Hackea la Canon R5 para una grabación 4K casi ilimitada

A continuación, le indicamos cómo puede usar un Atomos Ninja V para “piratear” una Canon R5 para una grabación de video 4K casi ilimitada. Vea el tutorial para conocer estos pasos fáciles de seguir.

Entonces, como cubrimos en nuestra revisión de la versión inicial, la nueva cámara Canon R5 es todo un enigma. Ciertamente ocupa los titulares con sus capacidades de grabación de video 8K RAW y su precio relativamente bajo, lo que lo mantiene competitivo con otras DSLR y opciones sin espejo fuera de sus alternativas de cámaras de cine. También viene con bastante controversia y preguntas sobre si realmente podrá funcionar como una cámara de video confiable y cotidiana para la mayoría de los cineastas y profesionales del video.

Sin embargo, gracias a un astuto canal de YouTube: No hay vida – tenemos un gran avance en términos de cómo Canon R5 se puede combinar con el Atomos Ninja V para una grabación de video 4K de alta calidad “casi ilimitada”. Para ciertos profesionales del video, este es un gran avance, ya que algunos de los principales problemas informados hasta ahora con el R5 han tenido que ver tanto con los tiempos de grabación como con el sobrecalentamiento, problemas que esta configuración realmente puede resolver.

Por lo tanto, si todavía está indeciso acerca de invertir en la Canon R5 o está buscando formas ingeniosas de grabar contenido de video de larga duración con alta calidad, aquí le mostramos cómo puede lograrlo con la potente Canon R5 y un Atomos Ninja V.


Colocación del Atomos Ninja V

Colocación del Atomos Ninja V

Acoplamiento del Atomos Ninja V a la Canon R5. Imagen de No Life Digital vía Youtube.

Entonces, el primer paso es bastante sencillo. Solo necesitará conectar su Atomos Ninja V y configurarlo para conectarse con su cámara Canon R5. Este es exactamente el tipo de configuración para la que está diseñado el Ninja V. Debería ser un paso simple deslizarlo y bloquearlo en el soporte integrado en el R5. El Ninja V tiene un diseño de cabeza esférica que gira para que puedas mirarlo en cualquier dirección que desees. Además, en realidad no trata este tema en el video, pero querrá asegurarse de tener su AtomX SSDmini (con opciones actuales para 500GB, 1TB o 2TB) que está diseñado para encajar mejor en el Ninja V y para una grabación de larga duración óptima.


Cree energía ilimitada (y evite el sobrecalentamiento)

Elegir la batería adecuada: batería de cámara estándar

Elegir la batería correcta marcará una gran diferencia en la creación de energía ilimitada. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

Dado que nos estamos enfocando en crear capacidades de grabación “casi ilimitadas”, el primer problema que debemos abordar con la Canon R5 es la creación de energía ilimitada. Como puedes ver en el video, tienes dos opciones. La primera es usar una batería de cámara estándar (en el video usa una Sony NP-F750) que tendrá límites. La segunda opción es utilizar un adaptador de batería simulado, que puede conectar a un tomacorriente de pared de CA. Esta segunda opción desbloquea la energía continua para el Ninja V y es su mejor opción para disparar en larga duración sin necesidad de cambiar o cargar las baterías.

Elección de la batería adecuada: batería simulada

La elección de la batería falsa proporcionará energía continua al Ninja V. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

A partir de ahí, vemos cómo conectar y sincronizar todo para que pueda grabar directamente en el Ninja V a través del R5. Asegúrate de estar grabando tu audio directamente en el Ninja V también para que puedas mantener todos tus niveles y controles juntos. También entramos en alimentar el R5, donde recomendaría un enfoque similar al método anterior para capacidades de disparo verdaderamente ilimitadas. Sin embargo, si no está cerca de tomas de corriente, las baterías normales funcionarán tanto para el R5 como para el Ninja V. En ese caso, es posible que deba empacar muchos extras para cambiar, dependiendo de cuánta cobertura necesite.

El final de esta sección cubre la importancia de quitar sus tarjetas CFast Express y tarjetas SD para asegurarse de que su Canon R5 grabará directamente en la Ninja V y no internamente. (Esto también le ayudará a recordar y evitar que cambie accidentalmente la configuración por error a mitad de la toma).


Configuración de grabación para 4K HQ

Configuración: Calidad de grabación de película

Puede habilitar 4K HQ en el Calidad de grabación de películas ajustes. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

Ahora, pasando a la configuración de grabación. El truco para hacer que todo esto funcione es grabar en 4K HQ, que es la mejor configuración para obtener video de la más alta calidad del R5 en una configuración de formato largo. Sí, el R5 puede disparar hermosos 8K, pero solo funcionará para proyectos en los que puedas disparar en pequeños fragmentos, ya que los problemas del tamaño de grabación y el sobrecalentamiento te harán tropezar.

Primero entra en tu Menú y encuentra el Calidad de grabación de películas configuración para habilitar 4K HQ, como puede ver arriba.

Luego, puede elegir el tamaño de grabación para la velocidad de fotogramas y la calidad que desee, siempre que sea la misma opción 4K. Puede ver las opciones que eligió en el video en la captura de pantalla a continuación.

Configuración: elija el tamaño de grabación

Ahora puede elegir el tamaño de grabación para la velocidad de fotogramas y la calidad de su video. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

También repasa sus opciones de grabación preferidas: sus recomendaciones para controles de sonido, configuraciones de espacio de color y selecciones de perfiles, características, etc. No dude en experimentar y encontrar la configuración adecuada para sus preferencias de estilo y necesidades del proyecto.


Opciones críticas de pantalla HDMI

Opciones: Pantalla HDMI

Deberá elegir el Pantalla HDMI opción para que esto funcione. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

Antes de continuar, este es el paso más importante de este proceso de “pirateo”. Incluso con algunas actualizaciones de firmware nuevas, la Canon R5 todavía está trabajando con algunos errores y parece que si no sigue este procedimiento exacto, todo este proceso no funcionará. Es un poco vergonzoso, ya que probablemente no querrá molestarse en desperdiciar energía y calor al tener ambas pantallas encendidas a la vez, pero la única forma de hacer que esto funcione es elegir el Pantalla HDMI opción tanto para el R5 como para el Ninja V, al mismo tiempo. ¡Debes elegir esta opción!

Deberá apagar los controles de sobrecalentamiento, lo que suena contraproducente. Pero es la única forma de desbloquear realmente esta capacidad de grabación “casi ilimitada”.


Configuración óptima de salida y cámara

Configuración de entrada recomendada

Asegúrate de estar grabando a través de Ninja V, no de Canon R5. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

Finalmente, veremos todas las excelentes opciones y configuraciones que tendrá una vez que esté trabajando con Ninja V.La parte más importante de este proceso es asegurarse de que está grabando a través de Ninja V y no accidentalmente quieto. a través del R5 (sacar esas tarjetas antes le ayudará a recordar que debe hacer esto). Echa un vistazo a todos sus recomendados Entrada ajustes en la imagen de arriba, así como su Salida ajustes en la imagen de abajo.

Ajustes de salida recomendados

Estos son los ajustes de salida recomendados. Imagen de No Life Digital a través de YouTube.

Nuevamente, estas son opciones con las que puede jugar, especialmente las diferentes selecciones de grabación de LUT y opciones de compresión. De ahora en adelante, debería poder personalizar completamente su configuración para las necesidades de su proyecto, ya que tendrá la capacidad de grabar algunas imágenes 4K de alta calidad asombrosas durante una cantidad de tiempo casi ilimitada.


Para obtener más trucos y consejos de cámaras, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de No Life Digital vía Youtube.

Sony se hace pequeño con la nueva cámara digital de fotograma completo a7C

Sony duplica la compacidad con la cámara digital de fotograma completo más pequeña y liviana del mundo: la Sony a7C.

Si bien la mayoría de los fabricantes de cámaras siguen decididos a ganar la batalla de la gran cantidad de píxeles de 2020, como lo demuestra la grabación RAW 8K de Canon EOS R5, Sony ha centrado sus recursos en un nuevo frente en la guerra por los dólares de los consumidores: brindar a los profesionales de la fotografía y el video la capacidad de disparar lo más grande posible con la menor cantidad posible.

Sony ha duplicado sus capacidades compactas al anunciar el Sony a7C, una nueva versión más delgada del popular a7 III. Esto coloca a la Sony a7C junto al peso ligero de Panasonic Lumix S5 como una nueva opción para los profesionales del video que desean grabar videos de alta calidad mientras llevan lo menos posible.

Sin más preámbulos, echemos un vistazo a la nueva serie a de Sony.


Presentamos la Sony a7C

Entonces, con nosotros, otros medios de comunicación y la propia Sony, todo el rumor de la a7C se centra en su sensor de fotograma completo y la compacidad del cuerpo.

El a7C cuenta con un sensor CMOS de fotograma completo de 35 mm que ciertamente tiene un gran impacto para su tamaño, pero (quizás desafortunadamente) solo estamos viendo la grabación de video 4K a hasta 30 fps y Full HD hasta 120 fps.

Ambos formatos de grabación también estarán en 4: 2: 0 de 8 bits, lo que sin duda funcionará para los proyectos correctos, pero puede dejar a algunos videógrafos deseando, a menos que estén estrictamente enfocados en el tamaño de fotograma completo, y el precio.

Estamos comprometidos con crear las mejores herramientas posibles, en base a las necesidades de nuestros clientes. La nueva cámara Alpha 7C y la lente con zoom FE 28-60 mm F4-5.6 incluyen muchas de nuestras tecnologías de imagen más avanzadas en un nuevo diseño que es la cámara y el sistema de lentes de fotograma completo más pequeño y liviano del mundo. Esto abre un nuevo mundo de posibilidades para los creadores, dándoles el poder absoluto de un sistema de fotograma completo en la palma de su mano. – Neal Manowitz, vicepresidente de Imaging Products and Solutions Americas, Sony Electronics

Por supuesto, esta sigue siendo una cámara Sony, y se destaca de la competencia gracias a sus perfiles de grabación S-Log, su fuerte enfoque automático y sus capacidades de estabilización.

También vale la pena señalar que presione soltar sugiere que Sony está posicionando las funciones de video de la a7C como una solución para YouTubers y vloggers.


¿Cómo se comparará con los profesionales del video?

En muchos sentidos, esta nueva oferta de Sony sugiere que la empresa está interesada en satisfacer las necesidades de los creadores de contenido que podrían no beneficiarse de las funciones que se encuentran en cámaras más robustas.

De hecho, el a7C es excepcionalmente ligero; las especificaciones dicen que pesa poco menos de 510 gramos, incluida la batería y la tarjeta de memoria. También tiene una pantalla abatible de 950K puntos de 3 pulgadas de aspecto muy ingenioso que me gustaría tener en mis manos para ver cuánta flexibilidad agrega a los flujos de producción. En general, debería grabar videos de calidad 4K que tengan una gran estabilización y una ciencia del color respetable para ayudar a quienes buscan trabajar más rápido y cargar más rápido.

Con poco menos de $ 2,000 solo por el cuerpo, la a7C aterriza en un mercado bastante competitivo: hay MUCHAS cámaras sólidas disponibles en ese rango de precios. El Lumix S5 mencionado anteriormente y el Sigma fp vienen a la mente para aquellos que buscan otras opciones pequeñas y livianas. Y si elimina el peso de la ecuación y solo desea las mejores capacidades para su dinero, cámaras más voluminosas como la Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K traer mucho más a la mesa.


Especificaciones completas y precios

Esta será la cámara perfecta para algunos. Otros lo encontrarán deficiente. Como todas las cámaras. Sin duda, la Sony a7C atraerá a los fanáticos de las ofertas de cámaras anteriores de Sony, así como a aquellos que desean grabar lo más pequeño y ancho posible para sus configuraciones de video y vlog.

Aquí están las especificaciones completas y los precios de la Sony a7C.

  • Sensor BSI Exmor R de fotograma completo de 24.2MP
  • Procesador de imágenes BIONZ X
  • UHD 4K hasta 30 fps
  • 1080p hasta 120 fps
  • Gammas HLG y S-Log3
  • Sistema AF híbrido de 693 puntos
  • Visor electrónico OLED de 2,36 m de puntos
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3.0 ″ y 921.6k puntos
  • Estabilización de imagen en el cuerpo de 5 ejes
  • Conectividad Bluetooth y Wi-Fi

Precio: $ 1,799 (solo el cuerpo), $ 2,099 (con lente de 28-60 mm)

¿Quieres más noticias sobre cámaras y conocimientos sobre la industria? Aqui tienes:

Capturar tomas cinematográficas de usted mismo, por sí mismo

Aquí está su guía cinematográfica todo en uno para filmarse a sí mismo sin equipo, sin ayuda y solo con usted como una banda de una sola persona. Vamos a ver.

En el clima colaborativo actual, tener un equipo para producir su próximo proyecto se está convirtiendo en una tarea desafiante. En lugar de verme obstaculizado por estas limitaciones, he desarrollado un modelo que puede elevar cualquier producción en solitario, desde un simple vlog hasta un video tutorial y un cortometraje elegante. Este artículo es mi guía cinematográfica para filmarte a ti mismo sin equipo, sin ayuda, solo tú, solo.

Para ver un ejemplo de lo que logrará con estos pasos, consulte mi cortometraje “Tormentas”. Filmé esta producción íntegramente conmigo mismo y solo.


¿Entonces, para qué molestarse?

Si 2020 les ha enseñado algo a los cineastas, es que no siempre tendrás un equipo listo para cada rodaje. Es más, no todas las grabaciones requieren un equipo completo de todos modos. Tanto si eres un vlogger como un cineasta independiente en ascenso, habrá momentos y situaciones en las que tendrás que hacerlo solo.

Estos consejos te ayudarán a llenar esos vacíos en tu producción donde normalmente tendrías al menos otra persona ayudándote, cualquiera que sea su función.


Consiga un suplente

Una de las mayores dificultades para filmar por tu cuenta es encuadrar una toma. Cuando no tiene un monitor o un par de manos adicional, puede parecer casi imposible. Es por eso que utilizo un suplente para clavar mi encuadre. Un suplente podría parecerse a mi mamá, papá o abuela de pie frente a la cámara. Incluso podría ser un palo de escoba, si realmente no hay seres humanos a quienes llamar. Siempre que su suplente coincida con la misma distancia y altura que representará, ¡no dude en usar cualquier cosa en la casa!

Para lograr un balance de blancos e iluminación precisos con los tonos de piel, extienda la mano frente a la cámara e ingrese los ajustes en consecuencia.


Dispara más fuerte

Una distancia focal más ajustada puede darle a su metraje ese elemento cinematográfico que falta. Imagen de Cavan-Images.

