Por qué probablemente vas a comprar el Sony a7S III

Sony acaba de anunciar la a7S III, una cámara monstruosa sin espejo que no podemos esperar para tener en nuestras manos.

Qué viaje tan largo y extraño ha sido. Después de jugar con nuestros corazones durante años, colgando el objeto de nuestro deseo frente a nosotros, fuera de nuestro alcance, Sony finalmente lo logró.

Hoy, Sony anunció el a7S III. Y es glorioso. Mire el video de lanzamiento y luego nos sumergiremos en las especificaciones.

He aquí una breve lista de especificaciones:

  • 12.1 Sensor Exmor R CMOS
  • 4K a 120p
  • 120p y 240p en Full HD
  • Grabación interna de 10 bits
  • Muestreo de color 4: 2: 2
  • 409,600 ISO
  • Más de 15 paradas de rango dinámico

Creo que Sony realmente lo logró aquí, y sospecho que muchas, muchas personas (incluyéndome a mí) comprarán esta cámara en las próximas semanas y meses. El a7S III sin duda satisfará y superará las necesidades de la mayoría de los usuarios, y aunque no tiene las campanas y silbatos de algo como el el recientemente revelado URSA 12K, tampoco tiene el precio posiblemente fuera de alcance.

Aquí está el desglose completo de Sony de su nueva potencia sin espejo:

Con el a7S III, Sony presenta un nuevo sensor, el Exmor R CMOS. Esto es lo que la compañía tiene que decir al respecto:

El nuevo Exmor R retroiluminado de 12.1 megapíxeles de fotograma completoTM El sensor de imagen CMOS incluye importantes innovaciones en la recolección de luz, cableado y optimización de salida. Estos ofrecen velocidades de lectura doblemente brillantes, excelente calidad de imagen en todo el rango de sensibilidad, rango dinámico amplio de 15 paradas y obturación reducida, con el sensor que también proporciona AF de detección de fase de plano focal.

Parece que Sony descubrió lo que Canon no podía: un cuerpo sin espejo y fácil de usar capaz de manejar 4K a 120p con capacidades internas de 10 bits en todos los formatos de grabación o velocidad de cuadros en 4K o Full HD. Mientras dispara a 4K, en S-log3, la cámara cuenta con impresionantes 15 paradas de rango dinámico (aparentemente). Además de todo esto, la cámara es capaz de grabar a una profundidad de 10 bits con muestreo de color 4: 2: 2 en todos los formatos de grabación.

Y los golpes siguen llegando. Sony logró incluir OTRA función que se encuentra en muchas listas de deseos de los usuarios: un monitor trasero giratorio y más fácil de usar. Esto hará las delicias de la multitud de vlogs y tiradores en solitario que no quieren perder el tiempo configurando un monitor externo para disparos rápidos en el campo.

También hay un soporte de zapata de “interfaz múltiple” que permite a los usuarios montar un micrófono sin necesidad de batería o cable, lo que resulta más atractivo para los YouTubers y los tipos de documentales.

Entonces, después de cuatro años de anticipación ocasionalmente insoportable, ahí lo tienes. ¿Valió la pena la espera? Creo que sí.

Es vital que las compañías de cámaras continúen impulsando a la industria hacia adelante y capaciten a los creadores para extender los límites de lo que es posible. Y, a partir de ahora, parece que Sony y Blackmagic Design entienden de esa manera más que la competencia.

PRECIO: $ 3498.00 – Reserve su Sony a7S III ahora.


Si te gusta leer sobre equipo, te encantarán estos artículos sobre lentes, cámaras y más.


Todas las imágenes a través de Sony.

Cómo exportar una película de alta resolución de Final Cut Pro X

Siga estos pasos para exportar una película QuickTime de alta resolución y la mejor calidad desde Final Cut Pro X.

Si está buscando crear un archivo QuickTime maestro de alta resolución de su proyecto de película o video, entonces FCPX está optimizado para eso. Por supuesto, con una variedad de opciones de exportación de alta resolución disponibles, puede ser desalentador, si no completamente confuso, determinar qué configuraciones de exportación producirán los mejores resultados.

Bueno, estamos aquí para ayudar. Aquí está la manera rápida y fácil de exportar una película QuickTime de alta resolución de FCPX.

1. Seleccione el proyecto que desea exportar

Has trabajado incansablemente para completar tu edición, y ahora es el momento de exportar. Primero, abra la vista de la biblioteca de su proyecto con el acceso directo MANDO + 0. Luego, seleccione el proyecto que desea exportar.

2. Abra la ventana de exportación

Tienes algunas opciones aquí. Aquí hay tres de las formas más fáciles de comenzar su exportación.

La primera opción: usar el acceso directo MANDO + E para abrir la ventana Exportar. La segunda opción: elegir Archivo> Compartir> Archivo maestro (predeterminado) en la barra de menú.

El tercer enfoque, mi favorito personal, que se muestra a continuación, simplemente haga clic en el icono de exportación en la parte superior derecha del programa y elija su método de exportación. Para todas las opciones que acabamos de ver, seleccionaremos Archivo maestro.

3. Elija Configuración de exportación

En el cuadro de diálogo, puede elegir exportar usando su Configuraciones actuales o seleccione otro códec. Dado que nuestro proyecto y las imágenes se grabaron en ProRes 422, permaneceremos dentro de este códec.

Puede exportar hasta ProRes 4444 XQ si lo desea, pero el tamaño del archivo será grande. Si el tamaño del archivo es preocupante, entonces H.264 QuickTime de alta resolución es una opción sólida e integrada.

A continuación, elija qué desea que haga FCPX con el archivo después de la exportación. Aunque no estamos en Compresor hoy puedes poner el archivo en un Compresor por lotes donde puede codificarse en una variedad mucho más amplia de formatos y códecs (debe haber comprado e instalado Compressor para que esto funcione).

Si simplemente está buscando un video QuickTime de alta resolución, las opciones integradas en FCPX son perfectas.

4. Seleccione el destino del archivo

Para seleccionar el destino del archivo, haga clic en próximo y elija dónde desea guardar el archivo: escritorio, unidad externa, etc. Encuentre su destino, haga clic en Salvar, y que comience la exportación!

Una vez que se complete la exportación, aparecerá una ventana emergente. Hacer clic mostrar para ver su exportación. ¡Eres bueno para ir!


Una nota sobre el compresor

FCPX realmente ha abierto sus capacidades con opciones de codificación dentro del programa nativo. La mayoría de las soluciones a sus necesidades de códec de exportación están integradas.

Sin embargo, si sus necesidades de exportación son un poco más complejas (exportaciones por lotes, HDR, etc.), puede valer la pena invertir en una copia de Compresor para abrir esas habilidades. Compressor le ofrece más opciones para ajustar realmente su exportación y los códecs utilizados.


Consejos para aprender a editar en FCPX

Ahora que tiene una base para los conceptos básicos de exportación de su video, aprenda aún más trucos de edición en este tutorial de Shutterstock Tutorials. Ya sea que se trate de gradación de color, organización de línea de tiempo o simplemente funcionalidad básica, aprender más sobre el software que usa siempre es una decisión inteligente.


Exportar desde Premiere o Resolve

Recuerde, puede exportar archivos de alta calidad desde la mayoría de los NLE. Si estás trabajando en Estreno o Resolver, asegúrese de consultar nuestros otros artículos, y videos como el anterior, para obtener consejos sobre cómo exportar un archivo de alta resolución con esos programas.


Para obtener más acción de FCPX, asegúrese de consultar la extensa colección de PremiumBeat Consejos, trucos y técnicas de Final Cut Pro X, incluyendo varios diferentes caminos a exportar tu trabajo.

4 consejos para una mejor organización y convenciones de nomenclatura de archivos

Estás trabajando más conciertos que nunca, y tu computadora es un desastre. Aquí hay cuatro consejos para limpiarlo con las convenciones de nomenclatura de archivos correctas.

En una economía cada vez más orientada al concierto, muchos profesionales creativos finalmente lo hacen solos en busca de lo dulce, lo dulce autonomía.

El editor de video autónomo es libre de hacer las cosas a su manera. Son libres de administrar su propio tiempo e implementar sus propios procesos. También son libres de caer en un nuevo conjunto de malos hábitos que suman el tiempo y complican el proceso: “atajos” contraproducentes creados en el vacío del trabajo desde el hogar.

Editores autónomos, debes mantenerte organizado si quieres mantenerte productivo, especialmente cuando haces malabares con varios clientes independientes.

Entonces, que este sea su amable recordatorio de que las convenciones de nomenclatura de archivos todavía importar. Incluso cuando trabajas solo, inevitablemente estarás entregando algún tipo de material o entrega, y alguien en el otro extremo lo recibirá.

Si le entrega a alguien archivos etiquetados con tonterías crípticas, solo hará que su trabajo sea más difícil. No hagas su trabajo más difícil. Siga estas pautas simples para una mejor y más clara y más fácil organización y denominación de archivos.


1. Haz que tenga sentido

Al nombrar sus archivos, tenga sentido. Su nombre de archivo debe ser sensible e intuitivo, y cualquiera que lo lea debe ser capaz de averiguar qué es el elemento, para qué sirve el proyecto y en qué iteración podría ser el archivo. El nombre de un archivo debe descifrarse fácilmente, incluso si es largo. A continuación hay algunos ejemplos para comparar.

Un buen esquema de nombres es fácil de leer y brinda información esencial de un vistazo:

Esquema de nomenclatura

Aquí, todos los activos similares se agrupan en su carpeta apropiada, y los nombres de los archivos se leen y descifran fácilmente.

Esta carpeta de proyectos está organizada ordenadamente, agrupando como activos en carpetas claramente marcadas, y la convención de nomenclatura de los proyectos de Premiere Pro le dice todo lo que necesita saber: el nombre del cliente, la campaña en la que está trabajando, el elemento que ‘ re entregas y la iteración de su archivo de proyecto.

Mientras tanto, un mal esquema de nombres crea mucha confusión:

Malos esquemas de nombres

Aquí, los diferentes tipos de archivos se agrupan y los nombres de los archivos no tienen rima ni razón, creando un desastre confuso.

Este razonamiento también debe aplicarse a la forma en que organiza sus carpetas, especialmente si está entregando un paquete de elementos o un proyecto completo. Mantenga sus proyectos ordenados y anticipe que alguien más podría necesitar entrar en ese proyecto.


2. Mantente consistente

Un buen nombre de archivo

Un buen nombre de archivo le dirá a todos todo lo que necesitan saber sobre el archivo.

Cuando establezca un esquema de nomenclatura, manténgalo. Una buena regla general es comenzar con la información más amplia y terminar con la información granular. Por ejemplo, si desea que el nombre de un archivo de video transmita esta información:

  • nombre del cliente
  • Campaña
  • Entregable
  • Iteración

Entonces su archivo puede leer así: Sweet-Leaf-Thai_Grand-Opening-2020_Online-Promo_Ver01.mp4

Esto asegurará que sus archivos se organizarán perfectamente donde sea que terminen. Si cambia el orden establecido de proyecto a proyecto, puede crear un gran dolor de cabeza para cualquiera que toque esos archivos.

Estructurado congruentemente

En el ejemplo anterior, los nombres de los archivos están estructurados congruentemente y, por lo tanto, se organizan fácilmente.

Estructura de archivo inconsistente

Aquí, los nombres de los archivos tienen sentido, pero son inconsistentes y, por lo tanto, causan mucha desorganización.

Esta coherencia también ayudará a su propio flujo de trabajo, ya que muchas herramientas de automatización reconocerán esquemas de nombres sensuales de archivos (por ejemplo, al importar una secuencia de imágenes o volver a vincular medios fuera de línea). Además, recuerde tener esto en cuenta al nombrar carpetas en sus propios proyectos.

