Take Back the Power: Cinematografía con Charlotte Christensen

Descubra cómo Charlotte Bruus Christensen usa su cinematografía para empoderar a personajes fuertes, desarrollar estilos característicos y crear sonido en sus imágenes.

Al observar a los directores de fotografía de cine más destacados de la industria, Charlotte Bruus Christensen se destaca, no solo como alguien que ayudó a desarrollar los influyentes movimientos cinematográficos mediante los cuales perfeccionó su oficio, sino también como alguien que lucha entre bastidores para llevar nuevas y audaces voces a las pantallas de cine convencionales.

Desde crear mundos oscuros y misteriosos con éxitos independientes como Submarino, para sacar a relucir actuaciones dignas de un Oscar en películas como Vallas, para empujar los límites de la composición y el suspenso en thrillers como Un lugar tranquilo, echemos un vistazo a la poderosa cinematografía de Charlotte Bruus Christensen.


El poder del cine Dogme 95

Christensen se inició en la Escuela Nacional de Cine y Televisión en su Dinamarca natal. A medida que formó asociaciones tempranas con cineastas escandinavos icónicos como Thomas Vinterberg, un nuevo movimiento – Dogme 95 – se estaba desarrollando entre contemporáneos como Lars von Trier, uno basado en el deseo de “recuperar el poder” del cine de los grandes estudios.

Los principios básicos de la Dogme 95 El movimiento cinematográfico giraba en torno a la creación de un cine basado en los valores tradicionales de las historias, los personajes y los elementos temáticos, todo ello evitando los elaborados CGI y los efectos especiales. El movimiento incluso tenía reglas estrictas: el rodaje debía realizarse en el lugar, la cámara debía ser portátil y las películas no podían contener ninguna acción superficial.

Estos principios fueron una gran influencia en los primeros trabajos de Christensen, sobre todo en sus primeras colaboraciones con Thomas Vinterberg: Submarino y La caza. Ambas producciones adoptaron muchas de las limitaciones de Dogme 95, que permitieron a Christensen desarrollar un fuerte sentido de la realidad y la voz.


Desarrollar miradas individualistas

A medida que la carrera de Christensen se desarrollara, se le brindarían más, y mayores, oportunidades para crear estilos y looks únicos e individualistas, que podrían diferir mucho entre imágenes como Marc EvansHunky Dory y Anton CorbijnEs Vida.

Ambas películas son notables por perfiles de color y estilos de filmación muy diferentes. Hunky Dory es un musical claro y brillante que captura el amanecer de la juventud. Vida es el espejo opuesto en sus intentos de reflejar el pasado mundo del cine que rodeó el ascenso (y la caída) de James Dean en las décadas de 1940 y 1950.

Ambos son excelentes ejemplos de cómo Christensen es capaz de trabajar de forma adaptativa con la iluminación y la composición para contar historias individuales que, junto con la visión de un director, pueden ser independientes, pero también impresionistas de los escenarios y temas que intenta crear para cada película. .


Dar vida a mujeres fuertes

Otro sello interesante de la mirada cinematográfica de Christensen es su capacidad para sacar a relucir protagonistas femeninas fuertes y, a veces, elevar a los personajes secundarios a algo más.

Esto se repite una y otra vez en la filmografía de Christensen con ejemplos como el mencionado anteriormente. Hunky Dory, junto con características como Lejos del mundanal ruido, La chica del treny Juego de Molly. Incluso se podría argumentar que su trabajo detrás de escena en películas de conjunto como Vallas y Un lugar tranquilo ayudó a impulsar los roles femeninos hacia el estatus de co-líder.

La cinematografía de Christensen funciona mejor cuando permite la cobertura más completa y la representación equitativa en la pantalla. En muchas de sus películas, tenemos secuencias largas e intensas (a menudo con muchos diálogos) llenas de drama emocional, pasión y suspenso que no temen quedarse en el momento.


Creando misterio y suspenso

Hablando de la capacidad de Christensen para usar su cinematografía para crear tensión y suspenso, sus habilidades están realmente en exhibición en sus obras más famosas. La caza, La chica del tren, y el aclamado por la crítica y comercial Un lugar tranquilo.

Los tres son clases magistrales sobre el uso de la perspectiva en su cinematografía, ya que los tres utilizan la subjetividad, y a veces la falta de fiabilidad, en su trabajo de cámara para dejar al público incómodo y en busca de respuestas.

Al trabajar en películas de género, Los principios inspirados en Dogme 95 de Christensen demuestran ser su arma secreta. Es capaz de crear algunas secuencias profundamente inquietantes al sumergir por completo a los espectadores en momentos tremendamente intensos, sus tomas causan una gran distorsión y confusión.


Uso de la cinematografía para crear sonido

La película por la que Christensen podría ser más conocida: el gran éxito Un lugar tranquilo – recibió elogios universales y ayudó a relanzar todo un género de terror independiente de nuevo a la corriente principal. Las habilidades cinematográficas de Christensen se pusieron a prueba, ya que básicamente se le pidió que creara un mundo muy real y lleno de suspenso sin usar un par de las mejores herramientas del arsenal de cualquier cineasta: el sonido y el diálogo.

Y, aunque hay un diseño de sonido increíble en Un lugar tranquilo (que puedes leer más aquí), es la cinematografía de Christensen que se enfoca en los personajes, las emociones y retratar lo inaudito y lo invisible lo que realmente hace Un lugar tranquilo trabajo.

La poderosa cinematografía de Christensen ha demostrado una y otra vez que se necesita una visión audaz y una voz fuerte para contar historias poderosas y desafiar el status quo del cine.


Para obtener más perfiles de artistas y conocimientos cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada vía IMDb.

Cómo darle a sus imágenes un aspecto cinematográfico en FCPX

Final Cut Pro X tiene un sólido conjunto de herramientas de color que han mejorado enormemente a lo largo de los años. A continuación, le indicamos cómo utilizarlos para dar colores cinematográficos a su video.

Hacer que su paleta realmente destaque es una manera fácil de agregar valor de producción en un instante. En este video tutorial, veremos cómo crear sus propios colores cinematográficos, todo dentro de FCPX. Saltemos.


Paso 1: capture imágenes de alta calidad para lograr grados de color de alta calidad

Tener metraje de alta calidad, el códec correcto, la resolución, la iluminación y una exposición impresionante, todo esto es vital para lograr colores cinematográficos ideales. El metraje con el que estamos trabajando hoy es Canon RAW de 6K filmado en Canon Log 2. Verifique su cámara actual y vea qué códecs y perfiles de color podrían brindarle la mejor calidad de color.


Paso 2: Correcciones de color

FCPX: Correcciones de color

Solucione cualquier problema con las conversiones durante el proceso de corrección de color.

Una vez que se ha importado el metraje, está listo para el primer paso de color: correcciones de color. El proceso de corrección de color aborda cualquier problema de conversiones para formatos LOG. Estas correcciones pueden ser ajustes de exposición y balance de blancos. En última instancia, normaliza el color de su metraje en un formato estándar.

Dado que hoy estamos trabajando con material de archivo Canon Log 2, vamos a convertir nuestro material de archivo utilizando la conversión LUT de C-Log 2 en FCPX. Estos LUTS de conversión de LOG se pueden encontrar en el Inspector panel y seleccionando la función extendida.

Después de ver la LUT de conversión, podemos hacer ajustes menores de exposición y balance de blancos según sea necesario y de acuerdo con los alcances que utilizamos.


Paso 3: Grado de color

FCPX: Grado de color

Aproveche los verdaderos colores cinematográficos utilizando las funciones de FCPX.

Aquí es cuando la diversión realmente comienza. Utilizamos una variedad de curvas y máscaras de color para ajustar realmente nuestro metraje. Utilice las funciones Ruedas de color y Máscara de color para aislar y seleccionar colores y áreas específicas para personalizar su grado de color.

Para nuestro propósito, utilizamos máscaras de color para darle a nuestras sombras un aspecto un poco más verde azulado y luego otra máscara de color para calentar nuestros tonos medios. Esto resultó en un fuerte contraste de color que realmente complementó nuestro metraje.


Paso 4: revisiones

FCPX: Revisiones

La revisión le permite realizar los ajustes finales a su metraje.

Una vez que haya completado su calificación, siempre es ventajoso dar un paso atrás y evaluar realmente el metraje en su totalidad. Esto le permite ver si necesita hacer ajustes menores y finales, como reducir los reflejos o aumentar un poco las sombras. Básicamente, desea darle a su metraje un aspecto final para asegurarse de que sea lo más prístino y cinematográfico posible.

Por ejemplo, es posible que desee abrir sus curvas de tono / saturación para reducir la cantidad de rojo en los tonos de piel. Este ajuste podría ser algo que podría haberse perdido si hubiera perdido la oportunidad de hacer las revisiones finales de su metraje graduado en color.


Paso 5: copie la calificación

Si tiene varios clips en la escena a los que se puede aplicar la calificación, simplemente puede copiar y pegar los efectos. Así es como lo haces.

Seleccione el clip principal que calificó. Una vez seleccionado, presione Cmd + C. Ahora, seleccione el clip en la línea de tiempo en el que desea pegar los efectos. Una vez seleccionado, presione Comando + Opción + V para pegar los efectos. Si es necesario, puede realizar algunos ajustes menores para que coincidan perfectamente con los clips.


Ahora que eres un profesional del color cinematográfico, sigue mejorando tus habilidades de edición de video con este contenido adicional de FCPX:


Imagen de portada de Blade Runner 2049 vía Columbia Pictures / Kobal / Shutterstock.

Cree una transición de portal de tutorial con estilo en After Effects

Aprenda a crear una transición de portal de tutorial en After Effects utilizando mates de material de archivo y seguimiento 3D. ¡El tutorial incluye archivos de proyecto gratuitos!

Crear una transición de portal de tutorial elegante es sorprendentemente fácil en After Effects, y el resultado final seguramente provocará algunos oohs y aahs de sus espectadores. A menudo, puedes encontrar este estilo de transición de portal en primera persona en videos de viajes y secuencias de créditos iniciales, ya que son una forma llamativa de cambiar de una ubicación a otra.

¿Listo para crear tu propio portal? Descargue los archivos del proyecto gratuitos, inicie After Effects y siga el video paso a paso y la transcripción a continuación. Empecemos.

DESCARGUE LOS ARCHIVOS GRATUITOS DEL PROYECTO


Qué metraje usar

Para lograr el efecto, necesitará dos disparos diferentes, los cuales se dirigen hacia adelante. Definitivamente ayudará a la apariencia del efecto si se mueven casi a la misma velocidad.

Transición del portal en After Effects: tiro hacia adelante

Seguimiento de tiro hacia adelante.

El movimiento de la cámara también deberá ser bastante suave, por lo que recomiendo filmar con un cardán de tres ejes o un dron. Encuentro que también ayuda si el segundo disparo es más un área abierta que el primero. Esto ayuda a evitar problemas obvios de paralaje entre cada videoclip a medida que avanza.


Rastreador de cámara 3D

Una vez que haya elegido su primera toma, agréguela a una nueva composición. Luego, abre el Rastreador en After Effects y seleccione el Cámara de seguimiento opción. Una vez que el rastreador se haya completado, seleccione un área de puntos de rastreador cerca del centro de su metraje y botón derecho del ratón. Ahora, seleccione Establecer el plano de tierra y el origen.

Transición del portal en After Effects: Camera Tracker

Seleccione un área de puntos de seguimiento que esté cerca del centro de su metraje.

Esto establece efectivamente esa área 3D como el centro de la composición, lo que facilita la navegación cuando se agregan nuevos archivos. Finalmente, botón derecho del ratón en la misma área de puntos de seguimiento y seleccione Crear sólido y cámara.


Animación de revelación del portal

Transición del portal en After Effects: posición de la capa 3D

Una vez que haya agregado su forma (o texto), gire la capa y vuelva a colocarla en el espacio 3D.

Ahora necesitamos agregar una forma o texto que actuará como animación de revelación de nuestro portal. Para este portal, usaremos una animación de “escritura” de garabatos. (He incluido la animación de garabatos en el archivo del proyecto).

Arrastrar y soltar el clip de animación de garabatos en la composición y configurarlo como un Capa 3D. Luego, tendremos que rotar la capa y reposicionarla en el espacio 3D, de modo que la cámara del rastreador se mueva naturalmente a través del centro. Finalmente, enciende Desenfoque de movimiento para la capa de animación de garabatos.


Agregar el segundo videoclip

Ahora, podemos agregar el segundo videoclip a nuestra composición, colocándolo debajo de la capa de animación de garabatos. Dado que la capa de animación de garabatos tiene un canal alfa, podemos configurar nuestro segundo videoclip en Mate Alfa bajo la Track Matte ajustes. Esto matizará efectivamente nuestro metraje para que solo aparezca donde está la animación de garabatos.

Transición del portal en After Effects: Alpha Matte

Ahora, agregue el segundo videoclip a su composición.

Cuando la cámara 3D se mueve al centro del efecto de garabato, necesitaremos dividir la capa del segundo videoclip. Haga esto cuando el segundo videoclip ocupe toda la pantalla, pero antes de que la cámara 3D pase a través de la capa de garabatos 3D. Para dividir la capa para el segundo videoclip, puede usar el atajo Ctrl + Mayús + D (Cmd + Mayús + D en Mac).

Transición del portal en After Effects: capa dividida

Use Ctrl + Shift + D (Cmd + Shift + D en una Mac) para dividir la capa en el segundo videoclip.


Agregar rayos de luz

Para crear algunos rayos de luz, primero necesitamos precomponer todas las capas de nuestra composición, excepto el primer videoclip original que usamos. Una vez que haya compuesto todas las demás capas juntas, duplicar la precomp dos veces. Ahora debería tener tres copias del mismo precomp.

Nombra la copia de precomp. Superior Mate y la copia intermedia de precomp. Rayos de luz. Aplicar el efecto Desenfoque rápido radial CC a la precomposición de Rayos de Luz y configure el Cantidad a 80. En la precomp. mate, aplique el efecto Gargantilla mate y establezca la siguiente configuración: Suavidad geométrica a 35, Ahogo a 126, Suavidad de nivel de gris al 28 por ciento.

Transición del portal en After Effects: copias precomp.

Precomponga todas las capas de nuestra composición para crear rayos de luz.

Ahora, configure el Track Matte ajuste para el Rayos de luz precomp para ser Alfa Invertido. Luego, configure el Rayos de luz precomp a un Pantalla modo de fusión. A continuación, puede ajustar el Opacidad nivel de la compensación de rayos de luz a un valor que se vea mejor.

Transición del portal en After Effects: rayos de luz

Ahora, ajusta el nivel de opacidad.


Desenfoque de movimiento de píxeles

Finalmente, como toque final opcional, podemos agregar algunos Desenfoque de movimiento de píxeles al metraje para suavizar la animación de garabatos. Agregar un Capa de ajuste por encima de todo y aplicar Desenfoque de movimiento de píxeles lo. Me gusta configurar el Muestras de obturador a las doce.

Transición del portal en After Effects - Pixel Motion Blur

Suaviza la animación de garabatos agregando algo de Pixel Motion Blur a tu metraje.


¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:


Aquí hay algunos consejos / trucos / técnicas más que puede mantener en la manga de After Effects:

Mejora tu juego FCPX con estos cinco complementos de pago principales

Obtenga más de su experiencia de edición de FCPX con estos complementos dignos de inversión.

Ciertas inversiones (un mejor monitor, un disco duro externo más grande, una máquina más rápida) pueden realizar cambios positivos instantáneamente en su flujo de trabajo de edición. Invertir en los complementos correctos puede tener el mismo efecto al expandir esencialmente sus capacidades de edición de manera que sorprenda seriamente a los clientes.

Si, como yo, tu amor por Final Cut Pro X lo convierte en tu NLE favorito, los complementos adicionales son bastante vitales. Desafortunadamente, FCPX simplemente no se integra tan fluidamente con los gráficos en movimiento y el software VFX, ciertamente no tan bien como lo hace Premiere Pro con After Effects.

Afortunadamente, puede superar esta realidad si está dispuesto a gastar unos dólares en complementos. Aquí hay un vistazo a cinco complementos de FCPX en los que me alegro de haber invertido.


1. Paquete estándar ERA 4

Esta es una fantástica colección de complementos de limpieza de audio creados por Accusonus. El sitio web promete “grandes resultados con un mínimo esfuerzo”. Puedo testificar que esto es cierto. Esta fue una inversión revolucionaria.

Por sólo $ 149, recibirá un eliminador de ruido (mi favorito personal), un eliminador de reverberación, un nivelador de voz, un eliminador de espumas, un eliminador de explosiones y un eliminador de recortes. Incluso si eres bastante nuevo en la edición, estos complementos son entonces accesible. Simplemente compre, instale, cargue FCPX, arrastre el complemento de su elección a su audio y escuche la magia.

Recientemente descubrí que Noise Remover me salvó la vida mientras editaba entrevistas capturadas en una calle concurrida de Londres. Con solo el ajuste fino más ligero, los resultados fueron transformadores.


2. Video ordenado

Por mucho que me encante el paquete ERA 4, si solo va a invertir en un complemento FCPX, creo que debería hacerlo Video ordenado. Es el destructor de ruido digital definitivo. Realmente no hay nada que pueda agregar aquí: si tiene imágenes ruidosas, Neat Video hará que ese ruido desaparezca siempre.

Una cosa a tener en cuenta: probablemente ralentizará su computadora drásticamente una vez que se aplique. Para evitar esto, sugiero no agregarlo hasta justo antes de presionar exportar. Otra cosa que puede hacer es agregar el efecto a una capa de ajuste sobre cada clip, luego deshabilitar la mayoría de ellos mientras continúa trabajando. Justo antes de presionar exportar, puede volver a habilitar esas capas. Una vez que haya llegado a exportar, prepárese una bebida mientras espera porque ralentiza enormemente sus tiempos de exportación.

Sin embargo, el resultado final vale la pena. A continuación, se muestran algunos ejemplos de Neat Video en acción. Estas fotos fueron tomadas de un festival para el que edité una promoción.

Nuestros clientes se sorprendieron con las fantásticas imágenes que logramos capturar, considerando que estaba muy oscuro. Neat Video hizo gran parte del trabajo por nosotros allí. Intente hacer una pausa en diferentes fotogramas para ver la diferencia.