Eleve la calidad de su producción implementando distancias focales más ajustadas a su configuración. La elección obvia para una producción adecuada de “selfies” es colocar una lente ancha de entre 16 mm y 24 mm. Es rápido, fácil y siempre hace el trabajo. Sin embargo, con un poco de práctica, cambiar su lente a una distancia focal más ajustada, como 35 mm o 50 mm, puede brindarle una “ventaja” cinematográfica que es imposible de lograr con distancias focales más amplias.


Usar un robot

Honestamente, una de las piezas de equipo más esenciales que necesita cuando se graba a sí mismo es un trípode o GorillaPod. Cualquiera de los dos te salvará de un mundo de repeticiones de tomas que consumen mucho tiempo o de corregir imágenes inestables en la publicación. Si por alguna razón no tiene uno a mano, busque algo que pueda usar como estabilizador.

Pero una de mis herramientas favoritas al disparar es un control deslizante motorizado. Crea un movimiento de respiración que mi trípode no puede emular. Sus marcos dinámicos también diversifican mis tomas. En mi cortometraje “Storms”, esta herramienta fue crucial para toda la producción porque creó la sensación de que había un operador detrás de la cámara. Por $ 300, esta herramienta de ensueño aumenta la calidad de mi producción.

Para obtener más información sobre el control deslizante que utilicé, consulte el Control deslizante de cámara motorizado Neewer.


Ponlo en Auto

Es difícil saber qué ajustes necesitas usar cuando estás frente a la cámara en lugar de detrás de ella. Por lo tanto, siempre cambio mi ISO, balance de blancos y enfoque a automático para las tomas de mayor calidad que hago por mi cuenta. Ahorra tiempo y dolores de cabeza cuando lo hace todo solo.

Los cineastas tienen una relación de amor-odio con la configuración automática de su cámara. Pero, cuando te filmes a ti mismo, trágate ese orgullo y ahorra algo de tiempo.


Selfie lateral

Subvierte las expectativas y da a tu metraje un atractivo visual instantáneo probando un ángulo inesperado. Imagen de Dean Drobot.

La toma fácil y obvia es capturarte a ti mismo desde el frente; los niños geniales lo llaman selfie. Pero desafiaría esta perspectiva y rotaría la cámara a un ángulo diferente. Entonces, en lugar de filmar una toma directa de su taza, la cámara captura su perfil. Esto crea lo que me gusta llamar una selfie lateral.


Imagen de portada de DimaBerlín.

Encuentra más inspiración

Actualice su producción con estos roles pasados ​​por alto, pero esenciales

Estos roles del equipo de producción son tan esenciales como a menudo se pasan por alto. Haz tu vida más fácil agregándolos a tu equipo.

Se necesita ambición, prisa y una actitud de “puedo hacerlo” para tener éxito en películas y videos, pero el hecho de que puedas hacerlo todo no significa que tú debería.

La realización de películas es un proceso colaborativo por naturaleza, por lo que se necesitan cientos de personas para crear una película de Hollywood. No obstante, muchos creadores de películas y videos todavía insisten en operar como la única fuerza creativa en cada paso de un proyecto. Es esa mentalidad la que puede hacer que pasemos por alto algunos roles cuando estamos formando un equipo, roles especializados que, cuando se cumplen, tienen el poder de mejorar significativamente la calidad de una producción.

Echemos un vistazo a algunos de estos roles a menudo olvidados y exploremos lo que aportan a una producción y lo que pueden sacar de su plato.


Asistente de producción

Asistente de producción

El asistente de producción ayuda con las tareas esenciales que, en última instancia, hacen que el día de producción sea más fluido. Imagen vía guruXOX.

Un asistente de producción (PA) no es un trabajo muy específico por definición, pero definitivamente es un rol vital. Los PA ayudan con todo tipo de tareas generales y están disponibles para cualquier cosa que necesite una producción, y las producciones siempre necesitan algo. Incluso cosas simples como entregar las baterías para cargarlas pueden hacer que un día en el set funcione un poco más suave.

En mis experiencias de PA, he hecho un poco de todo. He sido actor suplente durante las comprobaciones de iluminación y un extra de antecedentes. Recogí equipo, pinté pantallas verdes e hice carreras de refrigerios.

Si bien no es el concierto más glamoroso, tener a alguien disponible para manejar las tareas diarias es crucial. Como director, no tener que preocuparme por las pequeñas cosas en el set me permite concentrarme en temas más importantes.

Asistente de cámara

El papel de un asistente de producción es amplio, ya que es la persona a quien acudir para lo que sea necesario sobre la marcha. Imagen vía guruXOX.

El alcance del trabajo de PA, bueno, es amplio y el rol suele ser el rango más bajo en el set. El trabajo lo puede hacer casi cualquier persona y eso lo hace perfecto para cualquiera que busque comenzar a obtener una experiencia real en la realización de películas. Entonces, si tienes un amigo que está interesado en la realización de películas, o incluso un hermano que te debe un favor, tráelo como asistente.


Subgerente

Subgerente

Un asistente de dirección trabaja en estrecha colaboración con el director al planificar un rodaje. Imagen vía Gorodenkoff.

Todos hemos tenido esos días demasiado ambiciosos en los que todo se retrasaba antes de decides disparar esa toma 101 por “seguridad”. No todos podemos ser David Fincher, por lo que un buen asistente de dirección estará allí para mantenerlo bajo control y alentarlo a seguir adelante.

El subdirector es un “debajo de la linea” Curro. Su trabajo es administrar la logística, el personal, garantizar la comunicación entre los equipos y asegurarse de que la producción se desarrolle sin problemas, de manera segura y protegida. Ellos crearán hojas de llamadas diarias para el equipo, planificarán su programa de producción y harán que todo funcione como una máquina bien engrasada mientras usted se concentra en las tareas creativas que tiene entre manos.

Sigue siendo importante que el director trabaje en estrecha colaboración con el AD al planificar una filmación. La comunicación es clave. El AD te avisará cuando solo te queden un par de tomas en el cronograma o que realmente es hora de seguir adelante. Puede que al principio sea un poco complicado, pero a la larga les agradecerás cuando logres encajar todo en el pequeño período de tiempo de tu ubicación.


Mezclador de sonido de producción

Como Shazam director David F. Sandberg le gusta señalar: “Un buen sonido es más importante que una buena imagen”. Y ya lo sabemos.

No obstante, tal vez la mayoría de las veces, nos enfocamos en la composición de la toma y la resolución de la imagen mientras un actor entrega una línea sin considerar qué tan bien se registra esa línea.

El audio suele ser algo que no notamos hasta que ocurre algo. Cuando nos concentramos en la escena y la acción, nos olvidamos de ser conscientes del ruido que nos rodea. Solo más tarde descubrimos la motocicleta al fondo o el avión en lo alto. Ahora debe encontrar una manera de solucionarlo por correo o recurrir al reemplazo automático de diálogo (ADR), que puede ser costoso, llevar mucho tiempo y, a veces, no funciona del todo.

Ingeniero de sonido

La clave para grabar el mejor audio es tener un mezclador de sonido profesional en su equipo. Imagen vía Álvarez del Pino.

Con demasiada frecuencia he visto que la grabación de audio es un asunto de “configúrelo y olvídese” que conduce a sonidos no deseados que inicialmente pasan desapercibidos. Con la misma frecuencia, he visto que el trabajo se relega a alguien que está desocupado en este momento: “Hola, Joe. Estás ahí parado. ¿Crees que puedes ejecutar audio para esta escena? “

Es vital tener un mezclador de sonido profesional en su equipo, alguien que realmente sepa lo que está haciendo. Tener una persona cuya función completa esté dedicada a grabar el mejor audio en el set puede marcar una gran diferencia. Al igual que un director de fotografía con su cámara, un profesional de audio conoce su equipo, cómo usarlo y cómo obtener el mejor sonido posible. De manera similar a como pretendemos hacerlo bien en la cámara, debes hacer lo mismo con tu audio.


Diseñador de producción

Diseñador de producción

Un diseñador de producción está a cargo de hacer que el mundo del cine se sienta vivido. Imagen vía Rawpixel.com.

Por último, pero definitivamente no menos importante, es un diseñador de producción. El diseño de producción es simplemente uno de los roles más importantes en una producción. Un diseñador de producción está básicamente a cargo de todo lo que vemos frente a la cámara, desde la utilería y las decoraciones, hasta el maquillaje y las ubicaciones. Su papel hace que tu película se sienta viva, vivida y real. Un buen diseñador de producción comprenderá los personajes de la página y el tono de la película. Dedicarán su tiempo a darles cuerpo a través de accesorios, vestuario y decoración de escenarios.

En Hollywood, un diseñador de producción es el jefe del departamento de arte, con maquillaje, utilería y locaciones operando como sus propios subgrupos. En producciones mucho más pequeñas, un diseñador de producción podría ser responsable de la mayoría (si no de todas) las responsabilidades del departamento de arte.

Me tomó demasiado tiempo darme cuenta del impacto que un diseñador de producción dedicado podría tener en mis proyectos. Me llevaba el metraje a casa y siempre sentía que mis escenas no parecían del todo correctas, casi desnudas. Si bien siempre pensé en accesorios clave y encontré ubicaciones decentes, solo faltaba algo.

La primera vez que traje a un amigo como diseñador de producción, fue como magia. Tenía ideas únicas para la decoración del escenario, para el espacio vital del personaje principal e incluso cómo cada personaje haría su maquillaje.

Estas eran todas las cosas en las que no había pensado lo suficiente. Dio vida a los personajes y espacios. La apariencia de un personaje y el espacio que ocupa pueden darnos mucha información sobre sus acciones. Estaba tan concentrado en conseguir las tomas correctas, dirigir y programar, que nunca había pensado en estas áreas. Si solo pudiera tener un papel para ayudarme en las producciones por el resto de mi vida, sería un buen diseñador de producción.

Al asignar recursos y presupuesto a un departamento específico, el retorno del valor de producción se ve más dentro de los departamentos del diseñador de producción. No se preocupe por alquilar anamórficos o disparar 8K si la escena frente al objetivo no se ve bien para empezar. Si la toma no funciona en 1080p, no se verá mejor en 8K.

Sugiero proporcionar tantos recursos como sea posible para que el diseñador de producción haga su trabajo lo mejor que pueda, incluso si eso significa cortar algunos de los juguetes que estaba deseando usar. Un proyecto filmado en un iPhone con el diseño de producción adecuado se verá niveles por encima de una película sin Diseño de producción adecuado rodado en RED.

Director en el set

Estos roles que a menudo se pasan por alto podrían ser un competidor importante en la calidad general de su película. Imagen vía MarcoStockFotas.

Tenga en cuenta estos roles la próxima vez que cree un equipo. Tener estos lugares llenos le hará la vida mucho más fácil y mejorará la calidad de su producto terminado. Solo recuerde, solo porque “puede hacerlo”, no significa que deba hacerlo todo. La realización de películas es una forma de arte colaborativa; te alegrará haber dado la bienvenida a otros al proceso.


Siga leyendo sobre los entresijos de navegar por el mundo del cine y el video:


Imagen de portada vía gnepphoto.

Atravesar lo desconocido: la cinematografía innovadora de Matthew Libatíque

Vamos a sumergirnos en la cinematografía creativa, experimental y altamente subjetiva del renombrado director de fotografía Matthew Libatíque.

A la edad de veinticinco años, mientras terminaba su MFA en cinematografía en Conservatorio AFI, Mateo Libatíque se asoció con un compañero estudiante de AFI Darren Aronofsky en un cortometraje llamado “Protozoos. ” Esta asociación inicial daría lugar a seis colaboraciones cinematográficas y al lanzamiento de una de las mejores carreras cinematográficas del cine moderno.

Desde su primera vez detrás de la cámara con Aronofsky, Libatíque recibió elogios de la crítica en varias películas de Aronofsky, incluyendo Réquiem por un sueño, La fuente, Cisne negroy ¡Madre!. También se ha asociado con otros autores y directores comerciales exitosos en varias ocasiones, entre ellos Spike Lee (Ella me odia, Hombre en el interior), Joel Schumacher (Tigerland, Cabina telefónica), y Jon Favreau (Hombre de Acero, El Hombre de Hierro 2), así como excepcionales con grandes nombres como Liev Schreiber, F. Gary Gray, David Finchery Bradley Cooper.

¿Cómo se convirtió en una superestrella de la cinematografía un joven neoyorquino nativo que aprendió fotografía de su difunto padre con una simple cámara Nikon? ¿Y cómo las primeras colaboraciones de Libatíque con Aronofsky lo convirtieron en uno de los DP más exploradores e innovadores actualmente en el negocio? Echemos un vistazo a las sensibilidades únicas de Libatíque y aprendamos cómo usted también puede usar la cinematografía para atravesar lo desconocido.


Técnicas innovadoras

Lo primero que la mayoría de la gente menciona cuando habla de la cinematografía de Libatíque, o incluso solo sobre la realización de películas de Aronofsky en lo que respecta a sus colaboraciones, son los trucos y técnicas innovadores de la cámara. Puede verlos en todos los proyectos de Libatíque y remontarlos a sus primeros días experimentando con diferentes controles de velocidad variable y exposiciones dobles de disparo inverso.

Mirando específicamente algunas de sus primeras películas, como Réquiem por un sueño – Libatíque fue muy elogiado desde el principio por sus enfoques creativos para implementar montajes de movimiento rápido y velocidades de fotogramas nerviosas, así como algunos de los mejores usos de SnorriCam disparando por cualquier DP en la historia reciente.


Película de inversión e iluminación reflectante

Lo que realmente se me quedó grabado a lo largo de mi carrera es el impacto de la luz reflectante. Porque yo encendía algo y pensé que lo estaba iluminando de la misma manera, pero era un tipo diferente de reflectividad. Y, cuando se trata de película invertida, se trata de una latitud corta. Entonces, la reflectividad en realidad contribuye a cuánto más brillante eres en tus máximos o cuán bajo estás en tus mínimos. Entonces, de repente, solo estaba usando un medidor reflectante, y he estado usando un medidor reflectante toda mi carrera.

Una mirada retrospectiva a la carrera de Libatíque revela que ha rodado la mayoría de sus películas en película invertida, lo que ayuda a explicar cómo ha creado imágenes tan crudas y crudas de una imagen a otra. Su enfoque en la iluminación reflectante también resalta cuán exacto debe ser su control sobre los altibajos en sus tomas, especialmente cuando se trata de secuencias a menudo portátiles y llenas de movimiento de películas como Cisne negro.

En el clip de ARRI de arriba, Libatíque admite que, incluso en sus proyectos filmados digitalmente, todavía usa un medidor reflectante y emplea una “forma de onda que da una lectura reflectante del tono de piel de alguien”, ya que así es como su ojo procesa la luz y los colores. para cada disparo. Y, si bien la película de inversión puede no ser adecuada para todos los DP y todos los proyectos, su aspecto casi se ha convertido en sinónimo de la cinematografía de Libatíque en este momento.


