Las 10 mejores cámaras de video digital para cine en 2021

¡Clasificamos nuestras diez mejores selecciones para las mejores cámaras de video digitales para la realización de películas aquí en 2021! Veamos los resultados.

A pesar de que una pandemia está ralentizando las industrias en todo el mundo, el juego de las cámaras digitales es tan sólido y feroz como siempre. En el último año, hemos visto importantes avances tecnológicos, así como muchas actualizaciones importantes y cámaras completamente nuevas agregadas.

¿Pero cual es el apropiado para usted? Esa pregunta se reducirá a varias preguntas con respecto a su fabricante favorito, conjunto de habilidades y precio. Sin embargo, lo tenemos cubierto a medida que desglosamos las diez mejores cámaras para filmar en 2021. ¡Vamos a sumergirnos!


1. Fujifilm X-T4

Recién anunciado hace un año, El tan solicitado seguimiento de Fujifilm a su Fujifilm X-T3 no ha decepcionado. La X-T4 mantuvo todos los elementos que hicieron que la X-T3 fuera sobresaliente, con su sensor de 26.1 megapíxeles, video 4K de hasta 60 fps y una hermosa grabación F-Log. Sin embargo, el X-T4 también cuenta con adiciones y mejoras para la estabilización de imagen en el cuerpo (IBIS), grabación de alta frecuencia de cuadros (HFR), una pantalla táctil LCD desplegable, mejor audio y el doble de duración de la batería.

Hemos incluido la Fujifilm X-T4 primero en nuestra lista debido a sus características robustas y su precio altamente competitivo, actualmente a $ 1,699 (o $ 2,099 con un kit de lentes de 18-55 mm). Esta es una buena opción de cámara sin espejo para aquellos que comienzan en la realización de películas digitales o videografía.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS 4 APS-C X-Trans BSI de 26.1MP
  • Procesador de imagen X-Processor 4
  • Estabilización de imagen en el cuerpo de 5 ejes
  • DCI / UHD 4K a 60 fps, Full HD a 240 fps
  • Sistema AF híbrido de 425 puntos
  • EVF OLED de 3.69 millones de puntos y 0,75 aumentos
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3,0 ″ y 1,62 m de puntos
  • Conectividad Bluetooth y Wi-Fi
  • Modos de simulación de película

Precio: $ 1,699


2. Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K

Debido a que la industria se ha movido tan rápido desde su anuncio y lanzamiento, puede parecer que la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K es una noticia pasada en este momento (quiero decir, ¿dónde está nuestra BMPCC8K, verdad?). Pero nada puede estar más lejos de la verdad. Mientras cubrimos en nuestro completo revisión práctica, el BMPCC6K es un gigante de la cinematografía empaquetado en un paquete portátil que sigue siendo increíblemente barato para lo que está obteniendo.

Con grabación de video 6K a hasta 50 fps, un sensor HDR de tamaño Super 35 y una montura EF más compatible, la BMPCC6K es la actualización perfecta para su Contraparte 4K y debería ser un elemento básico de la comunidad de video digital durante los próximos años, lo que significa algo sobre lo rápido que avanza la industria.

Especificaciones completas:

  • Montura Canon EF / EF-S activa
  • Sensor HDR de tamaño súper 35
  • Graba 6K 6144 x 3456 hasta 50 fps
  • ISO 400 y 3200 nativos dobles a 25.600
  • Pantalla táctil de 5 ″ 1920 x 1080
  • Grabe hasta 120 fps HD con ventana
  • Ranuras para tarjetas CFast 2.0 y SD / UHS-II
  • Grabación externa a través de USB tipo C
  • Rango dinámico de 13 pasos, compatibilidad con 3D LUT
  • Incluye licencia DaVinci Resolve Studio

Precio: $ 1,995

Si está interesado en la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K, aquí hay algunos artículos adicionales para ver que cubren todo, desde lentes hasta ajustes preestablecidos y cómo manejarla en el frío.


3. Nikon Z6 II

A un precio similar al de la Fujifilm X-T4 y la BMPCC6K, tenemos la única oferta de Nikon en nuestra lista con la Nikon Z6 II. Una continuación reciente de la Z6, la Z6 II es otra cámara de alta calidad y alta capacidad que ofrece muchas de las mismas especificaciones (como 4K a hasta 30 fps con salida HDMI de 10 bits), pero con su propio estilo distintivo de Nikon.

Si eres fanático de las cámaras o objetivos Nikon, esta es la cámara para ti. Y animo a cualquiera que mire las cámaras alrededor de este umbral de precio de menos de $ 3,000 (que se ha argumentado es el actual umbral para cámaras que no son de cine en el mercado) para al menos comprobar este también. Es posible que se enamore de su soporte N-Log y HLG (HDR) y su estética y ergonomía bien diseñadas.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS BSI de formato FX de 24.5MP
  • Procesadores de imagen Dual EXPEED 6
  • UHD 4K a hasta 30 fps
  • Salida N-Log y HDMI de 10 bits
  • Sistema AF de detección de fase de 273 puntos
  • Visor electrónico OLED de 3,6 millones de puntos
  • Pantalla LCD táctil inclinable de 3,2 ″ y 2,1 m de puntos
  • Reducción de vibraciones en el cuerpo de 5 ejes
  • Ranuras para tarjetas de memoria dobles

Precio: $ 1,996


4. Sony a7S III

Uno de los más grandes anuncios de cámara de 2020, El tan esperado seguimiento de Sony de su popular a7S II ha superado las expectativas en todos los aspectos. La Sony a7S III encaja perfectamente con la línea de ofertas de cámaras de cine y sin espejo digitales de la marca, a un precio elevado ($ 3,500) y con una enorme capacidad de grabación en 4K hasta 120 fps.

Por supuesto, no te equivocarás también echa un vistazo a la Sony a7R IV, que también llamó la atención con su reciente lanzamiento. Sin embargo, vamos a recomendar la a7S III aquí solo por la popularidad y familiaridad de la cámara para muchas personas en las comunidades de fotos y videos digitales..

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS Exmor R BSI de fotograma completo de 12 MP
  • Vídeo UHD 4K de hasta 120p, 4: 2: 2 de 10 bits interno
  • Salida RAW de 16 bits, HLG y S-Log3 Gammas
  • AF híbrido rápido de 759 puntos
  • EVF OLED QXGA de 9.44 millones de puntos
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3,0 ″ y 1,44 m de puntos
  • Estabilización de imagen SteadyShot de 5 ejes
  • Ranuras para tarjetas duales CFexpress tipo A / SD

Precio: $ 3,499


5. Panasonic Lumix S1H

Pasando del rango de $ 2,000, echamos un vistazo a las fantásticas cámaras que ofrece Panasonic con su Lumix S1H. Como puedes leer En nuestra redacción inicial, la S1H es definitivamente una cámara diseñada pensando en el profesional del vídeo moderno. Con capacidades para grabar videos de 6K a hasta 24 fps (junto con un respetable 4: 2: 2 DCI 4K de 10 bits), el S1H no debe confundirse con el enfoque de doble propósito. Lumix S1.

En general, si bien la S1H tiene un precio más alto que la BMPCC6K, para los fanáticos de otras cámaras Panasonic, como la súper popular Lumix GH4 y GH5—La S1H será una de las mejores opciones fuera de las cámaras de cine puro que veremos más adelante en nuestra lista.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 24.2MP
  • Vídeo de 6K hasta 24 fps
  • 4: 2: 2 DCI 4K / UHD 4K de 10 bits
  • V-Log, ISO nativo dual
  • LVF OLED de 5.76m-Dot con aumento de 0.78x
  • LCD táctil de inclinación / ángulo libre de 3,2 ″ y 2,33 m de puntos
  • Sistema AF DFD de 225 áreas con detección de contraste
  • Estabilización de imagen con cambio de sensor de 5 ejes

Precio: $ 3,999


6. Canon EOS R5

Muy bien, pasando a los grandes nombres de nuestra lista, la Canon EOS R5 casi sin ayuda ha marcado el comienzo de un nueva era de 8K el momento en que salió en marzo de 2020. Es una cámara audaz que empuja todo lo que pensamos que era posible para algo tan pequeño y asequible, con sus capacidades de grabación RAW 8K a hasta 30 fps (y 4K a hasta 120 fps).

Sin embargo, a medida que las expectativas han vuelto a la tierra, nos hemos visto obligados a preguntarnos: “¿Es la Canon R5 realmente una buena cámara para cineastas?? ” La respuesta es: simplemente depende de lo que esté buscando. El R5 ciertamente tiene un gran impacto en términos de recuento de píxeles, y Canon no se queda atrás en lo que respecta a la ciencia del color y las funciones enfocadas en video, pero puede que tampoco lo sea para todos.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 45 MP
  • Procesador de imágenes DIGIC X
  • 8K RAW hasta 30 fps
  • 4K a hasta 120 fps (video interno de 10 bits)
  • Estabilización de imagen de 5 ejes con cambio de sensor
  • CMOS AF II de doble píxel con 1053 puntos
  • Pantalla LCD táctil de ángulo variable de 3,2 ″
  • Seguimiento de sujetos con aprendizaje profundo
  • Ranuras para tarjetas de memoria CFexpress y SD UHS-II

Precio: $ 3,899


7. Sony Alpha 1

En noticias más recientes, y quizás como respuesta a la EOS R5 de Canon, Sony también ha anunciado una oferta propia sin espejo de 8K con la Sony Alpha 1 (estilizada como la Sony a1). Si bien esta cámara técnicamente aún no ha salido a la venta, debe llegar a las tiendas en marzo de 2021, por lo que la incluiremos en nuestra lista, ya que definitivamente será una de las opciones más populares del mercado en los próximos años.

Pero, ¿qué hace que este Sony a1 se destaque? De hecho, es similar a la Canon R5 con video 8K hasta 30 fps y 4K hasta 120p. Por un lado, el a1 promete capturar su video de 8K a 8.6K y sobremuestrearlo a 8K, junto con la ejecución habitual de la ciencia del color de Sony y la grabación S-Cinetone. Sin embargo, el mayor inconveniente inicial parece ser el precio. Por lo tanto, haga un pedido por adelantado si es fanático, si no, puede esperar hasta el lanzamiento y las primeras revisiones prácticas antes de haciendo su inversión.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS Exmor RS BSI de fotograma completo de 50 MP
  • Video de 8K hasta 30 fps
  • Vídeo 4K de hasta 120p en 10 bits
  • Salida de video RAW 4.3K de 16 bits, S-Cinetone
  • AF híbrido rápido de 759 puntos, Eye AF en tiempo real
  • Estabilización de imagen SteadyShot de 5 ejes
  • Wi-Fi MIMO de 5 GHz
  • Ranuras para tarjetas duales CFexpress tipo A / SD

Precio: $ 6,499


8. Blackmagic URSA Mini Pro 12K

Pasando a nuestra gama de cámaras de cine, ahora podemos aventurarnos en el salvaje mundo del vídeo de 12K con la Blackmagic URSA Mini Pro 12K. Anunciado originalmente En julio de 2020, la URSA Mini Pro 12K fue una sorpresa. Blackmagic ya tenía una gran cámara de cine de caballos de batalla documental con el URSA Mini Pro 4.6K G2. Sin embargo, a la industria le encanta perseguir ese número de píxeles y la URSA Mini Pro 12K no defrauda. (La única pregunta sigue siendo: ¿Cuándo y por qué realmente necesitas 12K?)

Aún así, esta cámara es una bestia, con su sensor CMOS 12K Super 35 HDR, que graba 12K hasta 60 fps, DCI 8K hasta 120 fps, y aún puede presionar 14 pasos de rango dinámico para hacer que incluso las situaciones más brillantes u oscuras parezcan. cinemáticamente hermoso. Este espacio para cámaras de cine de alta gama (perfecto para documentos y funciones) se llena de repente, incluso en el rango de precios de $ 10,000.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS 12K Super35 HDR
  • 12K 17: 9 hasta 60 fps
  • 12K 2.4: 1 hasta 75 fps
  • DCI 8K hasta 120 fps
  • 4K Super16 hasta 220 fps
  • Rango dinámico de 14 pasos
  • Montura de lente PL que puede cambiar el usuario
  • 80MP / fotograma Blackmagic RAW
  • Grabación dual en tarjeta CFast o SD

Precio: $ 9,999


9. Canon C300 Mark III

La Canon C300 Mark II ha sido considerada durante mucho tiempo la “Estándar dorado”Para la realización de documentales de alta calidad. Sin embargo, con la introducción del C300 Mark III, Canon parece haberse superado a sí misma con una opción aún más potente, versátil y confiable de una de sus cámaras de cine insignia.

Con su sensor DGO Super 35 mm, el C300 Mark III puede impulsar video 4K a hasta 120 fps mientras ofrece 16 paradas de rango dinámico, junto con 4K DCI / UHD hasta 120 fps. Sin embargo, el verdadero quid de la oferta de la C300 Mark III proviene de la gran variedad de accesorios, complementos y versatilidad general de la cámara para disparar durante largos períodos de tiempo y en una amplia variedad de situaciones. Es perfecto para documentales, junto con videos corporativos o cortometrajes.

Especificaciones completas:

  • Sensor de salida de doble ganancia (DGO) de súper 35 mm
  • 4K hasta 120 fps
  • Recorte 2K hasta 180 fps HDR
  • Cinema RAW light y códec XF-AVC H.264
  • Montura de objetivo EF, procesador de imagen DIG! C DV7
  • CMOS AF de doble píxel y detección de rostros
  • Monitor de pantalla táctil LCD LM-V2 de 4.3 ″
  • Grabación de audio 12G-SDI y 4 canales
  • 2 ranuras CFexpress, Canon Log2 y 3

Precio: $ 10,999


10. ARRI ALEXA Mini LF

Finalmente, completamos nuestra lista con el ARRI ALEXA Mini LF de gran formato, que representa la clase más alta del cine digital profesional. La marca ARRI ha sido durante mucho tiempo sinónimo de producción de video de alta gama para todo, desde anuncios televisivos de gran presupuesto hasta funciones independientes y de gran éxito. Sin embargo, como vimos cuando se anunció por primera vez, el ALEXA Mini LF es único en su diseño, que encaja perfectamente con su sensor de gran formato en su cuerpo ALEXA Mini.

El resultado general es una construcción de “cámara pequeña y de gran formato”, una cámara perfecta para cualquiera que busque alcanzar ese UHD de nivel de Netflix, mientras empuja 4K nativo en ARRIRAW hasta 60 fps. Para muchos, sin embargo, esta cámara será un prospecto de alquiler, ya que todavía se vende a alrededor de $ 60,000 o más, dependiendo del equipo que necesitará para manejarla. Aún así, en lo que respecta a las cámaras de cine de alta gama en 2021, esta podría ser la mejor opción para el desglose de sus funciones.

Especificaciones completas:

  • Sensor de gran formato 4448 x 3096
  • Grabación 4K nativa en ARRIRAW y ProRes
  • Montura de lente LPL optimizada de gran formato
  • Puerta abierta, modo anamórfico 16: 9 y 2,39: 1
  • 800 ASA nativo, más de 14 pasos de rango dinámico
  • Matriz de modos de captura ARRIRAW y ProRes
  • Adaptador PL a LPL incluido

Precio: Alquiler


Imagen de portada de gnepphoto.

Para obtener más reseñas, guías y conocimientos sobre cámaras, consulte estos artículos a continuación.

Cómo produje 6 programas desde la mesa de mi comedor

Desde líneas de tiempo hasta contenido, consejos de un productor experimentado sobre cómo mantenerse organizado, creativo y evitar el agotamiento. ¡Vamonos!

Seis galas virtuales, tres meses de Internet irregular de Spectrum y un niño en aprendizaje remoto son el escenario perfecto para perder la mente de producción. Estoy aquí para decirte que sobreviví. Y tú también lo harás.