3. Piel más suave 2

Si alguna vez se ha preguntado por qué las caras de los actores suelen verse tan bien en las películas, es posible que se sorprenda al darse cuenta de la cantidad de esta “suavidad” que se agrega en la suite de gradación de color. Piel más suave 2 le ayudará a llevar sus habilidades de gradación de color al siguiente nivel sin salir de FCPX.

Por lo general, efectos como este están asociados con software específico de calificación como DaVinci Resolve o Baselight. Sin embargo, este fantástico complemento le brinda la capacidad de erradicar imperfecciones, nuevamente, sin dejar su confiable FPCX. Obviamente, al igual que con muchos de estos efectos, debes ser sutil con tu aplicación. De lo contrario, las caras comenzarán a verse como si hubieran sido animadas.


4. EasyTracker de CrumplePop

A pesar de no poder utilizar After Effects Motion Tracker de la forma más directa posible en Adobe Premiere, EasyTracker El complemento para FCPX definitivamente te ayuda a hacer algo similar.

Le permite crear títulos, animaciones y gráficos que se mueven con un objeto en su toma. No tener que dejar FCPX para crear este tipo de efectos es un gran ahorro de tiempo, por lo que EasyTracker es imprescindible.


5. Pop de datos

Con los complementos, a veces no se trata de invertir dinero. A veces se trata de invertir tiempo. Y dado que los nuevos editores a menudo tienen más tiempo que dinero, los complementos gratuitos son un recurso increíble.

Pop de datos es un fantástico complemento gratuito que le permite crear animaciones gráficas agradables visualmente sin salir de FCPX. Obtendrá acceso a cuatro tipos diferentes de gráficos cuando lo instale: circular, circular, barra horizontal y barra vertical. Vea el video de arriba para obtener más información.


Con suerte, tendrá la tentación de invertir en uno (o varios) de los complementos presentados hoy. Sé por experiencia que pueden aumentar enormemente el valor que aportas a la mesa como editor. No solo trabajará de forma más rápida e inteligente: su trabajo se mejor. Sus clientes quedarán completamente desconcertados y luego volverán por más.

¿Te gustan los complementos? Entonces te gustarán estas publicaciones de blog. Sumérjase y descubra su nuevo complemento favorito para FCPX, After Effects y más:


Imagen de portada vía fcpeffects.com.

Canon anuncia la nueva EOS C70, su primera cámara de cine con montura RF

No 8K con este, pero la nueva Canon EOS C70 dispara 4K 120p e incluye todas las campanas y silbidos tentadores que adoran los cineastas y los profesionales del video.

Con la industria todavía tambaleándose (y un poco polarizado) desde el anuncio de la Canon R5 Cámara de video digital 8K, la marca lanzó otro anuncio importante en el Canon Vision conferencia de prensa el 24 de septiembre de 2020 – la nueva EOS C70, la primera cámara de cine con montura RF de la empresa.

Si bien la EOS C70 puede ser decepcionante en el departamento de especificaciones cuando se compara con la R5, en realidad es una cámara de cine muy capaz que debería tener un impacto más práctico que la 8K R5. Echemos un vistazo a la nueva EOS C70 para ver si es una buena opción para sus proyectos de películas y videos.


La nueva Canon EOS C70

Como fanático de las DSLR clásicas de Canon como la 5D y su línea de cámaras de cine actual, creo que la C70 debería ser una opción intermedia sólida entre las dos. Parece más compatible con películas / videos que la funcionalidad de doble híbrido que la línea EOS R sin espejo persigue con fotos y videos. Y a un precio de alrededor de $ 5,000, estamos en un estadio realista para la multitud de videos de carreras y disparos. Además, con una montura RF, debería ser un buen compañero de cámara para aquellos que ya están trabajando con la nueva línea de lentes R de Canon.

Yo diría que esta es una opción intrigante para los profesionales del cine y el video, aunque existe la posibilidad de que le resulte difícil destacar en un mercado abarrotado, ya que carece de una característica excelente o de un avance tecnológico revolucionario.


Especificaciones completas de la Canon EOS C70

  • Sensor Super 35 de doble ganancia de salida (DGO)
  • Captura HDR 4K 120p, 2K Crop 180p
  • Grabación Canon Log 2, 3, PQ y HLG
  • Montura de lente RF / Montura EF con adaptador
  • Procesador de imágenes DIG! C DV7
  • Más de 16 paradas de rango dinámico total
  • Filtros ND integrados
  • ISO automático y ganancia
  • CMOS AF de doble píxel y EOS iTR AF X
  • 1 código de tiempo BNC
  • 2 entradas de audio mini-XLR
  • Ranuras para tarjetas SD dobles, compatibilidad con LUT / Long GOP

Precio: $ 5.499 (reserva para finales de noviembre)

En una era en la que las marcas persiguen especificaciones y avances tecnológicos con cada nueva cámara, la C70 carece de grandes números o aplicaciones. No obstante, con un sensor Super 35, aunque no es de fotograma completo y obviamente no es de 8K, ni siquiera de 6K, el 4K RAW de la C70 es completamente respetable. (¿No estás seguro de cómo te sientes con todo eso? Lea este artículo para decidir por sí mismo si 8K realmente importa.)

Saliendo de los aspectos positivos de estas especificaciones iniciales, el C70 sigue siendo intrigante. Tenemos 4K 4: 2: 2 de 10 bits (ALL-I e IPB) a hasta 120 fps y 4K RAW a hasta 120 fps cuando se graba externamente. Tenemos más de 16 paradas de rango dinámico, filtros ND incorporados, controles automáticos de ISO y ganancia, ranuras para tarjetas de memoria dobles y dos entradas de audio mini-XLR. Con todo esto trabajando en conjunto, la C70 es perfectamente práctica para tomas más avanzadas.


Reflexiones sobre el C70 para cineastas

Si esto fuera hace unos años, cuando Canon todavía era la fuerza dominante en la industria del video, la C70 sería una adición muy bienvenida al arsenal de cualquier cineasta. Promete ser una opción sólida para grabar documentales sobre la marcha. También podría servir como una cámara A o B confiable para una semana intensa de grabaciones de videos corporativos. El metraje 4K debe ser lo suficientemente consistente y de alta calidad para prácticamente cualquier necesidad cinematográfica.

Sin embargo, si ya se está adaptando a la vida de 6K + u 8K, esto puede parecer un paso atrás poco interesante. Realmente, lo más curioso de este anuncio del C70 es que sigue al anuncio del R5, con el que competirá. Y, sorprendentemente, el C70 en realidad cuesta más de $ 1,000 más que el R5.

En última instancia, la Canon EOS C70 será para aquellos que ya están en Canon, especialmente aquellos a quienes les gusta trabajar con la línea de cámaras de cine de la compañía y ya han invertido en lentes RF para la mayoría de sus necesidades de producción.


Para obtener más noticias y reseñas sobre cámaras, consulte estos artículos a continuación.

Un método de seis pasos para reducir los videos de sus entrevistas

Los editores de proyectos de entrevistas se enfrentan a una tarea abrumadora: reducir horas de metraje a solo minutos para el montaje final. Elimina ese estrés con estos seis pasos.

Editores de video, ¿cuántas veces se ha encontrado con el siguiente escenario?

Un director acaba de regresar de un rodaje con un disco duro lleno de imágenes de entrevistas. Hay una energía en el aire mientras discutes ideas y contemplas en qué podría convertirse esta pieza.

Te acomodas y te preparas para empezar a cortar, pensando en el tiempo limitado que tienes para reducir cinco horas de entrevistas a los veinte minutos de oro que formarán la columna vertebral de tu video. Hay tantas decisiones que tomar, es abrumador.

Luchas por encontrar un punto de partida. E incluso cuando comienzas, y estás bien en la edición, comienzas a sentir que no has hecho ningún progreso tangible y todo comienza a arrastrarse.

Después de enfrentar este tipo de situaciones demasiadas veces, desarrollé un proceso maravillosamente metódico que me permitió trabajar de manera eficiente en esta etapa de una edición. Lo he usado constantemente durante años y ha impresionado a algunos directores en el camino.

Aquí hay seis pasos que lo ayudarán a evitar la confusión mental para que pueda comenzar a cortar las entrevistas antes.


1. Transcripción

Exportar audio

Ahorre dinero eliminando las lagunas en las que el entrevistado no está hablando.

Obtener la transcripción de tus entrevistas es el mejor consejo que tengo para cualquiera que corte este tipo de videos. Hay muchas, muchas ventajas en la transcripción de sus entrevistas. Si el director de repente quiere encontrar un fragmento particular de una entrevista en particular, puede buscar fácilmente en la transcripción palabras o frases clave específicas. También puede simplemente hojear las entrevistas cuando esté fuera de la suite de edición. Descubrirá que los beneficios son infinitos.

La tarea de bloquear la transcripción puede recaer en un pasante, si esa es una opción. Alternativamente, si tiene el presupuesto, puede enviarlo a un sitio web de transcripción.

Antes de la transcripción, vale la pena formar sus MultiCams primero, si ha filmado desde múltiples ángulos, para que pueda arrastrar el clip de MultiCam a su línea de tiempo y exportar el audio desde allí. De esa manera, los códigos de tiempo en su transcripción coincidirán con los códigos de tiempo de la línea de tiempo de su entrevista. Esto es vital si desea mantener su proceso eficiente.

Tenga en cuenta que algunos sitios de transcripción cobran por minuto de audio. Entonces, si el clip que exporta es más corto, pagará menos. Para ahorrar dinero, incluso puede eliminar los espacios en los que el entrevistado no está hablando. Por ejemplo, durante la configuración o entre preguntas.

Con el servicio de transcripción que utilizo, cinco horas de entrevistas cuestan alrededor de $ 450, lo que, en el gran esquema de un presupuesto de posproducción, no es tan significativo. Obviamente, puede incluir esto en su cotización original para el cliente. antes de comienza la producción.


2. Destacando

Muestra de transcripción resaltada

Una vez que hayas completado tus transcripciones, ¡puedes comenzar con la edición! Sugiero descargarlos como PDF, ya que esto le brinda fantásticas capacidades de resaltado.

Lea todas las transcripciones de principio a fin, destacando cualquier cosa y todo lo que posiblemente se pueda usar en la edición. Normalmente abro los PDF en Avance, que le permite utilizar diferentes colores al resaltar.


3. Cree “buen contenido”

Crea buen contenido

Copie sus segmentos resaltados en un nuevo proyecto.

Ahora es el momento de volver a su software de edición. El siguiente paso es revisar todas sus entrevistas, recortando cualquiera de los segmentos destacados de cada entrevista en un nuevo proyecto (o secuencia, si es un usuario de Premiere). Sugiero nombrarlo Buen contenido, o algo similar.

Antes de copiar cada sección, agregue una diapositiva de texto encima de cada una. Si copia y pega el texto de la transcripción de lo que se dice en cada segmento resaltado, solo tendrá que arrastrar la cabeza lectora sobre un clip en particular para saber exactamente lo que se dice, en ese momento, sin tener que mirarlo. Esto puede suponer un gran ahorro de tiempo más adelante.

Una vez que haya copiado todas sus selecciones en este nuevo proyecto, puede avanzar al siguiente paso.


4. Cree un “buen contenido ordenado”

Buen contenido reordenado

Ahora es el momento de comenzar a reorganizar sus fragmentos de sonido por tema.

Es hora de comenzar a reorganizar los fragmentos de sonido según el tema. Por ejemplo, si se trata de un artículo sobre alguien que va a una expedición, los temas podrían ser Prepararse antes de ir, Empezandoy Volviendo a casa. A menudo uso una diapositiva de texto grande para etiquetar cada sección, como se muestra arriba.

Esta parte del proceso será más fácil gracias a las diapositivas de texto que acaba de crear. Es de esperar que, en este punto, conozca la estructura general que desea que tenga su contenido cortado / encadenado, de modo que pueda organizar las secciones en el orden en que irían, en caso de que se usen en el video final.


5. Cree un “corte de contenido”

Corte de contenido

Después de duplicar su proyecto, ahora puede cambiarle el nombre Corte de contenido.

Esta es la parte más creativa del proceso y, para muchos, la parte más agradable. Primero, duplica tu proyecto y cámbiale el nombre Corte de contenido. Debido a que su metraje ahora está en orden, podrá ver cuando haya repetición en lo que se dice y podrá eliminarlo rápidamente.

Esta es la etapa en la que debe ponerse a trabajar eliminando y reduciendo su corte hasta que tenga la longitud que desea que tenga su pieza final. Vale la pena dejar espacios entre las secciones, ya que inevitablemente tendrás lagunas en tu video final en las que podrás dejar que respire un poco.

También puede optar por cortar ciertos fragmentos de sonido por la mitad o conectarlos con otros fragmentos. Se trata de masajear el contenido hasta que cuente la historia que desea. Es posible que se encuentre juntando tres secciones cortas diferentes de tres partes diferentes de una entrevista para crear la oración que desea que hayan dicho.


6. Cree un “corte de contenido refinado”

Duplique su archivo de proyecto una vez más y cámbiele el nombre Corte de contenido refinado. En esta etapa es donde tiene lugar una verdadera delicadeza, eliminando los “umms” y los “errores”. Reconsidere qué partes se pueden cortar, aunque solo sea con unas pocas palabras aquí y allá.

Este es su corte de contenido final. Es inevitable que vuelva atrás y modifique ligeramente el contenido cortado en etapas posteriores de la edición. Sin embargo, esto será mucho más fácil gracias a las distintas líneas de tiempo que ya ha creado en cada etapa. Puedes volver al Buen contenido ordenado proyecte y tome un bocado que había descartado, pero ahora cree que funcionaría. Una vez más, las diapositivas de texto entran en juego para facilitarle la vida.

Aunque este proceso lleva mucho tiempo, en realidad ahorra tiempo a largo plazo, especialmente cuando un cliente comienza a solicitar fragmentos de sonido particulares (que ahora ha guardado convenientemente en uno de sus proyectos).

Obviamente, puede adaptar este proceso de la manera que mejor se adapte a sus necesidades. Con suerte, le permitirá crear sus cortes de contenido de manera más eficiente, sin sentirse abrumado.


Mientras piensa en la edición de videos, consulte algunos recursos más que pueden ayudarlo a mejorar sus cortes:


Imagen de portada vía MarcoStockFotas.

Configuración de una transmisión de rendimiento en vivo: económico a profesional

¿Quieres participar en la transmisión en vivo? Aquí hay algunas formas de comenzar a trabajar. Vea cómo configurar una transmisión en vivo de forma profesional y con un presupuesto limitado.

Si bien puede pasar algún tiempo antes de que podamos experimentar nuevamente las presentaciones en vivo en persona, muchos artistas, músicos y otros artistas están moviendo sus espectáculos en línea.

Si eres un artista que está interesado en la transmisión en vivo o alguien que busca brindar servicios de transmisión a otros, hay varias formas de hacerlo realidad, sin importar tu presupuesto. Hemos desglosado algunos de estos enfoques y reunido algunas sugerencias de equipo, que van desde el nivel básico hasta el profesional.

Por lo tanto, comencemos y conectemos.


Configuración de transmisión de nivel de entrada

Como siempre, el presupuesto es la principal preocupación de todos. La mejor manera de mantener bajos los costos es usar lo que ya tiene. Afortunadamente, 2020 ofrece excelentes vías para la transmisión en vivo a bajo costo, mientras utiliza algunos equipos que ya puede tener.

Software

Empecemos con el software. El software de transmisión es la forma en que coordinará los gráficos, los medios y las secuencias de video en una sola transmisión que se transmitirá a través de la plataforma de su preferencia (Twitch, Facebook, YouTube, etc.).

La opción preferida en este momento es OBS (software de transmisión abierta) – un programa de código abierto totalmente gratuito que puede ejecutarse incluso en computadoras modestas. OBS es un programa sencillo y fácil de usar con características sólidas que pueden llevarlo a un entorno profesional.

Aprender OBS lo familiarizará con las funciones de transmisión en vivo y cómo funciona una transmisión en vivo. Al igual que con cualquier software, existe una curva de aprendizaje, por lo que sugerimos probar las cosas antes de debutar en un programa en vivo.

Estudio OBS

Conozca los entresijos del streaming con OBS Studio. Imagen vía OBS.

Cámara y audio

Es importante tener una buena imagen para enviar a través de la transmisión. Pero, para reducir costos, intente utilizar el equipo que ya posee.

Afortunadamente, la mayoría de las empresas de cámaras han lanzado recientemente un software que hace que sus cámaras se puedan utilizar como cámaras web. Simplemente podrá conectar su cámara a su computadora a través de un cable USB y obtener una señal en OBS. Si posee una cámara lanzada en los últimos años, es probable que sea compatible con el nuevo software. Asegúrese de verificar primero la lista de cámaras compatibles: antes de empezando.

Éstos son algunos de los lanzamientos recientes:

Si no posee una cámara exclusiva propia, no se preocupe. Usar tu teléfono como cámara sigue siendo una opción. Comenzaremos con la opción para usuarios de iOS. Si es un usuario de Android, los pasos son un poco más complicados, pero puede omitir los siguientes pasos.

Para obtener la mejor calidad y un enfoque de baja latencia, querrá conectar su dispositivo iOS a través de USB directamente a su computadora con OBS. Para hacer esto, deberá descargar la aplicación Cámara para OBS Studio. Si bien esta aplicación no es gratuita, es rentable en comparación con la compra de una cámara capaz de realizar una función similar. La ejecución de la aplicación hará que su dispositivo iOS funcione como una cámara web.

Para que todo funcione, también deberá instalar el Cámara para OBS Studio en su computadora para que OBS también pueda reconocer el teléfono. Como beneficio adicional, la aplicación iOS le dará acceso a algunas herramientas de video profesionales integradas en la cámara, como cebras, control de exposición, balance de blancos, histograma y picos de enfoque.

Cámara para OBS Studio

Comience conectando su dispositivo iOS a su computadora a través de USB. Imagen vía SOL TZIDO.