Cámara subjetiva y primeros planos

Hablando de su trabajo con Aronofsky, pero también como estilo y tema que se puede encontrar a lo largo de sus colaboraciones, la cámara de Libatíque suele ser bastante subjetiva, centrándose en los personajes y sus emociones de cerca. Puedes ver esto más notablemente en películas como ¡Madre!, De Schumacher Cabina telefónicay Lee Hombre en el interior, donde la cámara de mano a menudo temblorosa te pone al frente y en persona con los personajes, su estado emocional se muestra claramente, a veces durante un período de tiempo doloroso.

En estos casos, Libatíque trabaja con los parámetros del director para pintar estos marcos y proporcionar la iluminación y la composición necesarias para dar vida a estas emociones. O, como dice Libatíque, trabajar dentro de las “cuatro esquinas” del encuadre dejando que la dirección y la actuación llenen el resto.


Movimientos maníacos en el tiempo y el espacio

Siempre es interesante sumergirse en las películas que inspiraron a algunos de sus directores de fotografía favoritos en sus años de formación. El amor de Libatíque por Spike Lee Hacer lo correcto (como se detalla en el Fandor video ensayo arriba) ciertamente explica mucho sobre cómo Libatíque desarrolló su propio sentido del movimiento en sus composiciones.

Hemos cubierto sus enfoques innovadores y creativos para lidiar con el tiempo, utilizando tanto la cámara rápida como la lenta para cambiar nuestras expectativas. Pero Libatíque también hace uso del espacio en sus proyectos, colocando a la audiencia en la historia a través de su generoso uso de la computadora de mano y la steadicam. La infame SnorriCam proporciona otro ejemplo de lo desenfrenado que puede ser el movimiento en una secuencia de Libatíque, con ángulos inclinados y sacudidas que aumentan la energía y la emoción en sus tomas y escenas.


Perfeccionamiento de los principios básicos del cine

Y, finalmente, podría sorprender a muchos saber que Libatíque es en realidad un director más que capaz que podría haber sido capaz de seguirla como carrera si no hubiera caído con tanto éxito en la cinematografía.

Libatíque tiene constancia de su preferencia por filmar en película sobre digital, pero cuando se trata de sus propios proyectos, se ha adaptado rápidamente a estilos de realización de películas más independientes y de bricolaje, incluida la filmación de su reciente largometraje. Un más allá diferente con un Fujifilm X-T3.

Puedes ver a Libatíque trabajando en el set en el reportaje de arriba. En realidad, es una mirada bastante fascinante a cómo un director de fotografía de renombre puede llevar una cámara de $ 1,000 a través de muchos de los mismos procesos que lo haría para un gran éxito de taquilla como Hombre de Acero o Ha nacido una estrella.

Al centrarse en la composición, la iluminación y las técnicas innovadoras, realmente muestra cómo arraigarse en los conceptos básicos, sin dejar de buscar algo más, puede convertir cualquier proyecto en una película que inicie una carrera.


Para obtener más perfiles de DP y consejos sobre cinematografía, consulte estos artículos a continuación.


Imagen de portada de Ha nacido una estrella (vía Warner Bros.).

Comenzando con Adobe After Effects en 2020: 5 características imprescindibles

Adobe After Effects es un software excepcionalmente versátil. Si recién está comenzando con él en 2020, aquí hay cinco cosas que debe aprender lo antes posible.

Ya sea que esté buscando crear gráficos en movimiento de alta calidad o desarrollar efectos visuales asombrosos, Adobe After Effects está más que a la altura del trabajo. Por supuesto, debido a que el software es capaz de tanto, también puede resultar intimidante aprender.

¿Por dónde debería empezar un nuevo usuario? Bueno, aquí mismo. Aquí hay cinco cosas que desearía que alguien me hubiera mostrado en mis primeros días con After Effects.


1. Terminología

Antes de comenzar mi viaje de gráficos en movimiento, mi experiencia se limitaba a Final Cut Pro X. Eso significaba que me enfrenté a un conjunto completamente nuevo de términos al abrir After Effects por primera vez, algunos de los cuales estaban asociados a funciones y conceptos que conocía con otros nombres en otros programas. Por ejemplo, un proyecto en FCPX es una secuencia en Premiere Pro es una composición en AE.

Vamos a solucionarlo todo. A continuación, se ofrece una referencia rápida a las diversas diferencias de nombres entre Premiere, FCPX y After Effects.

Adobe After Effects: tabla de terminología


2. Fotogramas clave

Fotogramas clave marque el momento en el que especifica un valor para una propiedad de capa. Usarlos de manera efectiva es un eje del trabajo de gráficos en movimiento.

Por ejemplo, si desea que un texto se mueva de izquierda a derecha durante dos segundos, usaría dos fotogramas clave para hacerlo, creando un fotograma clave con la posición X en el lado izquierdo de la pantalla. . .

Adobe After Effects: primer fotograma clave

Y luego otro dos segundos más tarde: el valor X que trae su texto al lado derecho. Una vez que lo juegues desde el principio, verás que el texto se mueve entre los dos X valores que ha introducido.

Adobe After Effects: segundo fotograma clave

Si un fragmento de texto se mueve entre dos puntos a un ritmo constante, parece muy poco natural. Esta forma de movimiento rígido y uniforme no es común en situaciones cotidianas.

Piénsalo. Si andas en bicicleta entre dos puntos, digamos que están separados por cincuenta metros, comienzas lento y comienzas a ganar velocidad. Luego, antes de detenerse, desacelera suavemente en lugar de detenerse abruptamente.

Así es exactamente como agregar Fácil facilidad funciona en After Effects. Así es como se ve el texto en movimiento sin Easy Ease.

Ahora, aquí está el mismo texto con Easy Ease aplicado. Tome nota de lo mucho más natural que se siente todo debido a los ligeros cambios de velocidad al principio y al final del movimiento.

Para aplicar esto a su propio metraje, botón derecho del ratón sus fotogramas clave y seleccione Fácil facilidad, como se muestra en la captura de pantalla a continuación.

Adobe After Effects: Easy Ease

Puede tener aún más control sobre cómo se mueven sus activos entre fotogramas clave utilizando el Editor de gráficos, como se ve en el siguiente clip.


3. Desenfoque de movimiento

¡El desenfoque de movimiento es un cambio de juego absoluto! Al animar un activo, es importante evitar que los movimientos de dicho activo parezcan mecánicos, nerviosos y, bueno, como si estuvieran unidos en un programa de computadora. Ahí es donde entra el desenfoque de movimiento. Así es como se ve el texto en movimiento sin el desenfoque de movimiento.

¿Por qué el desenfoque de movimiento marca la diferencia? La mayoría de las imágenes que ves tienen una velocidad de obturación de 1/50, lo que significa que cada fotograma se toma durante 0,2 segundos. Si algo se mueve rápidamente, entonces es lo suficientemente largo como para que el objeto se haya movido en ese tiempo, lo que resulta en un ligero desenfoque alrededor del objeto en movimiento.

Un metraje agradable, fluido y visualmente agradable es el resultado de la unión de todos estos fotogramas con desenfoque. Nuestros ojos y cámaras agregan naturalmente este desenfoque, pero tenemos que aplicarlo artificialmente al crear gráficos en movimiento, como se ve en el siguiente ejemplo.

Agregar este efecto es sorprendentemente simple:

  1. Crear un activo y animarlo.
  2. Bajar a Alternar interruptores / modos y haga clic en él hasta que vea que aparecen varios cuadros junto a la capa que está animando.
  3. Busque el cuadro del medio a la izquierda con los círculos múltiples. Palanca Esto en.
  4. En la parte superior de la línea de tiempo junto a la barra de búsqueda, puede ver el mismo símbolo. Necesitas haga clic en esto para habilitar el desenfoque de movimiento.
  5. Para ajustar el efecto, navegue hasta el Desenfoque de movimiento sección en la configuración de composición. Incrementar su ángulo de obturación para aumentar la cantidad de desenfoque que está obteniendo.

4. Enlace dinámico

Si planea trabajar con ambos Adobe Premiere Pro y After Effects en el mismo proyecto, entonces te va a encantar.

Es posible que haya pensado que llevar sus animaciones a Premiere Pro significaba que tendría que exportarlas y luego volver a importarlas. Es posible que también haya pensado que realizar cambios en la exportación de After Effects significaba que tendría que pasar por el proceso de exportar nuevamente e importar nuevamente. No

Gracias a enlace dinámico, puede evitar todas esas tonterías potencialmente confusas y que definitivamente consumen mucho tiempo e importar sus composiciones AE directamente a Premiere.

Aquí tiene una forma de hacerlo: simplemente arrastre su Archivo de proyecto AE desde la ventana del buscador a un Compartimiento en su ventana de Premiere. A continuación, se le dará la opción de importar la composición de su elección. Luego, puede arrastrar la composición a su secuencia para trabajar con ella.

Aquí hay otra forma de hacerlo: seleccione un fragmento de metraje en la línea de tiempo de Premiere, uno en el que desee trabajar en After Effects. Navegar a Reemplazar con composición de After Effects. Como ya ha descubierto, esto reemplazará automáticamente su metraje con una composición AE que contenga su metraje.

Reemplazar con After Effects

Seleccione un fragmento de metraje en la línea de tiempo de Premiere y luego reemplácelo con After Effects.

Fácil, ¿verdad? Cualquier cambio que realice en After Effects será visible automáticamente en Premiere. Esto le ahorrará mucho tiempo, así que bloquee estos conceptos básicos lo antes posible.


5. Composición previa

Si está acostumbrado a términos como “anidamiento” o “clip compuesto”, estará familiarizado con la creación de composiciones previas. Creo que se utilizan con más frecuencia en AE que en muchos otros softwares de edición. Así es como funciona.

Simplemente seleccione las capas de su elección, haga clic con el botón derecho y seleccione Crear composición previa para poner estas capas en su propia mini composición. Ahora estarán representados en su línea de tiempo principal por una sola capa. Si hace doble clic en esta capa, puede ingresar a ella para realizar cambios que ahora serán visibles cuando regrese a su composición principal.

Adobe After Effects: precomposición

Adobe After Effects: precomposición creada

Precomposición creada en Adobe After Effects.

Trabajar de esta manera puede evitar el caos en la línea de tiempo, así como permitirle agregar efectos a múltiples capas más fácilmente.


Si es nuevo en After Effects, estos prácticos consejos, trucos, técnicas y herramientas son solo la punta del iceberg. Nuevamente, este software es tremendamente robusto, así que sigue leyendo los instructivos, sigue viendo tutoriales y, lo más importante, sigue probando cosas nuevas. Si dedica suficiente tiempo a recursos como los siguientes, se sorprenderá de la rapidez con la que sube de nivel.


Imagen de portada vía DANIEL CONSTANTE.

Una guía privilegiada sobre lo que hace que la televisión sea buena

Dar vida a la televisión de realidad significa reducir horas de metraje en bruto a conflictos claros y ritmos de personajes. Acudimos a la editora ganadora del premio Emmy, Katherine Griffin, en busca de información.

En los guiones narrativos, el conflicto es el rey. Sin embargo, crear personajes veraces, en capas y convincentes es clave para que la audiencia se preocupe por el viaje. La televisión de realidad podría ser la exploración más pura de ese concepto.

Una de las principales diferencias entre con guión y sin guión es quién impulsa el éxito de la historia. Los largometrajes a menudo se consideran impulsados ​​por el director. La televisión con guión es el medio del escritor y el productor. Sin embargo, se podría argumentar que Reality TV se hace en la bahía de edición. Es necesario reducir horas de metraje para identificar el conflicto deseado y el desarrollo del personaje. Los reality shows, al igual que la historia, no siempre se basan en hechos, sino en la interpretación de los mismos por parte de los responsables. ¿Hay alguna responsabilidad en esa representación interpretada o es simplemente entretenimiento?

Para romper todo esto PremiumBeat fue a una fuente invaluable: el editor ganador del premio Emmy por El mejor chef y seis veces nominado, Katherine Griffin.


Perspectivas de la editora Katherine Griffin

Editora Katherine Griffin

Desde el amor enredado hasta la excelencia profesional, Griffin lo ha visto todo. Imagen a través de Katherine Griffin.

Su trabajo en telerrealidad es extenso. Ha editado programas que exploraron cómo encontrar el amor (La bella y el friki, Licenciatura en el paraíso), poniendo a prueba la resolución personal (Factor miedo, Guerreros Ninja Americanos), dinámica de la familia (Estando al día con las Kardashians), trabajando en equipo (La sorprendente carrera) y excelencia profesional (Proyecto Pasarela, Shear Genius, Diseño superior, El mejor chef).

Narración documental

A pesar de lo variados que son estos programas, nos preguntamos: ¿Existe un hilo común al abordar una edición para un reality show?

Sí, porque todos son sabores diferentes de narraciones documentales. En Reality TV, el editor es el escritor visual responsable de rastrear todos los aspectos de la historia, y eso es lo mismo para cualquier tipo de programa del género. Un aspecto importante de eso es el gran volumen de imágenes que recibimos. Tenemos cientos de horas de metraje sin volver a tomarlas y, a veces, una cámara. Entonces, cortar Reality TV es descubrir cómo condensar todo eso en una historia concisa y clara, y a menudo eso es un verdadero desafío. A veces, los momentos clave ni siquiera se captan con la cámara y tienes que ser creativo. Con frecuencia, miro imágenes que no tienen un principio, medio o final natural, y tengo que averiguar cómo convertirlas en una escena. Al igual que Tim Gunn dice: “¡Haz que funcione!” La creatividad que tenemos como editores de Reality Television es asombrosa.

Hazlo funcionar

En teoría, el concepto de “hazlo funcionar” parece arremangarse romántico, pero ¿qué pasa con la realidad? ¿Qué tipo de trucos puede hacer un editor para servir la narración con metraje limitado? Y, ¿son trucos diferentes a los que podría usar un editor con guiones?

No es diferente, pero diría que es justo decir que dado que nos acercamos a la narración desde una perspectiva más escrita, usamos ciertos trucos con más frecuencia. Como engañar líneas de una escena completamente diferente o usar entrevistas para puntuar un momento. No tenemos necesariamente todos los elementos que uno esperaría naturalmente de un rodaje con guión, por lo que, con mayor frecuencia, buscamos en todo el metraje de la temporada para encontrar líneas salvajes o tomas de reacción para hacer que una escena funcione. Cuando se combina a la perfección, es realmente gratificante.

Algo que creo que es notable acerca de la edición de la televisión de realidad y documentales, en su conjunto, es que los editores no son solo editores de imágenes. También somos totalmente responsables de editar todos los sonidos, efectos de sonido, música y gráficos. Literalmente, todo lo que ves y escuchas en un reality show ha sido elegido y elaborado por el editor para contar la historia. Eso rara vez sucede en cualquier otro lugar de la industria, pero personalmente no lo querría de otra manera. Me encanta el aspecto de edición de sonido y música de mi trabajo.