Una cosa más antes de pasar de las convenciones de nomenclatura de archivos:

Nunca lo llame “FINAL”

Nunca etiquete un producto final o un proyecto como “FINAL”, a menos que planee entregar algo etiquetado como “_FINAL-3_Ver2-1”. Se adhieren a las iteraciones numeradas. Los elementos finalizados probablemente tendrán su propia convención de nomenclatura para el lugar donde vivan, por lo que cualquier iteración que entregue simplemente reemplazará ese mismo archivo. No lo haga confuso para la persona que administra esa iteración final. Evite marcar cualquier cosa como final.


3. No deje un desastre de metadatos

Si está entregando recursos de video, no deje un desorden de marcadores etiquetados crípticamente. Exporte videos con metadatos mínimos o solo deje marcadores y notas si son útiles para el resto de su equipo o cliente. Ah, y mientras lo hace, no deje metadatos confidenciales en los entregables que pueden terminar flotando en Internet. Puede eliminar metadatos de un elemento al guardarlos o renderizarlos.

Cómo quitar metadatos en Premiere Pro

Botón de metadatos

En Premiere Pro, haga clic en el Metadatos botón en la parte inferior de la Configuración de exportación panel. Imagen de comida vía supatchai.

En Premiere Pro, puede eliminar metadatos dentro de Configuración de exportación panel. Solo presiona el Metadatos … botón en la parte inferior de su configuración (ver arriba). Esto abrirá el Exportación de metadatos panel.

Opciones de exportación

Luego, haga clic en el Opciones de exportación menú desplegable y seleccione Ninguna.

Dentro de Exportación de metadatos panel, ve al Opciones de exportación menú desplegable y seleccione Ninguna. Luego haga clic Okay en la parte inferior del panel y proceda a exportar su video como lo haría normalmente.

Cómo eliminar metadatos en Photoshop

En Photoshop, solo ve a tu Expediente menú desplegable y seleccione Exportar> Exportar como …

Exportar archivo

En Photoshop, vaya a Expediente menú y seleccione Exportar cómo….

Dentro de Exportar Como… panel, elija el formato de imagen que desea exportar, luego seleccione Ninguna debajo del campo marcado Metadatos.

Formato de exportación

Primero, seleccione el formato de imagen que desea exportar en Formato Menú desplegable. Luego, seleccione Ninguna listado bajo Metadatos y golpear Exportar.

Ahora, solo presiona el Exportar botón, salvar su imagen, y tendrá una imagen limpia y limpia de metadatos lista para usar.

Además, al crear activos que se publicarán o incrustarán en Internet, opte por guiones en lugar de guiones bajos, ya que funcionan mejor para SEO. Esto es particularmente cierto para imágenes y URL.


4. Obtener con el programa

Cuando trabaje con un equipo o un cliente bien organizado, consiga el programa. Cree y utilice archivos de proyecto con plantilla, comprenda qué información necesitarán saber sus colegas o clientes cuando se les entregue un artículo y se reúna periódicamente con su equipo para verificar si los procesos siguen funcionando bien para todos.

Puede que te guste hacer cosas tu pero si eres parte de un equipo más grande, alinear tus hábitos con el resto de tus colegas ahorrará mucho tiempo y esfuerzo a todos los que toquen el proyecto. Además, un poco de trabajo en equipo nunca hace daño a nadie.


Hola, editor de video. Creemos que te gustarán estos artículos:


Imagen de portada ViDI Studio.

Establecimiento y mantenimiento de una jerarquía en una película o video set

Es imposible ejecutar un conjunto como una organización plana. Aquí le explicamos por qué es importante la jerarquía y cómo puede usarla para su ventaja.

Al igual que en un barco de ejecución estrecha, para que una película o un set de video funcione sin problemas, debe tener una cadena de mando clara con la que todos se sientan cómodos y sigan.

Recuerdo mi primer día en un set de filmación real. No es una película producida por estudiantes, no una filmación de video corporativo de carrera y arma, sino un conjunto real, por libro para una película que tenía actores de renombre, un director reconocible y un equipo grande y experimentado que funcionaba como una máquina finamente ajustada. Toda persona sabía exactamente cuál era su papel en un momento dado y trabajó con una tenacidad que fue realmente impresionante.

Si bien fue una experiencia significativa, la mayor parte de mi tiempo la pasé en los sets de las producciones indie y de bricolaje más pequeñas que conforman la mayor parte de la industria del cine y el video, fuera de los principales mercados.

Una cadena de mando clara ayuda a todas las producciones.

Ya sea en el set o en el lugar, una cadena de comando clara es la clave para una producción fluida y segura. Imagen vía Charlie Sperring.

Con todo eso en mente, compartiré esto: si he aprendido una cosa a lo largo de los años, es que una cadena de mando clara, considerada y flexible es vital para el éxito final de un rodaje, independientemente de su escala.

Entonces, si recién está comenzando, o está buscando una manera de hacer que su tripulación funcione más apretada, esta es la jerarquía establecida ideal y cómo establecerla, mantenerla y ajustarla sobre la marcha.


La jerarquía óptima en el set

No soy un gran admirador del término “jerarquía”, ya que transmite una sensación de “más importante” y “menos importante”. Además, he visto personas caer en la trampa “Soy más alto en un gráfico, así que soy una mejor persona”, y es incómodo y contraproducente para todos los involucrados.

Por lo tanto, cuando echemos un vistazo al organigrama simple a continuación, trate de pensarlo menos como un “identificador de importancia” de arriba a abajo y más como un mapa de lado a lado que describe cómo funcionan todos los roles juntos: cada uno tan importante como el otro para hacer un trabajo.

Jerarquía del set de filmación

El diseño básico de la jerarquía en un plató de cine.

Este gráfico es bastante estándar, excepto que “estándar” no es realmente aplicable cuando se trata de establecer la jerarquía. Porque, si bien todos los sets de películas son similares, también son únicos en sus necesidades y configuraciones.

Una sesión comercial corporativa podría funcionar de manera diferente a una producción cinematográfica importante. Filmar un proyecto documental no es lo mismo que capturar un evento en vivo. Por lo tanto, tenga esto en cuenta a medida que profundizamos en los roles que conforman una jerarquía establecida.


Productores y Directores

Productores y Directores en Set

Los productores y directores toman la mayoría de las decisiones en el set. Imagen vía Studio 72.

Echemos un vistazo a los nombres que encontrará enumerados primero en un organigrama: los productores y directores. Estos son los roles que toman todas las decisiones importantes en el set.

Productores ejecutivos A menudo son los inversores financieros de una película. Tienen la aprobación final de todos los presupuestos, contratos y horarios. Productores son los encargados de seguir el plan de un proyecto. También están muy involucrados con la mayoría del trabajo de preproducción.

UNA director, por supuesto, es la persona con la visión que está uniendo todo. Comunican esta visión al resto del elenco y el equipo.

Por qué esto es importante: Todos hemos estado en proyectos donde parece que hay demasiados cocineros en la cocina. Si bien las opiniones múltiples pueden ser útiles, en última instancia, para llevar a cabo un proyecto de manera oportuna y profesional, todas las decisiones importantes deben venir de un punto específico.

Tener un líder definitivo en un proyecto, ya sea el director que ejerce la visión o un productor que comprende perfectamente el presupuesto y el calendario, puede ser muy útil para producir la mejor película o video posible.


Jefes de departamento

Director Instructor Camarógrafo

Los jefes de departamento son los siguientes en la tabla en lo que respecta a la toma de decisiones. Imagen vía FrameStockFootages.

Desde una perspectiva jerárquica, justo debajo de los productores y directores en el organigrama de una película, generalmente encontraremos nuestro jefes de departamento. En proyectos indie corporativos y de bricolaje mucho más pequeños, estos roles pueden no ser departamentos completos, sino solo individuos. Pero, en general, el concepto sigue siendo el mismo.

Después de reunirse con productores y directores, los jefes de departamento coordinarán y comunicarán planes y responsabilidades específicos con el resto del equipo. Si no hay equipo, entonces ellos son el equipo, y ellos se encargarán de las solicitudes de productores y directores.

Los jefes de departamento suelen ser los siguientes:

  • Director de fotografía
  • Cámara e iluminación (combinado con DP)
  • Empuñadura y Eléctrica
  • Sonido y audio
  • Diseño de producción
  • Armario, peinado y maquillaje
  • DIT y edición

Por qué esto es importante: Debido a que están administrando toda la operación, los productores y directores delegan los aspectos básicos de la producción diaria a los jefes de departamento, quienes mantienen las cosas en movimiento de manera eficiente y segura. Cuando surgen problemas, informan al productor o director.


Roles individuales y AP

Conjunto de producción de video

En producciones más grandes, los roles individuales caen bajo jefes de departamento particulares. Imagen vía FrameStockFootages.

Después de los jefes de departamento, tenemos el nivel compuesto por muchos roles individuales que componen un set de producción de películas o videos. Cuanto mayor es la producción, mayor es la tripulación y es más probable que estas personas puedan especializarse en lugar de usar múltiples sombreros.

Cada uno de estos roles individuales recaerá en un jefe de departamento y trabajará bajo su dirección. Sin enumerar todos los roles posibles del set de filmación, aquí hay algunos ejemplos básicos:

  • Director de casting
  • Subgerente
  • Supervisor guionista
  • Operador de cámara
  • Agarre clave
  • Agarre Dolly
  • Operador de microfono
  • Gerente de locación
  • Prop Master
  • Transpo Drivers
  • Supervisor de efectos visuales
  • Colorista
  • PAs

Por qué esto es importante: Tener roles individuales trabajando bajo los jefes de departamento, y bajo la visión general de productores y directores, puede ser la mejor forma, y ​​la más profesional, para que una producción funcione sin problemas, de principio a fin.

Todos conocen su papel, todos saben a quién informar y todos son igualmente responsables y responsables del éxito general de un proyecto.


Consejos para flexibilidad y ajustes

Equipo de producción

Para una calidad de producción uniforme, es necesaria una línea sólida de delegación. Imagen vía gnepphoto.

Entonces, con ese desglose general por niveles de los diferentes roles en una película o set de video, ahora tenemos una comprensión básica de cómo se ve la jerarquía en acción. Nuevamente, no todos los proyectos van a ser iguales y, la mayoría de las veces, te encontrarás en escenarios donde la gente tiene que usar múltiples sombreros y asumir múltiples roles.

La próxima vez que inicie un proyecto, intente este enfoque para la organización operativa. Haga que un productor o director se siente con los otros actores clave y diseñe un organigrama jerárquico. Siga los niveles anteriores y permita líneas sólidas de delegación y comunicación para manejar las diversas necesidades del proyecto. Con una cadena de mando clara en su lugar, es posible que todavía logre su producción más fluida.


Para obtener más información sobre la industria y consejos y trucos para la realización de películas, consulte estos recursos adicionales:


Imagen de portada a través de Peter Titmuss.

5 ingredientes secretos de deliciosamente interesantes videos de cocina de YouTube

Crea un video de cocina para YouTube que sea perfecto para compartir. Estos 5 consejos y técnicas de producción lo ayudarán a preparar su contenido más sabroso hasta el momento.

Ya sea que seas un vlogger casual con gusto por el contenido gastronómico o un chef profesional con un ajetreo de video, saber cómo filmar Derecha La cobertura de sus demostraciones de cocina es una forma segura de hacer que los espectadores regresen por más.

Hay mucho que hacer para hacer videos interesantes de cocina; componentes como la iluminación, la velocidad de fotogramas, el color y más tienen que combinarse perfectamente para crear un producto final atractivo y fácil de seguir.

Con eso en mente, hemos preparado una receta de contenido de cocina que presenta nuestras técnicas favoritas en el set y la postproducción. Combine los ingredientes en su video, agregue una pizca saludable de personalidad y sal al gusto. ¡Buen provecho!

Mire el video de arriba para conocer cómo algunas de las estrellas culinarias más grandes de YouTube producen sus clips, y luego explore las técnicas a su propio ritmo en la transcripción a continuación.


1. Toma de primer plano medio o mediano

Tiro medio o medio en primer plano

En este ángulo, la preparación de alimentos se dispara desde la perspectiva en la que generalmente comemos.