Si es un usuario de Android, todavía tiene opciones. Utilizará un tipo de función de video inalámbrico a través de Wi-Fi llamada Protocolo NewTek NDI. Básicamente, usará su teléfono como servidor de medios y luego enviará su señal de video a su computadora dentro de su red Wi-Fi local. Esto es eficiente (en teoría) pero podría ser propenso a algunos problemas de retraso y calidad. La calidad de su red, la señal del teléfono, el video y la computadora podrían ser un factor en el funcionamiento de este feed.

Para que todo funcione, deberá instalar Cámara web IP desde el Tienda de juegos en su teléfono. Esto le dará la opción de iniciar el servidor desde su teléfono cuando ejecute la aplicación. Dentro de OBS, creará una fuente de medios que mostrará la señal de su teléfono. Si bien es un proceso bastante sencillo, puede resultar un poco complicado si es la primera vez que visita este territorio. Afortunadamente, hemos encontrado una configuración simple y concisa tutorial que te guía por todos los pasos.

Para audio con un presupuesto limitado, es posible que deba utilizar los micrófonos integrados integrados en la cámara que está utilizando o un micrófono externo que pueda conectarse directamente a su cámara (Røde Videomic o Diety V-Mic). Esta no es la mejor solución cuando se trata de capturar un buen audio, especialmente con una interpretación musical, pero puede ser lo que se ajuste a su presupuesto.

OBS tiene algunas funciones de audio integradas, como limitadores de audio, supresión de ruido, compresión y puerta de ruido, que podrían resultar útiles. Asegúrese de monitorear sus niveles de audio dentro de OBS para asegurarse de que está dando una buena señal y no está en picos.

Cámara sin espejo con micrófono

Para el audio, use el micrófono de la cámara integrado o un micrófono externo que ingrese a su cámara. Imagen vía SOL TZIDO.

Con un presupuesto mínimo, hay mucho que mejorar, pero este es un punto de partida perfecto. Puede mojarse los pies en el mundo de la transmisión en vivo. Una vez que tenga algunas transmisiones en su haber, sabrá dónde podría mejorar la calidad y dónde debería ahorrar para dar el siguiente salto de calidad.


Configuración de transmisión de nivel medio

Obtener una configuración de transmisión en vivo de rango medio y mantener las cosas dentro de un presupuesto específico puede ser un poco complicado. Muchas de las opciones asumen que ya tienes acceso a un nivel específico de equipo, como una cámara de video o micrófonos. A continuación, le mostramos cómo puede mejorar su transmisión en vivo desde el nivel de entrada sin que sea demasiado costoso.

Software

Esta es un área en la que te alegrará saber que no tendrás que gastar más dinero. OBS sigue siendo una opción sólida para cualquier nivel de transmisión. Si se está aventurando en esta categoría, asegúrese de tomarse el tiempo para aprender las características más sólidas de OBS que quizás haya estado ignorando antes.

Utilice el Escenas opción de transición entre diapositivas previas a la presentación, pausas, presentación en vivo y créditos finales. Cree gráficos que puedan mostrarse en la transmisión de video para que los espectadores conozcan más información sobre el artista y / o la producción. La calidad de producción no solo proviene del equipo y las cámaras que se utilizan, sino también de lo bien que se transmite todo a la audiencia.

Vídeo

Si va a pasar de la opción de teléfono con cámara anterior, considere comprar una cámara de cualquiera de los principales fabricantes que tengan la capacidad de usar la cámara como cámara web. Consulte los enlaces anteriores para conocer las cámaras compatibles. Los modelos económicos se pueden comprar por aproximadamente $ 500 (FUJIFILM X-T200, Canon EOS Rebel T7).

Es posible que tenga un modelo de cámara que no sea compatible con las utilidades de cámara web del fabricante, pero que tenga la capacidad de generar una imagen HDMI limpia. Cámaras como la Blackmagic Pocket Cinema Camera 4 / 6K, Sony a6300, Fujifilm x100V o Canon C100 no se pueden conectar a través de USB a su computadora, pero pueden proporcionar una señal HDMI limpia a una grabadora externa.

Para utilizar esta señal, necesitará un dispositivo de captura de video. Estos dispositivos tomarán su señal HDMI de la cámara y la convertirán en una señal USB que su computadora podrá usar como cámara web. Muchos de estos dispositivos son tan fáciles de usar que podría tener un video que se pueda transmitir en cuestión de segundos. Estos dispositivos USB están limitados a una salida de 1080p, aunque muchas plataformas de transmisión tienen un límite de 1080p de todos modos.

Captura de video HDMI

Dongle HDMI a USB en acción.

Estos dispositivos generalmente se encuentran en el rango de $ 30 a $ 100, dependiendo de la salida, la conectividad y las características. Un estandar Llave USB 2.0 se ejecutará en el extremo inferior, mientras que un Conexión USB-C o Thunderbolt será un poco más caro.

Si tiene varias cámaras disponibles, es posible que pueda utilizar varios dispositivos de captura y crear una transmisión de varias cámaras. Asegúrese de probar esto con anticipación, ya que es posible que su computadora no pueda manejar el rendimiento de varias cámaras.

Además, si está mezclando diferentes cámaras de varios fabricantes, asegúrese de acercar los perfiles de color lo más posible. El simple balance de blancos de manera similar puede no ser suficiente. OBS permite algunos ajustes y ajustes de color dentro de la aplicación.

Audio

Mejorar su juego de audio es tan importante como la calidad de su video. El objetivo es tener múltiples entradas de audio con la capacidad de controlarlas de forma independiente. Al igual que su cámara de video, es posible que pueda usar algunos equipos que se encuentran comúnmente en el arsenal de un cineasta.

Grabadores de audio portátiles, como el Tascam DR-40X o Zoom H6 – permitir el uso de la grabadora como una interfaz de audio USB en lugar de solo una grabadora de audio externa. Esto tiene la misma función que los dispositivos de captura de video anteriores, solo para audio. Es posible que su computadora requiera la instalación de algunos controladores, así que consulte con el fabricante de su grabadora de audio para asegurarse de tener instalado el software correcto. Si no posee una grabadora de audio portátil, es una gran inversión para agregar a su lista de equipos.

Opciones de interfaz Zoom H6

Utilizando las opciones de interfaz de audio integradas del Zoom H6.

Con un presupuesto limitado, los micrófonos pueden ser un poco complicados, especialmente cuando se trata de grabar música. Las grabadoras de audio portátiles mencionadas anteriormente pueden funcionar como micrófonos dedicados, pero no están diseñadas específicamente para la grabación de música. Si ha alcanzado el límite de su presupuesto, puede usar micrófonos de video para hacer el truco, como un micrófono de corbata o de escopeta. Si bien esto no es ideal para grabaciones de música o músicos profesionales, podría funcionar por el momento.

Invertir en algunos micrófonos de música de nivel de entrada sería la ruta ideal si planea ofrecer continuamente actuaciones de música en vivo. Afortunadamente, hay algunas opciones económicas para micrófonos de grabación de música que proporcionarán suficiente valor por el dinero.

Para voces, el Shure SM58-LC es un punto de partida perfecto. Este micrófono está diseñado específicamente para captación vocal, tiene un patrón de captación cardioide y filtro de viento / pop incorporado. También tiene el beneficio adicional de parecerse a un micrófono para una interpretación musical, por lo que el público no se pregunta por qué se usa un micrófono boom para las voces.

Micrófonos de grabación

Para una grabación a largo plazo, invierta en algunos micrófonos de nivel de entrada. Imagen vía OSABEE.

Para los instrumentos, el Shure SM57 lo tendrá cubierto. Este micrófono se utilizará para captar el audio que proviene directamente de una guitarra acústica o batería. Por alrededor de $ 99 cada uno, elegir varios micrófonos puede ser una buena opción si planea grabar una actuación más grande fuera de una configuración de tipo cantautor.

Este rango de nivel medio es un buen punto de partida si desea que su transmisión en vivo se vea y se sienta profesional (pero con un presupuesto limitado). Detrás de escena, es posible que encuentre soluciones creativas para que la transmisión funcione, pero en la pantalla, tiene la capacidad de verse y sonar genial.


Configuración de transmisión profesional

Donde los niveles anteriores eran opciones que podían ponerlo en línea y transmitir con la barrera de entrada más baja, el equipo profesional se construye por la razón específica de la transmisión en vivo. En el entorno profesional, la estabilidad, la facilidad de uso y la organización son fundamentales. Puede parecer mucho dinero por adelantado, pero en un set profesional, obtienes lo que pagas.

Vídeo

Suponiendo que ya ha resuelto la situación de su cámara, querrá varias cámaras de video de nivel profesional, idealmente con una calidad de video similar o del mismo fabricante. El uso de cámaras del mismo fabricante hará que la combinación de colores y la calidad general sean consistentes al cambiar entre ángulos.

Conectar todas sus cámaras es donde entra en juego el equipo de transmisión de nivel profesional. Es posible que haya visto un conmutador de estudio de TV antes; usaremos algo similar para esta configuración. los Blackmagic Design ATEM Mini es un conmutador de producción diseñado para producciones de transmisión en vivo con varias cámaras.

El conmutador de producción permitirá que su configuración utilice hasta cuatro entradas de video de alta calidad a través de la entrada HDMI, haga la transición entre cámaras con solo presionar un botón y agregue superposiciones gráficas desde el dispositivo. Los movimientos y cambios que requerirían navegar por los menús y hacer clic en el software OBS se pueden hacer a mano con botones dedicados.

Configuración multicámara

La organización es clave. Imagen cortesía de Blackmagic Design.

Además de la organización y el cambio a nivel de estudio, la línea Atem Mini también brinda a los productores acceso a Software del panel de control del software ATEM. Muchas funciones disponibles dentro de OBS (gráficos, texto, efectos) se pueden administrar de manera más fácil y eficiente dentro de este software. Podrá programar ajustes preestablecidos, ver fuentes de origen, ajustar gráficos, mezclar audio y realizar programación de macros avanzada. El panel de control servirá como intermediario entre el conmutador y la alimentación de OBS.

Opciones de entrada / salida

Ejemplo de entradas y conectividad. Imagen cortesía de Blackmagic Design.

Con el uso de otras computadoras conectadas a través de Ethernet a un panel de control de Atem, también puede dividir la carga de trabajo de una única emisora. Otros que ejecutan el software de control ATEM en otras computadoras pueden manejar la configuración de gráficos, audio o cámara. Esto puede liberar a una persona dedicada a controlar aspectos específicos de la transmisión. A partir de $ 300 para el modelo base, esta es una gran camioneta para llevar su producción al nivel profesional sin romper el banco.

Audio

Similar al video, el equipo de audio de nivel profesional está diseñado específicamente para configuraciones profesionales y configuraciones de presentaciones en vivo. Lo que buscamos son capacidades de grabación de alto nivel, grabación multipista y multicanal, fidelidad de alta calidad y otras características únicas que no se encuentran dentro de nuestro presupuesto o opciones de nivel medio.

Si planeas grabar varios instrumentos o pistas de voz en una sola interpretación, necesitarás mejorar tu interfaz de audio. Donde un Zoom H6 estándar podría grabar cuatro canales de audio a la vez, una banda de rock típica podría necesitar seis o más canales grabados. Aquí es donde entramos en el territorio de la interfaz de audio dedicada. Se construirá una interfaz de audio dedicada con características y especificaciones orientadas a actuaciones en vivo de múltiples pistas, como ganancia, opciones de ecualización, grabación interna y mucho más. Estas interfaces se conectarán directamente a su PC de transmisión y pueden tener software adicional (similar al ATEM Mini) que puede llevar sus capacidades de grabación aún más lejos.

Zoom LiveTrak

El Zoom LiveTrak L-8 puede manejar hasta ocho canales simultáneamente. Imagen cortesía de Enfocar.

Nuestra primera recomendación sería la Zoom LiveTrak L-8 – un mezclador digital e interfaz con la capacidad de manejar hasta ocho canales simultáneamente. Esta interfaz es ideal para bandas pequeñas, lo que le brinda un control completo sobre cada entrada en cualquier momento. La forma en que esto mejora con respecto a una grabadora portátil es su capacidad para mezclar las entradas sobre la marcha, equilibrando la salida directa de instrumentos y voces. Las opciones que pueden estar ocultas en los menús de una grabadora de mano están disponibles mediante botones o perillas dedicadas. Con el uso del monitorear conexiones, también podrá proporcionar audio de monitorización a los intérpretes, para que sepan exactamente cómo están sonando mientras actúan.

Si bien la transmisión de mezcla en vivo directamente desde la interfaz puede ser de calidad suficiente para una transmisión en vivo, el L-8 también permite grabar cada canal en una tarjeta SD para su posterior mezcla / masterización. Podrás llevarte la actuación en vivo a casa y modificarla aún más para obtener el sonido exacto que desean los artistas. La sesión en vivo puede mezclarse con su programa preferido y luego lanzarse como pistas de música independientes.

Si necesita más de ocho entradas, puede optar por la Behringer XR18. Esta interfaz de audio USB es un poco más robusta, pero admite hasta dieciocho canales de grabación de punto flotante de cuarenta bits. Este mezclador se diferencia del Zoom L-8 más pequeño en más que solo entradas sin procesar. El XR18 se controla de forma inalámbrica a través de tabletas iPad o Android, lo que lo hace completamente modificable desde el otro lado de la habitación. Podrá marcar su configuración exacta de ecualizador, reverberación, retardo y otros efectos desde una tableta, mientras que la consola hace el trabajo pesado con su procesador de audio incorporado. Esta interfaz de audio podrá manejar casi cualquier cosa que le arroje y lo llevará a través de casi cualquier flujo de producción profesional.

Las opciones de nivel profesional están diseñadas para que pueda transmitir y ser lo más estable posible. Estas características vienen con una etiqueta de precio, pero harán un entorno de transmisión más fluido y seguro. Detrás de la cámara se verá y se sentirá tan profesional como lo que se muestra en la pantalla.


Siéntase libre de mezclar y combinar nuestras recomendaciones para satisfacer sus necesidades y presupuesto. A medida que la transmisión en vivo se convierte en una vía de actuación más popular para los artistas, puede apostar a que veremos más y más equipos, software, funciones y plataformas nuevos dedicados a la transmisión. También puede apostar a que tendremos una lista completamente nueva de recomendaciones para usted cuando suceda.


¡Sigue leyendo! Aquí hay algunos artículos más relacionados con la transmisión en vivo y los vlogs:


Imagen de portada vía Estudios LightField.

Las mejores cámaras de video 6K + para cineastas

¿Listo para pasar de 4K? Vea este resumen de las mejores cámaras 6K (y más allá) para cineastas.

Si bien ha pasado un tiempo desde que pude entrar en una tienda de cámaras física real, estaría dispuesto a apostar a que, ahora mismo, en algún lugar, los gerentes de tienda ansiosos están eliminando todos sus “Full HD ”Y“ 4K ”y reemplazarlos por“ 6K ”,“ 8K ”y tal vez incluso“ 12K + ”.

La carrera armamentista de resolución de grabación no muestra signos de ceder. Como hemos comentado antes, 8K llegó para quedarse. Y, de hecho, si bien podría impulsar algunos de sus flujos de trabajo de filmación y video hoy, sin duda es el camino del mañana. Entonces, si está listo para abrazar el futuro de la industria, estas son algunas de las mejores opciones actuales para grabar videos de 6K o más.


Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K

Comenzaremos con una de las opciones más antiguas (y también más asequibles) de nuestra lista: el Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K. Lanzada solo un año después de la popular versión 4K de la marca, esta actualización aumentó la apuesta al agregar un soporte EF y grabación de video 6K. Impresionante para una cámara que se vende a menos de $ 2,000 y, aunque en realidad no es de bolsillo, sigue siendo muy pequeña y liviana.

El BMPCC6K dispara hasta 6K (6144 x 3456) a 50 fps e incluye las mejores funciones de Blackmagic con un gran rango dinámico y un sensor Super 35 HDR.

  • Montura Canon EF / EF-S activa
  • Sensor HDR de tamaño Super 35
  • Graba 6K 6144 x 3456 hasta 50 fps
  • ISO 400 y 3200 nativos dobles a 25.600
  • Pantalla táctil de 5 ″ 1920 x 1080
  • Grabe hasta 120 fps en HD con ventana
  • Ranuras para tarjetas CFast 2.0 y SD / UHS-II
  • Grabación externa a través de USB tipo C
  • Rango dinámico de 13 pasos, soporte 3D LUT
  • Incluye licencia DaVinci Resolve Studio

Precio: $ 1,999


Panasonic Lumix S1H

La siguiente en nuestra lista es otra opción que ha estado en el mercado el tiempo suficiente como para obtener críticas sólidas. los Panasonic Lumix S1H cuenta con un sensor CMOS de fotograma completo de 24,2 megapíxeles que es excelente para video.

Si bien el S1H puede grabar videos de 6K, todavía no puede grabar a más de 24 fps, una desventaja para aquellos que podrían estar buscando esa elegante cámara lenta de 6K. Sin embargo, junto con 6K, el S1H también puede grabar a 16: 9 5.9K a hasta 30 fps y DCI y UHD 4K a hasta 60 fps.

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 24.2MP
  • Vídeo 6K24p, 4: 2: 2 DCI 4K / UHD 4K de 10 bits
  • V-Log, ISO nativo dual, HFR con sonido
  • LVF OLED de 5.76m-Dot 0.78x-Aumento
  • LCD táctil inclinable / de ángulo libre de 3,2 ″ y 2,33 m de puntos
  • LCD superior de 1.8 ″, lámparas indicadoras, ranuras SD dobles
  • ISO 100-51200, disparo de hasta 9 fps
  • Sistema AF DFD de 225 áreas con detección de contraste
  • Estabilización de imagen con cambio de sensor de 5 ejes
  • Construcción sellada a la intemperie

Precio: $ 3,999


Canon EOS R5

La Canon EOS R5 está en los titulares como una de las ofertas de mayor renombre para presentar video 8K y hacer fanáticos gracias a su cuerpo compacto y precio agresivo.

Por supuesto, no llamaría al R5 un barato cámara – de hecho, se anunció junto con una versión más delgada y asequible – el Canon R6 – que es solo un sólido pero no hace 8K. Aún así, el R5 es una opción atractiva para aquellos que buscan más de 6K, gracias a un impresionante sensor de fotograma completo de 45 megapíxeles que graba 8K RAW a hasta 30 fps.