Abordar proyectos con Avid

Con tanta responsabilidad, se necesita un gran poder. Katherine se siente más cómoda con Ávido, que tiene una gran capacidad para compartir y administrar medios.

Personalmente, solo uso Avid. Muchos editores utilizan varios sistemas para diferentes tipos de proyectos, y yo hice un cortometraje sobre Corte final Hace muchos años. Pero, realmente me gusta Avid, probablemente porque se traduce muy bien de una película real. Utiliza el mismo vocabulario y flujo de trabajo. Aprendí a cortar películas y edité mi primer largometraje en 16 mm, nada más salir de la escuela secundaria. Luego, tomé clases para aprender Avid cuando me mudé por primera vez a Los Ángeles, y me pareció muy natural. La televisión de telerrealidad y documental se corta predominantemente en Avid, así que funcionó para mí. Es el mejor para manejar grandes proyectos compartidos, pero también es el sistema que uso en casa para mis proyectos personales.

La longevidad de los reality shows

Estando al día con las Kardashians

Serie de telerrealidad Estando al día con las Kardashians cartel promocional. Imagen vía ¡MI! Televisión de entretenimiento.

Según Morning Consult / Hollywood Reporter estudiar En 2018, la opinión de la gente sobre Reality TV tuvo una baja preferencia, pero aún así la vieron. Al conversar con Katherine, incluso yo sentí la necesidad de ofrecer una “revelación completa” de lo que he visto en las cuarenta temporadas de Sobreviviente. Ella estaba muy familiarizada con esa reacción y profundizó en lo que cree que contribuye a la longevidad de muchos de estos reality shows.

Cada vez que alguien me dice que le encanta lo que estoy trabajando, siempre dice algo como: “Nunca veo reality shows, pero …” o “Es un placer culpable”. Eso me parece fascinante. No sé las cifras exactas, pero la televisión de realidad debe representar casi la mitad de toda la programación, que debe generar miles de millones en ingresos. Sin embargo, tiene este extraño velo de vergüenza a su alrededor. Y Sobreviviente es el ejemplo perfecto: ¡intenta nombrar otro programa con cuarenta temporadas!

Creo que la conexión personal que sienten los espectadores hacia estos programas, y las personas o situaciones en ellos, es exactamente lo que les da a los programas su longevidad. La televisión de realidad es esencialmente una narración del tipo “rebanada de la vida”. Ya sea una serie documental como Estando al día con las Kardashians o La captura más mortal o una serie de competencias como El mejor chef o Proyecto Pasarela, son un vistazo a una subcultura que ya existe. ¡Eso es increíblemente visible! Y, debido a que estamos viendo personas reales en lugar de actores entrenados, la gente no puede evitar imaginarse a sí misma en el programa y preguntarse qué harían en esa situación. Dado que el elenco cambia cada temporada, a diferencia de la televisión con guión, un programa puede mantener la misma construcción temporada tras temporada, pero aún así sentirse fresco y emocionante con un grupo de personas completamente nuevo. Eso es lo que les da poder de permanencia a estos programas.

El secreto del casting

La sorprendente carrera

Programa de tele-realidad La sorprendente carrera. Imagen vía CBS.

El casting parece ser todo cuando se trata de Reality TV. Teníamos curiosidad: ¿Cuáles son los ingredientes secretos que contribuyen al flujo y reflujo de la popularidad de un miembro del elenco durante toda una temporada?

Creo que la fórmula ganadora, una vez más, se reduce a elegir a personas auténticas que estén dispuestas a compartir aspectos muy personales de sus vidas, en un ambiente controlado (hay cámaras y todos saben que están siendo filmados), donde todo puede pasar. se puede decir cualquier cosa, y no se puede rehacer ni deshacer. Y, por supuesto, la edición.

Proporcionar una hoja de ruta

Ese es el problema, ¿no? Esperar honestidad y vulnerabilidad de personas que saben que están siendo filmadas y editadas. ¿Cuánta realidad real puedes esperar capturar? ¿Y quién lo conduce? En las narraciones, el guionista aporta el texto. En Reality TV, ¿los productores proporcionan la hoja de ruta y la agenda o el programa realmente se encuentra en el metraje?

Definitivamente hay una hoja de ruta. Para cuando estoy montando un programa, los productores en el campo han trabajado con los productores en el puesto (a veces son la misma persona y otras no), y han elaborado la estructura general de los episodios y la temporada. . Sin embargo, si se trata de una serie documental que estoy publicando en lugar de una competencia, hay mucho ensayo y error y mucho espacio para la exploración. A veces, las historias enteras evolucionan a partir de un aspecto interesante del metraje que luego resuena en la pantalla, o, a veces, una historia que los productores pensaron que sería la historia A resulta que no sirve para la temporada, en su conjunto, y se desecha. Más que cualquier otro género, realmente está impulsado por el editor. Una de las cosas que encuentro tan fascinantes de Reality TV es que si se entregaran la misma hoja de ruta y metraje a tres editores diferentes, realmente tendrías tres programas muy diferentes.

La narrativa del personaje

Los arquetipos se crean en la televisión de realidad. Héroes y villanos, los locos, los despiadados, los confiados o los intensos. Obviamente, se deben tomar decisiones para respaldar la narrativa de un personaje que funcione dentro del drama del programa. ¿Cuál es el costo humano de eso? ¿Alguna vez un participante ha desafiado su descripción en la edición? ¿Cuáles son las preocupaciones éticas si se daña una reputación, ya que se trata de personas reales y no personajes de ficción? Katherine habló con eso.

Estoy seguro de que eso sucedió mucho en los primeros días de Reality, pero esto es algo que creo que ha evolucionado considerablemente, incluso a lo largo de mi carrera. Al principio, seguía siendo el salvaje oeste y es posible que la gente no supiera en qué se estaban metiendo. Estoy seguro de que hubo personas que desafiaron su descripción, pero los contratos que firman son muy explícitos. No conozco ninguno específicamente, pero nunca olvidaré cuando estuve en uno de mis primeros programas, en una compañía que ya no existe, y un personaje fue declarado gay. No había salido solo y estaba mortificado. Recuerdo que mi productor dijo: “Tienes que dejar tu conciencia en la puerta, Griffin”. No hace falta decir que no trabajé allí mucho más tiempo.

No creo que ese tipo de preocupaciones éticas sucedan más, al menos no en ninguno de los programas de mi esfera. De hecho, siento que ahora es todo lo contrario. Acabo de terminar una temporada de RuPaul’s Drag Race All Stars, y el productor ejecutivo trabajó en estrecha colaboración conmigo para asegurarse de que la representación de cada reina honrara exactamente quiénes son.

En su mayoría, los personajes se revelan a sí mismos, y simplemente les dejamos hacerlo.

El futuro de los reality shows

¿Hacia dónde va el futuro de los Reality TV? ¿Influyentes como el Kardashians, los ayudantes como el Queer Eye equipo, el Amas de casa reales de insertar ciudad aquí, o la competencia muestra el camino? Katherine ve una nueva tendencia basada en una nueva normalidad.

Creo que esta época culturalmente tumultuosa que estamos viviendo tendrá un gran impacto. Covid-19, el Movimiento Black Lives Matter, la caída de nuestro gobierno … todos informarán a los programas que avanzan. La televisión de realidad se adapta perfectamente a los acontecimientos actuales de frente debido a su estilo documental. Es un reflejo de los tiempos. De hecho, me duele que el término “estrella de la telerrealidad” se haya vuelto tan burlón debido al actual ocupante de la Oficina Oval, porque creo que la telerrealidad es muy poderosa y extremadamente creativa. Tiene una gama tan amplia y realmente hay algo para todos. ¿Quién hubiera pensado que un programa sobre terapia de pareja sería tan magnético y crudo? ¿O que podrías tener tantos programas diferentes sobre repostería? Creo que es increíble que estos programas muestren un talento tan increíble y, en algunos casos, den forma a industrias. ¡Eso es poderoso!


Los impulsores y agitadores de la industria podrían ser los beneficiarios más tangibles de Reality TV. Pero, para los narradores y los amantes de la narración, la joya extraída de hablar con Katherine fue su observación de que “la mayoría de los personajes revelan sí mismos. ” Su trabajo es la intersección del arte y la técnica, pero su don para los espectadores, respaldado por la continua popularidad del medio, es poder encontrar el metraje que hace que la gente común se identifique y sea empática.


¿Interesado en la edición de videos? Nosotros también. Por eso creemos que le gustarán estos artículos:


Imagen de portada de Ritmo + Flujo vía Netflix.

Explore los ritmos emocionales del sonido inspirador de Bridget Barkan

Desde baladas neo-soul hasta himnos pop apasionados, la artista de PremiumBeat Bridget Barkan escribe música para historias que unen a las personas.

Cuando nativo de Nueva York Bridget Barkan canta, ya sea que esté abriendo para Lady Gaga, recorriendo el mundo con los íconos glamorosos de las Scissor Sisters o en el estudio con el legendario DJ y productor de house Todd Terry, las cabezas giran y los corazones dan un vuelco. La voz de Barkan es impactante por su fuerza, y la energía emocional detrás de su voz es aún más fuerte. Cada nota que canta está cargada. Cuando se eleva, cuando canta y cuando susurra, historias enteras se desarrollan.

Las historias le importan a Bridget Barkan. Como artista de la serie PremiumBeat Signature, escribe música para historias que unen a las personas. Como artista en la cima de su juego, sus canciones exigen tu atención. Esta es una música inteligente y urgente impulsada por el canto profesional y la pasión de un activista por la conexión humana.

La propia historia de Barkan comienza en el set de plaza Sésamo, como actriz infantil que eventualmente trabajó junto a Maggie Gyllenhaal, Brian De Palma, Phillip Seymour Hoffman, Steven Soderbergh y más. Sus logros en cine y televisión no se limitan a la actuación. El canto de Barkan, tanto grabado como en directo, se ha presentado en Sangre azul, Punto ciegoy Martin Scorsese El irlandés. Tan cómoda en el escenario como en la pantalla, la experiencia teatral de Barkan es considerable e incluye espectáculos premiados de una sola mujer de su propia creación. Todo vuelve a las historias.

Explorando la música libre de derechos de Bridget Barkan

Cuando escuchas las casi veinte pistas que ha contribuido a la biblioteca PremiumBeat, una cosa queda clara: ya sea un auténtico neo soul, un alegre jazz vintage o un electro-pop digno de un estadio, los sonidos que encabezan las listas de éxitos son algo natural para Bridget Barkan. Su música puede ser tan tierna como triunfante. Puede ser divertido y feroz al mismo tiempo, e incluso cuando las vibraciones se vuelven frías, las pistas de Barkan son directas.

Pistas notables

El trabajo de Bridget Barkan para PremiumBeat es la opción preferida para los creadores que necesitan baladas e himnos inspiradores y seguros que vibren con espíritu real. La pista “Guerrero“Es una llamada a la acción constante y contundente:” sigue subiendo, sigue luchando “. Es solidaridad en forma de canto y celebración de la unidad. “Te amo betta“Es nada menos que un suave oro lento, mientras que”Ocurrir”Ofrece buenas vibraciones a través de un peculiar funk de cafetería. “Fuera del gris”Surcos junto con una vibra casi retro / new-wave antes de revelarse como una obra maestra del pop himno. La piel de gallina es fuerte con este.

Eleve su trabajo con la música emocionalmente rica de Bridget Barkan

Si su proyecto exige un espíritu vivo y positivo, una atmósfera animada, emoción honesta y una voz femenina poderosa (en todos los sentidos de la palabra) (también en todos los sentidos de la palabra), Bridget Barkan es su solución única. Ella es una artista de verdadera profundidad. Hay una empatía e integridad en su música que la distingue de la tarifa estándar libre de regalías.

Esto es música para proyectos apasionantes, ya sean documentales sobre temas sociales, artículos que exploran la naturaleza humana o videos creados para apoyar o promover una causa. Echa un vistazo a algunas de las pistas más populares de Bridget Barkan en la lista de reproducción seleccionada a continuación. Cada uno está disponible a perpetuidad con una simple licencia estándar de $ 49.


Todas las imágenes vía Bridget Barkan.

La cinematografía precisa y expresiva de Rachel Morrison

Con un buen ojo para los detalles, la cinematografía de Rachel Morrison dio vida a las oscuras realidades del delta del Mississippi y la majestuosidad de Wakanda.

Han pasado varios años desde que destacamos Rachel Morrison como uno de los mejores directores de fotografía emergentes para ver (en 2016), cuando la graduada de AFI MFA venía de los pasos de su primer trío aclamado de películas: Estación Fruitvale, pastel, y Droga. Desde entonces, ganó una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Cinematografía por su trabajo en Embarrado (convirtiéndola en la primera mujer en recibir la distinción).

Oh, y el Director también le encargó Ryan Coogler para dirigir la cinematografía de la aclamada megaproducción Pantera negra, por lo que probablemente sea seguro decir que Rachel Morrison ya no es una prometedora, ha llegado.

Pero, ¿cómo ha evolucionado la cinematografía de Rachel Morrison a lo largo de los años? Desde su experiencia en fotografía hasta su primera incursión en el cine independiente y su reciente éxito en algunas de las funciones y franquicias más importantes que se destacan actualmente, profundicemos en los sellos, los rasgos y la apariencia del estilo y la artesanía únicos de Rachel Morrison.


La mentalidad de un fotógrafo

Crecí con una cámara en la mano. Siempre me sentí cómodo detrás de la lente. Y tomaría las fotos familiares. Luego, tomaba fotos de mis amigos. Pero, luego, también se interesó mucho por el concepto de cinematografía y una suerte de narrativa más completa y de veinticuatro cuadros por segundo y poder contar una historia, no solo en una imagen estática, sino en una imagen en movimiento.

En una entrevista sentada con ARRIChannel, Morrison da un poco de historia sobre cómo se inició en la cinematografía y cómo sus raíces en la fotografía le han ayudado a moldear su ojo y su mentalidad.

Mientras asistía a NYU (junto con el aclamado director de fotografía Reed Morano), Morrison encontró su trabajo fotográfico como una transición perfecta para contar historias a veinticuatro cuadros por segundo.

Puede ver la mentalidad de esta fotógrafa en la forma en que elige enmarcar y capturar los momentos intrincados de sus sujetos en sus primeros proyectos de documentales y realidad. Estas sensibilidades iniciales de un fotograma a la vez influirían en sus primeras funciones independientes, como la hiperreal y expresiva. Estación Fruitvale, que fue su primera colaboración con el director Ryan Coogler.