Sé de buen gusto, pero no demasiado artístico. Me parece que las tomas de comida se ven mejor desde un ángulo identificable, como un primer plano mediano o medio. Si lo tiene, pruebe con una lente de 35 mm o una lente de 50 mm. Esto debería darle esa presentación limpia y mediana que a menudo asocia con los videos de cocina.

Esta “estética media” imita la perspectiva de cómo vemos la comida mientras la comemos. Con algo más cercano o más amplio, corre el riesgo de que la comida pierda su atractivo.


2. Gran luz difusa

Luz difusa grande

El uso de una luz grande y suave asegura que la comida con la que está demostrando no se pierda en las sombras.

Cuando se trata de encender su plato, debe asegurarse de que sus detalles clave se muestren y no se oculten en una sombra dramática. Para este ejemplo, filmamos nuestra preparación durante el día y usamos una luz grande y suave, como la Aputure 120, con una luz de difusión del domo como nuestra clave. Luego sazonamos el resto de las configuraciones con un derrame de luz natural.

Ahora, obviamente, no necesitas un Aputure 120. Cualquiera que sea tu iluminación, solo asegúrate de tener una escena agradable y uniformemente difusa, ya que no estás tratando de hacer que se vea como Blade Runner 2049.


3. Mantenga su grado de color directo

A pesar de lo elegante que probablemente quieras obtener con tu secuencia de comida cinematográfica, es mejor que lo juegues de forma natural. Al colorear tus fotos de comida, hazlo simple. Me parece que un simple ajuste de balance de blancos y una curva S combinada con un LUT mínimo (natural) funciona deliciosamente. A continuación hay un par de paquetes LUT gratuitos que puede descargar para probar su metraje. Algunos son un poco feroces, por lo que podría considerar reducir la intensidad.


4. 24 o 120 FPS?

Cuando filmo cualquier cosa relacionada con la comida sobre la marcha, reboto mi velocidad de fotogramas entre 23.976 fps a 120 fps. Creo que la diversidad de velocidad de fotogramas es vital para mantener los videos interesantes, y uno no es mejor que el otro.

La regla de oro a seguir es esta: si se mueve rápido, filme a cámara lenta y, si se mueve lento, dispare a velocidad normal. Cuando comiences a unir todo en tu edición, es probable que los cambios en el ritmo te ayuden a evitar que tu video se vuelva obsoleto.


5. Captura cada paso

Captura cada paso

Asegúrese de capturar cada paso del proceso de cocción, o la historia, que está tratando de contar.

Su video de cocina tiene que ser una historia coherente que guíe a su audiencia de un ingrediente a otro. El mejor consejo que puedo dar es crear una lista de tomas y trabajar metódicamente, asegurándote de que tomas y marcas cada toma.

Realmente, esta es la mejor práctica para cualquier tipo de sesión de video. Con el contenido de cocina específicamente, una lista de tomas puede ayudarlo a evitar comentarios que afirman que no explicó cada paso de su demostración culinaria.


Manténgase enfocado en sus sueños de YouTube con estos útiles recursos:

Los 5 tipos de clientes de video corporativos con los que trabajará más

Analicemos los cinco clientes más comunes en la producción de videos corporativos y explore cómo puede prepararse para sus necesidades en el set y en la postproducción.

Formar relaciones productivas con los clientes es uno de mis aspectos favoritos de trabajar en la producción de videos corporativos. Porque, si bien una gran cantidad de trabajo corporativo puede ser bastante sencillo y, sí, incluso aburrido, las relaciones sólidas con los clientes pueden hacer que los proyectos sean más emocionantes y satisfactorios.

Al invertir en sus clientes, es más fácil convertirlos en socios (e incluso amigos) con los que puede trabajar como si estuviera en el mismo equipo. De hecho, diría que cualquier persona interesada en la producción de videos corporativos debería tener como objetivo serio llegar a esta mentalidad de “mismo equipo” con sus clientes. Después de todo, el mejor cliente, como dicen, es el que sigue volviendo a usted.

Echemos un vistazo a cinco clientes prototípicos que he encontrado durante mi viaje de video corporativo. Exploraremos las mejores formas de encontrarlos, cómo satisfacer sus necesidades y cómo convertirlos en socios de toda la vida.


1. Producciones únicas

Producciones únicas

Trate cada trabajo con profesionalismo, sin importar el salario. Imagen vía Rad K.

Cuando comienzas por primera vez en cine y video, muchas solicitudes de clientes son para conciertos únicos y de un solo rol. Estos son sus conciertos estándar “necesitamos un camarógrafo durante dos horas en este lugar”. O, “necesitamos que alguien corte un video del metraje que grabamos hace un año”.

Estos clientes se pueden encontrar en todas sus bolsas de trabajo, foros específicos de la industria o incluso en recomendaciones de boca en boca. Tome estos proyectos cuando pueda, pero siempre presione para convertirlos en roles más grandes en el futuro.

Estos proyectos únicos suelen ser los menos lucrativos; los clientes saben lo que están buscando, por lo que eliminan los niveles de producción para simplemente pagar por hora. Dicho esto, al final del día, esto probablemente significa que estos clientes están haciendo más trabajo del que preferirían.

Mi consejo es presentarse, hacer un gran trabajo, ser positivo e intentar hablar con la parte interesada de más alto nivel que pueda encontrar. A partir de ahí, ofrezca sugerencias sobre cómo puede optimizar todo el proyecto, ya sea solo o con su propio equipo. Si son receptivos, eventualmente puede convertir un concierto único y de rol único en un cliente más consistente como los que se describen a continuación.


2. Evento y transmisiones en vivo

Si está en producción de video corporativo, entonces está trabajando en eventos corporativos, conferencias y simposios. Sí, estos son, con mucho, el más aburrido, y a menudo el más desafiante desde el punto de vista logístico, de los proyectos de video que se le puede pedir que produzca. También pueden ser los más consistentes y lucrativos.

Cada negocio, grande o pequeño, va a tener reuniones. Tendrán días de desarrollo profesional. Tendrán conferencias para interactuar con sus propios clientes potenciales. Si está en contacto con una empresa que está buscando videos para sus eventos, o al menos está considerando la opción, en realidad hay mucho que puede ofrecer.

Mi consejo para este tipo de clientes es trabajar temprano y, a menudo, hacer que sus servicios de video sean una parte integral de sus eventos. Incluso hoy en día, muchas compañías no entienden exactamente de qué es capaz el video o qué tan amplia puede ser su cobertura.

Por ejemplo, si un cliente busca servicios de transmisión en vivo, puede ofrecer proyectos de video complementarios. Estos son algunos de mis complementos para ir:

  • Videos promocionales para ayudar a publicitar el evento
  • Un carrete chisporroteante de la compañía para mostrar al comienzo del evento
  • Cualquiera y toda la cobertura de transmisión en vivo que puedan necesitar
  • Un video de resumen que destaca el éxito del evento (y puede usarse para promocionar el próximo)

3. Comercializadores de redes sociales

Puede crear una lista sólida de clientes simplemente trabajando con empresas y agencias que están adoptando videos de redes sociales por sus esfuerzos de marketing.

Se ha informado que más del 78% de las personas miran videos en línea todas las semanas, y el 72% de los clientes prefieren aprender sobre productos o servicios a través de videos. (Consejo: ¡comparta estas estadísticas con sus clientes AHORA MISMO!)

Como tal, muchas de las oportunidades de video corporativo que encontrará en el futuro se centrarán específicamente en el contenido de video de las redes sociales.

Si realmente está enfocado en el futuro, le recomiendo que acepte este hecho, que se identifique como un profesional amigable con las redes sociales y se mantenga al día con las últimas plataformas, especificaciones y tendencias. Trabaje para encontrar e impresionar a los clientes creando contenido atractivo y llamativo para compartir en sus propios canales de redes sociales. Aquí hay algunos recursos excelentes para ayudarlo a comenzar:


4. Soporte de producción interno

He usado este “truco” varias veces, tanto como freelance como en representación de las compañías de producción de video con las que he trabajado. Si está buscando entrar con un gran cliente que hace mucho trabajo de video, intente que lo “contraten” como una extensión de sus recursos internos.

No es ningún secreto que las empresas de Fortune 500 crean mucho contenido de video. Sin embargo, la idea de que sus recursos internos incluyen suficiente gente, equipo y tiempo para manejar todas sus necesidades de video es ingenua.

Un punto de contacto sólido dentro del departamento de marketing o producción de una gran empresa puede convertirse rápidamente en su mejor cliente. Si haces un buen trabajo y les haces la vida más fácil, te llamarán cuando necesiten más ayuda.

Mi consejo para este enfoque es hacer contactos como locos. Conozca a las personas dentro de las grandes empresas con las que le gustaría trabajar. Solicite presentaciones, muestre sus habilidades y resalte los aspectos positivos de usar tu empresa como “soporte adicional” si surge alguna necesidad. Cuando llegue la primera llamada, golpéala fuerte y siempre permanece abierto y listo para ayudar.


5. Los socios creativos de marca

Los socios creativos de marca

Trabaja duro para comprender las necesidades de tus clientes y encontrar soluciones para ellos. Imagen vía H_Ko.

Este podría ser el mejor cliente de todos. Debe trabajar para asegurarse de que todos sus clientes anteriores lo vean a usted y a su empresa de esta manera. Al final del día, los clientes volverán a ti porque tienen necesidades de video, pero también porque les agradas, respetan tu trabajo y confían en ti para ofrecer un producto de calidad.

El objetivo es fomentar las relaciones de manera que sus clientes lo vean como un socio de pleno derecho en el crecimiento de la marca en lugar de alguien que simplemente brinda un servicio.

Trabaje duro, sea sincero, haga un esfuerzo real para comprender a sus clientes y encuentre soluciones. Si puede alcanzar este nivel de asociación con un cliente, puede aprovechar la relación para encontrar nuevos clientes y construir una compañía de producción de video verdaderamente exitosa.


Obtenga más consejos y trucos para trabajar en video corporativo:


Imagen de portada por Kzenon.

Equipo creativo detrás del canal de Youtube de Kevin James

El canal de YouTube de Kevin James es un ejemplo de cómo se pueden producir conceptos simples con un equipo pequeño y seguir siendo cinematográficos. Así es como lo hacen los hermanos Kinnane.

En el clima de producción actual, Kevin JamesEl canal de YouTube es un ejemplo de cómo se pueden ejecutar conceptos simples con un equipo pequeño y producir resultados verdaderamente cinematográficos. Esa ejecución es cortesía de los hermanos Kinnane, una “compañía de cine independiente fundada por 8 hermanos”.

Con el canal de James en sus manos, los Kinnane Brothers han aprovechado una oportunidad única para trabajar en estrecha colaboración con el talento de nivel Hollywood. Sin embargo, no tienen miedo de admitir que todavía se desplazan por YouTube para obtener tutoriales en pantalla verde y consejos de bricolaje, al igual que el resto de nosotros.

Si no has tenido la oportunidad de ver el resurgimiento de la comedia de YouTube de Kevin James, hazte un favor y mira algunos clips – no te preocupes, esta entrevista seguirá aquí después de que hayas agrupado todos los episodios de “Sound Guy”.

El equipo de Kinnane Brothers

La familia Kinnane Brothers trabaja en conjunto para crear el canal único de YouTube de Kevin James. Imagen vía Hermanos Kinnane.

Recientemente pude conversar con Brendan y Charles Kinnane, dos de las ocho mentes detrás de los cortometrajes en el canal de Kevin James. Me dieron una idea de su proceso creativo, cómo comenzaron a trabajar con Kevin James y por qué YouTube realmente es la mejor fuente de tutoriales de filmación.

PremiumBeat: ¿Podrían presentarse y darnos un poco de información sobre lo que hacen dentro de Kinnane Brothers?

Brendan Kinnane: Soy el supervisor musical de los Kinnane Brothers.

Charles Kinnane: Soy el director de las películas de la compañía, ¿y qué dirías?

BK: ¿Líder sin miedo?

CK: Sí, líder intrépido, pero estos tipos realmente son el talento creativo en todo el asunto.