Muchos de ustedes lo han estado haciendo durante meses, bravo por mi producción. Me inclino ante ti y un saludo al universo rudo que lo alineó todo y mantuvo a muchos de nosotros empleados con equipos increíbles, clientes que confían en nosotros e innovación emergente que nos conecta.


Línea de tiempo ¡Todo!

Actualice su cronología
¡Actualice su línea de tiempo a menudo! Imagen vía NicoElNino.

Sí, acabo de convertir la palabra línea de tiempo en un verbo. No puedo decirte lo importante que es cronograma de producción (no una línea de tiempo de publicación, obviamente) es cuando se trata de clavar esos entregables, revisiones y aprobaciones. Puede que estés pensando: “Maldita sea, Tanya, no es broma. Eso es una obviedad “. Luego, respondía: “Escuche, sé cómo crear uno, pero ¿lo actualiza con frecuencia? ¿Agrega nuevos entregables? ¿Está tu tratamiento gráfico en él? ¿Lo está mirando su cliente? “

Tómelo de esta reina de los ojos de reojo, obtenga todo lo que necesita revisiones y aprobaciones en la línea de tiempo lo antes posible. Luego, escalone en más líneas, ya que es inevitable que aparezcan nuevas solicitudes. Mientras se comunica con un cliente durante la semana, copie y pegue las fechas importantes de esa semana en un correo electrónico para ellos o menciónelo en su llamada de estado. Recuérdele demasiado, a menos que le digan que se detenga. ¡Auge!


Google Docs es el camino

Documentos de Google
Deje que los documentos de Google lo ayuden a mantenerse organizado. Imagen vía Dennizn.

Producir seis galas virtuales de septiembre a diciembre requirió mucha organización y concentración. Los documentos de Google me ayudaron a superar cada paso del proceso. Pude optimizar todos los activos manteniendo a mi equipo organizado en un solo espacio. Google Drive es fácil de usar en general, ya que proporciona recursos compartidos para documentos de trabajo, ¡especialmente para notas de publicaciones!

  • Comience con un ROS en Google Drive con Google Sheets. ROS es la carrera del espectáculo. El ROS es su desglose, o su lista de segmentos, para el programa que la mayoría de los clientes ya han creado.
  • Crea un tratamiento. Una vez que identificamos los elementos en Google Sheets, creé un tratamiento en documentos para que el cliente y el equipo pudieran tener una idea de cómo fluiría el programa: una versión de guion gráfico. Fue fácil transferir el contenido de ROS en Hojas de cálculo, simplemente cortando y pegando en una tabla de tres columnas en Documentos. Te animo a que uses esas tablas para agregar imágenes, ángulos de cámara, títulos gráficos, cada detalle que ayude al cliente a conseguirlo. Puede agregar el guión más tarde, una vez que se complete la transmisión.
  • Escriba una introducción al tratamiento y describa vívidamente la apariencia, el estilo de filmación y la tonalidad del espectáculo. Puentee los mensajes del cliente aquí. ¡Deben confiar en que lo entiendes! Este no es tu guión.

No probé Presentaciones de Google, pero cuéntame cómo te funciona.


Diferentes clientes, nuevos enfoques

Comprenda el objetivo de su cliente
Mantenga cada misión fresca. Imagen vía IfH.

Cada show virtual era diferente porque los clientes y sus misiones eran diferentes. Algunos clientes querían llevar a casa donaciones o menciones de celebridades, mientras que otros daban prioridad a las historias personales. Tuvimos que mantenerlo fresco y evitar imitar el mismo formato y creatividad en los seis programas.

  • Observe el factor de ronquido y aburrimiento. Divida el contenido, no alinee a los oradores uno tras otro. Piense en formas de mantener el interés de la audiencia. Infunde entretenimiento: ¡la música siempre gana! Las celebridades, las personas influyentes, las actuaciones y un tratamiento gráfico estelar ayudan a romper los segmentos con más copias.
  • Aprovecha todo lo que miras o de lo que eres fan. Desde estilos de rodaje social hasta cortometrajes, Guau el cliente como experto. Este es uno de mis controles remotos favoritos conversaciones de video entre Barack Obama y Kamala Harris, lo que nos inspiró a llevar la entrevista de Zoom a otro nivel.

No te pierdas

Establezca un horario, pero tómese un tiempo para usted. Imagen vía Estudios LightField.

Preséntese en su propia mesa de comedor o en la situación de la FMH y establezca la intención de no deja que todo este trabajo te convierta en un cascarrabias confinado en casa.

  • Aléjate y toma un poco de aire. Un IG rápido en vivo rutina de ejercicio con mi nuevo @isaacboots favorito, o intente levantarme cada dos horas y reiniciar.
  • Almorzar. No tenga hambre porque esperó hasta las 3 p.m. para comer.
  • Pon música cuando no estés hablando con alguien. La música me ha mantenido feliz y tranquilo durante esta pandemia. Me encanta la lista de reproducción Soul Coffee en Spotify.
  • Nos encanta “Club Quarantine After Dark” y jammin ’con D-Niza, pero escucha la repetición mañana y guarda ese teléfono. ¡Ve a dormir!
  • Crea límites. Decir No a los miembros de su equipo si no necesita estar en todas las llamadas. O si, francamente, alguna actividad no es su trabajo. Tienes suficiente trabajo en tus manos.
  • Haz espacio para crear en tu tiempo personal. Libera espacio de toda la resolución de problemas y de los incansables intercambios durante la semana. Y es tuyo para crear a tu ritmo. Escribí un diario y hice collages.

Control de calidad de su contenido

Revisa tu trabajo
Tú eres el productor, comprueba la calidad del trabajo. Imagen vía mimagephotography.

Conozca las especificaciones de entrega, hable para publicar, pruebe y observe todo antes de que llegue al cliente. No confíe en otros miembros del equipo para el control de calidad (control de calidad) del programa que produjo.


En general, usted conoce mejor su cronograma de producción y su equipo. Use estas herramientas para organizar su proyecto de principio a fin, y estará preparándose para el éxito y para proyectos más grandes y malos en el futuro.


Imagen de portada vía Prostock-estudio.

Para obtener recursos adicionales sobre cinematografía, consulte estos artículos:

Una guía completa sobre cómo obtener el efecto Bokeh

En este video tutorial, veremos todas las diferentes formas de crear efectos bokeh en su metraje de video. Veremos cómo crearlos en la cámara, agregarlos en la publicación e incluso cómo podemos crearlos con efectos y complementos.


¿Qué es el bokeh?

El término bokeh generalmente se refiere a los “orbes de luz” desenfocados que ves en fotos o videos. Una definición más formal de bokeh sería: la forma en que se procesa la luz desenfocada.

Círculos de luz bokeh
Bokeh u “orbes de luz”.

Efectos bokeh en la cámara

Sin ser demasiado técnico, si está tratando de lograr efectos bokeh en la cámara, hay cuatro cosas principales que determinan la calidad de su bokeh. Son el número f de su lente, la posición de su sujeto, el tamaño del sensor de la cámara y las lentes de zoom.

  Efectos bokeh en la cámara
Aprenda a lograr efectos bokeh en la cámara.

Objetivo F-Stop

En primer lugar, para un bokeh más grande, querrá usar una lente con un número f-stop bajo. Mucha gente se refiere a estos como lentes “rápidos”. Por lo general, serán lentes fijos, como 50 mm f / 1.4.

Cuando abres la apertura por completo af / 1.4, obtendrás una profundidad de campo increíblemente baja, lo que dará como resultado algunos efectos bokeh drásticos.

50 mm F-stop
La lente de 50 mm f / 1.4.

Posicionamiento de su sujeto

Al intentar lograr un efecto bokeh, la posición del sujeto es extremadamente importante. Deberá colocar el sujeto bastante cerca de usted, ya que esto permitirá que el fondo se desenfoque más. Esto da como resultado un bokeh más grande en el fondo distante.

Párate cerca de tu sujeto
Párese cerca de su sujeto.

Sensor de cámara

En resumen, cuanto más grande sea el sensor de la cámara, más fácil será lograr una profundidad de campo profunda y poco profunda. Esto da como resultado un mayor potencial de bokeh para su fondo. Los sensores de cámara más grandes generalmente permiten más luz, lo que brinda la posibilidad de un área de enfoque estrecha.

Sensor de cámara
Un bokeh más grande suele ser más fácil con un sensor de cámara más grande.

Lentes de zoom

Finalmente, si todo lo demás falla, puede usar lentes con zoom. Cuando hace zoom en su sujeto, está limitando efectivamente el campo de visión. Entonces, las formas pequeñas de bokeh se volverán bastante grandes. Esto se debe simplemente al hecho de que has hecho zoom. Este es un buen truco si tienes lentes “lentos” o un sensor de cámara pequeño, como Micro Four Thirds.

Utilizar lentes con zoom
Acercar un sujeto cercano aumentará el tamaño del bokeh.

Formas de Bokeh personalizadas

También puede ajustar la forma del bokeh en la cámara utilizando modificadores como filtros de lentes personalizados. los CineMorph El filtro de lente es uno de los populares que ayuda a replicar el bokeh de forma ovalada de las lentes anamórficas.

Filtro de lente CineMorph
El filtro de lente CineMorph crea un bokeh de forma ovalada.

Incluso puede crear sus propias formas de bokeh personalizadas recortando una forma en un trozo de papel de construcción y sosteniéndola frente a la lente de su cámara. Querrá hacer el orificio de la forma bastante grande y usarlo en una lente con un f-stop bajo, con la apertura bien abierta.

Formas de Bokeh personalizadas
Crea tus propias formas de bokeh personalizadas.

Si desea saber aún más sobre la personalización de lentes, consulte Todd BlankenshipTutorial sobre el Blog de Shutterstock en Cómo modificar sus propias lentes.


Agregar efectos Bokeh en la publicación

Agregar efectos bokeh a las secuencias de video en la publicación es una buena manera de acentuar una toma. La forma más sencilla es utilizar un metraje de superposición de bokeh. Y, por suerte para nosotros, RocketStock tiene un Paquete gratuito de superposiciones de prisma Bokeh ¡nosotros podemos usar!

Para aplicar estos, agregue un clip de superposición de bokeh por encima de su metraje existente, luego configure el metraje de superposición de bokeh a un Modo de fusión de pantalla o agregar. Consulte nuestro tutorial sobre Usos creativos de las superposiciones de bokeh para conocer aún más casos de uso.


Creación de Bokeh con efectos

También podemos crear nuestro propio “bokeh digital” utilizando efectos y complementos. Comenzaremos con un vistazo al mejor efecto bokeh incluido con Despues de los efectos y Premiere Pro. También veremos un complemento de terceros y un ajuste preestablecido gratuito de After Effects.

Desenfoque de la lente de la cámara

El efecto Desenfoque del objetivo de la cámara es un efecto fantástico para crear un bokeh realista y está integrado en Premiere Pro y After Effects. Simplemente aplíquelo a su metraje y aumente el radio de desenfoque. Luego puede personalizar las opciones de bokeh desde allí. Una cosa a tener en cuenta es que el efecto Desenfoque de la lente de la cámara se procesa con bastante lentitud. Tenga esto en cuenta si se ralentiza mientras lo usa.

Efecto de desenfoque de la lente de la cámara
Bokeh creado con el efecto Desenfoque de lente de cámara.

Bokeh de esferas cruzadas

Bokeh de esfera cruzada es un complemento para After Effects que crea efectos bokeh similares a Camera Lens Blur. Sin embargo, creo que Crossphere Bokeh hace un trabajo mucho mejor y ofrece a los usuarios aún más opciones de bokeh. También se procesa extremadamente rápido. Una de las características interesantes que ofrece Crossphere Bokeh es la capacidad de personalizar la forma del bokeh.

Mejor preajuste de Bokeh

Finalmente, Complementar todo ha creado un ajuste preestablecido gratuito de After Effects llamado Mejor Bokeh. Corrige la gamma nativa en After Effects para hacer que los efectos de desenfoque parezcan más realistas y le brinda un efecto bokeh aún mejor.


Adición de efectos bokeh a las fotos

¿También se pregunta cómo agregar efectos bokeh a las fotografías? Bueno, el proceso es similar a agregarlos al metraje de video. Echa un vistazo Jessica SafkoTutorial sobre Shutterstock para Cómo agregar superposiciones de bokeh a las fotos. Además, puedes descargar el bokeh y superposiciones ligeras que usa del artículo, ¿y mencionamos que también son gratuitas?

Si desea mejorar las luces de fondo que ya están en su foto en lugar de agregar una superposición, no hay problema. Simplemente usar la herramienta Desenfoque de campo en Photoshop para crear ese efecto bokeh.


¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

Para obtener artículos adicionales sobre consejos y trucos en vídeo, consulte estos:

Imagen de portada de GRSI.

Las 6 mejores cámaras cinematográficas por menos de $ 1,000

Desde cámaras de acción hasta cámaras sin espejo y todo lo que hay en el medio, exploremos las mejores cámaras de video y cinematografía en un gran.

Si escuchas hablar a cualquier gran cineasta independiente o director de autor, te hablará de una innegable pasión por el cine. Probablemente también escuche anécdotas de haber crecido con una cámara barata en la mano, así como historias de guerra de filmar sus primeros cortos o largometrajes con un presupuesto reducido con la cámara más barata que pudieron encontrar.

Y sí, hay muchas cámaras increíbles actualmente en el mercado, y casi todos los días llegan nuevos avances tecnológicos. (Caso en punto, Sony acaba de anunciar el Alpha 1, un gigante de video de 50MP 8K). Pero el objetivo de la videografía y la realización de películas no es solo perseguir la mayor cantidad de píxeles o tecnología. Es hacer contenido sólido y películas increíbles.

Por lo tanto, sean cuales sean sus necesidades de película y video, en lugar de romper el banco con una nueva cámara de cine de más de $ 5,000, aquí hay seis opciones para cámaras de video de alta calidad y bastante capaces que cuestan menos de $ 1,000.


1. Mejor cámara de acción: GoPro Hero9 Black

Desglosando nuestras selecciones por diferentes tipos de cámaras, comenzaremos con una de las más confiables y posiblemente la más fácil de usar. Las cámaras de acción (también conocidas como “cámaras de acción”) pueden hacerte pensar en contenido de vlogs de ciclismo de montaña, pero, en realidad, pueden ser algunas de las opciones más poderosas y capaces del mercado. Además, están diseñados para brindar durabilidad, flexibilidad y trabajar en las situaciones más salvajes.

Actualmente en el mercado, no encontrarás nada mejor o más asequible que la última oferta de GoPro con GoPro Hero9 Black. Solo desde una perspectiva cinematográfica pura, esta cámara es impresionante. Como una actualización de la versión anterior de Hero8, la Hero9 Black ha aumentado aún más su sensor a 23.6MP para ofrecer grabación de video de 5K a hasta 30 fps.

También hay toneladas de las características habituales que encontrará con una cámara de acción GoPro, además de una estabilización de imagen mejorada que puede rivalizar con la suavidad de muchas configuraciones de cardán del mercado. Obviamente, no obtendrá lentes intercambiables o un efecto cinematográfico puro para muchas de sus tomas, pero para una opción fácil de usar que literalmente puede llevar a cualquier lugar, es la cámara perfecta para considerar desde el principio.

mejores características:

  • Sensor de 23.6MP
  • Vídeo de 5K a hasta 30 fps
  • 8 veces en cámara lenta
  • Pantalla frontal de visualización en vivo / pantalla táctil trasera
  • Estabilización de imagen HyperSmooth 3.0
  • 33 ′ resistente al agua sin carcasa externa
  • Modos de lapso de tiempo y lapso de noche
  • Batería con una capacidad de 1720mAh un 30% más larga

Precio: $ 449


2. Mejor cámara móvil: iPhone 12 Pro

Después de considerar una cámara de acción como la GoPro Hero9, es posible que también desee examinar detenidamente el teléfono inteligente en su bolsillo para sus necesidades cinematográficas. Como hemos visto con el auge de la tecnología de cámaras de teléfonos inteligentes, así como la rápida adopción de iPhones que se utilizan para las principales películas, estos últimos teléfonos móviles con cámara se están volviendo bastante impresionantes y poderosos.