Una lente enfocada en la emoción

Cuando miras a través de la filmografía de Morrison, principalmente en sus primeros trabajos documentales, comienzas a notar cuánto enfoque pone Morrison, no en los eventos o la acción de una secuencia o escena, sino en los rostros y los movimientos sutiles basados ​​en emociones de los personajes. .

El ensayo en video de arriba (por Fandor) ofrece ejemplos de los estilos y técnicas característicos que Morrison emplea para disparar en una variedad de estilos y ángulos de toma, desde tomas panorámicas complejas y tomas en POV hasta primeros planos intensos y emotivos por los que es venerada.


Trabajando con los mejores

Si bien Morrison recibió muchos elogios por sus primeros trabajos, fue el éxito de Sundance Embarrado – una de las primeras películas independientes más importantes de Netflix – que realmente la puso en el mapa.

Como puede ver en el artículo anterior, director Dee Rees eligió a Morrison para asumir el desafío de capturar la dureza tan importante de un drama histórico ambientado en el sur rural. Los lentes ajustados de Morrison y el encuadre característico motivado por la emoción en Mudbound Las miradas torturadas y desaturadas realmente dieron vida a toda la intensidad de la narración.


Llevando el indie a la corriente principal

Uno de los aspectos más geniales de la cinematografía y el estilo de Morrison es que en realidad escala bastante bien, como admite en lo anterior. CookeOpticsTV entrevista sobre cómo aplicar su sensibilidad independiente al mundo de los éxitos de taquilla de Marvel.

por Pantera negra, las pizarras se hicieron mucho más grandes y las necesidades de diferentes estilos de cobertura (multicámara en lugar de cámara única, por ejemplo) cambiaron.

Morrison pudo llevar muchas de sus mismas herramientas y trucos para capturar emociones al lenguaje del cómic y la narración centrada en el espectáculo. Lo cual, para ella y el mérito del director Ryan Coogler, es sin duda una de las razones por las que Pantera negra se destaca como una de las mejores películas de superhéroes de todos los tiempos, y la única película de Marvel en recibir una nominación al Oscar a la Mejor Película.


Encontrar su voz en el arte de la cinematografía

Finalmente, en uno de los mejores ejemplos de cómo su cinematografía ha sido reconocida por su comprensión emocional y precisión técnica, Morrison fue invitada por El reportero de Hollywood para sentarse a una mesa redonda con otros directores de fotografía destacados Janusz Kaminski, Roger Deakins, Robert Elswit, Dan Laustseny Hoyte Van Hoytema.

En un intercambio particular con el Habrá sangre el director de fotografía Robert Elswit, Morrison habla de cómo los “accidentes felices” de filmar con celuloide, a menudo en situaciones independientes de correr y disparar, se capturan las mejores y más memorables tomas y secuencias.

Para obtener más perfiles de los directores de fotografía y conocimientos sobre el cine, consulte los siguientes recursos:


Imagen de portada vía Piedra rodante.

Una guía completa para transmitir videojuegos en Twitch

Con solo unas pocas piezas de hardware y software gratuito, puede comenzar a transmitir videojuegos en Twitch con Twitch Studio. Prueba esta sencilla configuración.

Con la transmisión de videojuegos convirtiéndose en un medio de creación de contenido masivo en los últimos años, cada vez más personas quieren transmitir de forma paralela, con la esperanza de convertirse algún día en un streamer patrocinado a tiempo completo.

El ascenso a la cima tiene muchos caminos, pero hay que empezar por algún lado. Los mejores streamers son celebridades por derecho propio, con configuraciones de transmisión de alta gama que harían llorar a la billetera promedio. Pero no necesita una tarjeta gráfica RTX 2080 Ti o un monitor curvo 4K para transmitir. Para empezar, todo lo que necesitas son algunas piezas de hardware, algunos videojuegos, aunque no todos los streamers juegan, y una personalidad en la cámara que resonará en la audiencia.

Si bien no puedo ayudar mucho con el aspecto de la personalidad, puedo decir que hay una audiencia para todos, así que no se esfuerce demasiado en atraer a las masas. Solo hazlo tú, y otras personas de ideas afines entrarán en tu chat con suscripciones y donaciones en poco tiempo. Sin embargo, lo que puedo hacer es decirle el tipo de equipo que necesita, cómo configurarlo y cómo pasar de jugar videojuegos en su escritorio a transmitir a (con suerte) miles de personas.


La configuración ideal

Configuración de jugador profesional

Esta es la configuración ideal. Este transmisor tiene todos los componentes esenciales, pero también hay algunas piezas de hardware adicional, como los soportes de iluminación, el mezclador de audio y el tercer monitor. Imagen vía Bestiario icónico.

No necesita mucho para comenzar y es muy probable que ya tenga algunos de los equipos necesarios para transmitir. La imagen de arriba es algo a lo que aspirar, pero no todos los elementos son necesarios para empezar. Estos son los conceptos básicos para comenzar:

  • Computadora
  • Cámara / Webcam
  • Micrófono
  • Monitores duales

Sí, no es mucho, pero la computadora en sí ocupará la mayor parte del presupuesto. Si ya tiene una computadora capaz, esa es una buena cantidad de dinero que no tendrá que gastar, y se pueden encontrar micrófonos y cámaras web por alrededor de $ 100 cada uno. El segundo monitor no necesariamente mejorará la calidad de su transmisión. Aún así, tener un segundo monitor facilitará la administración de su transmisión, realizar transiciones de diseño y, lo más importante, mantenerse al día con los espectadores en el chat.


Computadora

Los streamers con excelentes configuraciones emplean una configuración de transmisión de dos computadoras, reproduciendo en una computadora mientras la otra computadora maneja la transmisión. Dado que ambas actividades, jugar y transmitir, consumen muchos recursos de la computadora, esta es una solución excelente, aunque costosa, no apta para principiantes.

Entonces, para mantener los costos bajos, querrá jugar y transmitir juegos desde la misma computadora, aunque eso tiene algunos contratiempos. Utilizar una computadora es más rentable, pero puede haber una caída en el rendimiento al reproducir y transmitir simultáneamente. Las computadoras con mejores especificaciones pueden manejar bien ambas actividades, por lo que querrá asegurarse de tener una buena computadora.

Si está comprando una computadora o computadora portátil prefabricada, o planea construir una propia, aquí es donde debe invertir su dinero: CPU, GPU y (hasta cierto punto) RAM. Y, para ver en profundidad la creación de PC, lea nuestra guía de construcción de PC, que detalla lo que hace cada componente principal y ofrece guías de construcción a diferentes precios.

Procesador (CPU)

La transmisión ocupa una buena parte de los recursos del procesador, por lo que no querrá crear un cuello de botella al tener una CPU por debajo del promedio en su sistema. La línea Ryzen de CPU de AMD es excelente y ofrece CPU de subprocesos múltiples en configuraciones de cuatro, seis y ocho núcleos que se venden por menos que sus contrapartes de Intel. Algo como el AMD Ryzen 5 3600 debería ser suficiente para un sistema de reproducción / transmisión. Esta CPU cuesta $ 200, con una frecuencia de impulso máxima de 4.2 GHz, 12 subprocesos y un TDP bajo de 65W; la potencia de diseño térmico mide el calor máximo generado por una CPU cuando está bajo una carga pesada. Siempre que no esté jugando juegos con la configuración máxima, esta CPU debería funcionar bien.

Tarjeta gráfica (GPU)

La GPU es el componente más importante para los juegos, pero también se usa para la transmisión, aunque no tanto como la CPU. En una PC para juegos, este componente generalmente cuesta más que cualquier otro, y por una buena razón. Mientras que una CPU tiene algunos núcleos, cada uno de los cuales maneja diferentes tareas generales, la GPU tiene miles de núcleos más pequeños, que se especializan en tareas visuales que convierten el código en panoramas bellamente renderizados, marines espaciales y fontaneros que rescatan princesas. 1660 Ti de Nvidia no ganará ninguna carrera, pero es una GPU sólida con unos respetables 6GB de VRAM y un reloj de impulso de 1875MHz.

Memoria del sistema (RAM)

La memoria de acceso aleatorio (RAM) es tan importante como cualquier otro componente, responsable de almacenar las instrucciones del programa para la CPU. Las tarjetas gráficas usan una memoria separada, llamada Video Random Access Memory (VRAM), pero las CPU usan la memoria del sistema.

A medida que abre cualquier software, esas instrucciones se cargan en la RAM para que la CPU acceda rápidamente. Cuando no tiene suficiente RAM, las instrucciones más antiguas se mueven a la memoria virtual, lo que lleva más tiempo cargar de nuevo en la RAM cuando su CPU necesita la información. Cuando no hay suficiente memoria, las computadoras tienden a fallar o congelarse.

En estos días, muchos juegos de gama alta, conocidos como juegos AAA, usan una cantidad considerable de RAM, a veces hasta 12 o 16 GB. Si está transmitiendo y jugando desde la misma computadora, necesitará al menos 16 GB de RAM para comenzar, con planes de duplicar cuando el presupuesto lo permita. Para dos unidades de RAM de 8GB, por un total de 16GB, planee gastar entre $ 60 y $ 80; durante una escasez de RAM, espere pagar el doble por el mismo kit. Consulte nuestro artículo detallado sobre RAM para obtener una visión detallada de la memoria del sistema y los mejores kits de RAM actualmente en el mercado.


Cámara / Webcam

Si bien algunos transmisores optan por no usar una cámara, una transmisión de cámara en su transmisión hace que los espectadores se sientan más cómodos, lo que aumenta su personalidad en el aire. Si no te sientes cómodo mostrando tu cara en la transmisión, está bien, pero tener una cámara a menudo es más ventajoso que no.

Usar una cámara web es la forma más conveniente de configurar una cámara en su transmisión: consulte nuestra lista de cámaras asequibles y listas para transmitir. Las cámaras web son convenientes y las decentes tienen un precio de alrededor de $ 100, pero puede ser difícil encontrarlas ahora mismo, ya que la pandemia continúa. Con más personas trabajando, estudiando y manteniéndose en contacto desde sus hogares a través del software de videoconferencia, el suministro de cámaras web es bajo en su mayoría en todas partes.

La alternativa, aunque cara, puede ayudar a que su transmisión se vea mucho mejor. Si bien las cámaras web son más fáciles de configurar, el uso de una cámara sin espejo o DSLR puede aumentar la calidad de la transmisión.

Cámara sin espejo Canon EOS M50

He estado usando la cámara sin espejo Canon EOS M50 para transmisión y videoconferencia. Es más cara que cualquier cámara web, pero la M50 es una cámara compacta y versátil a un precio asequible. Imagen vía DMZ001.

Para usar una cámara sin espejo o DSLR, necesitará una tarjeta de captura o un dispositivo similar. Elgato fabrica el Elgato Cam Link 4K, que cuesta $ 129. Para aprender a configurar Cam Link 4K, ver nuestra guía detallada. Una tarjeta de captura hace el mismo trabajo, pero Cam Link es menos costoso, más pequeño y más fácil de configurar.


Micrófono

Twitch y otras plataformas de transmisión tienen que ver con los medios visuales, pero no es aconsejable olvidarse de la calidad de audio de una transmisión. El audio débil puede arruinar una transmisión y los espectadores se escapan rápidamente para ver otra cosa.

Aunque un micrófono de diadema puede hacer el trabajo, es mejor usar un micrófono dedicado para obtener la mejor calidad. Tampoco necesita un micrófono XLR con un mezclador y una interfaz de audio, pero algo en el rango de $ 100 debería funcionar bien. He usado el micrófono USB AT2020 de Audio-Technica durante años y sigue siendo un excelente micrófono de nivel de entrada a un precio asequible. Este tipo de micrófono de condensador es propenso a captar incluso los sonidos más pequeños, por lo que es mejor tener su configuración en un lugar silencioso.


Monitores duales

Tener un segundo monitor suena exagerado, pero descubrirá rápidamente lo necesario que es cuando se transmite con solo uno. El segundo monitor es donde tendrá la ventana de transmisión abierta y donde podrá chatear con sus espectadores, realizar transiciones de diseño, cambiar los niveles de audio y monitorear todo lo demás.

Cuando use solo un monitor para transmitir, su capacidad para realizar cambios en su transmisión será limitada. Entre una computadora, una cámara y un micrófono, sé que esta lista se está volviendo costosa, pero su transmisión no será tan buena si se queda con un monitor. Además, el segundo monitor no tiene por qué ser tan bueno como el primero. Recientemente compré un segundo monitor – un Acer 1080p 60Hz 22 ″ – que obtuve por $ 140 de Best Buy durante una oferta. No es tan bueno como mi monitor principal, pero no es necesario que lo sea. Solo necesita mostrar mi transmisión.


Transmisión con Twitch Studio

Twitch Studio: Ventana de transmisión

Esta es la ventana de transmisión dentro de Twitch Studio. Los espectadores interactúan utilizando la función de chat, que puede ver en el lado derecho de la ventana. En el lado izquierdo, puede cambiar entre diseños, y el texto sobre la transmisión es donde puede editar el título, las etiquetas y la notificación de transmisión.

He escrito mucho sobre el uso de OBS para streaming, videoconferenciay captura de imágenes. Sin embargo, aunque creo que es un programa gratuito increíble, configurar OBS puede ser demasiado complicado para los principiantes. En cambio, el software de transmisión de Twitch, Twitch Studio, es una opción mucho mejor para los principiantes, una que elimina todas las funciones innecesarias para brindar una experiencia de usuario optimizada que es perfecta para cualquiera que busque transmitir por primera vez.

El software se encuentra actualmente en versión beta, pero está en un punto en el que todas las funciones principales están funcionando y no encontré ningún error en mis pruebas. Originalmente planeé hacer esta sección sobre OBS, pero después de transmitir con Twitch Studio, fue evidente que el gigante de la transmisión púrpura salió del parque. Si bien el software es fácil de usar, puede ser demasiado simple para los streamers de mucho tiempo, cuyas configuraciones de transmisión son mucho más complicadas. Lo que ofrece Twitch Studio es una solución de transmisión liviana que es capaz de hacer que el usuario, ya sea experimentado o no, esté listo para transmitir en solo unos minutos. Yo he transmitido un par de veces usando Twitch Studio y lo siguiente es lo que aprendí.

Configuración inicial: configuración de la transmisión

Twitch Studio: configuración de calidad de transmisión

Twitch Studio establece automáticamente la configuración de calidad de transmisión recomendada en función de su ancho de banda y hardware, pero puede cambiar la configuración.

Twitch Studio ejecutará un diagnóstico de calidad de transmisión al abrir por primera vez el software, que prueba su ancho de banda de Internet y su hardware (especificaciones de la computadora) para proporcionarle una configuración predeterminada de la calidad de transmisión recomendada.