PB: ¿Podría explicar el nombre Kinnane Brothers? ¿Todos ustedes son en realidad hermanos?

CK: Siete de nosotros estamos relacionados con la sangre y uno es cuñado, Jeff. Jeff y yo fuimos contratados para hacer un cortometraje, pero no teníamos equipo. Tenemos esta idea de contratar a nuestros hermanos menores. Sé que hay un viejo dicho: “¿Te imaginas si pudieras duplicarte para hacer el trabajo?” Esto fue como duplicarnos, pero con personas que eran más creativas y talentosas. Todo se unió hace cuatro años. Estaban haciendo cosas por diversión, y los llevamos a hacer una producción. Teníamos un equipo incorporado, de inmediato.

PB: ¿Cómo te pondrás en contacto y comenzarás a trabajar con Kevin James en su canal de YouTube?

CK: Kevin había visto una serie de cortometrajes que hicimos juntos. A través de un amigo mutuo, se acercó y quiso conocernos. Tuvo la idea de hacer cortometrajes en YouTube. Quería hacer algo diferente. Él dijo: “No soy realmente el tipo detrás de escena, donde tienes a alguien que te sigue con una cámara. Quiero hacer cortometrajes de comedia cinematográfica “. Todos los muchachos aprovecharon esa oportunidad y dijeron que nos encantaría hacerlo.

PB: ¿Cómo funciona el proceso de presentación y la escritura? ¿Presentarán ideas? ¿Kevin James viene a ti con algo y tú lo preparas?

CK: Le presentaremos muchas ideas y él responderá a algunas y luego iremos por ese camino. “Sound Guy” era algo que ni siquiera pensábamos que quisiera hacer. Filmamos un borrador para mostrar [Kevin] cómo se vería. Vio el clip que le hicimos y pensó que era lo más divertido. Él dijo: “Hagámoslo, hagamos un montón de ellos”.

BK: Las ideas vienen de cualquier parte. [Kevin] ¿Hay de principio a fin? Él tiene todas estas grandes ideas. Él es el factor clave.

PB:The Sound Guy“La serie parece ser la más popular en el canal de Kevin. ¿Cómo surge cada uno de esos conceptos? ¿En qué se diferencian estas piezas de las más centradas en la narrativa?

BK: Nuestros hermanos hacen un gran trabajo al poder igualar la iluminación y poner [Kevin] ahí. La gente se relaciona con eso. Dicen: “Asombroso, he visto esta película”, en lugar de tener que experimentarla por primera vez.

Joker Sound Guy

Kevin James interpretando “The Sound Guy” en la escena del baño de la película bufón. Imagen vía Youtube.

PB: ¿Cómo recreaste la escena del baño de bufón?

BK: Quieres decir … él en el baño, ¿verdad? Eso fue solo en el estudio en el que estábamos. Tenía graffiti por todas partes.

CK: Ese fue un puesto real. Estaba en un verdadero baño. Estaba arriba en el estudio y los muchachos decían: “Podríamos un poco coincidir. Si tenemos la iluminación correcta.

BK: El baño era tan sucio como el auténtico.

PB: Mis sketches favoritos en el canal son los muy simples, “The Red Light”, “Misread Waves” y “CouchX”. La comedia a veces proviene de cuán cinematográfico y demasiado dramático es el video para un momento tan mundano. ¿Cómo abordas estos conceptos?

CK: Creo que todos nos sentimos atraídos por narraciones simples, incluso Kevin. Lo mejor de los cortometrajes en YouTube es que puedes tomar una idea simple y jugar con ella. Alguien rechazó la idea: ¿y si está frustrado por una luz roja?

Literalmente salimos, esa noche, y le disparamos. Es algo con lo que todos podrían identificarse. ¿Cómo podríamos dramatizar eso en exceso y extraer la tensión? Es realmente una comedia con la que todos podrían identificarse. También tratamos de hacer todo lo posible sin diálogo, como sea posible. Lo hacemos todo visual, con acción.

BK: Casi lo hace más fácil, no hay diálogo. No estás repitiendo las mismas líneas una y otra vez para cada disparo.

CK: Una de las cosas para nosotros, como cineastas, [Kevin] Es un actor increíble. Lo que puede hacer con su rostro y expresiones es tan profundo. Qué oportunidad tenemos para mostrar su rango en estos cortometrajes.

Mal leer las olas

“Mal leer olas” aborda las secuelas de la comedia de un malentendido en la comunicación. Imagen vía Youtube.

PB: Desde el punto de vista cinematográfico, todos estos cortos son filmados, editados y diseñados como un cortometraje. ¿De dónde surgió la idea de que cada corto debería ser cinematográfico?

CK: Cuando nos encargó la construcción de su canal, fue aterrador. Sabíamos que los “desafíos de YouTube” funcionan, o las bromas funcionan bien en YouTube. Kevin dijo: “No quiero hacer nada así. Eso es lo que todos los demás están haciendo. Solo quiero hacer lo que queremos hacer. Si la gente responde, genial. Si no lo hacen, hicimos lo que queríamos hacer “.

Todos estuvimos de acuerdo con él. Preferiríamos hacer cortometrajes que videos de estilo blog. Nos dio la libertad. Puede ser un fracaso masivo, pero Kevin nos dio la oportunidad de hacer lo que queremos. Vamos a divertirnos y reírnos. Hace algunas cosas que queremos hacer y nos hace reír.

PB: ¿Siempre fue la idea de mantener los sketches cortos, simples, pocos lugares y actores mínimos involucrados? ¿Por qué elegiste ir por esa ruta?

CK: Eso salió de la cuarentena, sinceramente. El canal se lanzó justo antes de que las cosas comenzaran a bloquearse. No podríamos usar ningún otro actor realmente. Tal vez a medida que las cosas se abren, podemos tener piezas más grandes.

BK: Nos obligó a proponer ideas que solo estaban en un área. Puede ser un reto. No tienes la libertad de ir a la ciudad y disparar.

CK: Brendan es en realidad el corredor en el video “Fuera de contacto”, donde se dan la mano.

PB: Entonces, ¿muchos de los actores adicionales son solo tú y el resto del equipo?

CK: Sí exactamente. El objetivo es obtener a todos los hermanos en uno de los videos.

Fuera de contacto

Brendan Kinnane haciendo doble trabajo como actor en “Out Of Touch”. Imagen vía Youtube.

PB: ¿Cuáles son las ventajas y desventajas de trabajar en este entorno de cuarentena?

CK: Los contras son limitados. Realmente no podías ir a ningún lado. Simplemente filme cosas en lugares que teníamos cerca, en parques o lugares donde no se cerraría. Una de las cosas que nos beneficiaron, es que estábamos todos juntos, todo el tiempo. Funcionó a nuestro favor que todos somos familia en el equipo de producción. Nuestra cuarentena fue básicamente todos los hermanos y Kevin James. Fue un poco diferente al resto del mundo en cuarentena, pero tuvimos suerte.

PB: Sus videos son un ejemplo de cómo los conceptos simples aún se pueden hacer bien, con un equipo pequeño y buenas técnicas de narración. ¿Cómo se ve un equipo típico para cada parodia, y ha tenido que adaptar algo a la situación actual de pandemia?

CK: Hemos tenido grandes cineastas que nos dicen esto, y usted pone los ojos en blanco: “Ve a grabarlo en un iPhone”. Y decimos: “Es fácil para ti decirlo”. Pero, es realmente cierto. Realmente puedes hacer mucho con un poco.

La obra de teatro “A Star is Born” se filmó en una cafetería con un par de luces de DJ, una cortina de humo para DJ de Guitar Center y una silla giratoria para hacer la toma de efectos especiales. Nos sentamos a Kevin en una silla y él se volvió lentamente. John, el más joven, el gurú de After Effects, lo comparó con Lady GagaLos movimientos Eso es solo cosas que aprendió en YouTube, no cosas por las que fue a la escuela. Es una locura: puedes grabar cosas en un iPhone que sea cinematográfico y usar luces de DJ.

Los chicos más jóvenes del grupo están decididos a hacer las cosas bien y hacerlo perfecto, en lugar de conformarse con lo que es lo suficientemente bueno. Tienes que usar las herramientas limitadas que tienes para que se vea genial. Todos hemos visto películas que tienen un presupuesto de $ 100 millones, pero se ven terribles. Se necesita una atención al detalle y el uso de recursos muy limitados para que la toma se vea genial.

PB: El diseño de sonido a menudo se pasa por alto, especialmente con los cineastas más nuevos. Muchos de los sketches usan audio como parte clave de la pieza o narrativa. ¿Podrías hablar sobre su importancia y cómo usas el audio para contar historias?

CK: Se dice que el sonido y la música constituyen el cincuenta por ciento de una experiencia cinematográfica. Para nosotros, es aún más. Para una empresa pequeña, el diseño de sonido es incluso más del cincuenta por ciento. Pasamos mucho tiempo buscando música. Brendan pasa la mayor parte del día buscando música cuando no estamos filmando. Es genial tener a alguien totalmente dedicado a eso. Hacemos nuestro mejor esfuerzo con nuestras imágenes, pero solo agrega un nivel completo a la experiencia cuando la música aparece y el diseño de sonido presta atención a los detalles. Cuanto más bajo sea el presupuesto, más tendrá que poner en el diseño de sonido.

PB: He echado un vistazo a su feed de Instagram: está trabajando con talento real de Hollywood, pero aún utiliza muchas técnicas de filmación de bricolaje. Me encantó el contraste de un ALEXA emparejado con una plataforma de PVC casera. ¿Podrías compartir algunos de tus favoritos?

CK: Es un poco complicado que tengamos un ALEXA, pero está en una plataforma rodante de PVC. Oh, cuéntale sobre la máquina de lluvia.

BK: Oh sí, hicimos una máquina de lluvia. Eso fue algo más que aprendimos en línea. Fue como un video de YouTube. Utiliza un poco de PVC y algunos rociadores. Era como cuatro o cinco rociadores y ocho pies de largo. El costo total fue quizás $ 50.

CK: Sí, solo encuentras una manera. Estamos usando lo que tenemos. No es tan bueno como una verdadera carretilla, ya sabes, pero con un poco de Warp Stabilizer en Premiere, funciona. Como joven cineasta, puedes encontrar muchas excusas: no tengo esto, no tengo eso. Lo que YouTube nos ha mostrado es que puedes encontrar una manera de hacerlo. Si no tiene una máquina de lluvia, construya uno de cada cuatro rociadores. No hay excusa no para hacer cosas

Incorporando una pantalla verde

El consejo de los Kinnane Brothers cuando se usa una pantalla verde: asegúrese de que la iluminación sea correcta. Imagen vía Kinnane Brothers Instagram.

PB: Ustedes parecen muy cómodos usando la pantalla verde en sus proyectos. ¿Qué consejo le darías a los cineastas que pueden dudar un poco en incorporar la pantalla verde en su trabajo?

BK: Todo comenzó cuando decíamos: “¿no sería genial si pudiéramos filmar en esta ubicación?” Y mi hermano, John, dijo: “Bueno, ¿y si lo hacemos de pantalla verde?”

Ninguno de nosotros sabía cómo hacerlo correctamente. Fue mucho ver YouTube y tener momentos de “Ohhh, eso es como lo haces.” Lo más importante es combinar la iluminación. Una vez que tienes la iluminación, todo se ve como en casa.

Con “Ryan Gosling no me dará una prueba de sonido“, Tuvimos mucha suerte. Ese realmente fue filmado afuera, solo la luz del sol y el lugar perfecto, mientras que la mayoría de las parodias de “Sound Guy” se hacen adentro.

PB: ¿Qué sigue para ti y el canal?

CK: Esperamos que el canal siga creciendo y atraiga a un público que aprecie la realización de películas. Tenemos una serie de guiones que hemos escrito y esperamos producir. Y, después de los levantamientos de cuarentena, comenzaremos con una pequeña película independiente.

Nos encanta el proceso y toda la creatividad que existe. YouTube nos ha dado la oportunidad de hacer cosas en un nivel pequeño que se comparten con muchas personas. La comunidad es excelente y es divertido ser parte de ella y hacer películas.