Si bien la verdadera opción de primera línea para la cámara de un teléfono inteligente podría ser el iPhone 12 Pro Max, en realidad vamos a recomendar el iPhone 12 Pro aquí, ya que actualmente se encuentra justo en nuestro umbral de $ 1,000 (precio / tarifas sujeto para cambiar a través de proveedores). Ambas cámaras ofrecen un sistema de cámara de 12 megapíxeles, que incluye una combinación de tres lentes (telefoto, gran angular y ultra gran angular) con algunas ligeras variaciones en la apertura y los rangos de zoom óptico entre los dos.

Sin embargo, los verdaderos puntos de venta de usar un iPhone 12 Pro para sus proyectos de películas y videos provienen del video 4K a hasta 60 fps. En 4K, obtendrá mucha estabilización junto con zoom óptico (hasta 4x) y zoom digital (hasta 10x). También obtendrá video en cámara lenta a 1080p hasta 240 fps, además de otras aplicaciones como funciones de modo de lapso de tiempo y noche.

mejores características:

  • Sistema de cámara profesional de 12 MP: cámaras ultra gran angular, gran angular y telefoto
  • Grabación de video HDR con Dolby Vision hasta 60 fps
  • Grabación de video 4K hasta 60 fps
  • Rango de zoom óptico 4x
  • Zoom digital hasta 6x
  • Soporte de video en cámara lenta para 1080p hasta 240 fps
  • Estabilización de video cinematográfica (4K, 1080p y 720p)
  • Video de enfoque automático continuo
  • Puede tomar fotos fijas de 8MP mientras graba videos 4K

Precio: $ 999


3. Mejor apuntar y disparar: Panasonic Lumix DMC-LX10

Pasando de las cámaras de acción y los teléfonos inteligentes, todavía hay muchas otras opciones de cámara que son baratas y asequibles fuera de las DSLR y sin espejo (llegaremos a ellas en un momento). Para muchos, la noción de usar una cámara de apuntar y disparar para cualquier cosa fotografía de viajes puede ser un poco tonto, pero escúchanos. Hay algunas opciones de calidad de apuntar y disparar que en realidad son bastante impresionantes en estos días. El caso en cuestión sería la Panasonic Lumix LX10.

Con una cámara de apuntar y disparar como la Lumix LX10, realmente está invirtiendo en compacidad, sin perder la calidad de tener una lente mucho mejor a su disposición, que una cámara de acción o un teléfono inteligente no pueden ofrecer. El LX10 es extremadamente asequible (probablemente más barato que su teléfono inteligente) y toma excelentes fotos y videos. Con un sensor de 20,1 megapíxeles, el LX10 puede grabar video UHD 4K a hasta 30 fps. También obtendrá una lente Leica DC Vario-Summilux f / 1.4-2.8 incorporada, que debería cubrir prácticamente todas las tomas que necesita con su rango de zoom 3x (que ofrece el equivalente a una cobertura de 24-72 mm).

Hemos enumerado el precio en $ 699, pero generalmente puede encontrar esta cámara a la venta por mucho más barato. Ya sea como una opción fácil de usar para correr y disparar, o como respaldo para servir en un apuro, el LX10 es otra opción asequible por debajo de los $ 1,000.

mejores características:

  • Sensor MOS de 20.1MP
  • Objetivo Leica DC Vario-Summilux f / 1.4-2.8
  • 24-72 mm (equivalente a 35 mm)
  • LCD de pantalla táctil inclinable 180 ° de 3.0 ″
  • Vídeo UHD 4K a hasta 30 fps
  • HYBRID O.I.S. + de 5 ejes, sistema AF de 49 áreas
  • Conectividad Wi-Fi incorporada

Precio: $ 699


4. Mejor sin espejo económico: Fujifilm X-T30

Aunque quizás sea más conocido por sus cámaras fotográficas en el pasado, Fujifilm se ha convertido rápidamente en uno de los mejores fabricantes de cámaras multipropósito que ofrecen mucho a su camarógrafo y cineasta cotidianos por igual. La Fujifilm X-T30 continúa esta tendencia con un sensor CMOS de formato APS-C de doble enfoque de 26,1 megapíxeles que ofrece un video 4K respetable a hasta 30 fps, pero con una gama de tecnología y características altamente profesional que proporciona hermosas imágenes de video.

Como nuestra mejor opción sin espejo para una cámara muy por debajo del umbral de $ 1,000, la X-T30 incluye algunas de las mejores tecnologías de enfoque automático para su precio, lo que abre todo un mundo de grabación estilo vlog, además de permitir que los principiantes se sientan cómodos detrás de la cámara. Por supuesto, con esta cámara sin espejo, también puede elegir sus propios lentes para una amplia variedad de cobertura. El X-T30 también cuenta con su Fujifilm F-Log Gamma para ayudar a quienes se adentran más en el rico mundo de escala de colores. Esta es una cámara perfecta para aquellos que comienzan con la videografía sin espejo que no lo hará retroceder demasiado y puede permanecer en su arsenal durante años a medida que se actualiza más tarde.

mejores características:

  • Sensor CMOS 4 APS-C de 26.1MP
  • Grabación de video DCI y UHD 4K a hasta 30 fps
  • F-Log Gamma
  • Visor electrónico OLED de 2,36 m de puntos
  • Pantalla táctil LCD inclinable de 3,0 ″ y 1,04 m de puntos
  • Enfoque automático con detección de fase de 425 puntos
  • ISO ampliado 80-51200
  • Bluetooth y Wi-Fi

Precio: $ 899


5. Mejor DSLR económico: Nikon D5600

Al observar las opciones de cámaras de primera línea en el mercado, uno podría argumentar fácilmente que las DSLR ahora son cosa del pasado, y que las cámaras sin espejo se están convirtiendo en el nuevo estándar. Sin embargo, para aquellos cineastas y videógrafos ahorrativos, las DSLR se han convertido ahora en una opción mucho más asequible a medida que las cámaras más antiguas tienen caídas de precios y las reventas llegan al mercado. Una cámara réflex digital fantástica que sigue siendo relevante es la Nikon D5600, que ha demostrado ser una opción de caballo de batalla en demanda para cualquiera que busque grabar videos y fotografías digitales.

Con un formato CMOS de 24,2 megapíxeles y el procesador de imagen EXPEED 4 de Nikon, la D5600 ha perfeccionado la grabación de video Full HD 1080p a hasta 60 fps. Sí, no es 4K (u 8K), pero si está grabando secuencias de video simplemente para cargas en línea y redes sociales, estará encantado con los tamaños de archivo pequeños, los tiempos de carga cortos y la calidad de reproducción.

Para la D5600, que actualmente cuesta $ 699 (mucho menos de $ 1,000) solo para el cuerpo, recomiendo mirar varias de las opciones de lentes del kit, como 18-55 mm o 18-140 mm, para brindarle una gama completa de cobertura. desde el salto. Sin embargo, con su sistema de lentes intercambiables, ciertamente puede mezclar y combinar mientras crea su compilación favorita de lentes, nuevas y antiguas.

mejores características:

  • Sensor CMOS de 24.2MP
  • Procesador de imagen EXPEED 4
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3,2 ″ y 1,037 m de puntos
  • Grabación de video Full HD 1080p a hasta 60 fps
  • Sensor AF Multi-CAM 4800DX de 39 puntos
  • SnapBridge Bluetooth y Wi-Fi con NFC
  • Grabación de películas a intervalos

Precio: $ 699


6. Mejor All-Around: Canon EOS RP

Finalmente, una línea de cámaras que siempre causará controversia, el sistema R de cámaras sin espejo de Canon ha polarizado a la comunidad de video, ya que el fabricante finalmente se alejó de las DSLR y adoptó un futuro sin espejo. Sin embargo, aunque algunos podrían haberse burlado de la oferta inicial de Canon EOS R, no permita que esas malas críticas lo alejen de la Canon EOS RP, que corrigió muchos de los problemas y en realidad ha demostrado ser una herramienta poderosa, pero igualmente asequible. Opción de cámara sin espejo.

Además, solo para el cuerpo, la EOS RP acaba de superar el umbral de poco menos de $ 1,000, lo que es una ganga para lo que esta cámara tiene para ofrecer a los aspirantes a camarógrafos. Si bien es posible que no impulse videos de 8K como el Canon EOS R5 puede, el RP cuenta con una espectacular grabación de video UHD 4K de fotograma completo. El RP es una versión para principiantes más liviana del ahora insignia R5 y presenta casi todas las mismas grandes ventajas con su pantalla táctil LCD, tecnología avanzada de enfoque automático y conectividad Wi-Fi y Bluetooth.

Si está buscando una cámara asequible hoy en día, la RP es el camino a seguir. Además, si actualiza a una Canon más cara en el sistema R, la RP servirá como una cámara B fenomenal para tomas más avanzadas.

mejores características:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 26.2MP
  • Procesador de imagen DIGIC 8
  • Grabación de video UHD 4K hasta 24 fps
  • Vídeo Full HD 1080 hasta 60 fps
  • Visor electrónico OLED de 2,36 m de puntos
  • Pantalla LCD táctil de ángulo variable de 3 ″ y 1,04 m de puntos
  • CMOS AF de doble píxel
  • Conectividad Wi-Fi y Bluetooth

Precio: $ 999


Imagen de portada de la Fujifilm X-T30 (vía Fujifilm). Esta publicación apareció originalmente en marzo de 2020 y se ha actualizado para reflejar el mercado actual.

Para obtener más guías de compra e información sobre la cámara, consulte estos resúmenes a continuación.

¿Son los filtros UV transparentes una ventaja o una desventaja para lentes costosos?

A UV o no a UV. Exploremos los pros y los contras de los filtros UV y cuándo y cómo puede ser su mejor amigo.

Si pensó que el debate entre Sony y Canon fue ruidoso, es posible que lo encuentre tranquilo en comparación con la discusión sobre los filtros UV. Hay fotógrafos que creen que colocar un filtro UV / Clear en una lente costosa como medida de seguridad es una necesidad, y quienes argumentan que los filtros UV son una pérdida de tiempo y un impedimento para la calidad de la imagen, por mínimo que sea.


¿Por qué utilizar un filtro UV?

Al disparar con película de 35 mm, el celuloide es susceptible a la luz ultravioleta. Como resultado, al fotografiar en condiciones de mucha luz solar, digamos la playa o una reserva natural abierta, encontrará que las fotografías reciben un ligero tinte azul en los colores, o tal vez otros tonos ligeramente descoloridos. Para contrarrestar esto, se podría usar un filtro UV para minimizar la luz UV, lo que da como resultado una fotografía con colores más precisos. Los filtros UV también fueron ligeramente útiles al comienzo de la era de introducción de las cámaras digitales, cuando los sensores no eran capaces de anular por completo la luz ultravioleta.

Fuji Pro 400H
Esta foto mía tomada con Fuji Pro 400H se habría beneficiado enormemente de un filtro UV.

Sin embargo, en 2021, simplemente no será un problema con los sensores digitales modernos y el procesamiento RAW. Los sensores de corriente filtrarán agresivamente la luz ultravioleta mejor que cualquier filtro conectado al frente de la lente. Como tal, al colocar un filtro UV en una lente conectada a una DSLR moderna o una cámara sin espejo, se convierte en nada más que una pieza adicional de vidrio en su lente. Y, a diferencia de un filtro ND o un filtro polarizador, el vidrio UV no ajusta ópticamente sus fotos.

Entonces, ¿por qué usar uno?


El argumento a favor. . .

Sabiendo que un filtro UV no hace mucho en el camino de la tecnología moderna, puede parecer un punto discutible incluso usar uno. Sin embargo, a los fotógrafos les gusta usar el filtro, no para protegerse de los rayos UV, sino para proteger su lente.

Filtro UV en telefoto
Proteja su lente con un filtro UV. Imagen vía Jirayut Noramas.

No tanto en la forma de manejo pesado y caídas accidentales, sino como un medio para proteger el elemento frontal de una lente de arañazos, suciedad, líquidos y polvo. Después de comprar una lente tan cara, lo último que desea encontrar es que, cuando esté en el bosque, haya rayado accidentalmente el elemento frontal y tenga que enviarlo para una reparación costosa. Sin embargo, un filtro UV transparente, que solo será una fracción del costo de la lente, se puede reemplazar fácilmente si se daña.

Además, como Phil Steele señala en el video a continuación, cada vez que limpia su lente, está creando microabrasiones. Si bien los recubrimientos de lentes modernos son increíblemente resistentes, a largo plazo es posible que vea una degradación de la calidad de la lente si la limpia constantemente. Sin embargo, esto tendría que ser durante un período de tiempo significativo, con una limpieza continua en cada uso.

Como Phil también señala en su video, su filtro recibió una gota de alguna cosay cada vez que lo limpiaba, se manchaba aún más en la superficie del filtro; ni siquiera su tienda de cámaras local podía eliminar completamente la sustancia. Al final, simplemente tiró el filtro de $ 100. Si esta fuera la parte frontal de una lente, estaría esperando una reparación costosa.

Yo también puedo relacionarme un poco con este tema. Vivo en una región costera y siempre estoy fotografiando y filmando cerca de la costa. En los días con viento fuerte, hay una fina capa de niebla de agua salada cerca de la orilla del agua (anteriormente escrito un tutorial sobre cómo puede eliminar la neblina que crea). Todos sabemos lo traicionera que puede ser el agua salada para nuestros dispositivos electrónicos. Como tal, francamente prefiero limpiar la niebla de agua salada del vidrio de un filtro de $ 125 que una lente de $ 1799.

El Tl; dr: Los filtros UV son más fáciles de limpiar y más baratos de reemplazar que una lente nueva o el costo de reparación.


El argumento en contra. . .

Algunos ven la colocación de un filtro ineficaz como un impedimento para obtener la fotografía de la más pura calidad. Por tecnicismo, colocar cualquier vidrio o filtro adicional en la parte superior de la lente es solo otro elemento por el que debe pasar la luz. Los filtros más caros del mercado pregonan esto con una reducción del 0,5% en la luz, que, en realidad, no es prácticamente nada en general. Pero, es una reduccion.

El grado en que la fotografía puede verse obstaculizada depende completamente de la calidad del filtro. En la imagen de abajo (disculpe la calidad, la saqué de un archivo de historias de Instagram de enero de 2020), podemos ver la diferencia entre un filtro caro y un filtro económico. El vidrio no es transparente y hay una ligera tonalidad de color en el filtro, que se reflejará en sus fotografías y dará como resultado una mayor corrección de la publicación.

Filtro UV: económico vs. económico

Esto pinta otro detrimento si tiene la intención de utilizar un filtro UV. Comprar una lente de la serie Pro es costoso, y mucho menos otro 10% para un accesorio adicional.

Sin embargo, cuando se utiliza un filtro costoso que se ha diseñado correctamente para minimizar todos los posibles defectos de la imagen, la probabilidad de encontrar posibles problemas de color, nitidez o calidad debería estar en el nivel de la observación de píxeles. Eche un vistazo a esta imagen del 5D MK IV en un 24-70 mm 2.8 II.

Imagen original
Imagen original.

Esta es la imagen sin filtro.

Sin filtro
A continuación, se muestra un primer plano de la imagen sin filtro.