Después de ejecutar un diagnóstico en mi computadora y conexión a Internet, el software sugirió transmitir usando su ajuste preestablecido de 720p60, que establece automáticamente las resoluciones, la velocidad de fotogramas, la velocidad de bits y el codificador. Elegí aumentar el valor preestablecido al valor preestablecido máximo de 1080p60, que el software me advirtió que podría causar un almacenamiento en búfer para los espectadores con conexiones a Internet más lentas. Después de hacer dos transmisiones, no creo que haya sido un problema, pero necesitaría más espectadores para saber cuántos se ven afectados por la tasa de bits más alta.

Twitch Studio: ajuste del codificador

Si no está satisfecho con las recomendaciones de Twitch Studio, puede cambiar la configuración. Twitch Studio ejecutará otra prueba cuando cambie a un ajuste preestablecido diferente. Si su computadora está a la altura, verá marcas de verificación verdes debajo del Resumen de la prueba.

En la configuración inicial, el software también buscará una cámara y un micrófono y le dará la opción de seleccionar un esquema de color para el diseño de su transmisión. Puede cambiar estas opciones más adelante, pero la configuración inicial lo hace para que pueda comenzar a transmitir de inmediato.

Configuración de Stream

Twitch Studio: configuración de transmisión

Puede optar por capturar cualquier aplicación que esté en pantalla completa, o puede seleccionar una persona. Si estás en vivo, tu elección aparecerá inmediatamente en la transmisión, así que tenlo en cuenta si hay alguna ventana con información confidencial.

Después de la configuración inicial, puede iniciar cualquier juego y seleccionarlo para la captura de pantalla en la esquina superior izquierda del software. Puede cambiar esto para capturar cualquier software de pantalla completa, pero prefiero seleccionar el juego individualmente para no mostrar notificaciones u otros programas accidentalmente.

Antes de hacer clic en Iniciar transmisión, es una buena idea editar la información de las novedades, que puedes usar para enviar notificaciones a tus seguidores. Puede activar el Información de la transmisión ventana haciendo clic en el texto sobre la ventana de flujo. Aquí es donde puede nombrar la transmisión, configurar una notificación, seleccionar una categoría, etiquetas e idioma de transmisión. Para los espectadores que quizás no sepan quién eres, esta es una forma de captar la atención de alguien, así que intenta crear un título llamativo.

El software, aunque no incluye tantas funciones como OBS, hace que todo sea mucho más fácil. Desde la creación de nuevos diseños hasta la configuración de alertas de Twitch, Twitch Studio reduce la experiencia de transmisión a sus funciones más esenciales.

Diseños y alertas de Twitch

Si alguna vez miraste una transmisión, es posible que hayas notado que los transmisores pasan de una pantalla a otra. Twitch Studio incluye tres diseños de transmisión prefabricados, de los cuales puede elegir el tema de color durante la configuración inicial. Cada diseño se puede editar más adelante y puedes crear otros nuevos, lo cual es mucho más fácil de lo que parece.

Twitch Studio: diseños

Puede elegir el color y el fondo de sus diseños en la configuración inicial. los Editar diseño El botón le da acceso a más herramientas, con la opción de crear sus propios diseños.

los Principal El diseño, que muestra la captura del juego y tu cámara, es el que más usarás si estás transmitiendo juegos, y está bien hecho. Pero puedes hacer clic en el Editar diseño hacia la parte inferior de la pantalla para realizar cambios.

Crear un nuevo diseño es fácil e hice uno nuevo en solo unos minutos. Utilizando los recursos y las herramientas integradas de Twitch, creé un diseño con un fondo degradado y un texto que dice “Iniciar transmisión”. Tener un diseño previo a la transmisión es excelente porque les da a los espectadores tiempo para completar su transmisión antes de comenzar, lo que les da tiempo a los espectadores para iniciar sesión en Twitch. A algunos streamers les gusta colocar una cuenta atrás en su diseño previo a la transmisión, pero esa función no es compatible actualmente con este software.

Twitch Studio: agregar capa

Para crear un diseño, aplique las diferentes capas. Cada capa se puede personalizar de diferentes formas.

Twitch Studio: capa de alerta

Aquí hay un diseño simple que creé usando las herramientas y activos integrados en Twitch Studio. Agregué una capa de Twitch Alerts y la activé para ver cómo se vería.

Si bien es posible crear varios diseños en OBS, necesitará una extensión de terceros para usar las alertas de Twitch, que están integradas en Twitch Studio. El diseño principal usa alertas de Twitch que activan un banner cada vez que hay un nuevo seguidor, suscripción o animador. Desde Twitch Studio, puede personalizar el aspecto y el sonido de cada una de las cinco alertas.

Para muchos principiantes, las herramientas para crear nuevos diseños pueden parecer desalentadoras, pero en realidad son algo limitadas. Es genial que Twitch Studio proporcione algunos diseños para empezar, pero puede hacer diseños creativos con las herramientas integradas.


Transmisión casual

Con la combinación correcta de hardware y software, la transmisión puede ser fácil y comenzar no tiene que ser ridículamente costoso. No pienses ni por un minuto que tu transmisión debe compararse con alguien patrocinado por Mountain Dew. Claro, comprar una computadora lista para transmitir, capaz de transmitir y jugar juegos, no es barato, pero ese es el precio para transmitir.

Esté atento a las ventas de computadoras y componentes de Newegg y Amazon, o busque un buen hardware de segunda mano en eBay. No es necesario que empieces con las mejores cosas. Solo necesita una configuración que funcione de manera confiable. Y, cuando se trata de configurar su transmisión, Twitch Studio agiliza la experiencia de transmisión, por lo que puede preocuparse por jugar videojuegos en lugar de la calidad de la transmisión.

Si su primera transmisión no atrae a miles de espectadores, es normal. Nadie lanza su carrera de transmisión con una gran base de fanáticos a menos que ya sea famoso. Siéntete cómodo frente a la cámara, aprende cómo aprovechar al máximo tus herramientas y hazlo simple. Más adelante vendrán seguidores, donaciones y mejor equipo. Por ahora, inicia el juego y finge que estás jugando con amigos. De eso se trata, ¿no ?.


Imagen de portada vía Wajahat Baig.

Nueva suscripción a Maxon, que incluye Cinema 4D, Red Giant, Redshift

Finalmente, una suscripción que realmente le ahorrará algo de dinero. Maxon ha lanzado una suscripción que incluye Cinema 4D, Red Giant y Redshift.

Estas son algunas buenas noticias para aquellos que ya han tenido Cine 4D y Gigante rojo completo suscripciones, todas esas herramientas ahora se están moviendo a una suscripción nueva (y más barata) llamada Maxon One.

Si incursiona en 3D, gráficos en movimiento y VFX, es probable que ya esté gastando alrededor de $ 49 / mes por la suscripción a Red Giant Complete y otros $ 59 / mes por una suscripción a Cinema 4D (o $ 81 / mes cuando C4D se incluye con el Motor de renderizado Redshift). Eso ahora es cosa del pasado, a menos que, ya sepa, quiera pagar varias suscripciones.

Han sido unos años muy ocupados para Maxon, los creadores de Cinema 4D. Después adquiriendo el renderizador de GPU Redshift el año pasadoy fusionándose con Red Giant a principios de este año, la empresa va por la vía rápida para crear una potente oferta de vídeo y 3D. Maxon One es el último intento de invitar a los creativos a su mundo para experimentar y crear utilizando todas sus herramientas.


Maxon One

Maxon One

Las ofertas de Maxon One son amplias. Imagen vía Maxon.

Maxon One es la nueva oferta de suscripción que incluye todos los productos Maxon. Obtendrá Cinema 4D para crear en 3D, Redshift para renderizado avanzado de GPU, y todo Gigante rojo conjuntos de complementos y herramientas para efectos visuales, diseño de movimiento y edición de video.

Productos Maxon One

Maxon One reúne todas sus herramientas en una sola oferta.

A medida que la oferta de productos de Maxon sigue creciendo, también lo hace la simplificación de su oferta de productos. Con la oferta nativa de Cinema 4D dentro de After Effects, y todos los complementos y herramientas de Red Giant funcionando en Premiere Pro y AE, tiene sentido que la compañía reúna todas sus herramientas en una oferta que se puede combinar con su suscripción a Adobe Creative Cloud. .

Especificaciones de Maxon One:

  • Cine 4D
  • Redshift para C4D
  • Gigante rojo completo
  • Desde $ 99 / mes

Lanzamiento 23 de Cinema 4D

Además de la nueva suscripción, Maxon también ha anunciado la versión más reciente de Cinema 4D. La nueva versión agrega nuevas herramientas de animación de personajes, que incluyen un nuevo administrador de Pose, Toon and Face Rigs, Character Solver, flujos de trabajo Delta Mush y más.

Cinema 4D de Maxon

La versión más reciente de Maxon de Cinema 4D. Imagen vía Maxon.

Para mostrar las muchas nuevas capacidades de animación, Maxon encargó este cortometraje animado a German Character Artist. Can Erduman.

El corto también utilizó las nuevas mejoras UV (además de todas las demás nuevas funciones UV agregadas hace solo unos meses).

Cinema 4D de Maxon

También se agregó a Cinema 4D de Maxon: Magic Bullet Looks. Imagen vía Youtube.

Otras características nuevas incluyen la adición de Magic Bullet Looks en Cinema 4D, lo que permite a los artistas 3D aplicar los más de 200 ajustes preestablecidos y herramientas de corrección de color.

Ahora puede agregar grano de película, aberración cromática, importar LUT y mucho más, todo sin tener que salir de C4D. Un beneficio adicional, ni siquiera tiene que esperar para renderizar, y puede obtener una vista previa de Magic Bullet Looks dentro de su Viewport.

Además, los nuevos Scene Nodes permiten a los artistas profundizar en proyectos masivos y modelado de procedimientos, como nunca antes.

Hay aún más actualizaciones para explorar. A continuación, se ofrece una descripción general rápida de estas nuevas herramientas en acción.

Usted puede profundiza en todas las nuevas funciones con esta colección de videos.

Cinema 4D R23 estará disponible para descargar el 9 de septiembre. Los suscriptores existentes tendrán acceso inmediato para descargar, y los propietarios perpetuos de R21 pueden actualizar su licencia o cambiar a Cinema 4D o una nueva suscripción a Maxon One.


Imagen de portada vía Florian Renner.

La discusión sin fin: efectos visuales prácticos frente a CGI

Desde Christopher Nolan hasta David F. Sandberg, veamos cómo los cineastas están trabajando para cambiar la clásica conversación entre Efectos prácticos y CGI.

Dato curioso: de hecho, comencé a escribir este artículo hace cuatro años. Después de revisar mis notas, se me recordó que mi idea original era posicionar Mad Max: Furia en la carretera dentro del contexto del argumento clásico “CGI vs. Efectos prácticos”, ya que pensé que la película usaba ambos enfoques para lograr una perfección complementaria.

Ahora, todavía me siento así. Camino de furia es un brillante ejemplo de cómo ambas técnicas cinematográficas pueden trabajar juntas para crear algo totalmente original, único y nuevo.

Pero que es no nuevo – lo que es, de hecho, cansado y viejo y hecho – es la conversación “CGI vs. Efectos prácticos”. El tema simplemente se juega. A nadie le importa. CGI vs. Práctico. Cine vs. digital. Lo que sea. Veamos una película.

Entonces, no más lo uno o lo otro. No más esto o aquello. En lugar de discutir un lado, simplemente vamos a reconocer la realidad y explorar cómo usar efectos prácticos y / o CGI en 2020, hacia dónde se dirige todo y qué significa todo para los creadores contemporáneos de bajo presupuesto como nosotros.


Explotando aviones reales

“Ambicioso.” Es una palabra que se usa mucho en las discusiones sobre Christopher Nolan y sus películas. A menudo se lo promociona como el cineasta más ambicioso de la actualidad, por lo general en el párrafo inicial de un artículo sobre algún efecto práctico loco o truco que insistió en hacer en una de sus películas.

Entonces, en cuanto a llamarlo ambicioso, estoy de acuerdo, hasta cierto punto. El estatus de Nolan como autor se basa en su voluntad de traspasar los límites al tiempo que exige autonomía en un sistema diseñado para rechazarlo. Quiero decir, es por eso que tenemos obras maestras como El caballero oscuro, Interestelary Dunkerque.

Sin embargo, aunque estoy de acuerdo en que sus películas son realmente ambiciosas, ¿no insistirías en tener cosas tu manera si ¿estaban en una posición de autoridad completa al frente de una película de 150 millones de dólares? ¿Había escrito una ópera espacial destinada a honrar todas las grandes películas espaciales anteriores, como 2001: una odisea espacial, puede apostar que me gustaría un escenario físicamente real lleno de iluminación práctica y cámaras IMAX cargadas con película de 70 mm.

Pero, si comparamos a Nolan con sus compañeros directores actuales de gran presupuesto, la razón por la que la mayoría de estos directores emplean CGI en sus películas es porque, económica y prácticamente hablando, es todo lo que pueden hacer para hacer la película y contar la historia. Muy pocos cineastas disfrutan del nivel de confianza de los estudios y del tiempo que se les otorga a personas como Nolan y Tarantino.

Entonces, ¿Christoper Nolan es ambicioso? Si obviamente. ¿Es único en su ambición? No. Es simplemente afortunado de estar en una posición que le permite ver su ambición hasta el final. Y eso significa que está haciendo estallar aviones reales en el lugar en lugar de volar aviones falsos en la publicación.

Hablando de publicaciones, veamos algunos ejemplos de uso exagerado de CGI y tratemos de averiguar por qué sucede con tanta frecuencia.


Espectáculos CGI

Creo que es seguro decir que realmente puedes sensación es cuando realmente está sucediendo una secuencia de acción. Como en, puedes decir cuando los especialistas saltan de camiones en movimiento en el desierto mientras explotan en enormes bolas de fuego.

En la misma línea, también puedes decir que Robert Downey jr. realmente no está volando por el aire con un traje robótico. ¿Este hecho me saca de la película? No, porque estoy comprando una entrada para una película de Marvel y quiero ese nivel exacto de escapismo.

Si bien es fácil hablar sobre el uso excesivo de CGI en películas de Marvel, remakes de acción en vivo de Disney o cualquier característica de hiperfantasía, también es importante tener en cuenta que la idea misma de estas películas requiere una cierta cantidad de CGI. Quiero decir, no es como si hubiéramos inventado un traje de vuelo indestructible con tecnología de cámara que es capaz de rastrearlo a través del cielo, ¿verdad ???

Entonces, supongo que lo que estoy diciendo es que los directores que emplean efectos prácticos impresionantes a menudo lo hacen porque los efectos se alinean con las reglas y posibilidades del mundo en el que existe su historia.