Vale la pena señalar que ha habido algunos problemas asociados con el R5, a saber, informes de sobrecalentamiento y puntos de flujo de trabajo. Si desea leer más, eche un vistazo a nuestra artículo completo sobre los pros y los contras de la Canon R5.

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 45 MP
  • Procesador de imágenes DIGIC X
  • Vídeo interno 8K30 Raw y 4K120 de 10 bits
  • Estabilización de imagen de 5 ejes con cambio de sensor
  • Mecánico de 12 fps. Obturador, 20 fps E. Obturador
  • CMOS AF II de doble píxel con 1053 puntos
  • EVF OLED de 0.5 ″ 5.76m-Dot
  • Pantalla LCD táctil de ángulo variable de 3,2 ″
  • Seguimiento de materias con aprendizaje profundo
  • Ranuras para tarjetas de memoria CFexpress y SD UHS-II

Precio: $ 3,899


Z CAM E2-S6

Cuando se incluye en una lista con Canon, Panasonic y Blackmagic, algunos de los fabricantes de cámaras más grandes del juego, la Z CAM E2-S6 se destaca como un comodín menos conocido.

No obstante, el E2-S6 ofrece algunas especificaciones increíbles, incluido un sensor CMOS Super 35 con grabación en color de 10 bits 4: 2: 2 y un impresionante rango dinámico de 14 pasos. Además, estamos viendo videos de 6K a hasta 60 fps por menos de $ 2,500.

  • Grabe hasta 6K60 Video
  • Grabación ZRAW
  • 14 paradas de rango dinámico
  • Sensor CMOS Super 35
  • Montura de objetivo Canon EF
  • Grabación de color de 10 bits
  • Soporte inalámbrico 5G, soporte de código de tiempo
  • Gigabit Ethernet para datos y control
  • Transmisión en vivo a través de Ethernet
  • Aplicación iOS para control y vista previa en vivo

Precio: $ 2,499


Blackmagic URSA Mini Pro 12K

Finalmente, para completar nuestra lista, vamos a lo grande. Por ejemplo, no solo en el tamaño de la cámara y el precio, sino en el recuento de píxeles. Estoy hablando de la recientemente anunciado Blackmagic URSA Mini Pro 12K que graba, lo has adivinado, videos de 12K a hasta 60 fps.

Si bien existen otras cámaras de cine de alta gama que pueden impulsar números similares, incluimos la URSA Mini Pro 12K, ya que es una opción a un precio más razonable, tanto para alquiler como para compra, que algo como el ARRI Alexa 65.

Además, al igual que la BMPCC6K, la URSA Mini Pro 12K tiene las mejores características de una cámara Blackmagic, como una gran ciencia del color y un fuerte rango dinámico. (De hecho, ¿quieres una combinación sólida de A-Cam / B-Cam? Empareja la BMPCC6K con la URSA Mini Pro 12K).

Junto con el 12K a 60 fps, el URSA Mini Pro 12K le permite trabajar de manera aún más eficiente con DCI 8K a hasta 100 fps. Solo tenga en cuenta una cosa si nunca ha trabajado con cámaras de alta gama: enfrentará tamaños de archivo y velocidades de procesamiento bastante increíbles, así que esté preparado.

  • Sensor CMOS 12K Super35 HDR
  • 12K 17: 9 hasta 60 fps, DCI 8K a 100 fps
  • 14 paradas de rango dinámico
  • Montura de lente PL intercambiable por el usuario
  • 4K Super16 hasta 220 fps
  • 80MP / cuadro Blackmagic Raw
  • Grabación dual en tarjeta CFast o SD
  • Grabación USB tipo C en disco / SSD

Precio: $ 9,999


¡Esa es nuestra lista! Si desea considerar algunas menciones honoríficas, consulte la Sharp 8K y el Panasonic AU-EVA1. Y si quieres explorar algunos resúmenes de cámaras y recursos cinematográficos, bueno, aquí tienes:

Entrevista de mesa redonda: Cómo crear videos de YouTube exitosos

Crear un canal de YouTube exitoso es lo más fácil y lo más difícil. Aquí hay algunas ideas de cuatro YouTubers que lo están haciendo realidad.

Hay más de una forma de definir el éxito cuando se trata de sus videos de YouTube. Tal vez simplemente desee vistas y suscriptores. Tal vez desee participación y discusión sobre su última obra de arte. Tal vez esté trabajando en un evangelismo de marca y solo esté tratando de mantener una campaña en el objetivo. Independientemente de lo que intente hacer, los parámetros para el éxito variarán, pero en general, las vistas, los me gusta y los suscriptores son el nombre del juego.

Ya es bastante difícil producir el contenido de su video; a continuación, cubriremos algunos consejos al respecto, pero eso es solo la mitad de la batalla. Puede dedicar tanto tiempo a trabajar en su presentación y metadatos como a hacer el video. Puede parecer que estás gritando al vacío cuando subes tu preciosa creación y. . . nadie mira. Entonces, ¿cómo logras que tu gota se destaque en el segmento de YouTube?

Le pedimos a cuatro de nuestros YouTubers favoritos que fueran sinceros con nosotros sobre cómo hacen lo que hacen. Todos estos muchachos han sido fundamentales en el éxito de nuestra Canal de Youtube – y nuestro canal hermano Tutoriales de Shutterstock. Pero, cada uno de estos cineastas tiene sus propios canales, donde son libres de ser tan creativos como quieran. . . en lo que quieran ser creativos.

Esto es lo que dijeron sobre la generación de ideas, los metadatos, la preproducción, la posproducción y el equipo.


Generación de ideas

A veces, pensar en qué tipo de video hacer puede resultar completamente inmovilizador. Tal vez tengas el núcleo de una idea, pero una vez que empiezas a pensar en ella, suena poco interesante. Quizás se pregunte por qué debería molestarse en primer lugar. ¿Estás creando este contenido para poder monetizarlo? ¿Lo estás logrando porque tienes el impulso de ¿crear? ¿Lo está haciendo para otra persona para que pueda ganar dinero y comer? No importa por qué lo hagas, es probable que termines en el extremo equivocado del bloqueo del creador en algún momento u otro.

Así que les pedimos a nuestros YouTubers que nos llevaran a través de su proceso de generación de ideas. Queríamos saber cómo pasan de la nada a la inspiración para crear contenido que otros quieran ver. Esto es lo que tenían que decir.

Jason Boone: La mayor parte de la inspiración se basa en temas que me interesan, como crear animaciones de mapas, trabajar con expresiones en After Effects o revisar complementos y herramientas de AE ​​interesantes de otros creadores. Me parece que si me apasiona y me interesa lo suficiente una idea, vale la pena hacer un video sobre esa idea. También trato de proporcionar el mayor valor posible a la audiencia, como regalar ajustes preestablecidos, plantillas y archivos de proyecto. Tengo un documento de Google en el que enumero todas mis ideas a medida que aparecen. Encuentro que mis mejores ideas surgen en momentos extraños, así que tengo la aplicación Google Docs en mi teléfono lista para enumerar mis pensamientos cuando caiga un rayo. A veces, se trata de una sola palabra, mientras que otras veces es una idea completamente desarrollada. Luego, me tomaré un tiempo para revisar la lista y ver si puedo combinar ideas en algo interesante y original.

Logan Baker: El primer indicio de una idea generalmente proviene de ver una película, ver una fotografía o ver otro video de YouTube. Mientras trabajo en otros proyectos, videos, artículos, por lo general dejo de hacer lo que estoy haciendo si tengo una idea o veo algo que me inspira y lo escribo de inmediato. Entonces, en su mayor parte tengo una lista de aproximadamente 30-40 temas / temas diferentes para hacer videos, luego elijo el que tenga sentido en ese momento.

Zach Ramelan: Siempre estoy filmando algo. Cada día. Todo el dia. Estoy seguro de que a la mayoría de mis amigos les resulta molesto. Desde fotos hasta vlogs, hasta breves documentos sobre el buceo, la mayoría de estas cosas nunca verán la luz del día, pero creo que la creación continua es una de las mejores formas de mantenerse alerta. En estos viajes de creación, me encontraré con un problema que conduce a una solución creativa que sé que alguien encontrará valiosa. ¡Entonces lo comparto!

Lewis McGregor: Mi canal no tiene identidad formal; es en gran medida el epítome de una bolsa mixta. No hay ninguna estructura fuera del canal que gire en torno a imágenes en movimiento, desde tutoriales de software hasta videos de humor y cortometrajes. Es algo limitante, ya que no me permite crear una audiencia regular porque no hay un estilo de contenido establecido, pero tampoco es restrictivo porque puedo publicar cualquier cosa sin que mis suscriptores piensen que es extraño.

Con eso, sin embargo, me centraré en los cambios de humor, ya que son el contenido más popular de mi canal. Tengo ocho carretes en mi canal y apenas superan las 50.000 visualizaciones para cruzar el hito del millón (combinado).

Por lo general, cuando creo un video como este, es porque estoy tratando de descubrir cómo replicar un estilo que he visto en la pantalla. Me encantó la cinematografía de inspiración indie en Hombre de Acero, y me encantó esa paleta fría que se encuentra al comienzo de la película. Tratando de replicar esa cinematografía de Amir Mokri fue la base de mi carrete Pocket 4K. Terrence MalickEs El arbol de la Vida es otra gran inspiración mía, y esa ha sido la base de dos videos.

Puede descomponerse en lo siguiente:

  • Me gusta este estilo.
  • ¿Cómo puedo conseguir esto?
  • Película.
  • Cargar resultados.

Metadatos

Si has jugado al juego Obtener vistas de YouTube durante algún tiempo, sabes que hacer el video es solo el primer paso para construir una audiencia. Se requiere mucho trabajo para presentar correctamente su video para que se destaque en la maraña de contenido. Este es definitivamente el lado menos glamoroso de la creación exitosa de contenido de YouTube, pero es fundamental y hay herramientas que pueden ayudar.

Entonces, les preguntamos a nuestros YouTubers qué tan importantes creen que son los metadatos para un video de YouTube. Les preguntamos los secretos detrás de las descripciones, las miniaturas y cualquier otro detalle que todo creador de videos necesita saber.

Esto es lo que descubrimos.

Jason Boone: Todavía no domino el juego de los metadatos, pero está claro que las miniaturas y los títulos son las dos características más importantes de cualquier video de YouTube. Mi juego de miniaturas ciertamente no es el mejor, así que he estado experimentando con las pruebas A / B a través de TubeBuddy. También he estado traduciendo los títulos y descripciones de mis videos a los idiomas más populares de mis espectadores. Si bien al principio encontré este proceso agotador, alejándome de la diversión de la creación de contenido, ahora lo veo como una experimentación divertida. YouTubing se parece mucho a la jardinería. Realmente tienes que intentar divertirte con esta parte del proceso, porque lleva mucho tiempo y, si no tienes cuidado, tu alma podría abandonar accidentalmente tu cuerpo.

Logan Baker: Por mucho que me gustaría decir que me centro en la historia / creatividad, me centro bastante en la estrategia. ¿Qué están mirando todos? ¿Qué videos son populares? ¿Por qué son populares? ¿Qué miniaturas y títulos funcionan en YouTube para este tipo de contenido? Entonces, lo usaré a veces como punto de partida, y luego intentaré agregarle mi propia originalidad. Mi canal es pequeño en este momento, pero he visto un buen crecimiento después de presentar los videos de una manera que es común para esta comunidad (título, etiquetas, descripción y miniatura). Así que veremos si el crecimiento continúa a medida que subo más videos en los próximos meses.

Zach Ramelan: ¡Las miniaturas son la pesadilla de mi existencia! A veces, desarrollar una miniatura lleva la misma cantidad de tiempo que el video para el que es. Ojalá fuera una broma. La realidad es que YouTube es una plataforma donde cada consumidor lo juzga a usted y a su contenido por su portada. ¡Tienen que! El libro puede ser genial, pero en un océano de títulos de clickbait e imágenes pegadizas, la representación en microsegundos de tu video es primordial. Mis videos más exitosos generalmente tienen miniaturas simples que crean curiosidad en el espectador o respaldan el título con imágenes muy obvias que lo acompañan.

Lewis McGregor: Para el carrete de estado de ánimo de Pocket 6K, inicialmente tenía el dinero como miniatura. Era una hermosa toma amplia con el cielo rosado de la tarde golpeando el paisaje marino y un jinete a caballo brincando a través del marco. Desafortunadamente, si bien la grabación del video funciona bien, la tasa de clics no fue tan alta el día inicial del lanzamiento.

Tan pronto como cambié la miniatura a uno de los actores que aparecieron en el video, comenzó a dispararse. Incluso cuando el video es principalmente tomas de paisajes, aún prevalece la presencia de una persona en la miniatura.

Si está creando contenido para promocionar la imagen que una cámara puede crear específicamente, es esencial cubrir todos los aspectos con las palabras clave en YouTube. Por ejemplo, la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K tiene varios apodos, así que los incluí en las etiquetas. Usaría lo siguiente:

  • Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K
  • Blackmagic Pocket 6K
  • Bolsillo 6K
  • BMPCC6K

Y si bien no debe sobrecargar su video con etiquetas que son irrelevantes para la cámara que está usando, no estaría de más mencionar la cámara hermana, como la BMPCC4K, ya que, por lo general, los espectadores buscan comparar los modelos. .

Si bien me encantaría darle un título poético a estos videos, en la mayoría de los casos funciona mejor simplemente ponerle un título al video con el nombre de la cámara y lo que estás haciendo.: “Panasonic S1H – City break”.


Preproducción

Una vez que tenga una idea encerrada y sepa lo que debe hacer para presentarla al finalizar, ¿cómo se ve la preproducción? Todos somos diferentes, por supuesto, pero algunos tipos diferentes pueden hacer tu vida un poco más fácil que otros tipos diferentes. Entonces, le preguntamos a nuestro panel sobre sus procesos de preproducción. Queríamos saber si el proceso es el mismo para todos los videos, o si tienen diferentes enfoques para diferentes tipos de videos.

Esto es lo que tenían que decir.

Jason Boone: Una vez que seleccione una idea de mi lista, crearé un nuevo documento y luego realizaré un rápido volcado de memoria de todo lo relacionado con el tema. Eso finalmente se convierte en un esquema, que a veces puede servir como un guión de rodaje suelto. Pasaré algún tiempo experimentando con la idea, ya sea una animación o un truco cinematográfico. Otras veces termino completamente un guión antes de filmar o grabar algo. Si se trata de una revisión de complementos o equipos, es bastante sencillo. La parte más interesante y emocionante del proceso es cuando descubres algo nuevo y tu idea inicial genera tres o cuatro ideas aún mejores para proyectos futuros.

Logan Baker: La preproducción por lo general consiste en comprar el material de la película, buscar composiciones potenciales en la ciudad y luego mirar mi aplicación meteorológica para determinar qué día tendrá la mejor iluminación. Dado que mi canal es sobre fotografía, la iluminación y los colores lo son todo, así que realmente tengo que prepararme de la manera correcta. Con todo, normalmente me tomo una semana para asegurarme de que todo esté listo.

Zach Ramelan: Cada video que hago, trato de desafiarme a mí mismo de manera diferente; esto podría ser una nueva configuración de hablar a la cámara o una estructura de narración diferente. YouTube es mi única plataforma en la que puedo experimentar con cosas que los clientes no me permiten. Desafía mi expresión creativa con la experimentación, que generalmente desarrolla un resultado bastante bueno, generalmente.

Pasando al proceso de escritura, por lo general desglosaré mi idea en notas de apuntes en mi diario, puntos esenciales de los que puedo sacarme cuando estoy frente a la cámara. Curiosamente, las mejores películas que he hecho han sido escritas en gran medida, y los mejores videos de YouTube que he hecho nunca han sido sin guión. Comenzaré con un motivo, un mensaje, por ejemplo: Cómo ser auténtico. Luego, insertaré ese título en TubeBuddy (un generador de SEO que le ayuda a Frankenstein a crear el mejor título para su video, utilizando palabras clave comunes, resultados de búsqueda populares y análisis de canales). Encerraré en un círculo un título principal que concuerde conmigo (es decir, “Estás demasiado inspirado por los grandes influyentes: cómo ser auténtico”) y luego lo usaré como trampolín para mi próxima etapa de creación de ideas. A partir de ahí, crearé varias viñetas que respalden ese mensaje:

  • Círculo de influencia
  • Sobreconsumo
  • Inspírate
  • Los malos recuerdos hacen grandes historias

Cuando la cámara rueda, salgo de estos puntos de bala y, por lo general, la magia fluye. Pero a veces puede ser necesario varios intentos. Haré un riff y luego me quedaré sin combustible, así que luego reiniciaré. Y reinicie y reinicie. Hasta que haya hecho una toma con poco o ningún tartamudeo, con toda la energía y eso respalde mis puntos, ¡sigo adelante!

Lewis McGregor: En cuanto a los rollos de humor, no hay preproducción, por así decirlo, más allá de buscar inspiración. No planeo tomas, no mapeo el movimiento ni pienso en el resultado. Tengo una vaga idea de lo que me gustaría capturar y espero que mis habilidades y el clima puedan ayudar a capturar la idea cuando esté en el lugar. Crear estos carretes tonales, para mí, es un proceso muy orgánico. Si bien busco inspirarme en otras imágenes, descubrí que una vez que comienzo a planificar intrincadamente el rodaje, el material se parece demasiado al material original.


Post-producción

Todo el mundo tiene un NLE favorito y a todo el mundo le gusta decirle a los demás por qué se equivocan. Eso es parte de la diversión. (Vimos una tendencia decidida hacia la resolución entre nuestros panelistas; siéntase libre de pelear con ellos en sus canales sobre esto. Aunque yo no lo haría). Todos hacen sus gráficos en movimiento en diferentes etapas del proceso, personalizan sus tercios inferiores, califican los metraje, etc.

Al igual que en la preproducción, cada creador es diferente, pero, de nuevo, queríamos saber qué tipos diferentes simplemente hacen la vida más difícil y cuáles funcionan para un grupo de YouTubers con recuentos totales de vistas (para nosotros y otros) en millones. .

Entonces, les preguntamos qué herramientas prefieren en sus procesos de postproducción y por qué. Queríamos saber si crean activos y gráficos en movimiento después de la edición o antes, y pedimos directamente trucos que faciliten la postproducción.

Aquí está la primicia.