Esta es la imagen con un filtro de neblina ultravioleta con recubrimiento nano B + W de $ 130.

Filtro de neblina UV con revestimiento nano B + W
Aquí está la imagen con un filtro de neblina UV con recubrimiento nano B + W.

Estas son ambas imágenes una al lado de la otra con un recorte del 400%.

UV comparado
Las imágenes comparadas una al lado de la otra con un recorte del 400%.

¿Ves alguna diferencia? Yo tampoco.

Otro argumento en contra de los filtros UV es la posible inclusión de imágenes fantasma y destellos en circunstancias brillantes. Este es, en última instancia, el argumento más fuerte en contra del uso de un filtro UV para proteger la lente, ya que incluso los filtros multicapa pueden sufrir quemaduras en el ángulo correcto. En estas situaciones, si no tiene un parasol a mano, la única opción es quitar el filtro para detener el efecto fantasma.

Filtro UV económico
El resultado de un filtro UV económico.

El Tl; dr: Los buenos filtros UV son caros, pero aún pueden causar llamaradas.


A UV o no a UV

Este debate no va a desaparecer y, una vez que han elegido un bando, la gente parece reacia a cambiar de posición. En última instancia, al igual que las precauciones de seguridad, todo se reduce a la necesidad de estar preparado en caso de que ocurra un accidente, y si desea pagar por esa preparación, por muy improbable que sea un accidente.

Filtro en lente
Esté siempre preparado para los accidentes. Imagen vía Lost_in_the_Midwest.

Los lentes modernos son increíblemente resistentes y, de manera realista, la probabilidad de rayar severamente su elemento frontal es baja. Pero, es ese elemento de: “Bueno, ¿y si lo hiciera?” Los accidentes ocurren.

Desde 2008, he tenido alrededor de veintiocho lentes. Podríamos acercarnos a los años treinta si incluyéramos cámaras con lentes fijos como la serie Fuji X100. Si también tenemos en cuenta los objetivos que he recibido para revisar o los que han llegado con una cámara para revisar, estoy seguro de que podríamos llevar mi historial de objetivos hasta el margen de los cincuenta.

De los cincuenta lentes estimados que he tenido en mi poder, ¿cuántos he dañado? Cero. Cuido meticulosamente mis lentes. Y, por lo general, cuando me separo de ellos, están en tan excelentes condiciones que puedo enumerarlos y venderlos como “como nuevos”.

Sin embargo, durante dos años tuve un Cámara Blackmagic Pocket Cinema 4K, y en el objetivo, un Voigtlander de 17,5 mm, tenía un filtro ND variable conectado de forma permanente. No había necesidad de quitarlo y siempre fue necesario. Y, ¿qué tiene ese filtro en el centro? Un rasguño.

Rayar en el filtro

Sigue siendo un misterio si el Voigtlander también habría recibido un rasguño si el filtro no estuviera conectado, pero afortunadamente no tengo que saberlo.

Personalmente, estoy en el campo de usar filtros UV, ya que los lentes que tengo tienen un costo de $ 1500 hacia arriba. Yo uso el filtro de neblina UV con recubrimiento nano B + W, que tiene una transmisión de luz del 99,8%. Cada superficie de vidrio incluye varias capas de revestimiento antirreflejos para evitar el efecto fantasma interno. Para mí, estoy feliz de perder el 0.2% de luz para la tranquilidad de saber que la lente tiene esa capa adicional de protección si alguna vez ocurre un accidente.


Imagen de portada vía Koldunov Alexey.

Para obtener más información sobre filtros y lentes, consulte los artículos a continuación:

Una mirada a las cámaras utilizadas en el Festival de cine de Sundance 2021

Charlamos con los realizadores de Sundance 2021 para explorar qué cámaras, lentes y equipo usaron y por qué. Vamos a sumergirnos.

En un año típico, las calles de Park City, Utah, estarían llenas de actividad. Los ejecutivos de los estudios se mezclaban con estrellas de renombre y cineastas independientes emergentes por igual, mientras hordas de prensa y fanáticos llegaban a la tranquila ciudad montañosa. Sin embargo, como muchos aspectos de la vida, este año será bastante diferente.

Sin embargo, mientras Festival de Cine de Sundance 2021 puede que no esté volando con toda su fuerza en las calles nevadas de Utah, todavía hay un festival en marcha y en el corazón habrá muchas películas impresionantes. Nos comunicamos con los realizadores de Sundance 2021 para hablar sobre sus películas y explorar las cámaras, lentes y equipo que usaron para crear sus fantásticos cortometrajes, documentos y largometrajes.

Echemos un vistazo a algunas de las especificaciones técnicas detrás de algunas de las características más importantes, así como exploremos las cámaras detrás de algunos de los principiantes, para saber qué cámaras, equipo e información ayudaron a que estas películas se destaquen en Sundance 2021. .


ALEXA Mini: Prisioneros del país fantasma (Característica narrativa)

Nick Cassavetes y Nic Cage en Prisoners of the Ghostland
Nick Cassavetes y Nic Cage aparecer en Prisioneros del país fantasma por Sion Sono, una selección oficial de la sección Estrenos del Festival de Cine de Sundance de 2021. Imagen vía Instituto Sundance.

La ALEXA Mini es compacta y fácil de manejar, y realmente me gusta cómo el sensor ARRI captura tonos orgánicos de color. Además, el Ultra Prime es compacto y lo suficientemente nítido, por lo que encaja bien con nuestro estilo de disparo. Esta combinación es muy útil y efectiva para capturar la actuación libre de los actores desde un buen ángulo. Usamos marrón tabaco como tono de color para escenas en los páramos. Para las escenas de flashback, utilizamos la LUT basada en el tono obtenido a partir del procesamiento cruzado de las películas de inversión de color.

Sôhei Tanikawa, Director de fotografía

No es sorprendente escuchar que muchas de las películas que se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance este año se rodaron con cámaras de cine ARRI. Sin embargo, lo que podría ser un poco sorprendente es escuchar que una de las opciones de cine digital más populares en la línea abovedada de ARRI es la ARRI ALEXA Mini. Como una opción más liviana y delgada en comparación con otras cámaras ARRI (de las que escucharemos a continuación), la ALEXA Mini realmente se ajusta al estilo y las necesidades de muchas de las indies de bajo presupuesto, así como a la naturaleza de correr y disparar de varias de las características de Sundance.

Sôhei Tanikawa
Imagen de Sôhei Tanikawa usando el ARRI ALEXA Mini en el set de la función Prisioneros del país fantasma. Imagen vía Instituto Sundance.

Sion Sono Prisioneros del país fantasma se convirtió en uno de los estrenos más esperados en Sundance este año desde el momento en que contrató a Nicolas Cage como su estrella. Esta función independiente combina acción, novela de suspensoy horror elementos con nostalgia con su cinematografía dirigida por Sôhei Tanikawa, quien crea una paleta de colores y efectos visuales verdaderamente hermosa con su configuración de lentes ALEXA Mini y Ultra Prime.


ARRI Amira: Bambirak (Narrativa corta)

Cortometraje Bambirak
Lara Cengiz aparece en Bambirak por Zamarin Wahdat, una selección oficial del Programa de Cortometrajes del Festival de Cine de Sundance de 2021. Imagen vía Instituto Sundance | Foto por Lorena Duran.

Estábamos filmando en un ARRI Amira que posee mi directora de fotografía Lorena Duran. Sin embargo, las lentes que obtuvimos de nuestra casa de alquiler en Hamburgo, Alemania (por un precio muy bajo) eran demasiado digitales para mi gusto. Inicialmente estaba planeando filmar en película, ¡pero eso no estaba en el presupuesto! Además, no podíamos permitirnos alquilar un buen par de lentes. Mi director de fotografía, sin embargo, vio un objetivo zoom Angenieux muy antiguo que era un objetivo Super 16. Primero pensamos que no podríamos usar la lente porque podíamos ver los bordes en 2K. A Lorena se le ocurrió la idea de filmar todo el proyecto en HD y eso nos permitiría usar la lente y crear un look de 2002.

– Zamarin Wahdat, director

Junto con la ALEXA Mini, otra cámara muy popular tanto para las funciones de Sundance como para los pantalones cortos fue la ARRI Amira. Este fue el caso de las voces emergentes detrás del corto de Sundance Bambirak, escrito y dirigido por Zamarin Wahdat. Nacida en Afganistán y criada en Alemania, Wahdat ha perfeccionado sus habilidades cinematográficas como camarógrafo a lo largo de los años. Junto con su directora de fotografía Lorena Duran, el dúo decidió ir con Amira como la mejor opción para obtener ese verdadero aspecto cinematográfico, sin tener que filmar en película, lo que puede ser bastante caro para los cineastas emergentes.

Zamarin Wahdat
Zamarin Wahdat con ARRI Amira en el set de su cortometraje Bambirak. Imagen a través del Instituto Sundance.

El Amira también demostró ser bastante flexible, ya que Wahdat decidió filmar el proyecto a escala reducida y en HD como un trabajo intermedio con sus lentes deseados. En general, el efecto funcionó a la perfección para crear “un aspecto muy único para nuestra película y una sensación nostálgica”, que según Wahdat parece a muchos como si “rodamos en Super 16”.


Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K: R # J (Característica narrativa)

Camaron Engels y Francesca Noel en R # J
Camaron Engels y Francesca Noel aparecer en R # J por Carey Williams, una selección oficial de la sección NEXT en el Festival de Cine de Sundance 2021. Imagen vía Instituto Sundance | Foto de Charles Murphy.

Filmamos nuestra película R # J con dos Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K, modificadas con monturas PL, usando un juego de 18 mm, 25 mm, Zeiss Super Speed ​​sin recubrimiento, 32 mm Cooke anamórfico y un zoom Angeniuex 28-76. Debido a que nuestra película se cuenta desde la perspectiva de los teléfonos de nuestros personajes principales y no queríamos usar teléfonos celulares, necesitábamos una forma de mantener nuestras cámaras lo suficientemente livianas para crear una sensación orgánica de mano en nuestras imágenes sin que se sintiera. mano dura.

Diego Madrigal, Director de fotografía.

Uno de los temas del Festival de Cine de Sundance de este año fue una refrescante cantidad de ingenio creativo por parte de los diversos y talentosos realizadores. Debido a que muchas de las películas tuvieron que abordar muchos problemas logísticos para incluso filmar durante una pandemia global, mientras navegaban los desafíos de la producción con equipos más pequeños y nuevos procedimientos de seguridad, muchas de las historias y estilos de realización de películas tuvieron que encontrar formas creativas de adaptarse.

Carey Williams y Diego Madrigal
El director Carey Williams y el director de fotografía Diego Madrigal en el set de su película R # J con la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K. Imagen a través del Instituto Sundance.

Un ejemplo perfecto de esto proviene del largometraje debut de la alumna de cortos de Sundance Carey Williams R # J, que se cuenta desde la perspectiva de los diferentes teléfonos inteligentes de los personajes principales. Y mientras el cine con teléfonos inteligentes se está convirtiendo en algo, Williams y el director de fotografía Diego Madrigal optaron por los dos más fiables y potentes (pero ligeros, asequibles y ágiles) Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K cámaras. Los resultados son fascinantes, ya que puedes ver una verdadera mezcla de cinematografía independiente mezclada de manera experta con un estilo que te hace sentir que tienes el poder de contar narrativas atemporales desde la palma de tu mano.


Sony FS5: Espíritus y rocas: un mito de las Azores (Documento corto)

Lo compré en 2016, al comienzo de mis estudios de realización de documentales. Sabía que tendría que viajar y filmar mucho sola, y estaba buscando una cámara que me permitiera trabajar como un equipo de una sola mujer. El kit Sony FS5 fue perfecto para este propósito: es compacto, liviano y tiene muchas funciones integradas. A menudo tenía una cantidad limitada de tiempo para disparar y editar, por lo que los perfiles de imagen me ahorraron mucho tiempo, al tiempo que me ayudaron a obtener looks cinematográficos. Lo uso principalmente con el zoom del kit de 18-105 mm f / 4 y lentes Canon de primera calidad. El resto de mi equipo incluye: un trípode Manfrotto, un micrófono tipo escopeta RØDE y corbatas Sennheiser. Realicé varios cortometrajes con este equipo que fueron seleccionados en festivales y retransmitidos.

Aylin Gökmen, Director

Sundance no se trata solo de narrativa, cortos y largometrajes. Cada año, el festival presenta algunos documentales innovadores que entretienen a la audiencia y provocan un cambio real en el mundo. Una de las películas destacadas en la categoría de cortometrajes fue la de la cineasta suizo-turca Aylin Gökmen con su película Espíritus y rocas: un mito de las Azores, que ella disparó en el Sony FS5.

Hablando sobre su elección de cámara, así como los lentes y el equipo que la acompañan, Gökmen, junto con su director de fotografía Marianna Vas– tenían la tarea de contar las peligrosas, pero importantes, historias de los habitantes de una tumultuosa isla volcánica. Esto significó mucho rodaje de documentales al estilo guerrilla, lo que significó que tuvieron que aceptar todos los desafíos de la videografía en solitario y trabajar en situaciones difíciles. Afortunadamente, la Sony FS5 está especialmente cualificada para la realización de documentales de carrera y disparos sin comprometer la calidad cinematográfica, y le ha servido a Gökmen en varios proyectos a lo largo de los años.


Canon C300 Mark II: Mi nombre es Pauli Murray (Largometraje documental)

Activista Pauli Murray
Imágenes de archivo del famoso activista Pauli Murray, una selección oficial en el Festival de Cine de Sundance 2021. Imagen vía Instituto Sundance.

La Canon C300 Mark II con los cinema primes de Canon son una combinación fantástica para crear hermosos colores, tonos de piel brillantes y mantener un amplio rango dinámico, con profundos detalles de sombras y exquisitos reflejos. La tecnología de sensores de Canon me permite ser un artista, especialmente cuando tengo que adaptarme a escenas de documentales desafiantes en condiciones de poca luz o con situaciones de contraste extremo. Sin la latitud del sensor y la configuración de la cámara fácil de modificar, no podría capturar instantáneamente y reaccionar ante un momento impredecible siguiendo a mis personajes principales a lo largo de la vida. Es importante permanecer ágil y reactivo con una plataforma de cámara para aprovechar el momento con gracia. Por lo tanto, la Canon C300 Mark II es mi primera opción para la realización de documentales.

Claudia Raschke, Director de fotografía

Otra de las cámaras más populares que se encuentran detrás de los cortos y las características de los documentales de Sundance fue la siempre confiable Canon C300 Mark II. Utilizado por Claudia Raschke para rodar el largometraje documental Mi nombre es Pauli Murray, la película es una hermosa carta de amor que analiza la vida y la carrera de la activista estadounidense por los derechos civiles y de las mujeres Pauli Murray, quien fue la primera mujer afroamericana en ser ordenada sacerdote episcopal.

Directora de fotografía Claudia Raschke
DP Claudia Raschke filmando imágenes para el documental de Sundance Mi nombre es Pauli Murray. Crédito de la foto de Casey Joseph.

Dirigido por Julie Cohen y Betsy West (quien también produjo / dirigió el documental nominado al Oscar RBG), El último documental de Cohen and West es otro clase maestra en cómo arrojar luz sobre un líder civil importante entrelazando escritos, fotografías y grabaciones de audio, junto con entrevistas e imágenes nuevas y recientemente descubiertas. Filmada con la Canon C300, Raschke pudo equilibrar esta mezcla diversa de estilos y estilos de medios para ayudar a tejer una historia perfecta de principio a fin.