Imagen de portada a través de Hermanos Kinnane.

Consejos de Jeremy Higham sobre cómo convertirse en un mejor entrevistador

Conviértase en un entrevistador más fuerte con valiosos consejos del cineasta Jeremy Higham.

Las entrevistas hábiles son un oficio bien perfeccionado. Jeremy Higham ha sido descrito como un experto en el tema. Él ha perfeccionado su técnica de entrevista en los últimos treinta y tres años, cortando los dientes en documentales antes de comenzar el suyo. compania de produccion. Recientemente me encontré con él para hablar sobre su experiencia.

Aquí hay algunos extractos de nuestro chat, junto con algunas de mis conclusiones.

Entrevista de Higham

Es esencial ganarse la confianza de la persona que está entrevistando escuchando y participando en sus respuestas. Imagen vía wearehighamco.

Lánzate al fondo

PremiumBeat: ¿Cuándo fue tu primera entrevista?

Jeremy Higham: Uno de los primeros que recuerdo fue cuando tenía veintitrés años. Estaba muy fuera de mi alcance, entrevistando al jefe del servicio de salud en Belfast. Me sentí increíblemente nervioso, pero de todos modos me tiré. Estaba realmente interesado en mis preguntas, lo que me sorprendió.

Para llevar: Al igual que con muchas actividades, para desarrollar sus habilidades como entrevistador, a menudo tiene que arrojarse al fondo. Incluso los grandes se sintieron incómodos cuando comenzaron.

Adopta un enfoque gentil y amable

PB: ¿Cómo has progresado como entrevistador?

J H: En los primeros días de mi carrera, en realidad era bastante manipulador en mi estilo de preguntas. La compañía de televisión para la que trabajaba nos presionó para que ofreciéramos contenido sólido. Estaba absolutamente convencido, en aquel entonces, de que necesitaba manipular ligeramente al entrevistado para obtener un buen material de ellos. He emprendido un viaje para descubrir que en realidad dulzura es la llave. Ser amable con alguien es lo que les permite abrirse. Si trata bien a la persona con la que está hablando, obtendrá lo que necesita para su video, sin comprometer su integridad.

Cuando tenía 35 años, tuve un despertar espiritual muy intenso, que me dio una perspectiva completamente nueva sobre la naturaleza humana. Esto revolucionó por completo la forma en que vi a los que entrevisté. Mi éxito proviene de adoptar un nuevo sistema de creencias y un sentido de identidad. Creo que cada ser humano frente a mí es absolutamente único. Han experimentado dificultades que yo no he visto y pueden ver aspectos de la vida que yo no puedo ver. ¡Eso me fascina, por eso la gente se abre a mí!

Para llevar: Es importante no sentirse tentado a presionar con el sujeto de la entrevista. Incluso si aplica la presión obtiene las respuestas que busca, puede dañar su reputación. También, para citar a Jeremy, “perjudica a la humanidad”. Además, vale la pena reflexionar sobre sus valores fundamentales y su sistema de creencias, ya que esto afectará profundamente la forma en que se conecta con las personas que está filmando. No puedes simplemente reunir fantásticas habilidades de entrevista si, en un nivel profundo, no te importan realmente las personas.

Preste verdadera atención, adapte en consecuencia

Concéntrese en las respuestas de su sujeto.

Centrarse en la respuesta de su sujeto puede fortalecer su próxima pregunta. Imagen vía IxMaster.

PB: ¿Hay algún error clásico que hayas visto cometer en esta área?

J H: Recuerdo que me entrevistaron por radio sobre un documental que había hecho. Este conocido entrevistador con el que estaba hablando cometió un error en un libro de texto. Al final de cada respuesta, no basó su próxima pregunta en lo que acababa de decir, ni siquiera parecía estar escuchando. Parecía más concentrada en responder las preguntas que alguien más le había hecho. En tres o cuatro minutos, mi confianza para hablar se había agotado severamente. Centrarse completamente en las respuestas del entrevistado es una parte tan vital del proceso.

Para llevar: Siempre preste mucha atención a lo que se dice y adapte sus preguntas en respuesta a las respuestas anteriores. Si parece desinteresado, no capturará el contenido de alta calidad que está buscando.

Retire la red de seguridad para crear autenticidad emocionante

PB: ¿Preparas preguntas antes de un rodaje?

J H: Nunca llevo preguntas preparadas conmigo. Ni siquiera permito que los entrevistados tomen notas. Hasta que elimine la red de seguridad que proviene de esto, nunca emocionará a la audiencia. Responder sin notas es vulnerable y la audiencia se muere por ver esa vulnerabilidad. Para mí, la autenticidad lo es todo. Quiero salir con una nueva comprensión, que no haré si estoy leyendo preguntas de una lista.

Para llevar: Esta sugerencia es desafiante. Todos tememos ese silencio incómodo que ocurre cuando las personas intentan encontrar respuestas y preguntas en el acto. Si te sientes valiente, intenta no tomar notas en busca de contenido más auténtico. Si aún no está allí, podría memorizar algunas preguntas de seguridad y, al mismo tiempo, permitir que la mayor parte de la entrevista se realice sin previo aviso.

Cultivar un ambiente relajado

PB: ¿Cómo ayudas a las personas a relajarse cuando chateas con ellas frente a la cámara?

J H: Creo que las personas están tensas porque piensan que las vas a tratar de cierta manera. Intento no ser demasiado profesional con ellos. Cuando fumaba, me iluminaba al comienzo de una entrevista. Como resultado, cualquier fachada profesional se disipó, permitiéndonos tener una conversación mucho más relajada.

Para llevar: Siempre es útil estar consciente de la atmósfera que está creando al entrevistar. Piensa en tu postura y lenguaje corporal. No pueden relajarse si estás tenso. Piensa en el set. ¿Son cómodas las sillas? ¿Hay una mesa pequeña cerca donde el sujeto pueda colocar un vaso de agua? ¿Cómo está la iluminación? ¿Cómo está la temperatura? Todas estas variables son suyas para controlar.

No te detengas hasta que todo esté dicho

PB: ¿Tienes alguna otra sabiduría que puedas compartir sobre este tema?

J H: He apodado una de mis técnicas favoritas “eructar al bebé”. Cuando eructas a un bebé, los últimos eructos son los más difíciles de eliminar. Pero, si el bebé no los saca, se sentirán insatisfechos.

De manera similar, muy a menudo un entrevistado tiene algo fascinante de lo que le gustaría hablar que podría no decirse si no se le solicita. Con calma voy a decir: “Vamos a apagar la cámara pronto. ¿Hay algo que, si no hablas de eso ahora, luego te arrepentirás? Detengámonos un momento “.

Ese momento se convierte en una pausa embarazada. Si dicen que no tienen nada más que agregar, les animo a que se detengan por un segundo. Con demasiada frecuencia, luego pican con algo absolutamente convincente.

Para llevar: No caigas en la tentación de terminar demasiado rápido. Ser paciente definitivamente vale la pena en este contexto. Prueba esta técnica, los resultados probablemente te sorprenderán.


Aquí hay algunos recursos más útiles que exploran los entresijos de las entrevistas:


Imagen de portada cortesía de Instagram de Jeremy Higham a través de wearehighamco.

¿Hemos alcanzado el umbral de calidad de video para cámaras de menos de $ 3000?

Ya tenemos acceso a metraje económico de calidad cinematográfica desde una gama de cámaras sin espejo. Entonces, ¿qué sigue para este mercado?

Hace unas semanas, compañero escritor de PremiumBeat Logan Baker, me preguntó: “¿Qué piensas sobre la Z-cam?” Estaba escribiendo una pieza enfrentándose al Z-Cam E2 contra el BMPCC4K. Mi respuesta: “Hombre, no sé nada de esa cámara”.

Esa respuesta no fue del todo excelente para alguien que principalmente se gana la vida entendiendo, hablando y utilizando la tecnología de la cámara. Hace unos años, felizmente me alegraba la idea de tener el conocimiento adecuado en toda la gama de cámaras sin espejo. De Panasonic a Sony, podría decirle las especificaciones principales, además de los pros y los contras de cada cámara.

Sin embargo, después de la presentación de la Blackmagic Pocket Cinema Camera 4K, me retiré un poco para interesarme por la tecnología Fuji y Blackmagic. Esto no es porque me haya aburrido o cansado con la tecnología de la cámara o la industria en sí, sino porque estoy contento con lo que tengo en mis manos.

Pocket 6K Still

Esta imagen de video fue tomada con una BMPCC6K.

Arriba hay un fotograma de mi Pocket 6K corto / video de revisión. Estoy contento con esta imagen, y estoy contento con la cámara que la capturó. Entonces, a menos que exista la posibilidad de filmar en una película, o con algo que contenga un rango más dinámico, como el ALEXA Mini LF, no necesito nada más para mis proyectos de pasión en solitario.

Esta parece ser una perspectiva común en las comunidades cinematográficas de las que formo parte. Como tal, surge la pregunta: ¿Hemos alcanzado el umbral de calidad de imagen de video para el mercado de menos de $ 3000?

(Tenga en cuenta que este artículo se basa en cámaras como herramientas de filmación, a diferencia de las imágenes fijas o las cámaras para flagelar vlogging).


Escena retrospectiva

Este cortometraje, compuesto por actores que esperan su señal de acción, fue tomado de varios proyectos de filmación 5D MK II.

Como soy un producto de la era 5D MK II, cada año después del lanzamiento de esa DSLR que cambió el juego se llenó de emoción y curiosidad al adivinar cuál era la cámara más nueva y qué podía hacer.

Para los consumidores, la DSLR de fotograma completo, con sus impresionantes funciones de video (en ese momento), creó la oportunidad de crear contenido de mayor calidad. Para los fabricantes, marcó el comienzo de una nueva era de DSLR de calidad cinematográfica de bajo costo / alto rendimiento.

Año tras año, vimos a los fabricantes mejorar la base de video (establecida principalmente por Canon) y ofrecer algo mejor, a menudo con una nueva característica que falta en el 5D MK II. Con poca frecuencia, veíamos entrar a un competidor completamente nuevo, como la Blackmagic Pocket Cinema Camera original o la Digital Bolex de corta duración.

Entonces, justo cuando pensábamos que el ámbito de la tecnología no podía ser empujado más allá, Canon revitalizó el juego con video 4K en la Canon EOS-1D C compacta pero costosa, que allanó el camino para las DSLR menos costosas para albergar 4K

Luego avanzamos rápidamente a 2018, cuando Blackmagic sacudió nuevamente a la industria con la Pocket Cinema Camera 4K, que ofrecía 4K RAW de 12 bits y 13 paradas de rango dinámico a un precio comparable a las cámaras sin espejo de rango medio.

Sin embargo, desde 2018, se podría argumentar que la fanfarria en torno a los nuevos lanzamientos ha disminuido un poco. No es porque los usuarios no estén entusiasmados. Y no es porque los fabricantes hayan dejado de empujar los límites de la tecnología: vea la 8K EOS R5 de Canon y la 12K URSA Mini Pro de Blackmagic.

Si la fanfarria en torno a los nuevos lanzamientos se ha marchitado, tal vez sea simplemente porque ya obtuvimos lo que siempre quisimos: material de bajo costo, económico y con calidad de cine. Hemos llegado a un punto en el que se utilizó la Sony A7S II, una cámara que puede comprar en B&H por menos de $ 2000, para filmar una película.

Antes de 2008, no estábamos muy seguros de lo que queríamos en una DSLR de video compacta porque, bueno, ese tipo de calidad no era lo suficientemente frecuente como para pensar qué podría venir después. Sin embargo, al proceder con esa cámara, se convirtió en una lista de características deseadas. Una lista de deseos de 2013 se vería así:

  • La capacidad de disparar a más de 30 fps a 1080
  • Espacio de color de 10 bits
  • 11, quizás 12, paradas de rango dinámico
  • 2K, tal vez resolución 4K
Cámaras de cine vintage

La tecnología de la cámara continúa construyendo sobre el pasado. Imagen vía Sergey Tinyakov.