Jason Boone: Intento hacer la mayor parte del trabajo en preproducción y producción, ya que esto facilita la edición. Últimamente he capturado muchos proyectos en 4K y RAW, lo que ocupa mucho espacio en el disco duro. Esto cuesta dinero. Por esta razón, me he encontrado realizando más tomas durante mis sesiones y grabaciones de pantalla. Marcaré e importaré solo las tomas buenas y luego borraré el resto. También solía grabar audio separado de mi video, pero para acelerar las cosas, ahora lo combiné durante la grabación a través de un micrófono lav conectado a mi cámara principal.

Logan Baker: Últimamente he estado usando DaVinci Resolve para editar mis videos. Soy nuevo en el programa, pero mis videos son bastante simples en términos de diseño. Al igual que todos los demás, la razón principal por la que me cambié a Resolve es la gradación de color. Era escéptico a la hora de subirme a este tren en particular, ya que todo el mundo parece estar haciéndolo, pero está claro que hay una razón para el cambio, ya que las herramientas son superiores a Premiere en casi todos los sentidos. Para este canal, no utilizo muchos gráficos en movimiento aparte de la animación ocasional de la tarjeta de título. En una edición típica, crearé las animaciones durante el proceso de edición. Pero mi proceso de postproducción en general está por todos lados. Por lo general, tengo que esperar a que la película regrese del laboratorio o encontrar la motivación para desarrollarla yo mismo. Por lo tanto, generalmente construyo la edición con espacios a lo largo de la línea de tiempo que completaré más adelante con fotos.

Zach Ramelan: Los chefs franceses utilizan el término culinario mise en place, que se traduce como “todo en su lugar”. Antes de comenzar a cocinar su plato, el chef organizará y preparará todos sus ingredientes clave, asegurándose de que todo esté en su lugar. Este enfoque organizado de la preparación acelera el flujo de trabajo y la productividad.

He elaborado mi propio mise en place método, donde tengo una carpeta que vive en mi escritorio que contiene todos mis activos más utilizados, como efectos de sonido, música, transiciones, gráficos y tarjetas de título. Después de montar mi primer corte, arrastro y suelto esta carpeta en Premiere Pro y guardo mis activos críticos. Por lo general, comienza con un pase de música, aplicando la pista perfecta (desde Premiumbeat.com), luego pasa a recortar escenas en esa nueva pista, luego pasa a aplicar transiciones y luego finaliza con un pase de efectos de sonido.

Lewis McGregor: Los carretes de humor se basan en gran medida en imágenes bonitas y no creo que llegaría muy lejos sin DaVinci Resolve. Se ha convertido en el caballo de batalla integral tanto para la edición como para la corrección de color. Sin embargo, la deconstrucción de mi grado ha cambiado enormemente con mi cámara reciente. S1H.

Creo que podría ser la primera vez en muchos años que cambio mi estilo de tiro. Siempre me ha gustado la versatilidad de manipular colores en la postproducción y, con la adición de RAW, poder modificar la configuración que inicialmente se incluyó en la imagen. Pero más recientemente, me ha gustado simplemente devolver el metraje de LOG al espacio de color REC709 con un REC709 LUT y dejarlo allí.

Anteriormente, mis árboles de nodos se verían así:

Árbol de nodo de Lewis McGregor

Árbol de nodos anterior de Lewis McGregor.

Pero más recientemente han evolucionado (o evolucionado) hacia una estructura más básica con solo simples ajustes de color.

Árbol de nodos actual de Lewis McGregor

Árbol de nodos actual de Lewis McGregor

Con mis cambios de humor, me gusta que los paisajes hablen por sí mismos, y a menudo encuentro que cuando trato de poblar demasiado la imagen con grados de color, pierdo la esencia de cómo se veía mientras estaba filmando, y la razón por la que grabó esa imagen.


Equipo

Engranaje. Seamos realistas, por eso la mayoría de nosotros estamos aquí. Sabemos que nuestras publicaciones sobre equipos son lo que la mayoría de ustedes ven aquí. Y por una buena razón. El equipo es genial y, bueno, es esencial para toda esta conversación. Es la única conversación que puede unir a un equipo, sin importar qué trabajo estén haciendo. Todo el mundo tiene opiniones sobre el equipo: cuánto debe tener, con qué frecuencia debe actualizar, qué apesta y qué no.

Por lo tanto, esta conversación no estaría completa sin hablar sobre lo que usan nuestros panelistas y cómo lo usan. Les pedimos que nos guiaran a través de sus equipamientos y que nos dijeran qué hacen en la cámara para las tomas que son particularmente buenas en YouTube.

Esto es lo que tenían que decir.

Jason Boone: Tengo una asociación con Blackmagic Design y utilizo su Cámara de cine de bolsillo 6K como la configuración principal de mi tutorial en mi oficina, así como URSA Mini Pro G2 para trabajo de campo. Realmente me sorprendió lo buena que es la calidad de la imagen en esas cámaras. Especialmente cuando miro viejos tutoriales que grabé en mi Canon 7D MII. También tengo uno de sus monitores Video Assist, que me permite encuadrar mis tomas y activar la grabación en mi cámara. Para el audio tengo un Deity Wireless Connect lav que engancho al BMPCC6K. Cuando hago tutoriales de grabación de pantalla, utilizo un Yeti azul en un Brazo articulado Yeticaster para audio y Camtasia para las grabaciones de pantalla. Edito todo en Premiere Pro y trabajo bastante en Adobe After Effects.

Logan Baker: Como no tengo a nadie que me filme la mayor parte del tiempo, suelo mantener la configuración bastante liviana, ya que tengo que llevarla a todas partes, además de mi cámara de película y lentes. Para este canal, utilizo una BMPCC4K con una vieja lente Canon FD de 24 mm. Por lo general, usaré esta lente para todo el video. Si necesito algo más, traeré mi Lente SLR Magic HyperPrime Cine 50 mm T0.95. Para estos lentes, utilizo un Filtro ND variable HOYA y tener un Filtro Pro Mist negro a mano si alguna vez siento que lo necesito. Llevo un Trípode Manfrotto 055, que comienza a sentirse bastante pesado después de unas horas de carga, pero es resistente y cumple su función. Casi todas mis inyecciones en estos días se toman por la mañana o alrededor de la hora dorada. En mi opinión, Blackmagic maneja estos colores y tonos mejor que cualquier otra cosa en el mercado.

Zach Ramelan: Normalmente utilizo lo que sea que esté cerca. A veces es mi teléfono celular, la mayoría de las veces es mi Sony A7III. Para configuraciones de hablar con la cámara, utilizo mi Sony A7III emparejado con un Micrófono Sennheiser Lav, que está todo adjunto a mis $ 300 Sistema deslizante motorizado Neewer. Por lo general, disparo con un 16-35 en un F2.8, pero recientemente lo cambié a 50 mm en un F2.8 y lo he estado cavando.

Mi iluminación clave proviene de un Ojo de halcón BL 30TD luz con una linterna de bola de porcelana adjunta para su difusión. Combino esto con dos pequeños LED de bolsillo que he adquirido a lo largo de los años. Si esas herramientas no están cerca, entonces me posicionaré hacia una ventana.

Por lo general, configuro la configuración de la cámara en automático, desde Auto ISO hasta Auto Focus. Estableceré mi WB en uno de los ajustes preestablecidos en la cámara (nunca me meto con los niveles de Kelvin).

Finalmente (para usuarios de Sony), mi perfil de imagen está configurado en PP5.

Lewis McGregor: Rara vez me quedo asociado con una cámara el tiempo suficiente para rayarla. No diría que esto se debe a que tengo el “síndrome de adquisición de engranajes” (como lo expresa Internet), sino a que me encanta experimentar con nuevas herramientas. Sin embargo, durante más tiempo, he estado usando el BMPCC4K, pero más recientemente, he cambiado al S1H.

Si bien no creo que alguien necesite inherentemente filmar en 4K dado que muchas personas ven YouTube a través de su teléfono (que transmite a 1080p o 720p), la claridad que se obtiene en 4K es fundamental para los carretes de humor y, para ser honesto, YouTube en general. . La razón de esto es la reducción de resolución. Anteriormente toqué este tema con el GH5:

Cuando reduce la escala de 4K a Full HD, esencialmente está sobremuestreando la imagen para tener 4 veces los datos por cada píxel. Por lo tanto, cuando tiene metraje 4K y lo reduce a 1080p (Full HD), la imagen se verá mejor que en 1080p nativo. Verá que la imagen es mucho más nítida, los colores más vívidos y (según las propiedades de la imagen), también verá menos ruido.

Si ha visto los videos esparcidos a lo largo de estas respuestas, notará que siempre estoy en el desierto y, como resultado, no me gusta llevar mucho. Si bien me encantaría poder darte un desglose de todo el equipo que utilizo, en la mayoría de las circunstancias, no es más que yo sosteniendo mi cámara, tratando con mucha paciencia de no balancearme con el viento galés.


Así que ahí lo tienes. Cuatro visiones del mundo de YouTube diferentes de cuatro creadores que han hecho el trabajo y lo están haciendo de nuevo. Haz tu vida más fácil aprendiendo de aquellos que te han precedido. De esa manera, puedes dedicar tus energías a crear un buen contenido (y metadatos).

¿Busca más sobre cómo hacer videos para YouTube? Consulte estos artículos.

Descubre el fascinante mundo de los accesorios de cine mudo

¿Tiene problemas con las molestas peculiaridades del audio? Echa un vistazo a estos creativos y prácticos accesorios de cine mudo que hacen felices a los mezcladores de sonido.

Estás en el set (hoy es un salón de billar lleno de gente) y te estás preparando para capturar una conversación íntima entre tus dos clientes potenciales. La iluminación, el ambiente, la utilería, el vestuario, todo es perfectamente auténtico.

Y solo unos segundos después de llamar a la acción, se da cuenta de que tiene un problema grave: su audio está completamente desordenado debido al constante clic, chasquido y golpeteo de bolas de billar en el fondo. ¿Y ahora que?

Bolas de billar completamente silenciosas, eso es.

Bienvenido al sorprendentemente vasto mundo de accesorios de películas mudas, presentado por primera vez a la corriente principal por el extraordinario usuario de TikTok / papá-broma Scott Reeder. Echemos un vistazo más de cerca a esta solución en el set de “¿por qué no lo pensé primero?” Y exploremos algunas formas en las que puede pedir o hacer algunas propias para su próxima producción. Créame, su mezclador de sonido se lo agradecerá.


Presentamos Silent Props

En el TikTok de arriba (filmado en el almacén donde trabaja como maestro de utilería para cine y televisión), Scott Reeder presenta a una nueva generación el extraño y fascinante mundo de la utilería del cine mudo y sus beneficios en el set.

El primer ejemplo que exhibe Reeder es una bolsa de “papel” de vinilo que elimina el ruido arrugado, crujiente y que acaba con la conversación que se produce al manipular las bolsas de la compra. Es una situación que ocurre en la pantalla con más frecuencia de lo que piensas (por lo general, involucra una barra de pan larga y bonita) y, según Reeder, el vinilo ayuda a reducir el ruido de utilería hasta en un 90%.

En el mismo video, comparte una solución sorprendentemente práctica a un problema de producción de larga data: las ruidosas bolas de billar que mencionamos arriba. En lugar de pedirle a sus extras de fondo que hagan una pantomima de jugar al billar (lo que hace que la autenticidad sea un desafío), Reeder sugiere una solución inteligente y asombrosamente simple: pintar algunas pelotas de goma. ¡Genio!


Compra de bolsos y accesorios Silent

Bolsas y accesorios silenciosos

Bolsas silenciosas y accesorios disponibles para su compra. Imagen vía PROP TRX.

Para algo que mucha gente acaba de descubrir, los accesorios silenciosos son bastante fáciles de conseguir. Las bolsas de vinilo presentadas en el video de arriba están disponibles para su compra en una compañía llamada Prop Trx.

Y Prop Trx no se limita a las bolsas de la compra. Ofrecen una amplia gama de productos de papel que no son de papel, y la mayoría están disponibles en varios estilos: bolsas de almuerzo, bolsas de vino, bolsas para la escena del crimen, sobres de manila e incluso papel de seda y celofán silencioso para regalo. Los precios varían (dependiendo de las necesidades de su bolso) pero la mayoría ronda los $ 20. Me parece bastante razonable, y se trata de lo que gastarías en tiempo y materias primas si las hicieras tú mismo. Hablando de . . .


Haz tus propios accesorios silenciosos

Si bien comprar accesorios específicos de la industria puede ser ideal para producciones de mayor presupuesto, en realidad puede usar muchos de los mismos principios y trucos de reducción de ruido para hacer que sus propios accesorios cotidianos sean más silenciosos.

Como puede ver en el video de arriba (a través de La mirada de la película), simplemente agregando un poco de goma de neopreno a sus accesorios (suelas de zapatos, platos, tazas, casi todo) puede reducir el ruido significativamente.

Las láminas de tela de neopreno se pueden comprar a granel en cualquier tienda de pasatiempos o suministros, y el video realmente explica cómo hacer algunos clips instantáneos personalizados que puede aplicar rápidamente a cualquier accesorio de película que pueda necesitar.


Otros accesorios prácticos para películas


Continuando con su serie en TikTok, Reeder muestra algunos accesorios de película diseñados a medida que se pueden usar como armas en escenas de lucha, incluidos tubos de metal, dos por cuatro de madera e incluso sartenes de hierro fundido, todos hechos de goma y seguro de usar en contacto. Puede navegar y comprar algunas de estas opciones en tiendas en línea como Apoyos Barkode.

Reeder también demuestra pesos de utilería, incluidos algunos utilizados en la producción de Las luces del viernes por la noche – hecho de espuma densa que se puede utilizar en escenas de gimnasios, así como algunas versiones de goma flexible para escenas de lucha. Puede obtener varios de estos pesos falsos en línea en una tienda llamada – espere – Pesos falsos.

Y, por último, el material cinematográfico favorito de todos para lograr el máximo impacto en las peleas de los bares y las escenas de lucha, las infames botellas y tazas de café que se escaparon. Y, si bien es importante tener en cuenta que estos accesorios separatistas aún pueden ser muy peligrosos y deben usarse con el mayor cuidado y supervisión profesional, también se pueden comprar en línea a uno de los nombres más importantes de accesorios cinematográficos: Nueva regla FX.


Para obtener más consejos, trucos y conocimientos sobre la realización de películas, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada de Stokkete.

Cómo utilizar Film Noir en su próxima producción de video

¿Qué es el cine negro y cómo puedes usar sus icónicos tropos cinematográficos en tu próxima producción? Hagamos un pequeño viaje por la historia del cine negro.

En lo que respecta al aspecto cinematográfico distintivo, una de las más icónicas y reconocibles en la historia del cine son las duras siluetas en blanco y negro del cine negro. Y, sorprendentemente, esto no es solo la lengua vernácula de la escuela de cine pretenciosa: este estilo y apariencia se pueden encontrar y hacer referencia en todo, desde Joel y Ethan CoenS Sangre simple a características animadas como Quién mató a Roger Rabbit.

Pero, ¿qué es el cine negro? ¿De dónde viene? Y, lo más importante, ¿cómo puede utilizar sus elementos básicos en sus proyectos actuales de películas y videos? Profundicemos en la historia del cine negro, exploremos algunos de sus principios y analicemos cómo puede usar los adornos del género para dar forma a sus narrativas cinematográficas y proyectos de video en la actualidad.


¿Qué es Film Noir?

El cine negro, por definición, es un término cinematográfico para un estilo específico de película producida en Hollywood durante las décadas de 1940 y 1950. Estas películas de cine negro eran, en la mayoría de los casos, narrativas de detectives y crímenes, notables por su marcado contraste y su estilo de iluminación áspero, al tiempo que presentaban características de la ficción policial de la época de la Gran Depresión. Estas primeras películas de cine negro fueron bastante populares en ese momento, y algunos de los personajes icónicos del género y los arcos de la historia aún influyen en el cine de hoy.

Algunos ejemplos de cine negro clásico incluyen John HustonS El halcón maltés (1941), Billy WilderS Doble indemnización (1944) y Howard HawksEl gran sueño (1946), aunque hay muchos más de estos directores (y muchos otros) de esta era temprana.

Ahora, pasemos al modo de teoría de género para comprender mejor todo lo relacionado con el cine negro. (¿Le interesa ponerse al día con la teoría de género para comprender mejor cómo se han desarrollado los estilos cinematográficos clásicos a lo largo de los años? Te tenemos cubierto.)


Personajes y trama

Entonces, mucho de lo que hace que un cine negro sea un cine negro tiene que ver con los personajes y la trama. Sí, está el aspecto visual y la estética (a la que llegaremos), pero si realmente quieres clavar esa historia al estilo del cine negro para tus proyectos, querrás comenzar con las partes más básicas del cine negro.

En el corazón de cada historia, necesitas una especie de detective cansado del mundo. Estos detectives privados son una parte integral de las narrativas criminales duras que impulsan la trama estándar del cine negro. Y, la mayoría de las veces, el meollo del conflicto se presenta con la presentación de una mujer que necesita que se resuelva un caso.

Estos dos personajes constituyen la mayoría de las historias del cine negro y, a menudo, involucran un enredo romántico, junto con el ahora reconocible Femme Fatale elemento, en el que juega un papel en la captura del detective a través de la seducción, mientras lo conduce hacia una especie de trampa comprometedora.

Rian JohnsonEs Ladrillo (2005) es un brillante ejemplo de personajes de cine negro y dispositivos de trama que se utilizan en una producción moderna. Johnson usa todos los tropos clásicos del noir para contar una historia de misterio, crimen y redención que se desarrolla en el contexto de una escuela secundaria suburbana. Si está interesado, es una excelente película introductoria para comprender cómo funciona el cine negro, de manera característica y narrativa.