Deberíamos esperar un cierto nivel de efectos prácticos al ver películas basadas en el mundo real. Ésa es una de las razones por las que el nuevo Misión imposible Las películas son tan buenas: los acróbatas reales en realidad ejecutando para la cámara. Como cineastas, solo tenemos que entender qué requiere la historia.

Ahora que no he dicho básicamente nada, ¿dónde encajan los cineastas de bajo presupuesto en todo esto? ¿Cómo podemos usar (o evitar) estas prácticas, momentos de inspiración y errores en nuestros propios proyectos cuando no podemos permitirnos hacer explotar decorados y contratar casas de efectos visuales? ¿Estamos limitados a escribir y filmar historias basadas en la tierra ambientadas en la casa de nuestro tío?

Absolutamente no. De hecho, hay algunos directores y creativos contemporáneos realmente impresionantes que pueden mostrarnos cómo romper estas barreras.


Mezclarlo todo junto

Con herramientas como Blender, Cinema 4D y After Effects, los efectos de nivel cinematográfico están al alcance de creadores de todos los tamaños. No necesitas un presupuesto de un millón de dólares para crear algo realmente espectacular.

Tomar Peter Francia, Ian Huberty David F. Sandberg. Cada uno de estos creadores puede hacer algo aparentemente de alto presupuesto desde la comodidad de su hogar o con sus amigos. Como se ve en el video de arriba, Peter FranciaEl cortometraje de Spider-Man para Pasillo Digital es un espectáculo para la vista. Pero Francia no se detiene ahí. Recientemente publicó un desglose completo de cómo hacer esto usted mismo, todo dentro del software gratuito de código abierto. Licuadora.

En el lado más pequeño y aterrador del espectro, tienes David F. Sandberg. Mientras se toma un descanso de la dirección de películas literales de superhéroes, su destreza práctica como cineasta de bajo presupuesto permanece fuera de serie. Atrapado en el interior como el resto de nosotros, Sandberg creó uno de los mejores cortos (y videos detrás de escena) de este año. Es una combinación perfecta de filmación y cinematografía hiperpráctica, rematada con efectos visuales caseros.

Hablo de estas herramientas en términos de CGI frente a efectos prácticos porque la línea entre ellas solo se vuelve más borrosa y delgada, y estas herramientas están ayudando a los cineastas a encontrar el equilibrio perfecto necesario para lograr efectos de apariencia realista.

Ian Hubert, el Dios mismo licuadora, vive en el bosque (al menos eso es lo que asumo como su seguidor de Instagram), pero aún puede construir mundos enteros, desde dentro de su casa, a través de un par de luces, pantallas verdes y Blender.

Como dice Hubert en el video,

Siempre estoy muy entusiasmado con las posibilidades de una tecnología como esta y lo que puede hacer por los cineastas independientes.

De acuerdo, confesión. Este artículo iba a ser menos “CGI frente a efectos prácticos” y más “los efectos prácticos son mucho mejores para crear la inmersión de la audiencia”. Parece que mi opinión ha cambiado. Ahora aprecio que haya un momento y un lugar para el CGI, especialmente en las manos de personas verdaderamente creativas como Hubert, Sandberg y Francia, que demuestran que el cielo es el límite.


Imagen de portada vía Warner Bros.

Nvidia anuncia que las GPU de la serie 3000 llegarán pronto al mercado

La nueva línea de GPU Ampere de Nvidia está aquí, duplicando las funciones asistidas por IA para jugadores y creadores de contenido. Aquí está la primicia.

Después semanas de burlas y mirando hacia atrás en lanzamientos de productos anteriores, Nvidia finalmente anunció su serie 3000 de GPU a través de una transmisión en vivo el 1 de septiembre.

Nvidia anunció tres nuevas GPU durante su evento transmitido en vivo, con el buque insignia RTX 3080 de $ 699 a la cabeza. La RTX 3070 más asequible ofrece un rendimiento ligeramente mejor que la mejor GPU actual de Nvidia, la RTX 2080 Ti, a un precio increíblemente bajo de 499 dólares. Finalmente, el RTX 3090 es un gigante, apodado “BFGPU” (¿entiendes?), Por Nvidia, y cuesta la asombrosa suma de $ 1499. El RTX 3090 es capaz de jugar en 8K a 60 fps, una combinación de resolución y velocidad de cuadros nunca antes vista y absolutamente ridícula.

La nueva línea de GPU de Nvidia utiliza la arquitectura RTX Ampere de segunda generación, que promete velocidades de reloj más rápidas, mejor enfriamiento, funciones avanzadas asistidas por IA y trazado de rayos más eficiente. El evento transmitido en vivo, presentado por el CEO Jen-Hsun “Jensen” Huang desde su cocina, se centró principalmente en el aspecto de juego de las nuevas GPU, y Jen-Hsun hizo un guiño al papel de los jugadores en el desarrollo de GPU. Jen-Hsun dijo:

Son los jugadores y su insaciable demanda la fuerza impulsora de la GPU.

Las tres versiones de Founders Edition de las GPU utilizan un nuevo sistema de enfriamiento de flujo continuo dual-axial que se dice que mantiene la GPU más fría y más silenciosa que los modelos anteriores. Las GPU Ampere utilizan núcleos de trazado de rayos de segunda generación y núcleos de tensor de IA de tercera generación. Las GPU también usan GDDR6 VRAM y la nueva función RTX IO, que según Nvidia puede cargar activos del juego directamente desde el almacenamiento a VRAM y reducir el uso de la CPU hasta veinte veces al acceder al almacenamiento. Las especificaciones de cada una de las GPU varían, pero aquí están las hoja de especificaciones completa.


Por qué son buenas noticias para los creativos

Si bien las GPU Ampere son ciertamente excelentes para los juegos, gracias al trazado de rayos (el trazado de rayos hace que la luz sea realista y realista) también son excelentes para los creativos que trabajan en la edición de videos, efectos visuales, animación, arquitectura y otros campos que requieren gráficos por computadora. Los editores de video que usan la versión paga de DaVinci Resolve o Premiere Pro pueden aprovechar una poderosa GPU para renderizar video y ayudar con otras tareas en el software a través de la aceleración de hardware.

Aunque la línea de GPU Quadro de nivel profesional de Nvidia es la mejor para proyectos creativos, esta nueva línea de GPU Ampere de nivel de consumidor ofrece un rendimiento increíble a un precio competitivo. El latido recientemente publicó un artículo sobre la construcción de PC de edición de video, y recomendamos el buque insignia actual de Nvidia, el RTX 2080 Ti, en nuestra versión de PC de edición de video de alta gama. El RTX 2080 Ti es aprobado por Adobe para su uso en Premiere Pro y After Effects, lo que la convierte en una opción confiable para el renderizado acelerado por GPU. El problema es que es demasiado caro, cuesta más de $ 1000, pero el nuevo RTX 3070 de menor precio de $ 499 ofrece un mejor rendimiento, a menos de la mitad del precio. Cuando la RTX 3070 salga a la venta en septiembre, será posible construir una excelente PC de edición de video por mucho menos.

El video de arriba no fue renderizado previamente. Es de una demostración que utiliza trazado de rayos en tiempo real para simular la iluminación. UNA demostración anterior mostró este mismo juego ejecutándose en el hardware actual, y las diferencias son espantosas. Es solo cuestión de tiempo antes de que los creadores utilicen todo el potencial de estas GPU para crear juegos increíbles, películas animadas y más.

Según Nvidia, sus GPU de la serie RTX 3000 son capaces de ofrecer tiempos de renderizado 3D que son hasta dos veces más rápidos que las GPU actuales de Nvidia. Para los artistas y animadores de efectos visuales que utilizan software de renderizado 3D, como Blender Cycles y Maxon Cinema 4D, Nvidia promete reducir los tiempos de espera. SheenCity Mars y D5 Render, software de renderizado 3D utilizado para arquitectura, utilizan la nueva función DLSS 2.0 de Nvidia. Supermuestreo de aprendizaje profundo es una red neuronal de aprendizaje profundo que las GPU RTX pueden usar a través de sus núcleos Tensor (procesadores de IA) para generar imágenes nítidas y altas velocidades de cuadro.


Otras características anunciadas

Aunque muchas de las funciones anunciadas en el evento estaban dirigidas a los jugadores, varias funciones se destacaron para los creadores de contenido. Nvidia Broadcast ofrece a los streamers y a quienes trabajan desde casa las herramientas para mejorar sus cámaras y micrófonos en varios software de videoconferencia y transmisión. Y Omniverse Machinima permite a los creadores utilizar recursos del juego para crear sus propias historias.

Transmisión de Nvidia

Los streamers ahora pueden sacar más provecho de su configuración utilizando el software Broadcast de Nvidia, que usa IA para mejorar el video y el audio. La aplicación Nvidia Broadcast es un complemento que se integra con software de transmisión, como OBS, Twitch Studio e incluso aplicaciones de videoconferencia como Zoom.

Al transmitir o realizar videoconferencias, es necesario un entorno silencioso, pero no siempre es posible. Nvidia Broadcast presenta Noise Removal, una función que utiliza IA para eliminar el ruido de fondo. En el video de arriba, puede escuchar cómo el sonido del secador de pelo se silencia inmediatamente cuando se activa la eliminación de ruido. Con la eliminación de ruido activada, los bebés que lloran, los ladridos de perros y otros ruidos de fondo ya no interrumpirán la transmisión o las videollamadas.

Fondo virtual es otra característica útil. Zoom usa una tecnología similar para eliminar y reemplazar lo que hay detrás de una persona, pero Virtual Background de Nvidia Broadcast usa IA para cambiar el fondo. Esta función no solo elimina o reemplaza el fondo, sino que también puede difuminarlo, un aspecto que solo se puede obtener mediante el uso de cámaras caras con lentes de gran apertura. Es casi imposible diferenciar entre usar Fondo virtual y usar una pantalla verde para obtener el mismo efecto.

Finalmente, Auto Frame sigue la cabeza del usuario mientras se mueve por la pantalla, creando la ilusión de que la cámara se está moviendo. El software se acerca al sujeto, lo que permite seguir los movimientos de la cabeza de un lado a otro. Los usuarios que activen esta función permanecerán en el marco, incluso cuando alcancen una bebida o se alejen de la computadora.

Nvidia Broadcast estará disponible para descargar más adelante en septiembre, para usuarios con GPU Nvidia RTX.

Machinima omniverso

Machinima omniverso es una nueva herramienta desarrollada por Nvidia que permite a los usuarios crear videos usando activos de videojuegos. Los usuarios pueden importar personajes, fondos y otros activos de los videojuegos y animarlos para crear videos asombrosos. Este tipo de realización cinematográfica se conoce como Machinima. Y, aunque ha existido durante años, las herramientas dentro de Omniverse Machinima facilitarán que otros adquieran la habilidad.

El software utiliza trazado de rayos en tiempo real, física y animación de personajes para una simulación similar. Los usuarios pueden importar una pista de voz y animar completamente la boca de un personaje utilizando la IA de animación facial del software. Al capturar el movimiento de un usuario a través de una cámara web, la IA puede animar el movimiento de un personaje. Omniverse Machinima se integra con software como Maya, Unreal Engine, Photoshop y otros. El software aún no está disponible, pero los posibles usuarios pueden solicitar acceso anticipado.


El amperio rompe las expectativas

Es posible que un fabricante de GPU de terceros filtrado accidentalmente Las especificaciones de las nuevas GPU Ampere de Nvidia antes de lo previsto, pero la revelación final parece haber valido la pena. Tanto la RTX 3070 como la 3080 son asequibles, en comparación con las GPU RTX de última generación, y son claramente más potentes que incluso la GPU de consumo más potente que se vende actualmente.

La hoja de especificaciones de las GPU Ampere es impresionante, pero el conjunto de otras características, como Nvidia Broadcast y Omniverse Machinima, muestra que Nvidia pone a los creadores a la vanguardia. Si bien los jugadores ciertamente sacarán mucho provecho de estas impresionantes GPU, los creadores encontrarán formas de superar los límites en la animación, la producción de video y el renderizado 3D.

Hasta que los revisores tengan en sus manos las GPU Ampere, no sabremos su rendimiento en el mundo real, pero Nvidia parece tener confianza en sus productos. Refiriéndose a un futuro en el que las holocubiertas y las naves espaciales a la velocidad de la luz se hagan realidad, Jen-Hsun dijo:

En este futuro, miraremos hacia atrás y nos daremos cuenta de que comenzó aquí.

Nvidia y los socios de fabricación de terceros están listos para lanzar las GPU RTX 3080 y 3090 en las próximas semanas. El asequible, pero increíblemente poderoso, RTX 3070 llegará a las tiendas en algún momento de octubre.


Imagen de portada vía sdecoret.

Curso de cámara Oda a los huesos desnudos

Cómo una reproducción fotocopiada, sin grapas y probablemente ilegal de La guía de la cámara Bare Bones inspiró mi creatividad e impulsó mi carrera cinematográfica y de video.

Primero me di cuenta de El curso de cámara Bare Bones para Filmetro y video (PDF) mientras asistía a una escuela de arte con fines de lucro en 2006. El libro era de lectura obligatoria para una clase de introducción a la producción de videos que tomaría ese trimestre y, como la mayoría de mis lecturas obligatorias, compré mi copia en la librería de la escuela.

Para mi sorpresa, al solicitar una copia de Puros huesos, No me entregaron un gigante pesado de tapa dura, sino más bien una pequeña pila de páginas fotocopiadas, con grapas sueltas en la esquina y todavía calientes por la máquina Xerox. Este era mi libro de texto oficial. También fue la base de mi comprensión del cine.

Si mi escuela estaba autorizada o no para reproducir y vender este libro de esta manera improvisada está en debate. Dicho esto, el libro en sí tiene una sensación improvisada que casi pide ser fotocopiado. Es básicamente una revista; las dos primeras ediciones de este libro se componen íntegramente de ilustraciones dibujadas a mano y tipo Courier a doble espacio y doce puntos.

Extracto del libro de texto Bare Bones

Extracto de El curso de cámara Bare Bones para cine y video: segunda edición. Imagen vía Georgetown Commons.

Publicado por primera vez en 1982, el texto de ochenta y nueve páginas es una guía breve y completa para comprender los conceptos básicos de la fotografía de películas y videos. Puros huesos explica de forma ordenada las funciones básicas de la cámara, como la velocidad de la película y la profundidad de campo, así como conceptos fundamentales como la composición y la dirección de la pantalla. Para mí, a los diecinueve años, sabiendo mucho más en mi corazón que en mi cabeza, Puros huesos fue fundamental para mi comprensión del cine y la televisión. Fue un catalizador. Fue una vibra. Fue el comienzo perfecto para mi carrera como profesional creativo.

Al escribir esta publicación, ahora doy un guiño respetuoso a este texto encantadoramente accesible en todas sus formas, piratas u otras. Esta es mi oda a Puros huesos y su autor modesto, el difunto Tom Schroeppel.