En 2020, esas características son básicas en el 99% de las cámaras sin espejo de bajo presupuesto que filman videos. Creo apasionadamente que ahora estamos en la etapa en la que ya no puedes decir “es la cámara” por qué tu cortometraje de bajo presupuesto no se ve bien. Cuando tenga películas filmadas en cámaras sin espejo de $ 2000 que puede comprar en Amazon, creo que la culpa es de otro lado.


La meseta de rango dinámico

Chip de sensor de cámara digital

Primer plano de un chip de sensor de foto de cámara digital. Imagen vía Szasz-Fabian Jozsef.

Quizás estés pensando: “Lewis, ¿de qué estás hablando? Cada año se lanza una nueva cámara con funciones mejoradas “. Y sí, estarías en lo correcto.

Con cada nueva incorporación al mundo sin espejo, vemos una serie de nuevas características. Más puntos AF, detección automática de rostro y ojos, menor rendimiento de luz, ISO dual y mejor estabilización en la cámara. Ahora que la resolución 4K se ha convertido en la norma, incluso ha llegado a los dispositivos móviles. Y, por supuesto, vemos que los cuerpos de las cámaras se vuelven más robustos y mejor sellados contra el clima con cada iteración.

Pero, en su mayor parte, no estamos viendo un aumento dramático en la calidad de imagen de video que iguala la forma en que la tecnología de la cámara está mejorando.

Es un argumento justo decir que, en todas las marcas, la ciencia del color se ha mantenido prácticamente intacta y, lo más importante, que nos hemos estancado con el aumento en el rango dinámico. Esos dos elementos son técnicamente lo que hace que una imagen de video se vea cinemática, o no.

NoFilmSchool publicó un excelente artículo sobre lo que define una imagen cinematográfica. El artículo está lleno de citas de cinematógrafos y jefes de fabricantes de cámaras. En él, Marc Shipman-Mueller, Gerente de Producto para Sistemas de Cámara ARRI, afirma:

Una cámara de cine debe capturar la mejor calidad de imagen general posible. La calidad de imagen se compone de muchos parámetros, algunos más importantes que otros. Posiblemente, el parámetro más importante es el rango dinámico. Un amplio rango dinámico permite al cinematógrafo una gran libertad en la postproducción y hace que las imágenes sean utilizables para pantallas modernas de alto rango dinámico (HDR). El siguiente parámetro importante sería una buena ciencia del color (que incluye una amplia gama de colores), que afecta la representación de los colores, y específicamente los tonos de piel. Luego viene suficiente sensibilidad (EI), resolución suficiente, profundidad de bits y otros.

El 5D MK II tenía diez paradas de rango dinámico en modo de video. Y, para cada año después de eso, comenzamos a ver ligeros incrementos hasta que recientemente nos estabilizamos alrededor de 12-14 paradas, dependiendo de qué extremo del espectro de $ 2000- $ 3000 le pusieron un precio a la cámara.

Matthew Allard, ACS de Newsshooter, publicó un artículo titulado “¿Es probable que veamos una gran desaceleración de la cámara?“En este artículo, menciona la siguiente información importante sobre la alineación de ARRI:

Todavía se cree que el sensor ARRI ALEXA es el punto de referencia de la industria, ¡y eso se introdujo hace nueve años! ARRI todavía usa una variante de ese mismo sensor en ALEXA LF, ALEXA Mini LF y ARRI ALEXA 65. Si ARRI no ha podido mejorar ese sensor en nueve años, ciertamente parece sugerir que tal vez hayamos alcanzado Un poco de una meseta.

Con esa información, puede esperar que los usuarios de cámaras de menos de $ 3000 se queden atrapados dentro del soporte de 11-14 paradas durante bastante tiempo.


¿Que sigue?

En última instancia, siempre habrá margen de mejora para cualquier unidad, en cualquier marca de cámara: duración de la batería, rendimiento con poca luz, IBIS y quizás ahora la ascensión a 6K.

Pero, muchas veces, estos perjuicios a menudo no son a costa de la calidad de la imagen. En todo caso, en los próximos cinco años, es posible que veamos nuevos fabricantes entrar en el redil y fusionar las características deseadas en una nueva unidad, lo que provoca una sacudida de la industria. Sin embargo, en base a mejoras incrementales en los últimos años, es posible que finalmente hayamos encontrado el umbral para la calidad de imagen bajo el precio de $ 3000.


¿Quieres más contenido relacionado con la cámara? Bueno, es tu día de suerte:


Imagen de portada a través de Triff.

Consejo profesional para comenzar como productor de cine y televisión

Obtenga una visión interna de la vida cotidiana de un productor que trabaja en la producción de películas, televisión y video. Y cómo puedes cumplir ese papel.

En el corazón de cada proyecto profesional de cine, televisión o video, encontrará un productor (o productores) trabajando diligentemente para asegurarse de que todo suceda de acuerdo con el plan.

Hay mucha información a la deriva a través del verso de contenido que cubre lo que hace un productor. Pero, si se está preguntando cómo avanzar realmente en el papel, vale la pena recurrir a los expertos para obtener asesoramiento en forma de entrevistas, podcasts y mesas redondas.

Este enfoque ofrece una manera fácil de conocer a sus profesionales favoritos (y su trabajo) más íntimamente, y escuchar los detalles paso a paso de cómo irrumpieron en la industria.

Entonces, si aspiras a una carrera similar a la de Jerry Bruckheimer, J.J. Abramsy Kathleen Kennedy, o tal vez solo está buscando consejos para producir sus proyectos de manera más profesional, profundice en el siguiente contenido, con las ideas de algunos de los mejores productores que trabajan en cine y televisión.


Aprende el negocio de ser un productor

Hay una razón por la que lo llamamos show business y no show-show … si solo quieres salir y hacer una obra de arte para ti y tienes el dinero para gastar, adelante. Pero eso no significa que va a ser parte de la industria del entretenimiento, eso no significa que va a ser parte del negocio del cine. Es una mercancía además de arte … y la gente se sacrifica uno por el otro.

Esta entrevista con Mark Heidelberger es oro Desglosa lo que realmente es ser un productor experimentado en Hollywood, con una visión integral de cómo comenzar y cómo comprender realmente que, en la industria del cine, la producción es en última instancia un papel comercial.


Confíe en sus departamentos y libere la mente del director

Pasar de una posición a otra en un plató de cine puede ser bastante difícil. Cuando dirigí mi cortometraje, me encontré a menudo preocupándome por cosas de producción que no deberían haber estado en mi mente. Realmente tienes que confiar en el equipo que has creado. Cuando produzco, trato de permitir a cada departamento el espacio para hacer su mejor trabajo. Quiero que el director esté preocupado por lo que está pasando en la pantalla, no por nada más.

Con películas notables como No son cuerpos santos, Color aguas arriba, y Una historia de fantasmas En su currículum, Toby Halbrooks es uno de los mejores productores del negocio.

En una entrevista encontrada aquí mismo en PremiumBeat, Halbrooks ofrece una perspectiva sobre el papel de un productor que está enraizado en su tiempo dedicado tanto a la producción como a la dirección.

Una de las conclusiones clave del chat es que un productor debe ser el socio de un director. Para lograr esto, un productor debe asumir un rol directivo y trabajar con diferentes departamentos y jefes de departamento para garantizar que la visión del director cobre vida. Además, un productor debe encontrar formas de liberar al director de distracciones innecesarias que puedan dañar la calidad general del proyecto.


Tome el enfoque de “Atrapar y soltar”

Como productor no tengo que hacer todo, pero atrapo y libero. Si me lanzas la pelota, se la voy a tirar a la persona que debe cuidarla. Dime lo que hay que hacer y lo tiraré allí … ¡Porque si te pones todo en orden, arruinarás las cosas! … En una película tenemos un equipo de especialistas … y en un buen set todos se quedan sus carriles y no significa que no somos colaborativos, significa que somos expertos en lo que hacemos.

En esta entrevista, productor veterano Christina Sibul analiza su enfoque de “atrapar y soltar” en su trabajo. Básicamente, se trata de encontrar soluciones poniendo los problemas de producción correctos en las manos adecuadas.

Este método es un ejercicio de delegación y control que aleja los problemas del director hacia los profesionales que tienen las habilidades para manejarlos.

El DP siempre sabrá más sobre el disparo. Un capataz siempre será la mejor persona para manejar un problema con la iluminación. Un productor siempre será la mejor persona para asegurarse de que la pelota se lance al miembro correcto de la tripulación.


Comunicación constante con estudios o partes interesadas

En nuestro próximo entrevista reveladora, aclamado productor Bonnie Curtis analiza las relaciones matizadas que los productores deben fomentar para actuar como intermediario entre los visionarios creativos (como el director de una película) y las partes interesadas clave que retienen el dinero y toman las grandes decisiones.

En un proyecto de estudio, hay un elemento político que el cine independiente con mayor frecuencia no experimenta. Debe dedicar un poco de su tiempo a comunicarse con el Estudio sobre cada elemento de su película en una producción de estudio. Y hay un proceso de aprobación vinculado a eso.

Con una carrera que incluye proyectos con grandes éxitos como Steven Spielberg, Kathleen KennedyCurtis está bien versado en la política de la industria. En esta entrevista, ofrece una visión del mundo real sobre cómo es el trabajo de los productores manejar todos los detalles desordenados de un proyecto para garantizar que funcione sin problemas desde un punto de vista operativo.


Comience desde el final y trabaje hacia atrás

Comienza desde el final. Comience desde el final y trabaje de regreso. No comience aquí y avance sin saber dónde va a terminar … Es un objetivo claro de dónde debe estar en esta etapa. Debería ser una conclusión lógica porque todo debería fluir hacia adelante como fluye hacia atrás también. No te perderás nada de esa manera.

Finalmente, esta larga entrevista con el productor. John Paul Rice desglosa diez consejos para trabajar como productor de cine profesional. Aquí hay algunos consejos sólidos y basados ​​en la experiencia para asegurarse de que un proyecto funcione sin problemas. Tomemos, por ejemplo, “comenzar por el final”.

Así es como Rice explica que el trabajo del productor es tener una visión temprana de cómo será el producto final y cómo el equipo llegará allí.

Con el final (y cualquier problema potencial) a la vista desde el principio, es simplemente una cuestión de retroceder para asegurarse de que se llegue a cada punto de control.


Siga aprendiendo sobre los entresijos de la producción y la resolución de problemas basada en la producción con estos útiles recursos:


Imagen de portada a través de Kzenon.

¿Es la Canon EOS R5 realmente una buena cámara para cineastas?

Reflexiones sobre la Canon EOS R5, la R6 y lo que estas nuevas cámaras podrían significar para cineastas y profesionales del video.

Bueno, esto ciertamente ha sido un par de semanas agitadas. Canon finalmente presentado oficialmente su nuevo Cámara EOS R5 (así como el tag-along EOS R6 con especificaciones y precios reducidos). Y como alguien que aprendió sobre la producción de películas y videos digitales en cámaras Canon como la 5D y la 7D, estoy, como muchos, bastante interesado en estas nuevas ofertas.

Sin embargo, para ser justos, tan emocionante como parece ser la grabación RAW 8K R5, hay muchas razones para preocuparse. Mientras comencé con las cámaras Canon, obviamente pasé a experimentar con muchas otras cámaras y marcas a medida que desarrollé mi propio gusto y estilo personal.

Canon también ha recibido una paliza últimamente con su reticencia inicial a adaptarse a la tecnología sin espejo sobre sus líneas DSLR heredadas. Como tal, su primera incursión en sin espejo con la EOS R se encontró con críticas menos que extáticas.

Se lanzó un EOS RP ligeramente mejorado (pero menor) para calmar algunas preocupaciones, pero, en última instancia, este EOS R5 tan esperado está destinado a ser el triunfante regreso de Canon a la relevancia. ¿Deberían preocuparse los cineastas en este punto? Vamos a sumergirnos.