Diálogo y lenguaje

Los otros elementos del cine negro que no son de filmación, reconocibles instantáneamente para la mayoría de las audiencias, son el uso del lenguaje y el diálogo. El cine negro se destacó por su uso intensivo de la narración de voz en off que proporciona detalles de la trama y descripciones de los personajes y recuerda las raíces de la novela policíaca del género. Si no está familiarizado con la mejor manera de trabajar con la voz en off (VO) en sus proyectos, estos recursos lo ayudarán:

Debido a la naturaleza oscura y cínica del cine negro, estas narraciones en off generalmente provienen del protagonista privado. Como tal, son muy cuestionables y poco fiables en su intención. Estas narraciones también están plagadas del clásico lenguaje noir, que es en gran medida representativo de cómo hablaba la gente en los años 20 y 30, incluso cuando las películas en sí eran más populares en los años 40 y 50. Esto se debe, nuevamente, a las raíces literarias firmemente plantadas en los días oscuros de la Gran Depresión.

Si está buscando diálogos y términos para utilizar en sus proyectos de cine negro, inspírese en el autor Ian Tregillis, quien tiene una gran glosario de todas las palabras y frases del argot que se encuentra en el cine negro duro.


Iluminación intensa y de alto contraste

Es seguro asumir que en el momento en que escuchas las palabras “film noir” comienzas a pensar en “blanco y negro”. Obviamente, la asociación del género con el blanco y negro tiene sus raíces en el hecho de que la mayoría del cine negro se creó en una época en la que no existían las películas en color.

Sin embargo, a lo largo de los años, se ha vuelto difícil imaginar el género sin este icónico estilo en blanco y negro. La icónica apariencia de contraste nítido y el género son sinónimos y cada uno eleva al otro. Noir simplemente necesita sombras.

Estos aspectos de iluminación áspera y de alto contraste favorecen las configuraciones de iluminación de bajo perfil, a menudo pintando sujetos con una luz directa, a diferencia de las configuraciones de iluminación de alto contraste más tradicionales y de tres puntos, que prefieren mantenerse alejados de las sombras. Estas tradiciones de iluminación se remontan a las primeras películas expresionistas alemanas, y sus limitaciones inherentes ayudaron a definir los ángulos inclinados y los dispositivos de encuadre únicos del género (como el aspecto icónico de las cortinas de las ventanas).

Además del tutorial anterior, aquí hay algunos recursos adicionales que demuestran diferentes formas de clavar configuraciones de iluminación de película noir:


Neo-Noir moderno y el futuro

Como ocurre con la mayoría de los géneros cinematográficos, el cine negro ciertamente ha evolucionado a lo largo de los años. Y, aunque encontrará muchos ejemplos de recreaciones de parodias y comedias del cine negro clásico que se utilizan en la televisión y el cine (piense Steve Martin en Los hombres muertos no usan cuadros), el género en sí ha sido capaz de transformarse en un nuevo estilo, que todavía se puede encontrar y utilizar en el cine moderno.

A partir de finales de la década de 1970, se desarrolló un nuevo estilo denominado “neo-noir” por personas como Michael Mann, los hermanos Coen, y David Lynch. Estos cineastas encontraron formas creativas de incorporar elementos del cine negro clásico en los cuentos de crímenes modernos, a menudo combinándolos con otros géneros como la acción, la comedia y el arte.

Uno de mis ejemplos favoritos del cine negro posmoderno es el de los hermanos Coen. El hombre que no estaba allí, ya que fue filmada en blanco y negro y emplea muchos dispositivos de trama y estilos cinematográficos noir, como un contraste nítido y una iluminación intensa. Sin embargo, a diferencia del cine negro tradicional, los hermanos Coen aportan un poco de comedia a su historia, y el personaje principal no es un detective, sino un barbero que se ve obligado a resolver un misterioso asesinato.

Cualesquiera que sean sus preferencias estilísticas, comprender los tropos de género del cine negro puede ayudarlo a incorporar estos estilos elegantes en su próximo proyecto único.

Para obtener más información sobre el género y desgloses cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada de El halcón maltés (vía Warner Bros.).

Lo que se debe y no se debe hacer al escribir un eslogan para su proyecto de película o video

Terminar su proyecto de película o video es siempre un logro, pero el trabajo no se detiene ahí. A continuación, se explica cómo escribir un eslogan que atraiga a los espectadores.

Un eslogan es una frase corta que utilizan los especialistas en marketing para vender una experiencia de producto a un cliente. Por lo general, son concisos o inteligentes, a menudo emplean juegos de palabras u otros giros de frases que pueden llamar su atención y hacer que comience a hacer preguntas, como “Qué es esto . . . ? “

Algunos de los más famosos incluyen el breve y dulce “Simplemente hazlo” de Nike o “Piensa diferente” de Apple. Condensan toda la experiencia del consumidor con estas dos marcas en un total de cinco palabras. Es brujería de marketing y funciona.

¿Qué hace un lema?

Entonces, ¿qué tiene que ver un lema con su película o video? Mucho. Para empezar, identifiquemos qué eslogan no es.

En esta publicación, diferenciamos el logline del eslogan: los dos a menudo se confunden, pero están haciendo trabajos muy diferentes. El logline de carga funciona de forma aislada, generalmente de acuerdo con una fórmula, para resumir rápidamente su guión para los productores potenciales. Es el discurso del ascensor que identifica exactamente de qué trata la película y por qué será interesante, si se hace correctamente.

Superhombre

El lema de Superhombre (1978) fue “Creerás que un hombre puede volar”. Es directo, intrigante y es un buen ejemplo de cómo capturar la experiencia de la película. (Imagen vía Warner Bros.)

El lema, por otro lado, es un elemento de una estrategia de marketing general para atraer espectadores a su película. Loglines vende su película a los productores; los taglines lo venden al público. A menudo, capturan frases breves de los avances en un esfuerzo conjunto para mantener su película al frente y al centro en la mente del espectador. También los verá en carteles promocionales y pueden aparecer en guías de programación para festivales de cine. Ahora que la comercialización de una película es en gran medida un asunto digital, el lema ha asumido nuevos roles, apareciendo como una publicación en las redes sociales, como copia de un anuncio o como un titular en un sitio web promocional.

A diferencia del lema, el lema no sigue una fórmula. Más bien, un eslogan es pura experiencia en marketing y no hay reglas, incluso si hay algunas buenas ideas. En primer lugar, debe ser breve. Veremos algunos más largos en nuestro estudio de caso a continuación, y pueden funcionar, pero no por lo general. En segundo lugar, necesita comunicar el experiencia de tu película y no de tu película medio o lo que intenta hacer. En tercer lugar, debe ser inteligente; a veces, eso significa ser muy directo y, nuevamente, veremos algunos ejemplos de este enfoque. Pero no debería ser aburrido, no debería ser demasiado descriptivo y no debería intentar hacer demasiado. Finalmente, necesita más de uno de ellos.

Póster Superman

El lema de Superhombre en acción en un cartel promocional. (Imagen a través de Warner Bros.)

¿Realmente necesitas un eslogan?

El marketing digital basado en datos de comportamiento se está infiltrando en cada rincón de nuestra experiencia en línea, y tu película no debería ser una excepción. No es suficiente simplemente elaborar un eslogan, colocarlo en todos sus perfiles de redes sociales y luego publicarlo una y otra vez. Necesita varios que trabajen cada uno hacia un objetivo diferente, como generar interés, ofrecer más información y luego vender boletos (o copias o descargas). Es probable que cualquier lema que intente hacer los tres a la vez no golpee ninguna de sus marcas, y mucho menos todas de ellos.

Como si Revista Filmmaker afirma (vinculado arriba), película de cuatro cuadrantes el marketing está muerto, entonces eso significa que estamos mirando los datos demográficos objetivo con un montón de características superpuestas, así que conozca a su audiencia, sepa cómo hablar con ellos y luego tómese su tiempo con un enfoque de varias etapas para captar su interés y obtener su ojos en tu película.

No existe una respuesta mágica sobre cómo escribir un eslogan que logre todo lo que usted quiere, pero puede posicionarse para el éxito siguiendo un par de consejos. Primero, escribe muchos de ellos. Las malas ideas pueden dar lugar a buenas, así que no tenga miedo de registrar todas las estupideces que le vienen a la mente hasta que lo consiga. En segundo lugar, incorpore otros cerebros al proceso. Es posible que solo tenga la visión de la película de su director o director de fotografía. Traiga a otros miembros de la tripulación, traiga a forasteros de su confianza. Desarrolle una mente colmena y no sea valioso con sus ideas. Nunca se sabe a quién se le ocurrirá el ganador.

Echemos un vistazo a algunos lemas, buenos y malos, para que sus ruedas giren


Estudio de caso: 15 lemas: buenos y malos

Muchas películas utilizan más de un eslogan en sus campañas de marketing, incluidos varios en la siguiente lista, pero echemos un vistazo a algunos eslóganes específicos para ver por qué funcionan y por qué no funcionan.

1. Club de la lucha

Travesura. Violencia. Jabón.

Al igual que los lemas, los lemas pueden funcionar bien cuando agrupa elementos poco probables en una frase o expresión compartida. Las cosas que se destacan atraen nuestra atención: este es el principio detrás del “gancho”, que es un dispositivo narrativo que capta su atención lo suficiente con solo ser interesante – lo suficientemente interesante como para quedarte con el resto del mensaje – o el resto del libro, o el resto de la película.

Las agrupaciones improbables de cosas diferentes, especialmente cuando puedes tomar a tu audiencia desprevenida, crean ganchos porque tendemos a favorecer las cosas que tienen sentido; nos gustan las explicaciones, incluso si tenemos que encontrarlas nosotros mismos. 1999 Club de la lucha fue lo que podríamos llamar un éxito disruptivo. Muchos espectadores no habían visto nada parecido antes y muchos ni siquiera estaban seguros de lo que iban a ver cuando fueran al cine (pensé que era solo una película sobre boxeo). Pero como demuestra el lema, el marketing detrás de esta película hizo su trabajo y los espectadores querían explicaciones de por qué estaban intrigados.

“Travesura” y “caos” son bastante interesantes, pero ¿qué demonios tienen que ver con “jabón”? Este eslogan ni siquiera es una oración completa, y es uno de mis ejemplos favoritos de un eslogan bien hecho. Tres palabras. Tres declaraciones. Tres cosas que no van de la mano.

Club de la lucha

El eslogan de Fight Club como gancho narrativo y visual: una pastilla de jabón del eslogan que lleva el título. (Imagen a través de 20th Century Fox.)

La película todavía resuena 21 años después, y si no la ha visto, todavía se preguntará qué tiene que ver una barra de jabón que lleva el título con Brad Pitt y Edward Norton.


2. La mosca

La mosca

La mosca (imagen a través de 20th Century Fox).

Temer. Ten mucho miedo.

David CronenbergEl remake de body horror de 1986 fue un éxito y llevó al controvertido director al centro de atención. Es una película gráfica e inquietante que muchos vieron como una poderosa metáfora de la crisis del SIDA en ese momento. El lema es tan directo, tan autoritario, que ha entrado en el lenguaje común como una frase en sí mismo. (Google la frase, y uno de los primeros resultados que obtendrá es que la gente se pregunte de dónde viene la línea.) No hay nada particularmente interesante o enganchado en este eslogan; más bien, agrupa errores, miedo y Jeff Goldblum – y no deja mucho espacio para la negociación.

Darle a su audiencia una directiva, especialmente una como “tenga miedo”, que se nutre de esa parte de la psique que le gusta el horror corporal y las casas encantadas durante Halloween, es una buena manera de atraer el interés. Es muy parecido a “No presione este botón”. Nos inclinamos a resistirnos a la directiva y a hacer lo que no deberíamos, como no tener miedo de ir a ver La mosca.


3. Tiburón: la venganza

Tiburón: la venganza

Tiburón: la venganza acuñado famoso “Esta vez, es personal” en el lema de esta decepcionante entrega de la franquicia. (Imagen a través de Fotos universales.)

Esta vez es personal.

Este famoso fracaso de franquicia es nuestro primer ejemplo de lo que no debemos hacer. La película fue ampliamente criticada, particularmente para el tiburón de apariencia excepcionalmente falsa. Marty McFly es famoso por darle un golpe al horrible tiburón cuando comenta sobre el tráiler de holofilm de Mandíbulas 19 en el Teatro Holomax de Regreso al futuro II: “El tiburón todavía parece falso”.

El problema no es el eslogan en sí, que es otro ejemplo de una frase de marketing que se consolidó en el uso común; ha escuchado la línea en muchas parodias y satirismos. El problema, como establecimos anteriormente, es que los lemas no funcionan de forma aislada. Este eslogan podría aplicarse a cualquier número de películas de venganza y funcionar bien. Sin embargo, junto con un título como Tiburón: la venganza y gráficos promocionales de tiburones, no estamos seguros de quién se está volviendo personal aquí: el tiburón o algunos personajes humanos sin nombre y no promocionados en la película que, presumiblemente, tienen problemas con este tiburón. De nuevo.

El lema debe funcionar con el cartel debe funcionar con el título debe funcionar con la película. Primero haga una buena película, ese debería ser el primer paso. Luego, trabaje hacia atrás para desarrollar la marca, la imagen y el marketing que le digan sin ambigüedades a su audiencia lo que les espera y por qué no deben perderse.


4. El proyecto de la bruja de Blair

proyecto de la bruja de Blair

Calificar su película de terror como metraje encontrado completamente real pagó dividendos para los cineastas detrás de 1999. El proyecto de la bruja de Blair. (Imagen vía Entretenimiento artesanal.)

En octubre de 1994, tres estudiantes de cine desaparecieron en el bosque cerca de Burkittsville, Maryland, mientras filmaban un documental … Un año después se encontraron sus imágenes.

Otro éxito disruptivo de 1999, El proyecto de la bruja de Blair logró llevar su marketing más allá de los lemas (sí, en plural, otro de sus éxitos fue “Todo lo que ha escuchado es verdad”). Durante un minuto caluroso, mucha gente pensó que la historia era cierta. Después de todo, el lema entona un “documental” y dice “se encontraron sus imágenes”. Eso lo hace real, ¿verdad? Agregue a esto que el material de marketing promocional que rodeó el estreno de medianoche en el Festival de Cine de Sundance enumeró a los actores como “desaparecidos” o “fallecidos”.

Los espectadores se sintieron atraídos en masa por esta película de terror sobrenatural de la vida real, que inició un renacimiento de la técnica de filmación de metraje encontrado. El presupuesto para esta película independiente era pequeño en comparación con los estándares de la industria, por lo que los realizadores tuvieron que ser creativos para atraer la atención. Entonces mintieron. Todo vale en el amor y la realización cinematográfica, así que si tu película se basa en lo “real”, sé creativo con las pistas que puedes incluir en tu lema para atraer a la gente al atractivo de “basado en una historia real”.


5. El señor de los anillos: la comunidad del anillo

La comunidad del anillo

Peter Jackson inició su trilogía histórica con La comunidad del anillo, y los lemas de la película reflejan el poder que aprovechó para llevar la obra maestra de Tolkien a la pantalla. (Imagen vía New Line Cinema.)

Un anillo para gobernarlos a todos.

Peter Jackson “s épico señor de los Anillos trilogía comenzó en 2001 con La comunidad del anilloy se apoderó del mundo del cine con sus amplias vistas, su reparto estelar y sus impresionantes efectos visuales. El alcance y la ambición detrás de esta trilogía no tienen muchos paralelos. El equipo de marketing se enfrentó a una tarea monumental: cómo hacer justicia a TolkienEl legado y el monstruo de una película que estaban a punto de lanzar en el mundo.

Como expertos en marketing de películas, utilizaron varios lemas, incluidos “La leyenda cobra vida”, “La Tierra Media cobra vida” y “El poder se puede tener en las cosas más pequeñas”, entre otros. Aplicados a los avances, avances y trucos de BTS estándar, estos lemas polinizaron de forma cruzada todos los mensajes de marketing de los avances, carteles y otros lemas.

Lo que es particularmente efectivo y apropiado del eslogan principal aquí es que el equipo de marketing no hizo nada. La línea proviene del famoso poema de Tolkien inscrito en el Anillo Único. Entona la amenaza total de este mayor de los adversarios y connota el alto precio que las fuerzas del bien tendrán que pagar para derrotarlo, y a su malévolo creador. El equipo de marketing simplemente tomó esta línea auspiciosa del texto y le dio su merecido como un eslogan breve y dulce que puso en práctica toda la potencia de la famosa epopeya de Tolkien.

La lección aquí es simple: no reinvente la rueda. Si su proyecto de película está alineado de alguna manera con un tema, una figura o un tema con mucho reconocimiento preexistente, apóyese en eso.


6. Yo era un hombre lobo adolescente

Yo era un hombre lobo adolescente

Michael Landon y Dawn Richard en Yo era un hombre lobo adolescente. (Imagen vía Fotos de American International.)

¡La película más asombrosa de nuestro tiempo!

1957 Yo era un hombre lobo adolescente fue un éxito financiero y ayudó a lanzar Michael LandonCarrera, a pesar de las críticas mixtas de la función en sí. Fue uno de los lanzamientos más exitosos de American International. Todo esto a pesar de su lema.

Para ser justo, el marketing aquí está dirigido principalmente a los adolescentes que van al autocine de finales de los 50, por lo que la exageración y las afirmaciones audaces eran el nombre del juego: los autocines están muy llenos. . . distracciones. Entonces, si bien funcionó en estas circunstancias, es otro ejemplo de lo que no se debe hacer, y verá que se menciona en varias listas de “peores eslóganes”.

El problema es simple. La afirmación es tan audaz que no hay razón para responder. No hay información sobre el género, no hay detalles de la trama que este lema pueda señalar y, a pesar de toda su pompa y circunstancia, no hay nada memorable en esta línea.

No hagas afirmaciones, describe experiencias. Di algo interesante. Utilice sus lemas para que la gente deje de desplazarse y se pregunte de qué está hablando.


7. La matriz

La matriz

Keanu Reeves en La matriz. (Imagen vía Warner Bros.)

¿Qué es Matrix?

Como si 1999 no hubiera dado a esta lista lo suficiente con Club de la lucha y El proyecto de la bruja de Blair, La matriz es otro revolucionario cambio de juego con un ángulo de marketing que debemos considerar. Desde el hermoso uso del tiempo de bala hasta doblar cucharas y levantar el velo de nuestra aparentemente imperfecta realidad, La matriz creó un cráter de impacto, y las ideas y frases de esta película están en el lenguaje común.