S16mm en el ARRI 416: Superior (Característica narrativa)

Ani Mesa en Superior
Ani Mesa aparece en Superior por Erin Vassilopoulos, una selección oficial de la Competencia Dramática de Estados Unidos en el Festival de Cine de Sundance de 2021. Imagen vía Instituto Sundance | Foto de Mia Cioffi Henry.

Nuestra película Superior, se basa en el corto del mismo nombre que se estrenó en Sundance en 2015. Entramos en la función seis años después de que se haya realizado el cortometraje y se encuentra en gran parte en el mismo mundo. El corto fue filmado en un ARRI 416 S16mm, y la directora Erin Vassilopoulos y yo sabíamos que era una parte importante del mundo que habíamos construido. Para la función, usamos lentes Cooke S4i de 35 mm, 12, 14, 16, 18 y 27 mm, y un zoom Canon S16 de 6.6-66 mm. Después de probar los formatos de película y las lentes, nos decidimos por nuestra configuración por su inherente calidez neutra y su sensación nostálgica, pero no exagerada, de nuestro thriller de 1987. Nos gustó la cantidad de grano, la profundidad del color en los tonos de piel y la forma en que el rojo se muestra en nuestras existencias Kodak Vision3: 7207 y 7219. El objetivo del estilo nunca fue ser retro o cursi, sino volver nuestros propios recuerdos de la infancia y fotografías de los años ochenta.

Mia Cioffi Henry, Director de fotografía

Si bien muchas de las películas en Sundance se filman con cámaras digitales por razones estéticas, prácticas y de presupuesto, el aspecto de la película fue tan prevalente y dominante como siempre este año. Y, para los cineastas que pueden evitar a sus señores digitales y adoptar el medio cinematográfico analógico, los resultados pueden ser bastante fantásticos. Este año, una de las selecciones de U.S. Dramatic Sundance fue una película llamada Superior, dirigida por Erin Vassilopoulos y filmada por Mia Cioffi Henry en el ARRI 416 con papeles Kodak Vision3 (específicamente 7207 y 7219). Leer más sobre elegir el material cinematográfico de Kodak para sus proyectos.

La cámara ARRI 416
El ARRI 416 con su plataforma y configuración de visor en el set de Superior. Imagen a través del Instituto Sundance.

Usando una cámara de película como la ARRI 416 puede, por supuesto, ser un desafío. Pero, como le dirán Vassilopoulos o Henry, vale la pena el riesgo y la inversión, ya que el dúo pudo sacar realmente algunas imágenes deliciosas, remontándose a las mejores imágenes del cine de la década de 1980. Contando la historia de dos gemelos idénticos con caminos de vida muy diferentes, Superior continúa muchos de los temas y narrativas de su cortometraje original, confirmando que si quieres ese aspecto verdaderamente cinematográfico, el riesgo siempre valdrá la pena la recompensa.


Imagen de portada de Mia Cioffi Henry a través del Sundance Institute.

Para obtener más información sobre cámaras y entrevistas y cobertura de festivales de cine, consulte estos artículos a continuación.

5 formas de utilizar el arranque bajo en su próximo proyecto

Para acelerar las cosas, primero debes ralentizar las cosas. Echemos un vistazo al antiguo arte del subarranque.

En su forma más básica, el undercranking es simplemente capturar a una velocidad de fotogramas más baja que la velocidad de fotogramas de su proyecto. El nombre proviene de los primeros días del cine, cuando las cámaras se accionaban mediante manivela. En aquel entonces, el subarranque se realizaba simplemente girando más lento que el promedio. Esta técnica crea un movimiento de salto y nerviosismo.


Cómo subarrancar

Cámara de película vintage
Un ejemplo de una cámara de cine de estilo antiguo con manivela. Imagen vía Colección Everett.

Para lograr este aspecto hoy, necesitará un temporizador de intervalos o la capacidad de cambiar manualmente las velocidades de fotogramas. Algunas cámaras (como mi BMPCC 6K) tienen ambas funciones integradas en la cámara. Para reducir la velocidad mediante el cambio de fps en la cámara, simplemente puedo sumergirme en el menú y reducir manualmente la velocidad de fotogramas a la velocidad deseada.

Si estoy buscando disparar algo a una velocidad de fotogramas extremadamente lenta, puedo dirigirme al temporizador de intervalos y reducir aún más las cosas. La grabación a intervalos permite una captura extremadamente lenta, como disparar un fotograma cada diez minutos. Muchos fotógrafos utilizan este método para disparar lapso de tiempo material. Si posee una DSLR y no tiene un temporizador de intervalos incorporado, siempre puede comprar un intervalómetro externo.

Temporizador de intervalo
Un ejemplo de temporizador de intervalos.

Si bien no todas las cámaras tienen capacidades de disparo con temporizador de intervalo y velocidad de fotogramas variable, puede lograr el mismo efecto en la publicación. Con Adobe After Effects, simplemente puede cambiar la velocidad de fotogramas de una composición anidada. O puede aplicar un efecto de Posterizar el tiempo a una capa y escribir manualmente la velocidad de fotogramas deseada. A continuación, se muestra más de cerca cómo usar este efecto tanto en After Effects como en Premiere Pro.

Entonces, si el arranque bajo produce un movimiento de salto y nerviosismo, ¿por qué querrías emular este aspecto? A continuación, presentamos cinco casos específicos en los que es posible que desee utilizar esta técnica la próxima vez que esté en el set.


1. Muestre el paso del tiempo

El uso más común de subarranque es capturar secuencias de lapso de tiempo. Las tomas comunes de multitudes, tráfico y cielos casi siempre son más interesantes visualmente cuando se capturan como un lapso de tiempo. Algunas cámaras le permiten reducir la velocidad de fotogramas manualmente, mientras que otras usan temporizadores de intervalo. El método de grabación que seleccione determinará cómo maneja el metraje en la publicación.


2. Cubra distancias rápidamente

Si bien puede hacer un giro bajo para ayudar a mostrar el paso del tiempo, también puede usarlo para cubrir distancias rápidamente. Esto se puede lograr mediante una técnica llamada hiperlapso, que es esencialmente un lapso de tiempo en movimiento. Para capturar un hiperlapso, simplemente mueva su cámara en cada intervalo. Cuando se reproduce, puede hacer que su disparo se mueva suavemente a través de grandes distancias en cuestión de segundos. Aquí hay un ejemplo de mí realizando mi primer hiperlapso, que resultó sorprendentemente bien.


3. Mejora las escenas de lucha

Una forma rápida y fácil de mejorar una escena de pelea es simplemente cortar vigorosamente entre tomas. Sin embargo, si está buscando crear algo un poco más atractivo visualmente, puede hacer un poco de esfuerzo durante la filmación. Algo tan simple como disparar a 22 fps acelerará tu disparo, permitiendo que tus personajes tengan un mejor impacto.

Reloj Niko Pueringer de Corridor Crew explican cómo aprovechar el poder del subarranque (y del overcranking) para mejorar las escenas de lucha en este entretenido episodio de Los especialistas reaccionan.


4. Agregue tensión y caos

Si bien puedes reducir la velocidad para mejorar la escena de una pelea, también ayuda a agregar una sensación frenética de tensión. Sólo mira Mad Max: Furia en la carretera y encontrará múltiples casos de subarranque en el trabajo. Es especialmente notable en la escena que precede al gráfico del título, donde Tom Hardy intenta escapar de los “muchachos de guerra” de Immortan Joe. La técnica también se utiliza bien para mejorar Nicholas HoultMovimientos frenéticos.


5. Emule el look vintage

Muchos cineastas o creadores de contenido harán lo imposible para intentar igualar el aspecto de las cámaras de cine más antiguas. Esto tiene sentido, ya que muchas de estas cámaras funcionan a velocidades de cuadro más bajas. Por ejemplo, la película de 8 mm se captura normalmente a 16 fps, mientras que la película Super 8 mm se ejecuta a 18 fps. Nuevamente, si bien puede aplicar rápidamente este aspecto mediante la aplicación de un efecto de posterización del tiempo, el giro bajo de forma nativa en la cámara le dará un aspecto ligeramente diferente.


Imagen de portada vía maradon 333.

Si desea aprender más técnicas de realización de películas, consulte estos artículos:

¿Cual de estos es correcto para ti?

Eche un vistazo a las diferencias entre Fusion y After Effects, para que pueda decidir cuál es el adecuado para usted. ¡Vamonos!

Ya sea RED contra Blackmagic, Sennheiser contra RØDE o Fusion contra After Effects, rara vez hay una sola aplicación para hacer el trabajo, cualquiera que sea ese trabajo. Del mismo modo, si bien encontrará que el proceso de transferir sus ideas a la realidad es el mismo, la ejecución diferirá ligeramente de una herramienta a otra. Es posible que se encuentre usando una ciencia de color de cámara diferente, acomodándose a un patrón polar diferente con el micrófono, o en el caso de Fusion vs. After Effects, usando capas en lugar de nodos.

Con eso, veamos las diferencias entre los dos software, para que pueda decidir cuál es el adecuado para usted.


¿Qué es exactamente After Effects y Fusion?

Tanto Blackmagic Fusion como Adobe After Effects son software de posproducción que se centran en la composición de imágenes y los gráficos en movimiento. En principio, puede hacer el 95% de todo en Fusion y viceversa. Sin embargo, puede ser justo decir que Fusion ofrece una mayor fuerza en la composición 3D, mientras que After Effects tiene una mayor participación de componentes de animación y diseñador de movimiento. Del mismo modo, es importante tener en cuenta que no estamos comparando software muy diferente, como Photoshop y After Effects. En su mayor parte, la elección que haga dependerá del tipo de trabajo posterior que esté creando y del flujo de trabajo en el que ya esté integrado.

Tenga en cuenta que a lo largo del artículo incorporaré varios tutoriales básicos que vale la pena ver si no está familiarizado con la terminología que se está discutiendo.


Fusión frente a resolución de fusión

Antes de analizar las diferencias fundamentales entre Fusion y After Effects, debemos distinguir que hay dos variaciones de Fusion. Fusion Studio, el software independiente y la página de Fusion que se encuentra dentro de DaVinci Resolve (tanto la versión gratuita como la de estudio de Resolve). En su mayor parte, ambas versiones tienen el mismo aspecto y operan de la misma manera con solo ligeras variaciones. Blackmagic ya ha creado un lista que compara los dos programas, y dada la longitud de la lista, le aconsejo que consulte esa página.

Resolución vs Fusión
Imagen vía Diseño Blackmagic.

Como puede ver en la captura de pantalla, en su mayor parte, las funciones del software Resolve tienen muchas de las mismas funciones que se encuentran en la versión independiente, pero hay varias omisiones en Resolve.

Además, debido a que Resolve aloja la plataforma de edición, audio y gradación de color, es posible que Resolve Studio sea un poco más lento en el tiempo de respuesta que el software independiente en el tiempo de arranque. Sin embargo, tenga en cuenta que si posee una licencia para la versión Studio de Resolve, también puede descargar y usar la versión Studio de Fusion sin costo adicional.


Composición basada en capas de After Effects

No es ningún secreto que After Effects y Fusion comparten muchas similitudes. Sin embargo, quizás no exista una diferencia más significativa que la forma en que se compone en cada software.

After Effects funciona en un sistema basado en capas. Esto significa que cada elemento de la imagen se apila uno encima del otro y se muestra en orden descendente. Esto, tanto en el espacio físico como en el literal, tiene más sentido de mirar.

Capas de After Effects
Una representación típica de After Effects Layers.

Como se ve en el ejemplo anterior, podemos ver que YES.png se encuentra en la parte superior de la pila de capas y es visible primero. La capa de montañas de fondo se encuentra en la parte inferior de la pila de capas. Hasta cierto punto, la composición basada en capas se puede comparar con las películas clásicas animadas con cel creadas antes de que la animación se volviera digital. Aquí es donde los personajes fueron dibujados en película transparente y colocados sobre un fondo pintado.

La estructura de capas es perfecta para el diseño de movimiento y la animación, ya que le permite evaluar visualmente los elementos gráficos de una manera que recuerda a la animación de la vieja escuela. Y a menudo, debido a la naturaleza visual de las capas, encontrará que funciona a su favor, como los animadores que se mueven hacia adelante y hacia atrás entre las celdas de animación.


Aplicar efectos en After Effects

En After Effects, cuando aplica un efecto o transforma una propiedad a una capa, no se muestra visualmente en la interfaz de usuario hasta que selecciona la capa afectada. A partir de ahí, el efecto se puede manipular.

Esto a menudo puede resultar confuso cuando tiene varias capas con varios efectos, ya que puede resultar complicado encontrar qué capa está haciendo qué. Por ejemplo, en la imagen de abajo, cada capa tiene un generador de números y cada generador es impulsado por sus propias propiedades individuales. Encontrar el efecto correcto de esta manera puede resultar tedioso.

Generador de números
Un generador de números en el panel Efectos.

Composición basada en nodos de Fusion

Fusion, sin embargo, funciona con un sistema de composición basado en nodos (NBC). Su primer vistazo a un diagrama de flujo completo puede enviarlo fácilmente a las capas más primitivas que se encuentran en After Effects. Es fácil leer lo que hay en su línea de tiempo y dónde se aplica esa capa dentro de la composición con capas. Sin embargo, en el momento en que aprenda a leer un diagrama de flujo de un nodo, que estará en unas pocas oraciones, lo hará todo más claro y quizás más favorable que After Effects.

Diagrama de flujo de nodo
Un diagrama de flujo de nodos.

Si bien After Effects se presenta visualmente en una presentación apilada, usted lee un NBC horizontalmente de izquierda a derecha, desde su nodo de entrada hasta el nodo de salida. Si tuviera que aplicar nada más que un único efecto a sus medios, el diagrama de flujo sigue siendo relativamente simple y fácil de entender. Pero, tan pronto como aplica efectos y transforma propiedades, comienza a verse como un diagrama de mecánica, que rápidamente pierde personas. Sin embargo, todo lo que tiene que reconocer es que cada nodo tiene su propia operación de procesamiento.

Un nodo puede ser varias cosas. Podría ser una miniatura que representa el clip en la página de edición, una operación de composición o una herramienta individual como un efecto de brillo.

Sin embargo, a diferencia de After Effects, donde coloca cada capa una encima de la otra, en Fusion dibuja conexiones entre la entrada y la salida de los nodos. El orden en el que conecte los nodos afectará las operaciones de procesamiento.


Entendiendo los nodos

Si bien parece que la composición basada en nodos está apilada con muchos elementos en movimiento, solo cada elemento de la composición tiene una operación de nodo específica que fluye a través de toda la composición.

Esta es la principal disuasión de After Effects. En el software de Adobe, normalmente agregarías cada efecto a la capa en lugar de darle al efecto su propia capa. Entonces, ¿qué hace esto? ¿Es un detrimento o un beneficio?

Bueno, por ejemplo, si tuviéramos que agregar texto a la composición y luego decidimos que también necesitamos agregar una sombra paralela al texto, el gráfico de nodo se vería así.

Gráfico de nodo

Ahora, podría decir: “Sería igual de fácil aplicar un único efecto de sombra paralela a una capa de texto”. Bueno, no te equivocarías.

Pero, digamos que ahora desea agregar un nodo de texto secundario y asegurarse de que tenga el mismo efecto de sombra. En After Effects, a menos que las dos capas de texto estuvieran compuestas previamente (lo que sería una pérdida de composición), tendría que aplicar el efecto de sombra dos veces al texto. Si luego decidió disminuir la sombra, tendría que volver a cada capa de texto para ajustar las propiedades de la sombra. Mientras que en Fusion, puede vincular el texto secundario al nodo de sombra, por lo que todo el efecto de sombra para ambas propiedades está bajo una sola operación. Ahora, imagine la eficiencia cuando esto debe hacerse con varias operaciones, no más cambios entre capas.