Los primeros comentarios

Sin una Canon R5 en nuestras manos, muchos de nosotros estamos observando atentamente mientras las primeras revisiones de la R5 comienzan a llegar. Como puede ver en la revisión de video anterior de Peter McKinnon, ya hay algunas reseñas de aquellos seleccionados a mano por Canon para probar esta nueva oferta.

Muchas de estas primeras revisiones elogian a Canon por finalmente hacer muchas de las actualizaciones más solicitadas que habían obstaculizado la EOS R, como la estabilización de imagen en el cuerpo, un mejor enfoque automático y, por supuesto, dos ranuras para tarjetas (por fin) . Si simplemente eres una persona de especificaciones, aquí están las especificaciones completas para el R5:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 45 megapíxeles
  • 8K RAW hasta 30 fps
  • 4K hasta 120 fps
  • 10 bits 4: 2: 2 con Canon Log o HDR PQ
  • Procesador de imagen DIGIC X
  • 8K RAW / 4K 120P
  • Estabilización de imagen en el cuerpo
  • Modos de disparo sin recortar y recortar
  • Dual Pixel CMOS AF
  • Ranuras de doble tarjeta
  • Pantalla táctil LCD de ángulo variable
  • 2.4 y 5Ghz Wi-Fi, Bluetooth
  • Precio: $ 3,899

Sin embargo, si bien muchos en la industria están realmente impresionados por la cámara en papel, algunas de estas primeras revisiones prácticas comienzan a dar una idea de qué tan bien se maneja realmente la cámara en una sesión y para las necesidades cinematográficas específicas. También recibimos algunos informes tempranos de posibles problemas como el sobrecalentamiento, el seguimiento del enfoque y qué tan bien el R5 maneja la filmación de ISO alto.


El video de 8K se ve legítimo

Antes de entrar en problemas, tenemos que hablar sobre la grabación RAW 8K porque, bueno, eso es aparentemente lo que todos quieren. ¿Correcto? Incluso en medio de una pandemia mundial, los fabricantes de cámaras continúan su carrera armamentista para impulsar sus tecnologías digitales para perseguir la mayor cantidad de píxeles posible. Es muy emocionante para los cineastas, ya que soñamos con las nuevas posibilidades que estas últimas cámaras pueden ofrecer. Pero también es frustrante para aquellos que ya han realizado sus inversiones o sienten que se les está poniendo un precio (y pixelado) fuera de la competencia si no tienen el equipo más reciente y las capacidades de flujo de trabajo de edición de alta gama.

8K es el nuevo poste de la tienda por ahora, pero, a este ritmo, puede que no sea por mucho tiempo. Dicho esto, desde las primeras demostraciones lanzadas por Canon, parece bastante legítimo. A diferencia de los problemas con el recorte de EOS R para 4K, el R5 dispara 8K sin recorte. Puedes ver el 8K vigente en el video de arriba por YouTuber itchban.


¿Hay problemas de sobrecalentamiento?

Uno de los primeros problemas, y quizás el más importante, que surgen con estas nuevas cámaras (más específicamente para el R5 de gama alta) es el problema del sobrecalentamiento. Como puedes ver en el video de arriba por Armando Ferreira, este tema parece estar dividiendo bruscamente a los fanáticos y los detractores de Canon. Algunos dicen que es un problema normal para cualquier cámara de alto funcionamiento (pero sin precio de cine). Otros lo llaman un problema decisivo que inhibirá las necesidades del cineasta. Es decir, el mayor problema reportado es un tiempo de disparo aproximado de 20 minutos cuando se graba 8K, así como un tiempo de disparo aproximado de 30 minutos cuando se graba 4K sobremuestreado. En respuesta, Canon ya emitió una declaración:

La EOS R5, una de las últimas incorporaciones a la línea de cámaras sin espejo de fotograma completo de Canon, ofrece un enfoque automático líder en su clase con opciones de grabación de video de alta resolución y alta velocidad de fotogramas utilizando el ancho máximo del sensor de fotograma completo a altas velocidades de bits. Inevitablemente, esta combinación de características tiene el potencial de generar algo de calor significativo, lo que limitará el tiempo de grabación.

Canon ha tomado varias medidas para gestionar el potencial de sobrecalentamiento, que incluyen:

  • Se usó aleación de magnesio en el cuerpo para disipar el calor de los componentes internos.
  • Una función de “control de sobrecalentamiento” para reducir la generación de calor cuando la cámara está en espera

Con respecto a la instalación de un ventilador: se tomó la decisión de no instalar un ventilador dentro del cuerpo para mantener el tamaño compacto, la construcción ligera y la resistencia a la intemperie de la EOS R5.

Antes de que comience la grabación, la EOS R5 y la EOS R6 muestran una estimación del tiempo de grabación en función de la temperatura actual de la cámara y el modo de grabación establecido.

Puedes leer la declaración completa sin editar en PetaPixel.


Teniendo en cuenta la EOS R6

La mayoría de los cineastas tienden a centrar su atención en el EOS R5 más potente, pero podríamos estar mejor atendidos al mirar al EOS R6. Aunque obviamente no cuenta con grabación RAW de 8K y el nuevo sensor de 45 megapíxeles, el R6 sigue siendo una oferta sólida con 4K hasta 60 fps (sin ese molesto recorte de la EOS R), 1080p hasta 120 fps para cámara lenta, funciones actualizadas como dual ranuras para tarjetas y más.

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 20 megapíxeles
  • 4K hasta 60 fps
  • 1080p hasta 120 fps
  • 10 bits 4: 2: 2 con Canon Log o HDR PQ
  • Procesador de imagen DIGIC X
  • Estabilización de imagen en el cuerpo (corrección de 8 paradas)
  • Rango ISO de 100-102400; Ampliable a 204800.
  • Doble ranura para tarjeta SD UHS-II
  • EVF OLED incorporado de 0,5 ”3,69 millones de puntos (con frecuencia de actualización de 120 fps)
  • Pantalla táctil LCD de ángulo variable de 1,62 millones de puntos de 3 pulgadas
  • 2.4GHz Wi-Fi incorporado, Bluetooth
  • Sellado de clima, goteo y polvo
  • Precio: $ 2,499

Estaría dispuesto a apostar que, si bien el R5 podría tomar la delantera en ventas de manera inmediata, el R6 será una opción mucho más realista, y tal vez mejor, para aquellos que buscan una primera cámara de video y para los aficionados que buscan para una nueva cámara híbrida para sus proyectos de fin de semana


Consideraciones personales

Hablando personalmente, creo que esta es una noticia emocionante para Canon. Era muy fanático de la 5D, y usé una 7D durante más de cinco años en tomas grandes y pequeñas. Han demostrado su capacidad para fabricar productos de calidad que sean muy duraderos y estén bien diseñados. Esperemos que la EOS R no sea más que un pequeño tropiezo al corregir el rumbo con este nuevo R5.

Sin embargo, a menos que tenga una necesidad absoluta de disparar RAW de 8K de inmediato, no creo que recomiende apresurarse para obtener su pedido. En su punto de precio, el R5 es mejor comparable a Panasonic Lumix DC-S1H, que ha demostrado ser bastante popular a pesar de que “solo” ofrece 6K (al tiempo que ofrece casi las mismas características que el R5).

Con la noticia de URSA de Blackmagic que puede disparar 12K y el esperado lanzamiento de finales de verano de el Sony a7S II, Ciertamente me mantendría al tanto de cómo la industria continuará girando. También restringiría mi próxima compra de cámara a algo que satisfaga las necesidades de mis próximos proyectos en lugar de perseguir los últimos avances en la grabación de píxeles.


Para obtener más noticias sobre cámaras e información sobre la industria, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada a través de Canon.

Explore las vibraciones de jazz del propio Sonny Lauderdale de PremiumBeat

El saxofonista Matt Parker ha tocado con algunos de los nombres más importantes del jazz. Como Sonny Lauderdale, crea pistas magníficamente oscilantes para PremiumBeat.

El compositor y saxofonista de jazz Matt Parker, con sede en Florida, también conocido como PremiumBeat’s Sonny Lauderdale – Es un maestro de la música de improvisación. Sus habilidades, conocimiento y enfoque le otorgan la libertad de ser guiado por la música en el momento. No es que lo esté inventando a medida que avanza, es que va a donde la música lo lleva. Esta disposición a estar creativamente presente, artísticamente en el ahora – se refleja en su viaje profesional ir con la corriente.

Cuando era adolescente, tocaba música de Dixieland durante diez horas al día junto a músicos veteranos de entre 60 y 70 años. Después de asistir a la Nueva Escuela de Jazz y Música Contemporánea de Nueva York, realizó una gira como miembro de la Banda Big Bop Nouveau de Maynard Ferguson.

Ha viajado a Sudáfrica para actuar con el Coro de Jóvenes de Ciudad del Cabo. Tocó con The Mingus Big Band y estuvo de gira con Postmodern Jukebox. Apareció y grabó para la exitosa película de Keanu Reeves John Wick. Y, bajo el nom de sax Sonny Lauderdale, es el último artista de la serie PremiumBeat Signature, donde mostramos el talento de las personas detrás de los sonidos que lo ayudan a contar sus historias.

Explorando la música libre de regalías de Sonny Lauderdale

La producción musical de Sonny Lauderdale es auténtica e inventiva, el mejor jazz siempre lo es, y con casi 50 pistas en nuestra biblioteca, es uno de los artistas más prolíficos de PremiumBeat.

Su música oscila, bops y slinks. Por cada canción que gime, hay otra empapada en una atmósfera sensual. Las líneas de saxofón se mueven hacia adentro, hacia afuera y alrededor de los surcos tan bajos en el bolsillo establecidos por el bajo vertical, la caja cepillada y la guitarra de callejón.

Pistas notables

El trabajo de Sonny Lauderdale para PremiumBeat es una opción para creadores de todo el mundo que exigen la riqueza orgánica que solo el jazz puede proporcionar. Es tan moderno como retroactivo, verdaderamente atemporal. Esto es algo real con un ambiente innegable.

La canción “Bailando en las islas“Salta alegremente, literalmente, gracias al tap dance que sirve como el instrumento de percusión más destacado de la pista. “Vamos, vamos“Be-bops”, la banda sonora de una noche de alegría maníaca en un bar clandestino. Mientras tanto, “Pantera Rosa“Baja las luces con sonidos burlesque-noir que son tan arenosos como glamorosos.

Eleva tu trabajo con el Jazzy Jive Vibes de Sonny Lauderdale

Si su proyecto exige vibraciones humeantes, patadas oscilantes y sensualidad enérgica, Sonny Lauderdale tiene lo que necesita. Su confiada improvisación y cortes sólidos de la vieja escuela son tan perfectos para proyectos cinematográficos como para vlogs de viaje, videos de revisión de productos y presentaciones corporativas divertidas.

Explora algunas de las pistas más populares de Sonny Lauderdale en la lista de reproducción seleccionada a continuación. La mezcla presenta pistas de jazz que van mucho más allá de lo que la mayoría piensa cuando escuchan el término “libre de regalías”, y cada una está disponible a perpetuidad con una simple licencia estándar de $ 49.

Imagen de encabezado de lista de reproducción a través de Gota de luz.

Blackmagic anuncia el URSA Mini Pro 12K

Blackmagic se hace grande con el nuevo URSA Mini Pro 12K. Sí, lo leiste bien.

Es esa época del año nuevamente, cuando un anuncio críptico de Blackmagic convierte a los fanáticos de la cámara y el cine en un frenesí, lo que los lleva a preguntarse en voz alta y en línea a cualquiera que escuche: ¿es hoy el día? ¿Hoy es el día en que Blackmagic revela de repente otra cámara que cambia el juego?

Si. Sí lo es.

Hoy, Blackmagic presentó el Ursa Mini Pro 12K.

Si. 12K.

12K

Si bien el cuerpo sigue siendo en gran medida el mismo diseño que los otros modelos fácilmente disponibles, la electrónica interna se ha eliminado y reemplazado por completo. Hay un nuevo sensor, una nueva curva de película, una nueva ciencia del color y una gran cantidad de funciones de grabación.

Primero, sigamos y hablemos sobre el elefante en la habitación. 12K. ¿Por qué?

La mayor parte del mundo de la producción finalmente se ha ajustado y adaptado a la tubería 4K y 6K. ¿Por qué tres veces la resolución? Bueno, no es tanto el aspecto de disparar imágenes visuales de 12K, sino más bien acomodarse para una mejor experiencia de 8K. Grant Petty abordó esto en la transmisión en vivo del anuncio:

“Realmente estamos tratando de abordar los flujos de trabajo de más alto nivel, y cuando realmente analizamos eso, hay un montón de razones sobre por qué ir más allá de 8K – para obtener un buen 8K esencialmente. La obvia es que te permite replantear las tomas. Si tienes más resolución, puedes ampliar un poco y replantear sin perder resolución “.

Todos los años, cuando lleguen los Oscar, encontrará listas que documentan qué cámaras se usaron en producciones nominadas. Por lo general, está lleno de Arri, algo de RED, y luego una mezcla de modelos más pequeños utilizados en producciones independientes extranjeras y en la categoría documental. Apenas, si alguna vez, vemos a Blackmagic aterrizar en estas listas.

Si bien la compañía es popular entre las producciones de presupuesto bajo a medio, nunca parece llegar a casa con los grandes estudios. Blackmagic busca cambiar eso con esta cámara.

El URSA Mini Pro 12K presenta un nuevo y revolucionario sensor con una resolución nativa de 12,288 x 6480, un increíble 80 megapíxeles por fotograma. El sensor no es un sensor típico de Bayer, es simétrico, lo que significa un número igual de colores RGB en la matriz. Eso no es particularmente útil para una cámara 4K, pero significa que esta cámara de 12K puede producir efectivamente 4K 4K de trama completa.

De manera similar a cómo 4K disminuido a 1080p le brinda una mejor imagen HD en línea, el súper muestreo de 12K le brinda un mejor color y resolución a 8K que los sensores nativos de 8K.

Con eso, no hay recorte de sensor cuando se cambian las resoluciones, ya que estamos acostumbrados. Ya sea que dispare a 12K, 8K o 4K, la Ursa utiliza la escala en el sensor para evitar recortar o ajustar el campo de visión. Además, Blackmagic se jactó de que no habrá problemas de alias con esta nueva operación del sensor.

Y esta parece ser toda la idea detrás de la cámara. Obteniendo los mejores resultados de 8K y las resoluciones a continuación, en lugar de producir directamente imágenes nativas de 12K. El sensor Super 35 también cuenta con 14 paradas de rango dinámico.

Características de un vistazo

  • Blackmagic RAW en todas las resoluciones
  • Hasta 60 fps 12K
  • 110 fps a 8K
  • 220 fps (cultivo Super 16) a 4K
  • Montura de lente intercambiable (se envía con PL)
  • Filtros ND incorporados
  • Dual CFast y USH-II SD
  • Puerto de expansión SuperSpeed ​​USB-C
  • Y, por supuesto, se envía clásicamente con la versión de estudio de Resolve.

Precio y disponibilidad

A lo largo de la presentación, Grant sugirió continuamente que la cámara esté dirigida hacia el trabajo de alta gama. En consecuencia, los modelos iniciales se enviarán primero a los DP en funcionamiento.

Como tal, uno esperaría que el precio de lanzamiento coincida, si no ligeramente, con los modelos de producción actuales. No claro que no. Esto es Blackmagic. La primera cámara de 12K tendrá un precio de $ 9,995.


Tenemos mucho más contenido de Blackmagic de donde vino esto …

Crear bucles de fondo sin fisuras en After Effects

Aprenda a crear bucles de fondo sin fisuras en Adobe After Effects. Tutorial incluye archivos de proyecto gratis!

En este tutorial de After Effects, vamos a explorar cómo crear una animación de fondo de bucle personalizada. En realidad, es más fácil de realizar de lo que la mayoría de la gente piensa, y el uso de algunos efectos clave hace que el proceso sea aún más fácil. Esta lección es ideal para principiantes, o para cualquiera que quiera tener más conocimientos sobre After Effects.

¿Listo para crear algunos bucles? Bueno, ¡comencemos!

DESCARGAR ARCHIVOS DE PROYECTO


Crear un mosaico de fondo

Primero, necesitamos crear un fondo, luego podemos animar otros objetos y formas en el ciclo más tarde. Recomiendo comenzar con un azulejo de fondo composición que es 200 × 200 píxeles Luego, agregue un poco de textura con formas, chispas o incluso un patrón de cuadrícula.

Azulejo de fondo

Comience creando un fondo.

Cuando hayas terminado con eso, crea una nueva composición que sea 1920 × 1080 píxeles Esto servirá como nuestro composición principal a lo que agregaremos todo. Para este ejemplo, nuestro bucle será cuatro segundos largo en 24 cuadros por segundo.


CC RepeTile

Siga adelante y agregue el azulejo de fondo composición a la principal composición. Ahora aplica el efecto CC RepeTile a la capa de mosaico de fondo. En la configuración del efecto CC RepeTile, configure el Correcto, Izquierda, Arribay Abajo valores a 2,000.

CC RepeTile

Agregue el mosaico de fondo a la composición principal, luego aplique el CC RepeTile a la capa de fondo.

Ahora debería ver el patrón de mosaico de fondo repetido en toda su composición principal.


Compensar

Podemos poner el fondo en movimiento aplicando el Compensar efecto a la capa de mosaico de fondo, también. Una vez aplicado, el fotograma clave Desplazar centro a ajuste. Puede ajustar el valor en el X y Eje Y.

 Offset

Ponga el fondo en movimiento aplicando el efecto Desplazamiento.

Recomiendo tener el comienzo Desplazar centro a valor de fotograma clave ser 0,0. Luego, establece otro Desplazar centro a fotograma clave al final de su ciclo. Cuando ajuste el valor del Centro de desplazamiento a, asegúrese de que el número que elija sea divisible por 200 (porque nuestro mosaico de fondo original es 200 × 200 píxeles de tamaño). Por ejemplo, establezca el valor final del fotograma clave en 0, 600.


Crear mosaicos grupales

Agregar y superponer otras formas de animación es un proceso similar al que hicimos para el mosaico de fondo. Crea una nueva composición llamada Grupo 1y establezca el tamaño de la composición en 400 × 400 píxeles Luego, agregue dos formas en el lado izquierdo de esa composición. (Recomiendo crear algunos 200 × 200 capas de guía de píxeles para cada forma.) También puede animarlas sutilmente si lo prefiere, solo asegúrese de que terminen en la misma posición en la que comenzaron durante la duración del bucle de cuatro segundos.

Grupo Azulejo 1

Comience a agregar y superponer formas animadas al mosaico de fondo.

Luego, duplica la composición del Grupo 1 y nómbrala Grupo 2. Eliminar las formas existentes en la nueva composición del Grupo 2 y agregue dos nuevas formas en el lado derecho.

Grupo Azulejo 2

Ahora, agregue dos formas nuevas al lado opuesto duplicando la composición del Grupo 1.


Finalizando el bucle

Para finalizar su ciclo, regrese a su composición principal y añadir en los dos nuevos Composiciones grupales. Aplicar CC RepeTile a ambos y expandirlos en todas las direcciones para 2,000 píxeles Luego, aplique Compensar a ambos, y el fotograma clave del Desplazar centro a configuración para crear su bucle. (Nuevamente, asegúrese de que el valor final por el que los encuadra es divisible de manera uniforme por 400, porque las composiciones del Grupo eran 400 × 400 píxeles)

Look terminado

El efecto Drop Shadow agrega un ambiente de los 90 al aspecto final.

Agregué un Sombra efecto para ambas composiciones de grupo para una apariencia más de los 90. También puede rotar las composiciones de grupo por 45 grados, si tu prefieres.


Efectos extra

Puede crear todo tipo de estilos diferentes agregando otros efectos a su bucle de fondo finalizado. Agregar un capa de ajuste sobre todo en tu composición principal y aplica el efecto CC Kaleida. Ahora, tendrás más de un ciclo abstracto de caleidoscopio. También puedes aplicar resplandor efectos a sus composiciones de grupo para una apariencia única.

CC Kaledia

Para una apariencia única y estilizada, agregue efectos de brillo.

Finalmente, puedes hacer que tu composición principal sea Capa 3Dy usa un Cámara 3D para crear un bucle de fondo de “aspecto macro”. Solo configura el Distancia de enfoque en el centro de su bucle en capas 3D, encienda el Profundidad de campo para la cámara y ajuste el Abertura y Nivel de desenfoque valores.

Cámara 3D

Convierta su composición principal en una capa 3D utilizando una cámara 3D para crear un bucle de fondo.


¿Interesado en las pistas libres de regalías que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

¿Te gusta el contenido de After Effects? Nosotros también. Echale un vistazo:

La historia detrás de una pista de música libre de regalías: cómo se hace

Crear una pieza musical sobresaliente requiere una combinación de habilidades técnicas, emoción fuerte y la capacidad de convertir esa emoción en sonido. Así es como nace una pista de música.

En una conversación reciente con Mike Meehan, conocido como Sunshine Music en PremiumBeat, aprendimos lo que le lleva a componer una pista de música libre de regalías. En el video a continuación, compartimos una versión editada de nuestra conversación, con algunas imágenes visuales que coinciden con la emoción que Meehan trae a su enfoque.

Es una conversación perspicaz si haces música o simplemente estás seleccionando música para usar en un proyecto. Ahora cuando escuchamos a Meehan Reflexión de día lluvioso rastreamos lo escuchamos de manera diferente, conociendo la historia detrás de su creación. De repente, esto no es solo una pista libre de regalías. Es un conjunto complejo de elecciones e influencia personal del propio artista, que se refleja en los instrumentos y sonidos de la canción. Vamos a desglosarlo.


Cómo Sunshine Music hace una pista de orquesta

los dibujo de piano Es una de las partes más difíciles, confesó Meehan. ¿Por qué sin embargo? Después de todo, el piano es uno de los instrumentos musicales más fáciles de aprender a tocar. La razón no es la destreza musical, sino el peso que el piano lleva en la canción. Cualquier pista musical necesita un esqueleto, como el esbozo de una buena novela. Proponer esta columna vertebral es lo que requiere a un compositor de música tanto esfuerzo mental y tiempo. Los otros elementos de la canción encajan junto al piano. Siendo un músico experimentado, Meehan conoce el ejercicio. Tiene más de 150 pistas en su software de edición de audio, cada una vinculada a un instrumento diferente de la orquesta. Si el necesita flauta o trompeta suena, él usa su teclado para producir la muestra dentro de su plantilla.

La idea táctil de textura Puede parecer fuera de lugar en la composición musical, pero así es como Meehan describe el sentimiento y el sonido de su música. Es todo lo que siente el músico en el momento de escribir una nueva canción, y con la práctica se ha acostumbrado más a las texturas que producen ciertas emociones. Los músicos profesionales como Meehan sienten cuando es el momento adecuado para tener una textura áspera y cuando es el momento de pasar a un modo más silencioso. Juegan con el sonido intensidad y calidad: crujiente, espeso, áspero, liso.

Al igual que en la fotografía, donde el cine ha sido reemplazado gradualmente por la producción digital, la composición musical ha evolucionado técnicamente. Las orquestas completas han sido reemplazadas por la composición digital. Similar a la fotografía de películas, la música de orquesta involucra más recursos, más tiempo y más jugadores activos. Pero la orquesta también ofrece más capas y variaciones que le dan personalidad a la pista. El enfoque exhaustivo de Meehan para la creación musical es lo que distingue a los artistas de PremiumBeat, ya sea composición digital o música en vivo.


¿Necesitas más música exclusiva para proyectos de video? Aquí hay pistas de Mike Meehan, además de más música orquestal:

¿Quieres probar suerte haciendo música? Aquí hay algunos recursos para consultar:


Imagen de portada a través de SunnyGraph.