La matriz tenía varios lemas, incluidas otras gemas como “La matriz te tiene” y “Bienvenido al mundo real”, pero la simple pregunta “¿Qué es The Matrix?” es el destacado aquí. Había mucho misterio sobre esta película y lo que podíamos esperar de ella, y eso parece haber sido intencional. En lugar de intentar atraernos con alusiones al kung fu, los westerns y la fenomenología, el equipo de marketing detrás La matriz decidió mantenerte en la oscuridad y tú querías estar allí.

En los círculos teóricos, llamamos a esto el código hermenéutico, pero todo lo que realmente significa es que los especialistas en marketing introdujeron un misterio que posiblemente no puedas resolver, no sin el resto de la película. Es una de las técnicas principales para generar y mantener el impulso en una historia. En este caso, una historia muy breve, un eslogan, de hecho.

No tenga miedo de traer algo de misterio a su lema. Dale a tu espectador una razón para querer más información.


8. Star Trek

Star Trek

Chris Pine y Zachary Quinto en 2009 Star Trek. (Imagen vía Imágenes Paramount.)

Comienza el futuro.

De 2009 Star Trek enfrentó una batalla un poco cuesta arriba. Claro, las noticias sobre el casting se difundieron rápidamente y J.J. Abrams ya tenía una reputación lo suficientemente sólida como para atraer a los espectadores, pero la ventaja también es el problema. Es STAR TREK. Nuevo Star Trek. Ya es bastante difícil navegar por los campos minados del fandom de Trek en un día normal. ¿Reiniciar la serie original y crear la línea de tiempo de Kelvin? Eso es solo pedir a la base de fans crítica que levante sus escudos.

Por lo tanto, el equipo de marketing decidió apostar por el caché de la franquicia y, en lugar de coreografiar algunas gimnasia de lemas para demostrar a los espectadores que esta Star Trek mereció tanta atención como cualquiera de los otros Star Treks, tomaron el control de la narrativa con el simple lema “El futuro comienza”. Es una recreación, una historia de origen. Es una divergencia de la “línea de tiempo principal”, pero comparte elementos comunes sobre cómo se unió el intrépido equipo, esta vez con mejores efectos visuales.

Cuando se enfrente a desafíos de marca relacionados con la percepción común de su tema, no nade contra la corriente. Encuentre una manera sutil de ir con la corriente y deje que esa percepción común haga algo del trabajo pesado por usted.


9. Vengadores Juego Final

Vengadores Juego Final

Ya había un impulso de marketing considerable detrás de la franquicia Avengers antes Endgame aprovechado el atractivo de una conclusión épica. (Imagen vía Estudios de Walt Disney.)

Nada puede prepararte para el final.

Otro en la categoría de “franquicias con cierto reconocimiento de marca”, Vengadores Juego Final fue una de las películas más taquilleras de todos los tiempos. Fue la película número 22 del Universo Cinematográfico de Marvel, por lo que es un eufemismo decir que el equipo de marketing no tuvo un impulso para impulsar la película. Como culminación de tantas historias a lo largo de un período de tiempo tan largo, esta película en particular se posicionó para ser un éxito.

Pero eso no significa que no comercialice un éxito. Como el final de la franquicia y el final de esta historia en particular, hay un poco de dualidad en “el final” en este lema. La afirmación aquí es casi tan audaz como el eslogan de Yo era un hombre lobo adolescente, pero parece más un desafío: un desafío.

Si bien es posible que no esté escribiendo lemas para franquicias tan grandes como Los Vengadores, aún puedes deslizar esto de su libro de jugadas. Dirígete a tu audiencia directamente y desafíalos a que te engañen.


10. Pantera negra

Pantera negra

El lema de Pantera negra utilizó la comerciabilidad de la franquicia Vengadores como un trampolín hacia una entrega aún más emocionante. (Imagen vía Estudios de Walt Disney.)

Los Vengadores tienen un nuevo rey.

La película de superhéroe individual más taquillera de todos los tiempos, Pantera negra (y sus esfuerzos de marketing) vale un momento de nuestro tiempo. Hollywood había estado hablando de Pantera negra desde principios de los noventa, pero nos llevó un minuto unirnos. Una vez que lo hizo, su actuación en la taquilla fue estratosférica. Y en buena medida: una historia épica de ascenso al poder, bellas imágenes, un reparto estelar y acción y aventura de alto riesgo hacen de esta película un estudio de caso en sí mismo sobre Cómo hacer una película increíble que todos aman.

Como vimos arriba con Vengadores Juego Final, Pantera negra tenía un as en la manga: tenía el poder y el impulso de la línea de tiempo de los Vengadores detrás de sus esfuerzos de marketing y rumores previos al lanzamiento. Aun así, una serie de lemas cubrieron las apuestas de marketing para asegurarse de que la película aprovechara al máximo este caché; sin embargo, probablemente el eslogan más elegante de la alineación, y el que aprovecha al máximo el golpe de los Vengadores, es el que estamos viendo aquí. “Los Vengadores tienen un nuevo rey” toma el poder de marketing de la franquicia y lo marca con un rey. ¿Qué es mejor que los Vengadores? Un rey de los Vengadores, eso es.

Cuando haya marcado un grupo de lemas que funcionen para sus diversas campañas de marketing y redes sociales, siga pensando en cómo puede aprovechar lo mejor de ellas y empujarlo un poco más para mostrar realmente a su audiencia lo que les espera.


11: Suspiria

Suspiria

El clásico de terror giallo de Dario Argento Suspiria fue un éxito internacional a pesar de sus lemas. (Imagen vía Clásicos internacionales.)

Lo único más aterrador que los últimos 12 minutos de esta película son los primeros 92.

Suspiria es tan Argento como vienen sus películas: es sin duda una de sus películas más memorables, con un estilo característico y un enfoque exagerado que se las arregla para ubicarse en algún lugar entre “¿Hablas en serio?” y “Hombre, esto es genial”. Financieramente, la película fue un éxito internacional, y estimuló dos películas más en la trilogía de Las Tres Madres.

Pero uno (dos, en realidad) de sus lemas no era grandioso. Los diversos esfuerzos de marketing internacional se basaron en una bolsa de sorpresas de lemas, algunos de los cuales aprovecharon la popularidad de Argento, otros se volvieron creativos con entonaciones de brujería y vagas amenazas sobre la oscuridad.

Este lema, sin embargo, se interpone en su propio camino. Los únicos puntos sobresalientes que ofrece son los números: partes del tiempo de ejecución general que, francamente, no hacen nada para llamar la atención del espectador. ¿A quién le importa cuánto tiempo sea? ¿Y la especificidad de los últimos 12 minutos? ¿Que hay de ellos? Todo lo que estamos obteniendo aquí es que esta película de terror tiene un final aterrador. Dullsville.

Si eso no fuera suficiente, en los EE. UU. El lema decía “Lo único más aterrador que los últimos 12 minutos de esta película”. Son los primeros 80 “. porque las impresiones americanas originales fueron recortadas para que la película obtenga una calificación R.

La lección aquí es que no puedes simplemente decir tu [insert genre here] la película es muy [same genre]. No es interesante, no es un desafío y no atrae al espectador.


12. Encuentros Cercanos del Tercer Tipo

Encuentros Cercanos del Tercer Tipo

Encuentros Cercanos del Tercer Tipo es un gran ejemplo de un eslogan que se repite sobre sí mismo para un enfoque de marketing que se ajusta a medida que avanza. (Imagen vía Fotos de Columbia.)

Encuentro cercano del primer tipo: avistamiento de un ovni. Encuentro cercano del segundo tipo: evidencia física. Encuentro cercano del tercer tipo – Contacto. NO ESTAMOS SOLOS.

El proyecto apasionante de Steven Spielberg Encuentros Cercanos del Tercer Tipo fue un éxito tan crítico y financiero que la Biblioteca del Congreso lo seleccionó para su preservación en el Registro Nacional de Cine por ser “cultural, histórica o estéticamente significativo”. La película debutó en un lanzamiento limitado, antes de expandirse a un lanzamiento amplio y luego regresar al cine años más tarde en una “edición especial” expandida (y controvertida). (Una tercera versión, el montaje del director, corrigió los errores que a Spielberg no le importaban en la edición especial).

Entonces, podemos decir con seguridad que esta película es significativa.

Las diversas iteraciones de la película en sí reflejan lo que es importante sobre los lemas: la iteración. Como mencioné anteriormente, es importante monitorear su campaña de lema (de hecho, su campaña de marketing en general) en un mundo digital en el que atrae a diferentes grupos demográficos en diferentes etapas del embudo de conversión. (Traer ese ¡en tu próxima cena!) No comercializas a alguien que finalmente está a punto de pagar por una descarga de la misma manera que comercializas a alguien que acaba de escuchar sobre tu película.

Encuentros Cercanos del Tercer Tipo

El lema de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo en el trabajo. Las iteraciones posteriores redujeron el lema simplemente a “No estamos solos”. (Imagen a través de Columbia Pictures).

En este caso, el primer lema (citado anteriormente) es el más largo. Comienza con J. Allen HynekClasificaciones de “encuentros cercanos” – posiblemente una forma lenta de atraer la atención. Las clasificaciones son cruciales para la experiencia de la película y para el título, por lo que necesitaban un poco de trabajo preliminar para ganarse su papel en la campaña de marketing. El lema se basa casi por completo en el gancho de encontrarse con un extraterrestre, lo que, claramente, fue suficiente para crear un éxito.

Sin embargo, una iteración posterior, una vez que los espectadores potenciales se familiarizaron con el eslogan y el sistema de clasificación necesario para la experiencia de la película, envió el mismo mensaje cargado con el eslogan ahora más corto de “No estamos solos”. El trabajo preliminar valió la pena como un eslogan más corto más abajo en ese embudo.

Este proceso paso a paso es una buena demostración de cómo puede generar interés en su película sobre la marcha. Fíjelo con un gancho sólido (como extraterrestres), y su película también podría terminar en el Registro Nacional de Cine.


13. Minions

Minions

La belleza del lema de Minions es su sencillez. (Imagen a través de Fotos universales.)

UH oh.

Recién salido de nuestra mirada a la bastante larga Encuentros cercanos lema, no podemos no Mira este pequeño eslogan para Mi villano favorito precuela que ganó más de mil millones de dólares. Como algunas de las otras películas de esta lista, Minions golpee el juego de marketing con el impulso de una franquicia preexistente. Capturando corazones y mentes con este debería ser simple. Ya sabemos que estos pequeños son divertidos y causan hijinx. No hay mejor resumen de esta experiencia cinematográfica que “Uh oh”. Cualquier cosa más habría sido un desperdicio de palabras.

Si la brevedad es el alma del ingenio y su lema va a ser ingenioso, entonces, bueno, lo entiende. Diga todo lo que pueda con la menor cantidad de palabras posible.


14: Duende

Duende

Otro eslogan breve pero dulce, el texto de marketing de Duende se basa en un doble golpe del tráiler y el lema. (Imagen vía Metro Goldwyn Mayer.)

Ellos estan aqui.

Originalmente una secuela de terror oscuro de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Duende pasó a convertirse en uno de los mayores éxitos comerciales y críticos de 1982. Con un culto firmemente arraigado, Duende sigue siendo una de las franquicias de terror más famosas. Su estrategia de lema es un gran ejemplo de cómo los elementos del marketing cinematográfico pueden ser autorreferenciales y trabajar juntos para construir una audiencia, en lugar de trabajar de forma aislada para atraer espectadores.

El lema principal, “Están aquí”, obviamente tiene la fuerza de la brevedad y la intriga. Quien es ellos? ¿No necesito saber más en esta situación? Pero su fuerza no reside en su longitud; más bien, esta es una línea directamente de la película, posiblemente una de las líneas más famosas en la historia del terror, y apareció de manera prominente en el avance. Al entonarlo en carteles de películas y otros artículos promocionales, el eslogan evoca el espeluznante avance inmediatamente a la mente, haciendo el trabajo del avance donde el avance no podía. Otra línea de la película “Mami, papi, ¿dónde estás?” también cumplió una doble función como lema, lo que indica que el equipo de marketing es consciente del poder de su material original.

Si hay un elemento tan resonante como “Están aquí” en su película que identifica el género y describe la experiencia de ver la película, no tema agregar citas directas a su banco de lemas, siempre y cuando sean Corto y al grano.


15: Los Goonies

Los Goonies

Un poco largo, el lema de la amada aventura familiar de Spielberg en 1985 Los Goonies se aferra a la idea del anzuelo y realmente lo hace con tantos como puede salirse con la suya. (Imagen a través de Warner Bros.)

El mapa del pirata, los ladrones malvados, las cavernas subterráneas, las trampas explosivas, los esqueletos, el monstruo, el tesoro perdido y la magia que es. . . LOS GOONIES.

Como si Steven Spielberg no hubiera hecho suficientes apariciones en esta lista, necesitamos ver una más: Los Goonies. Otra entrada en el Registro Nacional de Cine por ser “cultural, histórica o estéticamente significativa” Los Goonies también se ha convertido en una película de culto, especialmente entre los niños que formaban parte de la cola de la Generación X. La película ofrece algo para todos, incluso si su público objetivo era joven; esto es digno de mención porque amplía la audiencia de cine para incluir familias enteras . Parte del humor no ha envejecido bien, pero esta es una película que niños y adultos pueden ver juntos.

Con ese fin, el marketing debía ser igualmente polivalente. Ser demasiado directo, demasiado inteligente o demasiado desafiante podría haber torpedeado los esfuerzos de marketing, por lo que, en cambio, el eslogan de Los Goonies toma el concepto de gancho y corre con él. El lema en realidad es solo una serie de ganchos, cada uno más agresivo que el anterior. Es puro marketing: capta tu atención una y otra vez y te deja una impresión vaga, pero tentadora, de la experiencia cinematográfica: la aventura. Cuando una estrategia de eslogan más matizada puede interferir con un proyecto de película que realmente solo hace una cosa y lo hace bien, no tema venderle a su espectador la experiencia directamente.


Así que ahí lo tienes: 15 enfoques diferentes del lema para demostrar lo que debes (y no debes) hacer con tus propios lemas. Hay una serie de enfoques creativos que puede adoptar para crear un eslogan eficaz, y el resultado final debe variar según el uso previsto: programación de festivales, publicación en redes sociales, publicidad. Recuerde escribir varios y escribirlos con otros. La colaboración es una de las mejores formas de salir de tu propia cabeza y pensar en tu película desde la perspectiva de otra persona.


Imagen de portada a través de Warner Bros.

Cómo los cierres pueden realmente brindar una nueva era de oportunidades cinematográficas

En lugar de lamentar la muerte de las películas, celebre una nueva era de posibilidades cinematográficas posteriores al cierre. Aquí hay tres tendencias actuales que están remodelando la industria.

Un reciente Indiewire El artículo ha estado en los titulares debido a su cita sensacional, pero quizás cierta, que declara que “las películas ya no son el rey”. Y, si bien el tiempo dirá qué tan bien la industria se recupera y / o se reconfigura a raíz del cierre intermitente de COVID-19, la escritura en el muro de la industria es bastante clara: se avecinan cambios.

No obstante, no se deje engañar por la corriente de fatalidad y tristeza que proviene de los estudios. Estas reestructuraciones que se avecinan (y tal vez incluso vencidas) no tienen por qué ser malas. Veamos algunas charlas de la industria y algunas predicciones de taquilla para descubrir algunas de las posibilidades positivas que se pueden encontrar en esta nueva era de posibilidades de contenido.


Los nuevos jugadores poderosos

Plataformas de transmisión

Las plataformas de transmisión y sus vastas carteras se están convirtiendo en los nuevos corredores de poder. Imagen vía Tero Vesalainen.

El quid de la función Indiewire realmente se reduce a la suma de que “el poder reside en las carteras, no en los estudios”. Y estas carteras están controladas por plataformas de transmisión, empresas de tecnología y marcas heredadas como Netflix, Apple y Disney.

Por supuesto, hubo señales de que esta nueva normalidad ya estaba esperando entre bastidores antes de cualquier cierre, ya que varias de las nuevas plataformas de transmisión principales se lanzaron por casualidad, o se lanzaron, solo unos meses antes de que los bloqueos golpearan la industria tradicional de las salas de cine. .

Y realmente, estas nuevas plataformas y carteras de transmisión ni siquiera están en guerra con la experiencia tradicional de ir al cine. En cambio, están en guerra entre sí, luchando por asegurar contratos exclusivos con grandes nombres y productores de contenido que tienen el poder de las estrellas para hacer que los espectadores regresen. De hecho, algunos de los jugadores (como Disney +) ya han experimentado una caída en los primeros números, simplemente porque necesitan más contenido y más rápido.

Lo que siempre es una buena señal para la comunidad cinematográfica, en su conjunto, ya que más oportunidades en la parte superior generalmente significan más oportunidades de goteo para el resto de nosotros.


Cribas más pequeñas, posibilidades de producción más económicas

Pájaro que vuela alto

Steven Soderbergh filmando su función de Netflix Pájaro que vuela alto en un iPhone 8. Imagen vía Netflix.

Aunque Netflix probablemente siempre se apegará a su estricto restricciones de cámara e imagen, ha habido algunos ejemplos recientes de cómo Netflix y otras plataformas de transmisión pueden estar mirando hacia un futuro más pequeño y más barato para las posibilidades cinematográficas.

El ejemplo más notable tendría que ser el de Steven Soderbergh Pájaro que vuela alto, que se estrenó en Slamdance en 2019 antes de ser lanzado en Netflix más tarde ese año. Pájaro que vuela alto, como el de Soderbergh Insano antes, se filmó completamente en un iPhone 8 y es el último y mejor ejemplo de cómo la brecha tecnológica entre las cámaras de cine de alta gama y los recursos digitales cotidianos se está cerrando más rápido de lo que muchos en la industria querrían admitir. (Si está interesado, aquí tiene artículo perspicaz sobre cómo Soderbergh ha perfeccionado su proceso de realización de películas con iPhone.)

En última instancia, esto podría ser algo bueno. Pájaro que vuela alto fue lanzado y recogido por Netflix antes de que se completara el proyecto, lo que demuestra que los gigantes de la transmisión están dispuestos a arriesgarse con contenido independiente real. Después de todo, Pájaro de alto vuelo recibió un disparo por menos de $ 2 millones, en menos de dos meses, y el primer corte tardó menos de tres horas en completarse.