El nacimiento de Puros huesos

Componiendo Bare Bones

El propósito original de Schroeppel para el manuscrito era ayudar a sus clientes a comprender la configuración de su cámara. Imagen vía alexat25.

En 2006, Tom Schroeppel dio una entrevista a Película autosuficiente, un blog dedicado a defender el cine independiente. En la entrevista, cuenta que se le ocurrió por primera vez la idea del libro a fines de la década de 1970.

En ese momento, Schroeppel estaba ocupado con trabajos comerciales en Miami y ocasionalmente viajaba a Ecuador para capacitar a camarógrafos para una pequeña red de televisión en Quito. Describió una reunión con un cliente en Miami:

Un día, mientras dibujaba en la servilleta de un restaurante de La Pequeña Habana para explicarle un montaje a un cliente, me di cuenta de que era lo mismo que había explicado en español la semana anterior en Quito. Decidí traducir mis notas de capacitación de nuevo al inglés e imprimirlas en una versión que pudiera entregar a los clientes.

En el verano de 1979, compiló lo que se convertiría en la primera versión de Puros huesos, recogiendo notas, dibujando ilustraciones de figuras de palitos y escribiendo todo en su máquina de escribir IBM Selectric. Compartió esta versión con amigos de la industria antes de pasar a explorar la autoedición.

Con la esperanza de solicitar algunos consejos de los instructores en el campo, colocó un anuncio clasificado en el Boletín de educación del American Film Institute:

En el anuncio, ofrecí una copia gratuita de la versión final publicada de mi libro a cambio de críticas a mi borrador. Cien maestros pidieron copias y treinta de ellos respondieron y dijeron que querían usar el libro, incluso en su forma actual de figura de palo, como un libro de texto.

Ilustrando la profundidad de campo

Ilustración de El curso de cámara Bare Bones para cine y video: segunda edición. Imagen vía Georgetown Commons.

Como resultado, Schroeppel dio el salto y comenzó a autoeditarse, encargando una versión mejorada de sus dibujos de figuras de palitos a una casa de animación local. En las notas del autor que se encuentran en el libro tercera edicion, explica que quería Puros huesos seguir siendo autoeditado, asegurando que el texto sea accesible y asequible. Continuó la autoedición hasta 2015, cuando finalmente pasó la pelota a Prensa de Allworth, un grupo relativamente pequeño dedicado a publicar recursos prácticos y accesibles para profesionales creativos.


La sólida percepción de Puros huesos

Información sobre los huesos desnudos

Puros huesos’ El objetivo es enseñar específicamente a una persona a usar una cámara. Imagen vía Colección Everett.

Entonces, que hace exactamente Puros huesos ¿Enséñanos? La respuesta corta es mucho. A continuación, se ofrece un recorrido rápido por algunos de los temas y conceptos que cubre el texto de Schroeppel.

Cómo funciona una cámara

Cómo funciona una cámara

Schroeppel continúa describiendo exactamente cómo se captura una imagen. Imagen vía Colección Everett.

El libro comienza describiendo cómo la luz es percibida por el ojo humano, luego continúa explicando que una cámara es simplemente una aproximación de este proceso. Schroeppel cubre conceptos básicos, como cómo se captura una imagen tanto en la película como en los sensores digitales, así como cómo se mide la temperatura del color. Su explicación de la exposición, en lo que respecta a la velocidad de la película, es particularmente útil, ya que desmitifica la correlación entre la longitud de la lente y el ancho de apertura.

El lenguaje del cine

Terminología de películas y videos

No solo cubre los conceptos básicos, explica la terminología utilizada en la industria. Imagen vía Colección Everett.

Las hábiles explicaciones de Schroeppel de la terminología común de películas y videos fue quizás lo que más aprendí de su trabajo. Aclara los conceptos básicos de la fotografía, como el ángulo y la composición de la cámara, y cubre los principios cinéticos vitales tanto para la filmación como para la edición, como la dirección de la pantalla y el movimiento de la cámara. Al exponer magistralmente estos conceptos, Puros huesos se convirtió en mi introducción al lenguaje del cine.

Uso práctico de la luz

Si la película es esencialmente la captura de luz, entonces comprender la iluminación es sin duda la clave. Schroeppel brinda información sobre cómo trabajar con luz natural y cómo construir configuraciones de iluminación efectivas. Continúa brindando consejos sobre la iluminación de escenarios de filmación hipotéticos.

Estos son solo algunos de los conceptos básicos ilustrados en el libro. Con tanta información completa en un texto tan conciso, no es de extrañar que Puros huesos sigue siendo relevante y útil hasta el día de hoy.


Tom Schroeppel – el autor

Firma de Tom Schroeppel

Firma del autor Tom Schroeppel de la tercera edición de Puros huesos. Imagen vía Prensa de Allworth.

En esa misma entrevista con Películas autosuficientes, Schroeppel explica que sus notas, lo que finalmente se convirtió Puros huesos – eran esencialmente una interpretación de lo que había aprendido en la Escuela de Fotografía Cinematográfica del Ejército. Habiendo sido reclutado en el ejército en 1966, optó por extender su alistamiento para calificar para el entrenamiento cinematográfico.

Para mí, fue lo más interesante que el Ejército tenía que ofrecer. Vengo de una familia de ávidos fotógrafos aficionados y fotógrafos de películas, por lo que ganarme la vida tomando fotografías siempre estuvo en el fondo de mi mente.

Tom Schroeppel pasó a disfrutar de una prolífica carrera independiente, filmando y editando para clientes de televisión comercial en Miami y finalmente trabajando con Mundo de niños, una revista de televisión infantil sindicada.

Schroeppel habla con cariño de su Mundo de niños experiencia. Él dice Autosuficiente que tuvo el privilegio de escribir, dirigir y filmar más de 100 episodios de la serie, y señaló que el programa le brindó mucha libertad creativa. Agregaré eso, sobre un búsqueda superficial en internet, Soy bastante querido.

Tras el éxito de Puros huesos, Schroeppel escribió un seguimiento titulado Objetivos de video: obtener resultados con imágenes y sonido. Continuando con la doctrina de accesibilidad del autor, Objetivos de video se centra en desmitificar el proceso de producción en general.


El legado de Puros huesos

El legado de Tom Schroeppel

Antes de su muerte, Schroeppel donó el resto de sus libros de texto para ayudar a enseñar a los estudiantes el arte del cine y el video. Imagen vía narikan.

Poco antes de su fallecimiento en 2016, Tom Schroeppel donó cuarenta cajas de su famoso libro de texto al Distrito de Escuelas Públicas del Condado de Hillsborough. Según su familia, la mala salud de Schroeppel le obligó a vender los derechos de publicación del libro. Sin embargo, todavía tenía cientos de copias a mano y quería asegurarse de que fueran bien utilizadas.

Hasta el día de hoy, el libro se utiliza para enseñar a estudiantes en cientos de universidades de todo el país. La tercera edición del libro puede haber abandonado el tipo Courier de doce puntos, pero aún presenta las ilustraciones encantadoramente simples y dibujadas a mano emblemáticas de su edición anterior.

Por lo tanto, si alguna vez se encuentra en una posición de mentor y le gustaría pasar la antorcha del saber hacer cinematográfico a un joven novato, no busque más. El curso de cámara Bare Bones para cine y video. Podrías encender una luz en el mejor cineasta del mañana.


Imagen de portada vía Georgetown Commons.

Cinco de las mejores y más asequibles cámaras para vlogs

Echemos un vistazo a cinco de las mejores y más asequibles cámaras del mercado y sumérjase en el divertido y lucrativo mundo de los vlogs.

Si eres un creador de contenido aficionado o un profesional experimentado del cine o el vídeo, si estás interesado en sumergirte en el lucrativo mundo de los vlogs, entonces vas a necesitar una buena cámara.

La mejor cámara de vlogueo incluirá funciones que harán su vida más fácil y su contenido más atractivo. Por ejemplo, la función de pantalla abatible para el autocontrol y las opciones de enfoque automático (AF) inteligente que le permiten grabar sin la ayuda de un operador adicional. Además, en la era actual, probablemente querrá una grabación de video 4K, o al menos un Full HD muy potente que le brinde la mejor calidad de imagen para cargar en línea.

Analicemos cinco de las mejores opciones de cámaras de vlogueo actualmente en el mercado, que van desde cámaras de acción sencillas y económicas hasta algunas de las cámaras digitales sin espejo más sofisticadas, pero de precio moderado.


1. DJI Osmo Pocket

Antes de adentrarnos en las cámaras digitales más “tradicionales” que podría esperar ver en una lista como esta, tengo que mencionar una de las videocámaras de cardán digital más inventivas que existen en el mercado. Si bien puede parecerse más a un medidor de llantas con una cámara o incluso un palo para selfies glorificado, si está buscando algo básico y fácil de usar, considere la DJI Osmo Pocket.

Esta opción liviana y versátil es perfecta para cualquiera que trabaje realmente sobre la marcha o que cree cosas como vlogs de viajes. Como la mayoría de las cámaras pequeñas y cámaras de acción en estos días, ofrece video 4K y toneladas de estabilización, gracias a su cardán de tres ejes incorporado.

Desde la perspectiva de los vlogs, verifica todas las casillas, siempre y cuando esté de acuerdo con usar un teléfono inteligente como controlador y monitor y emplear otro método para la grabación de audio (que suele ser el caso de la mayoría de las cámaras).

Especificaciones:

  • Lente: 25,7 mm (equivalente)
  • Sensor: sensor CMOS de 12 MP 1 / 2,3 ″
  • Grabación: 4K Ultra HD hasta 60 fps
  • Monitor: pantalla táctil de 2,2 pulgadas
  • Enfoque automático: AFC y AFS
  • Audio: ninguno, pero adaptable con smartphone

Precio: $ 369


2. Canon EOS M50

Caída de precio debido a las nuevas cámaras Canon como la R5 y R6, así como a un mercado altamente competitivo, la Canon EOS M50 es perfecto para los aspirantes a vloggers que desean el estilo y la apariencia de color característicos de Canon sin gastar mucho dinero.

El M50 es compacto y robusto. Ofrece un potente sensor CMOS de 24,1 MP y un sistema de enfoque automático inteligente de doble píxel. La pantalla táctil LCD de ángulo variable puede abrirse para servir como monitor.

El M50 puede disparar 4K, pero hay una advertencia: 4K incluirá un recorte de 1.6x, así que asegúrese de considerar esto al tomar una decisión. Sin embargo, el HD de 1080p es bastante sólido y, dependiendo de la configuración de su lente (la opción de stock es una lente del kit IS STM de 15-45 mm), debería tener mucha cobertura de calidad con esta respetable cámara de inicio de Canon.

Especificaciones:

  • Lente: compatible con lentes Canon EF-M
  • Sensor: sensor CMOS Canon de 24,1 MP
  • Grabación: 4K hasta 30 fps (recortado), Full HD 1080p hasta 60 fps
  • Monitor: monitor LCD con pantalla táctil de ángulo variable de 3,0 ″
  • Enfoque automático: AF CMOS de doble píxel
  • Audio: micrófono incorporado (estéreo), entrada de micrófono externo

Precio: $ 649


3. Sony a6400

Nivel de entrada de Sony a6400 es en realidad una de las opciones mejor diseñadas y asequibles para la comunidad de vlogueos en línea. Sony es bien conocida en la comunidad de video profesional por sus opciones de gama alta, como la a7 III y la a7S II, así como por sus opciones de cámaras de cine. Sin embargo, han logrado grandes avances en cuanto a cámaras de inicio accesibles que en realidad son perfectas para contenido digital estrictamente en línea, como los vlogs.

La a6400 sobresale en su tecnología de enfoque automático con su sistema superior “Eye-AF” que sigue los ojos de un sujeto. También obtienes un sensor de 24.2 megapíxeles con grabación 4K a hasta 30 fps, excelente calidad de imagen, una pantalla que se puede voltear y tu conjunto estándar de opciones de entrada / salida. También es sólido para los vlogs en movimiento, pero sin un IBIS fuerte, ayuda a incluir mucha estabilización o enfocarse en tomas estáticas.

Especificaciones:

  • Lente: compatible con montura E de Sony
  • Sensor: sensor CMOS APS-C de 24,2 MP
  • Grabación: 4K hasta 30 fps
  • Monitor: monitor LCD con pantalla táctil de 3,0 ″ inclinable en 180 °
  • Enfoque automático: seguimiento en tiempo real y Eye AF
  • Audio: micrófono incorporado (estéreo), entrada de micrófono externo

Precio: $ 899


4. Olympus OM-D E-M5 Mark III

No duermas en el Olimpo. Los avances de la marca en las capacidades de grabación de video y la tecnología de enfoque automático hacen que el E-M5 Mark III una de las opciones de vlogs más sólidas en el rango de precio medio.

Como una cámara micro cuatro tercios, la E-M5 Mark III le brindará una gran potencia de grabación con video DCI 4K hasta 24 fps y UHD 4K hasta 30 fps, junto con Full HD hasta 120 fps. También obtendrá un monitor LCD giratorio compatible con vlogger, un útil IBIS de 5 ejes y un enfoque automático extremadamente preciso con su sistema AF de detección de fase de tipo cruzado de 121 puntos.

Especificaciones:

  • Lente: Micro cuatro tercios
  • Sensor: sensor MOS de 20.4MP
  • Grabación: 4K hasta 30 fps
  • Monitor: monitor LCD con pantalla táctil de ángulo variable de 3,0 ″
  • Enfoque automático: AF de servo continuo (C)
  • Audio: micrófono incorporado (estéreo), entrada de micrófono externo

Precio: $ 999


5. Panasonic Lumix GH5

Finalmente, si bien hay muchas cámaras DSLR y sin espejo excelentes en este rango de precios de $ 1,000, recomendamos encarecidamente el Panasonic GH5 para todas tus necesidades de vlogging.

La GH5 ofrece 4K a hasta 60 fps, tiene un soporte sólido con IBIS y tiene un fantástico sistema avanzado de enfoque automático DFD que puede bloquearse en un instante (.05 segundos).

Al igual que las otras opciones de esta lista, podrá abrir la pantalla, configurar las luces externas y las grabadoras de audio, y grabar contenido de vlog de 4K de alta calidad que debería compararse con cualquier cosa que encuentre actualmente en plataformas como YouTube, Facebook y Twitter.

Especificaciones:

  • Lente: Micro cuatro tercios
  • Sensor: sensor MOS de 20,3 MP
  • Grabación: 4K hasta 60 fps
  • Monitor: monitor con pantalla táctil de ángulo libre de 3,2 ″
  • Enfoque automático: DFD avanzado (profundidad desde el desenfoque)
  • Audio: micrófono incorporado (estéreo), entrada de micrófono externo

Precio: $ 1,299


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Imagen de portada de fizkes.