Como dice Blackmagic,

Los nodos son increíblemente fáciles de usar, especialmente a medida que las escenas se vuelven más complejas. Los nodos de Fusion son pequeños iconos que representan efectos, filtros y otras operaciones de procesamiento de imágenes. Los nodos se pueden conectar fácilmente entre sí para crear efectos visuales más grandes y complejos. Las herramientas, imágenes y objetos se pueden combinar en cualquier orden para crear efectos visuales ilimitados. Simplemente haga clic en un nodo para ajustar rápidamente cualquier parte de su proyecto. ¡Eso es mucho más rápido que una herramienta basada en línea de tiempo porque no necesita buscar entre pilas anidadas de capas y filtros confusos!

Sin embargo, aunque los nodos pueden ser más rápidos, existe una mayor curva de aprendizaje con un NBC.

Al realizar la composición, la estructura de nodo individual ofrece un flujo de trabajo mucho más eficiente, ya que permite al usuario evaluar individualmente cada elemento de la composición en un proceso paso a paso, refinando adecuadamente el compuesto a medida que avanza. Si esto se hiciera en una sola capa en After Effects, tendría que examinar el panel de efectos para tratar de averiguar qué efecto está causando el hipo.


Complementos de terceros

Quizás uno de los componentes más importantes que puede llevar a la gente a After Effects y mantener a la gente firmemente en su asiento de Adobe, es la amplia gama de complementos, ajustes preestablecidos y scripts disponibles para After Effects. Hay tantos complementos de terceros para After Effects que existen mercados dedicados y centros de soporte para el complementos y scripts. Si bien la instalación predeterminada tiene herramientas más que suficientes y efectos prediseñados para durar toda la vida, la posibilidad de agregar más herramientas con funciones específicas y avanzadas lleva el software a un nivel diferente.

Desde simuladores de partículas avanzados, simuladores físicos y aplicaciones de animación 3D, la adición de complementos de terceros puede permitir al usuario transformar After Effects en una herramienta potente capaz de muchas aplicaciones diferentes. Además, debido a la extrema popularidad de After Effects durante tantos años, el mercado está inundado de plantillas gratuitas y ajustes preestablecidos ofrecidos por muchos creadores talentosos (nos incluido).

Sin embargo, Fusion no tiene el mismo mercado abundante en complementos, desde lo necesario hasta lo absurdo. Si bien puede agregar complementos OFX a Fusion, ciertamente no hay la misma cantidad de complementos disponibles. Aunque, por el contrario, Fusion tiene una cantidad bastante significativa de herramientas integradas que pueden eliminar la necesidad de herramientas adicionales.

Amplia gama de herramientas Fusion
Un ejemplo de los muchos, muchos menús de herramientas en Fusion.

Comparación de la interfaz de usuario

Junto con la amplia gama de complementos y scripts que puede importar a After Effects, la interfaz de usuario (UI) también es muy personalizable. Desde poder reorganizar completamente todo el espacio de trabajo, instalar paneles de guiones de uso frecuente en una posición a su gusto e incluso cambiar el color de fondo, After Effects es completamente personalizable hasta el punto en que no hay dos artistas que compartan la misma interfaz fuera de la predeterminada. diseño.

Con un espacio de trabajo tan altamente personalizable y la posibilidad de colocar paneles de guiones y herramientas específicas donde sea necesario, permite al usuario ajustar el espacio de trabajo para su uso preferido del diseño. Los gráficos en movimiento pueden preferir un acceso más amplio a los paneles de diseño y al panel de texto. Por el contrario, un compositor puede querer mostrar un gran énfasis en los controles de seguimiento o en un complemento de cámara 3D.

After Effects personalizado
Mi diseño personalizado.

En Fusion, al igual que las otras interfaces dentro de DaVinci Resolve, no hay mucho espacio en la forma de personalización. Puede abrir y cerrar paneles, además de ampliar las áreas de trabajo, pero no puede desacoplar paneles ni reorganizar el espacio de trabajo como mejor le parezca. Sin embargo, esto no siempre es perjudicial, ya que el espacio de trabajo personalizable de After Effects a menudo puede estar abarrotado.

En lo que respecta a las funciones integradas, entre ambos software en 2021, encontrará los conceptos básicos básicos disponibles en cada software. Desde simulaciones de partículas hasta texto animado, ambos programas cuentan con fantásticos motores prediseñados. Pero, al igual que el debate de nodo contra capa, existen ligeras variaciones en la forma en que funcionan. Aunque Fusion tiene un mejor manejo de elementos 3D reales con un espacio de trabajo 3D infinito.


Comparación de precios

Hablemos del elefante en la habitación. Precio. Si esto fuera 2010, podría esperar pagar por las nubes por el software de efectos visuales. Sin embargo, el auge del modelo de suscripción ha obligado a muchas empresas a explorar diferentes vías. Blackmagic ha tomado la graciosa avenida de ofrecerle una versión de Resolve GRATIS, que tiene Fusion Studio incluido con solo algunas características redactadas. Si es completamente nuevo en la composición, es dudoso que necesite las funciones avanzadas bloqueadas detrás del muro de pago.

Además, varias herramientas de Blackmagic se envían con una licencia de estudio Resolve, desde Blackmagic Pocket 4K hasta Resolve Keyboard. Si está buscando hacer una inversión en cámara, puede ahorrar dinero en la licencia de Studio si permanece dentro del ecosistema de Blackmagic. Si necesita el paquete de estudio de Fusion, tiene un precio base de $ 298 y no tendrá que pagar ni un centavo más por más reiteraciones del software. Eso es todo.

Plan de pago de After Effects

After Effects, por otro lado, tiene un precio bastante elevado en el transcurso de algunos años. Por el momento, hay tres opciones disponibles:

  • $ 20.99 / mes: plan anual pagado mensualmente, a un costo total de $ 251.88
  • $ 239.88 / año – Plan anual pagado por adelantado
  • $ 31.49 / mes – Plan mensual que se puede cancelar cuando sea necesario – Costo anual de $ 377.88

Sin embargo, es importante tener en cuenta que Adobe ejecutará ofertas frecuentes durante todo el año, en las que podrá obtener planes anuales a una tarifa con descuento. Estos suelen aparecer hacia finales de año durante el Black Friday y Navidad.


Recursos

Si bien esto no tiene un impacto directo en el software y su rendimiento, quizás sea un componente crítico a considerar al considerar qué software elegir si está comenzando desde cero. Si bien Fusion ha existido técnicamente por más tiempo que After Effects, la accesibilidad del software de Adobe a nivel de consumidor tiene mucha más historia. A finales de la década de 2000, como un adolescente deshonesto que navega por sitios web de piratería, After Effects siempre ocupaba un lugar destacado. Como tal, muchas personas han crecido con el software durante un período significativo, lo que ha dado como resultado que muchos profesionales versados ​​compartan sus conocimientos en el camino en forma de Tutoriales de YouTube, artículosy libros.

Yo diría que podría YouTube prácticamente cualquier forma de idea de diseño de After Effects, y habría un tutorial para ello. Para Fusion, no tanto. Dado su costo inicial y el hardware necesario para los conceptos básicos de Fusion, la adopción temprana no fue tan importante entre los adolescentes de la época. Como resultado, apenas estamos comenzando a estar inundados de tutoriales que existen para After Effects desde los albores de YouTube.


¿Para quién?

Como uno de los primeros en adoptar editar en DaVinci Resolve y como formador de edición certificado, a menudo me encuentro en desacuerdo con el aspecto de que soy estrictamente un tipo de After Effects cuando se trata de composición. After Effects, quizás más que la compra inicial de un 550D cuando tenía diecinueve años, es una de las principales razones por las que estoy aquí hoy en las industrias creativas. Siguiendo los tutoriales de Andrew Kramer, la mayoría de mis primeros videos eran simplemente escenas llenas de efectos especiales que cautivaron tanto a mis compañeros de clase como a mis padres, y dada la cantidad de dinero que he invertido en complementos de terceros, no creo que lo haga nunca. deje de usar After Effects.

Sin embargo, eso no es malo, ya que no soy del todo el usuario previsto para Fusion. Si bien Fusion puede emplear gráficos en movimiento, realmente es mejor para efectos visuales, composición y clave. Además, lo que se basa en nodos es lo que encontrará al pasar a otras plataformas de efectos visuales o al avanzar en el ecosistema hacia un software 3D avanzado. Por lo tanto, si tenía la intención de seguir ese camino, ya estaría versado en el flujo de trabajo basado en nodos.

Además, valdría la pena evaluar su flujo de trabajo actual. ¿Te encuentras cambiando constantemente entre Adobe Photoshop y Efectos de Premiere Pro para su trabajo cinematográfico y luego vincular a After Effects para componer? ¿O está trayendo imágenes de su Pocket 4K, y luego editando y calificación dentro de DaVinci Resolve?

Ambas empresas se han basado en la adopción de un flujo de trabajo en el que los creadores pueden cambiar sin problemas entre el software, según la etapa de producción en la que se encuentren. Si descubre que ya está arraigado en un flujo de trabajo específico, es mejor quedarse con la empresa con la que ya está familiarizado.


El Tl; dr

  • Diseñadores de movimiento, animadores y artistas de efectos visuales a tiempo parcial: Gun for After Effects.
  • Compositores de la serie que buscan avanzar con una trayectoria profesional en efectos visuales: elija Fusion.

Imagen de portada vía nitin mendekar.

Para obtener más información sobre After Effects, consulte los artículos a continuación.

Comparación de las actuaciones de Premiere Pro frente a Final Cut Pro X

Comparemos estas dos piezas de software de edición, Premiere Pro y Final Cut Pro X, en cinco áreas diferentes de desempeño.


Interfaz de usuario

Es bien sabido que Premiere tiene un diseño increíblemente personalizable. Por ejemplo, puede tener varias líneas de tiempo abiertas a la vez, o puede arrastrar y soltar sus paneles para cambiar su espacio de trabajo para que sea perfecto para usted.

Varias líneas de tiempo
Varias líneas de tiempo se abren a la vez.

También viene con nueve espacios de trabajo predeterminados que puede usar y que están organizados según post-producción tarea. Además, también tiene la posibilidad de guardar sus espacios de trabajo personalizados. Entonces, una vez que haya perfeccionado su diseño, podrá acceder a él nuevamente la próxima vez con un simple clic.

Personalizar espacios de trabajo
Personaliza tus espacios de trabajo.

Sin embargo, FCPX solo tiene cuatro espacios de trabajo predeterminados y los que puede crear son mucho menos personalizables que los de Premiere. Si su inspector está visible, siempre estará en la esquina superior derecha. También puede tener solo una línea de tiempo abierta a la vez, y es mucho menos maleable. Espero que en el futuro, los creadores de software de Apple se inspiren un poco en Adobe y hagan que FCPX sea más personalizable.

Espacios de trabajo FCPX
FCPX es mucho menos personalizable que Premiere.

Preparación del proyecto

Antes de comenzar una edición, la mayoría de nosotros invertimos un poco de tiempo en configurar nuestros proyectos (o bibliotecas en FCPX) de una manera que nos permita editar de la manera más eficiente posible. Afortunadamente, cada software tiene una variedad de herramientas a mano para ayudarnos a obtener nuestras imágenes y audio organizado.

FCPX le ofrece la opción de usar algo llamado colecciones de palabras clave, en las que puede etiquetar clips (o partes de clips) con una palabra o frase específica. Si hace clic en esta palabra clave, le mostrará todos los clips que se han etiquetado con ella.

Colección de palabras clave de FCPX
La colección de palabras clave de FCPX le permite etiquetar clips con palabras o frases específicas.

Sin embargo, en Premiere, puede organizar su metraje en contenedores. Se diferencian de las palabras clave en que no solo se etiqueta un clip; más bien, lo pone en una papelera. Por lo tanto, cuando un clip está en un contenedor, solo puede estar en ese contenedor. Pero con las palabras clave, varias palabras clave pueden hacer referencia al mismo clip.

Personalmente, creo que Premiere se pierde al no tener palabras clave, ya que a menudo muchos clips se clasifican en varias subcategorías y es útil si puede etiquetarlos en consecuencia.

Sin embargo, lo mejor (en mi opinión) sobre la capacidad de FCPX para organizar su metraje es favorecer. Aquí es donde puede seleccionar sus partes preferidas de cada clip y luego “marcarlas como favoritas”. Una vez que haya hecho eso, aparecerá una pequeña línea verde en la parte superior de la sección que se ha marcado como favorito. Entonces, puede seleccionar Favoritos en el visor de eventos y solo podrá ver las partes del clip que desee en el visor de eventos. Esto puede resultar especialmente útil si tiene editor asistente, que pueden buscar en su extenso B-roll para encontrar las gemas, que pueden guardar para usted usando el Función favorita. Lamentablemente, no puede hacer esto en Premiere, pero a menudo desearía que lo hiciera, ya que es increíblemente útil.

La función favorita
La función Favorito es excelente para guardar esas preciosas gemas.

Edición en la línea de tiempo

En muchos sentidos, ambos funcionan de manera bastante similar cuando se editan. Sin embargo, existen algunas diferencias claras. En primer lugar, Premiere divide su audio y video en pistas separadas, incluso si su archivo contiene video y audio.

Línea de tiempo de Premiere Pro
Premiere divide el audio y el video en pistas separadas.

FCPX no hace esto. FCPX usa algo llamado Magnetic Timeline. Dentro de eso, tienes la historia principal (como se muestra a continuación), en la que pones tu metraje principal. Por ejemplo, en mi edición a continuación, tengo mi entrevista metraje en mi historia principal. Todos sus otros clips de audio y video se adjuntan a lo que sea que esté en la historia principal. De esa manera, cuando mueva un clip, lo que esté adjunto se moverá con él. Esto ayuda a que su edición sea agradable y eficiente, ya que puede mover secciones completas de una edición con solo mover uno o dos clips. Cuando mueves un clip que está en la historia principal, la brecha que queda ahora se cerrará automáticamente, llevando el clip que estaba después de él hacia adelante.

Línea de tiempo magnética de FCPX
Línea de tiempo magnética de FCPX.

Premiere no tiene un sistema de línea de tiempo magnético, lo que puede hacer que la edición sea mucho más laboriosa. Una vez que seleccione todos los clips que desea mover, se encontrará creando y cerrando huecos manualmente.

Además, FCPX también le da la opción de renderizar en segundo plano su edición. Esto significa que procesará su línea de tiempo mientras trabaja, lo que le permitirá ver sus ediciones sin problemas, cuando lo desee. Sin embargo, en Premiere, a menudo tendrá que esperar mientras procesa manualmente sus ediciones antes de poder volver a verlas.


Gráficos en movimiento

La mayoría de los editores que conozco utilizan Adobe After Effects para crear sus gráficos en movimiento. La compatibilidad de Premiere con After Effects lo hace increíblemente útil aquí. Gracias a enlace dinámico, puede arrastrar sus composiciones a Premiere y, cuando realice cambios en esa composición en AE, esos cambios aparecerán automáticamente en Premiere.

Esto lo convierte en un flujo de trabajo increíblemente eficiente, y es la razón por la que siempre elijo Premiere en lugar de FPCX cuando se trata de ediciones que contienen suficientes gráficos en movimiento. FCPX requeriría que exportara su composición cada vez que quisiera hacerle un cambio, lo que requeriría mucho más tiempo que cuando trabaja con Premiere.


Escala de colores

En Premiere, cada vez que desee calificar un clip, debe agregar un Efecto Lumetri Color. Si quisiera agregar dos calificaciones basadas en curvas, necesitaría agregar dos efectos Lumetri completos, que contienen curvas, ruedas y muchas otras herramientas de calificación. Sin embargo, en FCPX, agrega las curvas, tableros de colores o ruedas individualmente.

A pesar de esto, muchos prefieren Premiere cuando se trata de calificación. Premiere le ofrece la opción de cambiar el nombre de sus calificaciones individualmente, lo que no puede hacer en FCPX. Esto le brinda ese nivel adicional de claridad en cuanto a qué calificación está copiando / pegando al copiar calificaciones entre clips.

Cambiar el nombre de sus calificaciones en Premiere
En Premiere, puede cambiar el nombre de sus calificaciones individualmente.

Otra capacidad de la que Premiere se jacta sobre FCPX es la capacidad de rastrear sus calificaciones a los objetos dentro de su toma. Esto le permite dar una calificación distinta a ciertos objetos. Por ejemplo, aumentar la saturación en la cara de un personaje para llamar la atención sobre él.

Podría comparar estas dos piezas de software durante horas si quisiera, hay tantas complejidades que considerar. Sin embargo, estas cinco áreas de comparación son definitivamente vitales a tener en cuenta al decidir cuál usar. Te animo a jugar con ambos y ver cuál prefieres.


Imagen de portada vía Gau zohchair.

Para obtener más información sobre los programas de software, consulte estos artículos:

Lo que se debe y no se debe hacer de dirigir su próximo proyecto de forma remota

Desde probar su Wi-Fi hasta preparar a su equipo, aquí hay algunas cosas que debe considerar en su próxima, o primera, toma remota.

Estás en casa terminando el último trozo de ese bagel perfectamente tostado. La hora de la llamada es a las 9 a. M. Y en cuestión de minutos tendrás que silenciar el Vivir con Kelly y Ryan y configurar. Recibirá un mensaje de texto que le avisará que la tripulación está a cinco minutos de tener la imagen. Inicie sesión para dirigir un paquete de dos minutos desde su computadora portátil.

Si me hubieras dicho hace un año que así es como estaríamos dirigiendo, no solo no te habría creído, me habría ido mirándote de reojo mientras le enviaba un mensaje de texto a mi mejor amiga diciéndole que simplemente perdiste la cabeza.

La dirección remota no se siente tan gratificante al principio. Dirigí stand-ups y entrevistas bastante íntimas desde la mesa del comedor durante cuatro meses seguidos. La buena noticia es que aún puede lograr una narración fantástica y un gran metraje de esta manera.


HACER directo de forma remota

Directo de forma remota
Dirigir de forma remota se ha convertido en la nueva norma. Imagen vía doomu.

Ofrezca esto como una opción para que pueda seguir trabajando. Es un desafío, pero más fácil de lo que piensa. Muchos de nosotros somos principiantes sin experiencia en televisión en vivo. Investiga el Cómo. Puede probarlo con un colega o amigo en producción en su propio tiempo. No abandonaremos esto una vez que salgamos de esta pandemia. Aprende ahora.


Prepara a tu tripulación

Prepara tu tripulación
Tener una tripulación bien informada es esencial para dirigir de forma remota. Imagen vía Como estudio fotográfico.

Si está trabajando en un proyecto con un presupuesto decente para contratar a un equipo, asegúrese de que el equipo esté demasiado informado. Además de agregar el logotipo del cliente en una hoja de llamadas, eduque al equipo sobre la historia y los mensajes. Ellos lo representan a usted y a la empresa para la que trabaja. No estarás allí para monitorear el B-roll o la charla entre tomas. No pierda de vista el profesionalismo solo porque es una sesión de bajo perfil.

Por ejemplo, si estás filmando con un representante corporativo de Coca-Cola y tu director de fotografía, asistente de cámara y talento son los únicos en el set, debes asegurarte de que los productos de Pepsi no terminen en el set. Puede pensar que esto es de sentido común, pero créame, su tripulación no está pensando en eso. Y, ¿por qué deberían serlo?

Finalmente, No, Noy diablos no charlas sobre política. Abortar abortar! Y, si el talento o el cliente comienza, ¡manténgalo neutral!


PREPARA TU TALENTO Y CLIENTE

Explique lo que debería salir bien y lo que podría ser un desafío antes del rodaje. Ayude a desarrollar su confianza haciéndoles saber que tiene planes de respaldo y que está probando. Algunos clientes quieren estar en el feed mientras diriges. Si un cliente está escribiendo guiones, asegúrese de haber leído todo el guión y haberle dado su opinión unos días antes del día de rodaje. Déle al cliente una fecha límite que le dé tiempo suficiente para enviarla a su operador de teleprompter antes de la filmación. Por último, asegúrese de que el talento también reciba una copia con anticipación.


Haz una prueba

Prueba tu Wi-Fi
Quieres tener una buena conexión Wi-Fi en el lugar. Imagen vía ESB Profesional.

Asegúrese de que haya una buena conexión Wi-Fi en el lugar cuando confirme el lugar o la ubicación. Pregunte la ubicación antes de bloquearlo. Pruébelo en el set de inmediato, especialmente para aquellos que están filmando afuera debido a COVID-19 restricciones. Idealmente, desea que su DP lleve la señal si está filmando al aire libre con poca o ninguna proximidad a una señal. ¡Reserve tiempo para probar, probar, probar!


Tenga un plan B, C y D

Planifique con anticipación
Tenga varios planes de respaldo en su bolsillo. Imagen vía panza.

Para Wi-Fi, envíe un iPad con datos por adelantado para que Zoom o Bluejeans (lo que sea que use) puedan funcionar sin el punto de acceso (dedos cruzados). Si se desata el infierno mientras estás en el set, puedes usar Facetime o WhatsApp para mirar el monitor, escuchar y dirigir. Para el sonido, si está afuera, lleve un billete de $ 20 en caso de que necesite que algunos jardineros u operadores de sopladores de hojas se tomen un descanso para que pueda leer la copia. ¡Considérelo un consejo en la ruptura de sus gastos! Si está adentro, tenga mantas de sonido en caso de que se encuentre en un espacio grande con eco.


NO dirija sin un ensayo

Vale la pena ensayar. Haga que los talentos se sientan cómodos, caliéntelos y resuelva los problemas iniciales, especialmente si es la primera vez que dirige de forma remota. Reserve el tiempo en su agenda, haga que su asistente se pare para enmarcar la toma o ejecutar el apuntador, o hablar galimatías solo para verificar los niveles. Puede atrapar algo antes de rodar.


NO escatime en calidad: reserve una tripulación

Contratar una tripulación
Haga su vida más fácil y su producción más profesional contratando a un equipo para que lo ayude. Imagen vía guruXOX.

Si tu cliente te lo pasa mal, dale el beneficio de contratar un director de fotografía, un operador de sonido, una segunda cámara para tomas de ángulo lateral o incluso el cabello, el maquillaje y el vestuario. Aparte de la compañía divertida, la cobertura obviamente garantiza entregas de primer nivel. Sí, puede enviar un kit de cámara, pero no se lo diga de inmediato. Es mucho más trabajo por parte de ellos y el tuyo, y no es de la misma calidad. Tuve que volver a disparar. Entonces, no tenga miedo de preguntar. Lo peor que pueden decir es no.

Si se pregunta cómo puede encontrar y contratar un equipo de filmación, consulte estas listas y recursos.


NO Limite su visión y creatividad

Mantente creativo
¡Mantén fluyendo esos jugos creativos! Imagen vía Rawpixel.com.

Estamos restringidos con las pautas de COVID en este momento, pero no permitas que esto limite tu creatividad. Utilizar una pantalla verde si estás dentro y tiene sentido hacer que tu toma sea más dinámica. Usa gráficos. Dispara con tu teléfono móvil, especialmente si hay una extensión social. Si no tiene equipo, registre el talento directamente en Enfocar o Skype, bloqueando la toma y grabando la reunión.


No te rindas

Aquí está el momento de mi mamá oso. . . recuerden amigos, esto es temporal! Volveremos a dirigir en persona. Mucha gente está filmando en el set respetando las restricciones de COVID en este momento. Mientras tanto, si estás en el set, sigue las reglas de COVID (Tom Cruise lo agradecería), practique el distanciamiento social y use máscaras (tenga un representante de cumplimiento de COVID allí) sin importar el tamaño de la tripulación.

Ten una buena actitud e inyecta la misma diversión y profesionalismo mientras diriges de forma remota. Sigamos todos colaborando y soñando despiertos con los días en que volvamos a estar juntos. Seremos más innovadores, pacientes y dispuestos a no volver a preocuparnos por las pequeñas cosas.


Imagen de portada vía doomu.

Para obtener sugerencias, trucos y consejos adicionales sobre la realización de películas, consulte estos:

Uso de Pick Whip para Motion Graphics en Adobe After Effects

Con demasiada frecuencia, crea una animación agradable en una capa de texto utilizando fotogramas clave, antes de darse cuenta de que desea que una forma se mueva con el texto para que la forma y el texto se muevan juntos. Puede ver en la captura de pantalla a continuación que el texto se ha movido sin la capa de forma. Si ha perfeccionado sus fotogramas clave en su capa de texto utilizando el editor de gráficos, será bastante laborioso crear exactamente los mismos fotogramas clave en la capa de forma.

Capa de texto
El texto se ha movido mientras que la capa de forma permanece.

La función de un látigo de pico

Aquí es donde entra en juego el látigo de pico. Le permite “parentalizar” una capa a otra. Cuando haya vinculado una capa a otra, asumirá cualquier cambio en la escala, la posición y la rotación que atraviese la capa a la que pertenece. Hay un ícono de látigo ubicado en cada capa, como se muestra a continuación.

La captura de pantalla a continuación me muestra criando la capa de forma a la capa de texto usando el látigo de selección, lo que resulta en que la forma ahora se mueve con el texto.

Crianza de la capa de forma y texto
La capa de forma ahora se mueve con la capa de texto.

Capas de animación

Sin embargo, el látigo de púa realmente se destaca cuando comienzas a trabajar en proyectos más complejos. En la captura de pantalla a continuación, puede ver que tengo varias capas que quiero animar al unísono. En lugar de animarlos a todos individualmente, simplemente puede vincularlos a un objeto nulo y agregar los fotogramas clave a esa capa.

Crianza de las capas
Vincula las capas a un objeto nulo.

Si selecciona todas las capas que desea animar, puede arrastrar el látigo de selección desde la capa superior al objeto nulo, y las vinculará a todas. Una vez que haya hecho esto, simplemente puede animar todas las capas usando el nulo, como se muestra en la captura de pantalla a continuación. Una cosa a tener en cuenta es que las capas rotarán alrededor del punto de ancla del objeto nulo, no de sus propios puntos de ancla.


Opacidad

Valor de opacidad
Aquí, no puede controlar el valor de opacidad de las capas usando el objeto nulo.

Sin embargo, en el ejemplo que acabo de usar aquí, no puede controlar el valor de opacidad de estas capas usando el objeto nulo.

Hay una solución para esto y es bastante simple. Puede ver en la captura de pantalla a continuación que también hay un ícono de látigo en cada capa junto a la propiedad de opacidad. Si arrastra eso de una capa a la opacidad de la capa de arriba, ahora puede afectar la opacidad de ambas capas simplemente controlando una. De hecho, puede parear cualquiera de las propiedades de transformación individuales entre las capas que desee.

Ajustar la opacidad
Ahora, puede vincular cualquiera de las propiedades de transformación individuales a cualquier capa que desee.

Todavía hay mucho más de lo que puede aprender sobre el látigo de pico, pero incluso los fundamentos que he descrito aquí pueden ser enormemente beneficiosos. ¡Juega con él! Estoy seguro de que acabará preguntándose cómo se las arregló sin él.


Imagen de portada vía George Khelashvili.

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Conclusiones de un productor ejecutivo

Desde estar preparado hasta controlar su ego, aquí hay algunas lecciones de la industria para ayudarlo a destacarse y siempre hacer el corte.

He tenido el placer de producir y dirigir en muchos géneros de producción. Comencé en la televisión sobre el estilo de vida y me moví a través de la acción en vivo con guión, formatos de estilo de competencia en horario estelar, documentales, y videos de formato corto en las redes sociales. Estoy hablando de miles de horas de pie en el set (porque quién está realmente sentado en el set, ¡no esta chica!), Cientos de buenas tomas en unos cientos de tomas geniales más, mil seguridades “solo para tenerlo” y un sinfín de explicaciones. a una habitación llena de clientes sobre por qué estamos a punto de estar absolutamente callados durante treinta segundos: “Silencio, por favor, este es el tono de la habitación”.

Estilista gastronómica Jeanie Chen
Yo con la estilista gastronómica Jeannie Chen. Imagen de Yvonne Albinowski.

Ha sido todo un viaje, pero no me arrepiento de mis elecciones, mis errores y lo que he aprendido. Lo atribuyo al plan de estudios de mi vida que ahora tengo el placer de compartir con ustedes.


Esté preparado para las cosas que vayan mal y esté listo para solucionarlo

La víspera de un rodaje con una importante marca para el cuidado de la piel, recibí una llamada de mi productora Amanda.

“Um, tenemos un problema. El talento apareció con marcas de ventosas por todo su cuerpo. Dice que recibió el tratamiento hace dos semanas. El cliente está aquí y no está contento “.

“Lo siento, ¿te refieres al talento que fue contratado por su piel húmeda? ¿El talento que se supone debe realizar movimientos de entrenamiento frente a la cámara? El talento del yoga con camisetas sin mangas y mallas, ¿ese talento? ¿El talento de la piel como foco de su actuación?

Yo, sabiendo muy bien qué es la aplicación de ventosas, sabiendo que normalmente no se necesitan dos semanas para que las marcas de las ventosas sanen, me enfurece. Iba de camino al pueblo (en dirección opuesta a mi casa actual) para hacer lo que hacen los productores: EL PROBLEMA RESUELVE ESTA SITUACIÓN. Pero, antes de llegar allí, llamo a nuestro mejor maquillador porque ya sé cómo se desarrollará esto. En unas pocas horas, dos maquilladores la están retocando, con la esperanza de que no aparezca nada el día del rodaje. Eso ahora es el doble del costo que presupuesté, aunque sé que tenemos una línea para varios, o en este caso contratiempos. Para resumir, la aerografía ayudó, pero hicimos mucho en la publicación para repararla.

Esté preparado para pensar en todas las posibilidades y pida a su equipo que opinen. Existía la posibilidad de cancelar el rodaje, lo que nos habría costado un día de trabajo. No es necesario que se te ocurra la solución exacta, pero debes tomar la iniciativa y reunir a los jugadores para resolverlo. Debe ejercitar la madurez y la capacidad de mantener la calma y mantener a todos los demás tranquilos. El tiempo también es clave. Tendrás que moverte rápido y pensar con rapidez.


Sea simpático, inteligente y tenga una buena actitud

Tener buena actitud
Tener una buena actitud ayuda mucho en este negocio. Imagen vía George Rudy.

Mi lema siempre ha sido este: “No es a quién conoces, es a quién conoces y cuánto les gustas”. Si ellos me gustas mucho, ellos te contratará, recomendará y contribuirá a tu crecimiento. Mi primer trabajo en televisión fue a través de mi amiga Vivian, quien me puso como asistente en una cadena conocida en ese momento como TVFN, ahora Food Network. Cada trabajo que he tenido desde entonces fue a través de alguien que conocía. Relaciones De Verdad ¡importar!


Sea siempre un estudiante

Aprende nuevas habilidades
Nunca dejes de aprender nuevas habilidades. Imagen vía guruXOX.

No importa dónde te encuentres en tu carrera, importa qué más está sucediendo en tus proyectos. El hecho de que no sea su departamento no significa que no deba estar escuchando en el set o en las llamadas. He producido contenido relacionado con la industria farmacéutica, alimentación, diseño, redes sociales, televisión y transmisión. Cuanto más sepa, más podrá ofrecer a su equipo y ese currículum.

No tienes que dominar todas las habilidades. Solo escuche y haga un esfuerzo por comprender por qué cada pieza es importante en la historia. La forma en que contamos historias y cómo las entregamos está cambiando todo el tiempo. Sea el primero en ver cómo cambia el contenido y por qué las plataformas y los servicios generan ingresos.


Conozca la audiencia

Empiece por usted mismo. También eres la audiencia que consume horas de contenido en tantas plataformas. ¿Por qué estás mirando? ¿Qué sacas de eso? ¿Cómo estás participando? Y, ¿a qué te lleva a hacer mirar? ¿Está comprando, siguiendo, etiquetando? ¿Qué datos estás proporcionando?

Es importante comprender el por qué. No podemos simplemente contar historias sin una visión en mente para encerrar a los espectadores. Comprenda cómo el contenido atrae a la audiencia y los dólares, especialmente si desea presentar su propio trabajo.


Compruebe su ego en la puerta

Comprueba tu ego
No dejes que tu ego sea tu ruina. Imagen vía FrankHH.

He visto a tanta gente enojarse y esforzarse tanto por demostrar que tienen razón. ¿Recuerdas antes lo que dije sobre las relaciones? La gente te ve, cómo reaccionas y siente la energía que aportas a una reunión, en el set y al proceso creativo. No permita que las inseguridades o el miedo tengan prioridad sobre hacer el trabajo. Intenta siempre jugar bien con todos en la caja de arena. Sea consciente de su tono y de cómo le habla a la gente (me han llamado por el mío).


Tu trabajo no es quien eres

Independientemente de las celebridades con las que trabajes o de la popularidad de tu programa en las calificaciones, estos trabajos no son nuestras identidades. Muchos aspectos de quién eres se manifiestan en tu trabajo: creatividad, resiliencia, liderazgo, etc. Pero no caigas en la trampa y te dejes atrapar por la superficialidad de esta industria. He visto a amigos que no se toman vacaciones y no tienen relaciones ni romance porque el dinero se ha convertido en el motor o el título les da algo para ser diferente a ellos mismos. He contemplado grandes decisiones laborales, pero dudé en ir a un lugar más boutique, o no tan conocido, debido a lo que pensé que le decía al mundo.

¡Espero que estas pepitas de sabiduría de producción te ayuden a llenar tu cartera con tus propias gemas! Practique la integridad, sea curioso, trabaje duro y sea excelente en su forma de trabajar y en lo que ofrece.


Imagen de portada vía REDPIXEL.PL.

Para obtener sugerencias, trucos y consejos de la industria adicionales, consulte estos artículos:

4 formas de controlar la exposición en el set

Con tantas formas de controlar la exposición, puede resultar difícil saber cuál es el mejor para usted. Vamos a ver.

Dependiendo del tipo de cineasta que sea, podría preferir una herramienta sobre la otra. O podría encontrarse usando una combinación de estos juntos. La conclusión más importante es que obtendrá más control sobre la calidad de su imagen. Ahora, echemos un vistazo más de cerca a cada método.


1. Líneas de cebra

Utilice líneas de cebra para evitar sobreexponer su imagen.

Líneas de cebra
Utilice líneas de cebra para mostrar cuándo los niveles de exposición superan un valor específico.

Como su nombre lo indica, esta es una superposición de líneas diagonales que muestra cuando los niveles de exposición de un área exceden un valor especificado. Las cámaras y los monitores tendrán diferentes niveles de cebra, que generalmente oscilan entre el 60% y el 100% (blanco puro). Por ejemplo, mi BMPCC 6K va del 75% al ​​100%, mientras que mi Blackmagic Video Assist baja hasta el 40%.

Supongamos que estoy filmando en exteriores y no quiero que el cielo se sobreexponga. Dado que esta es casi siempre la parte más brillante de una escena, estableceré mi nivel de cebra al 95%. Luego, ajustaré la exposición donde las líneas de cebra comienzan a aparecer en el cielo. Ahora sé que cuando bajo la exposición hasta el punto en que las líneas desaparecen, estoy justo por debajo del 95% de IRE. Esto me da una buena zona de amortiguación para evitar perder demasiado detalle en la toma.

Zebra también funciona muy bien al capturar tonos de piel. Al filmar personas, puedo ajustar la cebra al 75% y luego detenerme un poco para exponer correctamente la cara de mi sujeto. Esto ayudará a mantener la exposición constante de una toma a otra.


2. Histograma

Utilice el histograma para mantener la exposición a vista de pájaro.

El histograma
El histograma es una poderosa herramienta de monitoreo que muestra la distribución tonal de píxeles en su clip.

Esta poderosa herramienta de monitoreo es un gráfico de la distribución tonal de los píxeles de su clip. Básicamente, muestra los niveles de luminancia a lo largo de una escala horizontal. La izquierda es 0% negra y la derecha 100% blanca. A medida que avanza de izquierda a derecha a lo largo del histograma, verá las sombras, los medios tonos y las luces.

Mientras que el eje horizontal mide el nivel de luminancia, el eje vertical muestra el número de píxeles en cada valor específico. Úselo para realizar un seguimiento rápido de (y evitar) las tomas sobreexpuestas o subexpuestas y para ver el contraste. Si el histograma está agrupado en el medio, es posible que tenga una imagen de bajo contraste. Si la señal está agrupada en cualquier extremo, probablemente tenga una imagen de alto contraste.

Si bien el histograma es bueno para las lecturas de exposición general, no es la mejor herramienta para ver elementos específicos en su toma, como tonos de piel. Sin embargo, puede ser muy útil al realizar técnicas específicas, como exponerse a la derecha (ETTR).


3. Forma de onda

Cuando veo un monitor de forma de onda, pienso en el mundo de las retransmisiones de la vieja escuela. Hace años, trabajé para una pequeña estación de televisión y los ingenieros utilizaron formas de onda para calibrar la exposición de todas nuestras tomas multicámara.

La forma de onda
Una forma de onda es útil al calibrar su cámara, así como al exponer fondos de pantalla verde / azul.

Una forma de onda muestra los valores de luminancia de la señal de video verticalmente de 0 a 100. A diferencia del histograma, los píxeles están ubicados en la misma posición horizontal que la imagen original. Sin embargo, al igual que con el histograma, la imagen tiene más contraste si la señal se extiende verticalmente y menos contraste cuando está agrupada.

Si es nuevo en el uso de una forma de onda, puede que sean difíciles de leer. Son especialmente difíciles de usar cuando se intenta aislar elementos específicos en la pantalla. Mientras que los píxeles se distribuyen normalmente en la imagen horizontalmente, la información de luminancia se mezcla verticalmente. Los elementos con el mismo nivel de exposición se mezclarán en el eje vertical. Esto hace que sea difícil saber qué es qué.

La forma de onda brilla en situaciones en las que puede usar gráficos para calibrar su cámara. También es especialmente útil cuando se exponen fondos de pantalla verde o azul. Si estás trabajando como un lobo solitario en una situación de correr y disparar, esta podría no ser tu mejor opción.

Existe una herramienta mucho mejor para la especificidad. . .


4. Color falso

Utilice colores falsos para obtener lecturas de exposición rápidas de todo lo que se encuentra dentro del marco.

Color falso
El color falso le permite aislar elementos específicos en la pantalla.

Esta herramienta permite a los usuarios controlar los niveles de exposición mediante valores de color específicos. El color falso es una de las opciones más populares para controlar la exposición, ya que es mucho más fácil aislar elementos específicos en la pantalla. Por ejemplo, clavar el tono de la piel es muy simple con falso color en comparación con usar cebra o un histograma.

Carta de colores falsos de Blackmagic Design
La carta de colores falsos de Blackmagic Design. Imagen vía Diseño Blackmagic.

Este gráfico de Blackmagic muestra que rosado es óptimo para tonos de piel más claros, mientras verde es mejor para tonos de piel más oscuros. Para mantener la apariencia uniforme de una toma a otra, simplemente ajuste las luces y / o la configuración de la cámara hasta que la piel cambie al color necesario. Intentar hacer esto con cualquiera de las herramientas anteriores resultaría mucho más difícil.

Una desventaja es que la “visión de depredador” de la superposición de colores falsos puede distraer. Me gusta poner esto en un botón de perfil para poder activarlo y desactivarlo rápidamente. Es posible que muchas cámaras de gama baja no tengan colores falsos disponibles, así que asegúrese de buscarlos antes de realizar una compra.


Para obtener más información sobre las herramientas de exposición y las técnicas de filmación, consulte estos artículos:

Sony anuncia el Alpha 1 con video 8K

Irónicamente, esta misma mañana terminé de grabar un video en el que afirmo que no puedo seguir el ritmo de la afluencia de nuevas cámaras. Y sin embargo, aquí estamos de nuevo. Sony anunció hoy la Alpha 1, una cámara sin espejo de fotograma completo de 50mp capaz de grabar videos de 8K.

Según todas las cuentas, esta cámara es una fusión de la A7RIV y la A7SIII, lo que la convierte en la cámara más innovadora tecnológicamente que Sony haya lanzado.

Sony dice:

Siempre estamos escuchando a nuestros clientes, desafiando a la industria a traer innovación al mercado que supere sus expectativas ”. dijo Neal Manowitz, vicepresidente de Productos y Soluciones de Imágenes para las Américas de Sony Electronics. “Alpha 1 rompe todos los límites existentes, estableciendo un nuevo estándar para lo que los creadores pueden lograr con una sola cámara. Lo que más nos entusiasma, más que la amplia función del producto, es la capacidad de Alpha 1 para capturar aquello que nunca antes se había capturado. Esta cámara abre un nuevo mundo de posibilidades creativas, haciendo posible lo que antes era imposible.

Veamos algunas características clave que me llamaron la atención con respecto al nuevo sensor y video. Si desea consultar una lista de las especificaciones, se enumeran al final del artículo. También puedes leer el comunicado de prensa completo de Sony.


Nuevo sensor, mejor rendimiento

Este es un sensor nuevo de Sony. Está construido con memoria integral y emparejado con un motor de procesamiento de imágenes BIONZ XR actualizado. Esto permite que Alpha 1 tome continuamente imágenes de 50,1 megapíxeles a 30 fps con hasta 120 cálculos de AF / AE por segundo. Esto, por cierto, está libre de apagones. A esta velocidad, es la primera vez.

Yo era dueño del A7RIV, una cámara de 60,2 mp, durante la mayor parte del año. Con tantos megapíxeles en un sensor de fotograma completo (a diferencia de un sensor de formato medio), los fotositos tienen menos espacio para respirar. Esto aumenta drásticamente el ruido, incluso con ISO más bajos. El Alpha 1 tiene un nuevo sensor de imagen Exmor RS CMOS que se combina con un motor de procesamiento de imágenes BIONZ XR mejorado. Esta configuración debería ayudar a capturar imágenes grandes sin sacrificar el rendimiento ISO, a diferencia del A7RIV.

Sony Alpha 1 Anunciado

Además, y al igual que el A7RIV, el Alpha 1 tiene Pixel Shift Multi Shooting. Pero parece ser un formato de función evolucionado. Este modo compone hasta dieciséis imágenes de resolución completa cambiando con precisión (de ahí el nombre) el sensor en incrementos de un píxel o medio píxel para capturar dieciséis imágenes separadas con desplazamiento de píxeles. Estas imágenes son increíblemente grandes, tanto en espacio de almacenamiento como en resolución. La foto final se compone en una imagen de 199 millones de píxeles.


Funciones de video Alpha 1

Como se señaló en nuestro informe sobre el Blackmagic Design Ursa 12k, la idea detrás de disparar en 12k es ofrecer una imagen de 4k u 8K sobremuestreada. Bueno, el video de 8K de Alpha 1 se captura a 8.6k y luego se sobremuestrea a 8K. Esto siempre da como resultado un video con mejor claridad y color que un video grabado con la resolución nativa.

Fuera del 8K, el Alpha 1 también es capaz de grabar 4K 120p / 60p 10-bit 4: 2: 2 e incluye color S-Cinetone. Sin embargo, los 120 fps dan como resultado un recorte del 10% de la imagen.

Al igual que la FX6 y FX9, la Alpha 1 presenta S-Cinetone, que es la misma matriz de color que produce colores favorables y tonos de piel que se encuentran en esas cámaras. La curva de gamma S-Log3 incluida hace posible lograr más de 15 paradas de rango dinámico.

Una de las mayores polémicas para golpear continuamente la cámara ciclo de noticias El año pasado fue la Canon R5 sobrecalentada al disparar a 8K. Probablemente no sea una coincidencia que Sony haya destacado específicamente su estructura de disipación de calor en el comunicado de prensa. Dice:

Una estructura única de disipación de calor mantiene las temperaturas del sensor de imagen y del motor de procesamiento de imagen dentro de su rango de funcionamiento normal, lo que evita el sobrecalentamiento y mantiene dimensiones compactas del cuerpo. Esto hace posible grabar videos de 8K / 30p de forma continua durante aproximadamente 30 minutos.

Dado que esta cámara tiene un precio de $ 2,600 más que la R5, será interesante ver dónde aterriza la R5 con los cineastas. Anteriormente noté que el Línea alfa, específicamente la serie 7, se ha dividido en tres variaciones distintas; la fotocéntrica, la videocéntrica y la híbrida. Si bien la híbrida, la A7III, es una gran cámara, nunca ha tenido mejor video que la A7S o mejor funcionalidad fotográfica que la a7R. Sin embargo, el Alpha 1 parece ser el híbrido que superará a todos los demás con impresionantes capacidades de fotografía y video.

La cámara de lentes intercambiables de fotograma completo Alpha 1 estará disponible en marzo de 2021 por aproximadamente $ 6,500 USD y $ 8,500 CAD.


Especificaciones clave de un vistazo

  • Nuevo sensor de imagen CMOS Exmor RS ™ apilado de fotograma completo de 50,1 megapíxeles (aprox., Efectivo) en combinación con un motor de procesamiento de imágenes BIONZ XR ™ mejorado con ocho veces más potencia de procesamiento.
  • Disparo continuo sin apagones de hasta 30 fotogramas por segundo.
  • La lectura rápida del sensor permite hasta 120 cálculos de AF / AE por segundo, el doble de la velocidad del Alpha 9 II, incluso durante el disparo continuo de 30 fps.
  • Visor electrónico OLED Quad-XGA brillante y grande tipo 0,64 de 9,44 millones de puntos (aprox.) Con la primera frecuencia de actualización del mundo de 240 fps
  • Obturador electrónico silencioso y sin vibraciones.
  • El primer disparo antiparpadeo del mundo con obturador mecánico y electrónico.
  • Sincronización del flash del obturador electrónico hasta 1/200 seg. por primera vez en la serie Alpha ™.
  • La sincronización del flash del obturador mecánico más rápida del mundo hasta 1/400 de segundo.
  • Grabación de video XAVC HS 8K 30p 10-bit 4: 2: 0 con sobremuestreo de 8.6K para detalles y resolución extraordinarios, además de capacidades de grabación de video 4K 120p 10-bit 4: 2: 2.
  • Amplio rango dinámico de 15 paradas para imágenes fijas y más de 15 paradas para video.
  • Eye AF (enfoque automático) en tiempo real mejorado para humanos y animales, y nuevo Eye AF en tiempo real para pájaros, así como seguimiento en tiempo real que mantiene automáticamente un enfoque preciso.
  • Estabilización de imagen óptica en el cuerpo de 5 ejes para una ventaja de velocidad de obturación de 5.5 pasos.
  • Matriz de color S-Cinetone como se ve en FX9 y FX6 para brindar un aspecto cinematográfico expresivo.
  • Soporte de flujo de trabajo profesional con el Wi-Fi integrado más rápido de la industria, SuperSpeed ​​USB 10Gbps, 1000BASE-T Ethernet y más.