrives First – Usted tiene la oportunidad ideal de obtener material de contenido jugoso para su video clip utilizando recursos fácilmente accesibles para usted – ¡sus empleados! Para prepararse, escriba tantas preocupaciones como pueda y deje que ellos hablen.
Muchos de los conceptos para una producción de vídeo han surgido del corazón de la organización, más que de una agencia creativa.
Y con la ventaja añadida de que no tendrá que pagar por ello (aunque tal vez desee proporcionar a los empleados que contribuyeron directamente al producto final, entradas para una exhibición o una comida en un restaurante extravagante para un buen karma).
Greg Coon: Es un cambio de juego. Ha alterado todo lo que hacemos. Ahora, sin embargo, tenemos que crear un guión. Todavía tienes que disparar.
Sin embargo, tienes que editar. Pero la forma en que utilizamos el vídeo ha cambiado totalmente gracias a Internet. Hace siete años, la Web. Sabes, si hubiéramos tenido que producir un proyecto para un cliente, por ejemplo, dirían: «Está bien. Queremos un video de entrenamiento y también una edición que pueda publicar en Internet».
Exactamente donde ahora es el noventa – yo diría que el noventa, noventa y cinco por ciento de todos los proyectos que producimos son principalmente para la Web. Y pueden tener alguna otra utilización y tal vez lanzar un comercial en la televisión o algo así.
Pero casi todo lo que hacemos ahora es por Internet simplemente porque en Internet es donde todo el mundo va a encontrar cualquier tipo de información sobre algo. Y el video clip es un gran componente de eso.
Bueno, ahora que lo hemos quitado de en medio, eso no explica por qué los abogados producen vídeos terribles. Claro que lo hace. Verá, los abogados suelen buscar temas que funcionen para mejorar su publicidad.
Al hacer vídeos, producción de videos animados negocio tiene varios estilos y enfoques. Cuando se trata del estilo de vídeo que desea ver, asegúrese de emplear a alguien que pueda satisfacer sus preferencias tan bien como sus necesidades.
Si usted puede pedir videos de muestra es mucho mejor. Una vez que hayas terminado de ver el video, ahora podrás saber si es el 1 que necesitas o si tienes que aparecer para el otro.
Greg Coon: Bueno, tienes que añadir un cero a eso. He estado haciendo esto durante casi 20 años. Y entonces, sí. Soy uno de los viejos de la ciudad. Es un poco aterrador pensar en ello de esa manera, pero sí. Llevamos mucho tiempo juntos. Hemos realizado un gran trabajo a lo largo de los años.
Hay numerosos métodos para conseguir su clip de vídeo de Internet hecho. Con un poco de esfuerzo y un pequeño desembolso puedes usar una cámara web y los recursos totalmente gratuitos que venían con tu Mac u Ordenador para crear tu vídeo.
O tal vez desee utilizar un productor de vídeo profesional de la empresa para dar a su vídeo una chispa adicional. En ambos casos, usted encontrará que obtener un video clip para mostrar su empresa y sus productos será tiempo y dinero bien gastado.
Si desea que nuestra empresa de producción de vídeos, vídeo y foto Bucaramanga, lleve a cabo su proyecto puede rellenar nuestro formulario AQUÍ ó escribir directamente al Whatsapp de nuestro responsable de ventas, dando click al botón de Whatsapp que se encuentra justo debajo de este blog.
Escríbenos para cotizar tu video 🎬