Si Netflix y otros pueden continuar acogiendo a cineastas independientes de vanguardia que ofrecen contenido de alta calidad, pronto podrían estar sobre la mesa pautas de producción menos estrictas. Lo cual, nuevamente, es una buena noticia para los aspirantes a cineastas que tal vez no tengan acceso a ninguna cámara aprobada por Netflix para los proyectos en los que están trabajando en este momento.


Serie sobre un solo piso

El mandaloriano

Disney Plus Guerra de las Galaxias serie episódica El mandaloriano. Imagen vía Disney.

Volviendo al advenedizo Disney +, que debe gran parte de su éxito inicial a la popularidad de El mandaloriano, la plataforma descubrió que tener una serie icónica puede ser más atractivo que una película única, así como un mejor trato. Una mirada a los números revela que la primera temporada de El mandaloriano cuesta alrededor de $ 15 millones por episodio. Entonces, en lugar de intentar sacar una película de gran éxito de $ 120 millones, obtuvieron una serie completa de ruido y valor sostenibles.

Como puedes leer en este artículo de desglose, El mandaloriano en realidad, evitó muchos de los productos básicos de producción de éxito de taquilla establecidos en favor de técnicas y trucos probados y verdaderos que encontrarías en escenarios y proyectos de películas independientes / locales, como escenografías sólidas y paredes de video.

Por último, El mandaloriano y las producciones similares representan nuevas oportunidades para que los cineastas aprendan y desarrollen todas las habilidades necesarias para lanzarse a proyectos que pueden aparecer en, e incluso encabezar, algunas de las principales plataformas de transmisión en el futuro.

Para obtener más información sobre la industria y consejos, trucos y consejos para la realización de películas, siga leyendo:


Imagen de portada vía MarcoStockFotas.

10 consejos prácticos para crear HUD de ciencia ficción en After Effects

Utilice estos consejos de composición para crear elegantes Heads-up Displays de ciencia ficción en After Effects. ¡El tutorial incluye archivos de proyecto gratuitos!

¡Hagamos algunos HUD superpoderosos de la era espacial! Estos efectos de gran éxito son sorprendentemente fáciles de lograr y son una forma segura de agregar valor de producción instantánea a sus proyectos de películas y videos.

Los siguientes consejos funcionarán mejor cuando se usen en combinación, trabajando en conjunto para darle a los elementos del HUD una mejor apariencia y sensación. Muchos de ellos son efectos realmente simples, pero colectivamente pueden marcar una gran diferencia.

Este tutorial viene con un archivo de proyecto gratuito que contiene dos escenas de HUD y elementos gratuitos de Shutterstock Paquete de interfaz HUD. Descárgalos ahora, sumérgete en el tutorial y haz algo de magia cinematográfica.

DESCARGUE EL PAQUETE DE HUD GRATIS


1. Acción de bola CC

After Effects: acción de bola CC

Dale a los elementos un aspecto de píxeles con CC Ball Action.

El primer consejo es usar el Acción de bola CC efecto para dar a los elementos un aspecto de píxeles. Si su elemento está en un canal alfa, agregue un negro Capa sólida Detrás de eso. Luego, agregue un Capa de ajuste en la parte superior y aplicarle CC Ball Action. En la configuración de Acción de bola CC, ajuste el Espaciado de la cuadrícula y Tamaño de la bola para lograr tu look final.


2. Carga de bloque CC

After Effects: carga de bloque CC

Agregue una animación de “carga” rápida con el efecto Carga de bloque CC.

Utilizar el Carga de bloque CC efecto para agregar una animación de “carga” rápida. Aplique el efecto a su metraje, luego desmarque la casilla Empezar despejado ajuste. Ahora, haga un fotograma clave Terminación ajuste para emular la apariencia de carga.


3. Modos de desenfoque, opacidad y fusión

After Effects: modos de desenfoque, opacidad y fusión

Utilice la configuración de Borrosidad para ayudar a que los elementos se mezclen de forma natural con su metraje.

Los modos de desenfoque, opacidad y fusión son atributos de capa importantes. Pruebe diferentes modos de fusión en sus capas de HUD para ver cómo se ven con las imágenes de fondo.

Añadir y Pantalla Los modos de fusión siempre son populares entre los HUD. Utilice distintos niveles de opacidad en las capas, según su importancia en la pantalla. Esta es una forma sutil de dirigir la atención de los espectadores a áreas más importantes del HUD.

Finalmente, componga previamente todos los elementos de su HUD y aplique un Desenfoque gaussiano. Selecciona el Borrosidad ajuste a un valor bajo entre dos y cuatro. Esto eliminará el “borde crujiente” de los elementos, ayudándolos a mezclarse naturalmente con su metraje.


4. Aberración cromática

After Effects: aberraciones cromáticas

Sobre su metraje, agregue una capa de ajuste, luego aplique el efecto.

Hay muchas formas de agregar aberraciones cromáticas sin complementos en After Effects. Sin embargo, hay un complemento gratuito que recomiendo encarecidamente: Aberración cromática rápida 2 de Plugin Everything. Una vez que tenga el complemento instalado, agregue un Capa de ajuste por encima de su metraje y aplique el efecto. Ajustar el Escala ajuste para lograr el aspecto deseado. Recomiendo algo sutil, como una escala de 100,30 por ciento.


5. Ajustes preestablecidos de parpadeo

After Effects: ajustes preestablecidos de parpadeo

Cree un ajuste preestablecido de usuario para sus animaciones de parpadeo favoritas.

Muchas veces, cuando tienes elementos animados dentro o fuera de la pantalla, es probable que el fotograma clave parpadee con cierta opacidad. Si crea una animación de parpadeo que realmente le guste, puede crear una Preajuste de usuario para ello. Primero, abra el Efectos y preajustes panel en After Effects. Luego, arrastre el mouse y resalte todos los fotogramas clave de opacidad para su animación de parpadeo. En la esquina inferior derecha del panel Efectos y ajustes preestablecidos, haga clic en el cuadrado nota adhesiva icono. Esto le permitirá nombrar y guardar su animación como un ajuste preestablecido de usuario. Entonces puedes arrastrar y soltar esa animación de opacidad en cualquier capa, siempre que la necesite.


6. Desplazamiento de vidrio

After Effects: efecto de cristal

Utilice el efecto Transformar para crear un desplazamiento de “vidrio” en su HUD.

los Transformar El efecto es una forma rápida de crear un desplazamiento de “vidrio” en su HUD. Crear un Capa sólida para actuar como tu imagen mate. (Mide este del mismo tamaño que quieres que tenga el vaso). Luego, agrega un Capa de ajuste debajo de la capa sólida. Establecer la capa de ajuste Track Matte ajuste a Mate Alfa. Aplica el efecto Transformar a la Capa de Ajuste. Aumenta el Escala en el efecto Transformar para crear algún desplazamiento. También puede agregar efectos como Desenfoque gaussiano y Aberración cromática rápida 2 para crear otros estilos de vidrio.


7. Desenfoque de la lente de la cámara

After Effects: Desenfoque de la lente de la cámara

Obtenga un bonito efecto bokeh aplicando el efecto Desenfoque de lente de la cámara.

Si tiene elementos de HUD que no son el enfoque central, aplique el Desenfoque de la lente de la cámara efecto a ellos para obtener un bonito aspecto bokeh. Después de aplicar el efecto Desenfoque de lente de la cámara, ajuste el Radio de desenfoque. Si su elemento se ve descolorido o transparente después de ajustar el radio de desenfoque, le recomiendo duplicar su elemento varias veces para recuperar algo de opacidad. Establezca las capas duplicadas en Añadir o Pantalla modos de fusión para aumentar el brillo y el contraste, si es necesario.


8. Fantasma / Reflejo

After Effects: Reflejo fantasma

Agregue un reflejo al aspecto de la interfaz con el efecto Ghosting.

Este efecto es realmente simple, pero agrega un bonito reflejo al aspecto de la interfaz. Primero, precomponer todas sus capas de HUD. Luego, duplicar su composición previa de HUD. En la copia de la composición del HUD inferior, haga que la composición sea un Capa 3D. Luego, muévalo hacia adelante en el Eje Z, alrededor 50-100 píxeles. A continuación, baje la opacidad de la copia inferior del HUD a alrededor 15-30 por ciento. También puede aplicar un Desenfoque gaussiano a la copia inferior para enturbiar un poco el reflejo.


9. Compensación óptica

After Effects: compensación óptica

Dele a su HUD una mirada en primera persona con el efecto de compensación óptica.

Utilizar el Compensación óptica efecto para estirar todo y darle a su HUD un aspecto en primera persona. Agregar un Capa de ajuste sobre el metraje y, a continuación, aplíquele el efecto Compensación óptica. En la configuración de efectos, marque Distorsión inversa de la lente. Luego, configure el Campo de visión a un valor alrededor 70.

Si no desea que el efecto afecte a la capa de fondo inferior, Copiar el efecto de compensación óptica creado. Luego, pegar directamente en la capa de fondo y marque la Distorsión de lente inversa. El metraje de fondo debería volver a su apariencia original.


10. Texto / números aleatorios

Ahora, hay muchas formas de crear texto y números aleatorios en After Effects. Quiero compartir dos formas simples que (si es un principiante) deberían ayudarlo a comenzar. Para texto aleatorio, cree un Capa de texto y escriba algunos caracteres aleatorios. Luego, baje el Configuración de texto. Haga clic en Animar y seleccione Desplazamiento de caracteres. Luego, simplemente haga un fotograma clave del desplazamiento de caracteres. Encender Unicode completo en el Rango de caracteres para obtener aún más caracteres de texto.

After Effects: texto aleatorio

Después de crear una capa de texto, escriba algunos caracteres aleatorios.

Para números aleatorios, cree una capa de texto. Luego, en la configuración de Texto, Alt + clic sobre el Icono de cronómetro para Texto de origen (Ctrl + clic en Mac). Pegue la siguiente expresión:

Math.round(random(11111,99999))

Asegúrese de escribir la expresión correctamente, porque la expresión distingue entre mayúsculas y minúsculas. (Use una “M” mayúscula en “Matemáticas”).

After Effects: números aleatorios

Escriba la expresión correctamente, ya que distingue entre mayúsculas y minúsculas.


Consejo de bonificación

After Effects: agregar grano

Utilice el efecto Agregar granulado para agregar granulado estático / distorsionado a su metraje.

Finalmente, como un consejo adicional, puede agregar un buen grano de estática / distorsión a su metraje usando el Agregar grano efecto. Crear un Capa de ajuste encima del metraje, luego aplique el efecto Agregar granulado. Cambiar el Modo de visualización ajuste a Salida final. A continuación, puede mirar a través de los distintos ajustes preestablecidos incorporados y realizar ajustes de configuración para finalizar su aspecto.


¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

Y finalmente, aquí hay algunas técnicas más rápidas y fáciles de After Effects que puede agregar a sus trucos en solo minutos:

Cómo crear formas 3D con el simulador físico 2D de Newton 3

Aunque Newton 3 es un simulador de física 2D y solo acepta texto y formas 2D, existe una pequeña solución para incorporar formas 3D. Vamos a ver.

Si ya está familiarizado con los entresijos de Newton 3, no dude en pasar a la siguiente sección. Ahí es donde encontrará el video tutorial de hoy.

Si es completamente nuevo en Newton 3, vea el siguiente tutorial básico de doce minutos antes de continuar. Newton 3 es un complemento complejo para After Effects, pero en su mayor parte, este clip “101” lo ayudará a familiarizarse con los conceptos básicos del simulador de física.

Newton 3: Lo básico


Tutorial de Newton 3 de hoy

El proceso

Esto es lo que tengo. Es una maqueta que se coloca debajo de las tarjetas finales de YouTube para darles un poco más de sabor. Y, utilizando el simulador de física de Newton 3, podemos hacer precisamente eso.

Newton 3: Maqueta

Pero vamos a conseguir que el texto aparezca como elementos 3D. Hay algunos contratiempos al aplicar elementos 3D en After Effects a una animación de Newton 3, pero el resultado es genial.

Newton 3: Aplicación de elementos 3D

Para empezar, asegúrese de que ya ha completado su animación de Newton 3. Debido a la manipulación de las sombras y las formas, funciona mejor para animaciones minimalistas, en lugar de algo extravagante donde las formas se cruzan continuamente. En la misma composición de After Effects, crearemos nuestro fondo sólido. Y, aunque las opciones son infinitas, creo que usar un color mate funciona mejor para vender el efecto.

A continuación, seleccione la primera capa de forma y cámbiela a una capa 3D. Luego, abriremos los parámetros de geometría y cambiaremos la profundidad de extrusión a 250, pero esto se puede establecer en lo que sea necesario para adaptarse a su capa de forma.

Newton 3: profundidad de extrusión

Aquí, cambiaremos la profundidad de extrusión a 250.

Sin embargo, por el momento, no se ve completamente en 3D. Podemos ver algún tipo de profundidad en la forma, pero no se ve bien. Esto se debe a que el lado, que naturalmente debería ser más oscuro, tiene el mismo nivel de brillo.

Newton 3: sumar profundidad

En ese momento, tendremos que ajustar el brillo.

Afortunadamente, After Effects tiene una serie de herramientas para solucionar este problema. Y, como estamos trabajando con una capa 3D, vamos a agregar un foco para empujar esta región hacia las sombras.

Newton 3: agregar un foco

Empuje esta región hacia las sombras agregando un foco.

Al igual que la profundidad de extrusión, la configuración de la luz dependerá del estilo de su proyecto, pero configuré mi foco en el brillo predeterminado de 100. Por el momento, el lado ahora está demasiado oscuro, y porque hemos hecho el dar forma a una capa 3D, si disminuimos el brillo del foco, oscurecerá toda la forma. Por lo tanto, al igual que con la iluminación práctica en un plató, vamos a agregar otro foco, pero esta vez hacia la derecha, y esto actúa como una luz de relleno.

Si no está familiarizado con lo que es una luz de relleno, en película y fotografía, es esencialmente una luz secundaria que no es tan poderosa, por lo que no creará la misma cantidad de brillo, pero traerá el lado opuesto. a la luz primaria desde las sombras.

Newton 3: ajustes de luz

Ahora, necesitamos agregar sombras.

Esto parece una imagen tridimensional. Sin embargo, carece de una característica crucial, las sombras proyectadas por la luz.


Oscuridad

Para hacer esto, agregaremos tres efectos. Primero, necesitamos crear un duplicado de nuestra forma y desactivar la opción de capa 3D de la capa duplicada. Esto se debe a que los efectos no funcionarán correctamente en elementos 3D y, por el momento, vamos a desactivar la capa original. Además, debes asegurarte de tener la capa 3D de arriba.

El primer efecto será un Llenar, pero en lugar de hacer que el relleno sea negro, probaremos el color de fondo y buscaremos una versión oscura de este tono.

Newton 3: Color de fondo

Usaremos una versión oscura de este tono como fondo.

A continuación, agregaremos un Desenfoque rápido radial CC. Aumente la cantidad a 100 (o lo que se adapte a su proyecto), cambie el zoom a brillo y ajuste el punto central en la parte superior derecha donde está la luz de la tecla.

Newton 3: agregar un desenfoque rápido radial CC

Ahora, agregaremos un CC Radial Fast Blur.

Finalmente, vamos a agregar un CC Composite para recuperar el color original de la forma.

Newton 3: agregar CC compuesto

Finalmente, recupere el color original de la forma agregando un CC Composite.

Para finalizar este proceso, active la visibilidad de la capa original y su archivo debería verse así.

Newton 3: Finalizar proceso

Ahora, tenemos capas visuales y sombras.

Perfecto.

Para terminar, vamos a copiar los elementos que hemos creado al texto. Dado que el cuadrado es un objeto estático y el texto tiene las propiedades de animación de Newton 3, podría preguntarse por qué estamos aplicando el acabado 3D al cuadrado primero y no al texto. En este caso particular, me permite configurar correctamente el efecto en una escala más grande para ajustar la configuración.

Entonces, activemos nuestras formas de texto, luego dupliquemos el texto y agréguelas a una precomposición. Esto nos permite agregar cuidadosamente los efectos de sombra a un solo archivo, en lugar de agregarlos a varios archivos.

Newton 3: efectos de sombra

Agrega efectos de sombra.

Luego, copie las propiedades de la geometría en el texto, pero recuerde activar el modo de capa 3D del texto.

Newton 3: Propiedades de geometría

Copie las propiedades de geometría en el texto.

Para mi proyecto, la extrusión es demasiado profunda. Por lo tanto, necesitaría disminuir la cantidad a un nivel que sea proporcional al cuadrado.

Esta es la base para hacer que sus formas 2D parezcan 3D.


El Tl; Dr

Bien, recapitulemos el proceso en pequeños puntos.

  1. Aplica la simulación física de Newton 3 a tus formas.
  2. Crea un color sólido para el fondo y colócalo en la parte inferior de tu composición. Los colores apagados se ven mejor.
  3. Seleccione la forma más grande y conviértala en una capa 3D.
  4. Abra las opciones de geometría y aumente la profundidad de extrusión.
  5. Agregue dos focos para colocarlos a cada lado de la forma: uno al 100% de fuerza, el otro al 75%.
  6. Duplique la capa de forma, desactive la función de capa 3D para la capa duplicada y colóquela debajo de la capa 3D original. Además, desactive la visibilidad de la capa original, por el momento.
  7. Aplique tres efectos a la capa duplicada para crear una sombra dinámica. Llenar, Desenfoque rápido radial CC, Compuesto CC. El color de relleno debe ser el de tu fondo, pero más oscuro. Aumente el desenfoque radial a 100, coloque el centro cerca de la luz de la tecla y cambie el modo de zoom a brillo.
  8. Vuelva a activar la visibilidad de la capa original.

Luego, imitaría el proceso para las formas adicionales o las capas de texto, pero realizaría ajustes en la sombra y la profundidad de extrusión, ya que esas configuraciones pueden diferir con los diferentes tamaños de forma.


No es perfecto. No vamos a hacer que las formas se muevan y roten en el espacio 3D sin usar complementos adicionales o software de física 3D dedicado. Aún así, este es su mejor paso para darle a sus animaciones de Newton 3 esa profundidad adicional en After Effects para formas y texto simples.


Como ya tiene abierto After Effects, agregue un par de estas técnicas a su bolsa de trucos: