Hoy vamos a discutir París, Texas, una de las películas más atractivas de todos los tiempos, y explore cómo se rodó.
París, Texas es una de esas películas que simplemente no puedes recrear. No quiero decir que no puedas recrear la historia, la apariencia o incluso la banda sonora estelar de Ry Cooder. Me refiero a la sensación que tienes mientras miras. El guión, escrito por Sam Shepard, la dirección suelta, pero apretada por Wim Wendersy el magistral trabajo cinematográfico de DP Robby Müller crea una experiencia única y extraña en la que no puedes identificar.
La película es genial, obviamente, pero uno de los aspectos más destacados de la película es el aspecto ahora icónico de neón y gotas de sol que adquiere la película. Por cierto, la mayor parte de la información a la que me refiero proviene de un cuestión de Director de fotografía estadounidense de los 80. Entonces, profundicemos en cómo se desarrolló el rodaje.
Configuración mínima
Filmada en película de 35 mm, Müller optó por una configuración mínima de cámara sobre trípode para imitar la simplicidad de la historia y los temas generales del guión. En una entrevista con Director de fotografía estadounidense, Müller dijo esto sobre volver a la forma con una configuración mínima:
Entonces, volví a mirar, realmente a mirar y pensar, sobre lo que se trataba. Y cuando lo quitas todo, realmente es una película, un objetivo, una cámara y un solo botón: encendido y apagado.
Esta toma simplista fue más allá de las opciones de equipo. Müller discutió con Wenders el deseo de no dejar que el vasto paisaje estadounidense domine la historia, ya que no quieren que se vea demasiado bien. Este nivel de control es lo que hace que la película funcione tan bien. Las imágenes actúan en apoyo de la historia, no al revés.
Esto significa panorámicas lentas, tomas estacionarias o tomas de seguimiento muy prácticas. Si desea obtener una visión similar de cómo se puede desarrollar esta cámara simple y no molesta, consulte cualquiera de Yasujirō OzuPelículas o mira el video de Nerdwriter en el poder de tiros y cortes simples.
Permitiendo más contraste
Uno de los looks característicos de París, Texas es un fuerte contraste para las tomas interiores. Por lo general, los personajes estarán a contraluz o se proyectarán completamente en la oscuridad, ya que los personajes secundarios en el fondo se exponen con mayor claridad. Müller profundiza sobre esta decisión y cómo influyó en la historia, en particular, refiriéndose a una escena en la que el personaje principal entra en un bar:
No es necesario que lo diga todo para que quede claro. No siento la necesidad de ver su rostro tan bien porque de todos modos tengo la mayor parte de mi información. En esta escena específica, si comienzo a iluminar todo el bar, pierde mucho de su carácter, se convierte en un set de filmación. La ubicación también es realmente el medio para contar una historia, y cuando la borro con la luz, pierdes algo sustancial.
El trabajo de Müller puede ser casi frustrante. Estás mirando estas escenas y se ven tan fáciles de hacer como de bricolaje. Pero, parece que la mayor parte del rodaje fue bastante casero, dada la ubicación y los recursos que tenía la producción.
Luz natural
Una gran influencia en el trabajo de Müller provino de su aprendizaje anterior con DP Gérald Vandenberg, quienes también tenían preferencia por el uso de la luz natural. París, Texas comienza con una secuencia brillante al mediodía de nuestro personaje central deambulando por el desierto. La combinación de Müller de estas tendencias sobreexpuestas con algunas de las tomas más estilizadas y con mucho neón funciona perfectamente bien para crear una sensación casi de otro mundo en la vida de los personajes. Gran parte del escenario y las ideas detrás del aspecto de la película fueron influenciados por Wenders. sacar una cámara de formato medio al oeste y documentar el paisaje urbano.
La mirada saturada y contrastada tomada por Müller podría haber surgido de empujar-procesar el negativo en la etapa de desarrollo. Sin embargo, no pude encontrar ninguna evidencia sólida de esto. De cualquier manera, Müller filmó estas escenas al aire libre con el color a la vanguardia de su visión, ya sea que eso signifique cómo se acercó al proceso de DI o las opciones de vestuario y composición.
Manejo de la cámara
Müller maneja la cámara él mismo, prefiriendo movimientos o composiciones específicas que solo él se siente cómodo filmando. Entonces, está muy claro que su enfoque es muy «práctico». Y, si bien creo que es fácil ver esto como controlador o severo, también se trata de un cine de bajo presupuesto en su máxima expresión. A menudo, se encontrará desempeñando el papel de director de fotografía, operación de cámara, agarre y cualquier otro trabajo pequeño que deba realizarse durante el resto de la sesión. Pero, para una película como París, Texas, esta es solo una forma más en la que la visión y la voz de la película se alinearon entre el director y el director de fotografía para crear la visión singular que ahora conoce como producto final.
Solo ilumina la escena
Müller mencionó que una de sus primeras experiencias al tratar con técnicos de iluminación profesionales y gaffers fue estresante debido a la instancia de identificar los tipos de luces que necesitaba, como llave, fondo, relleno, etc. Dice que sabía que necesitaba una cierto tipo de luz en una posición para iluminar la escena de cierta manera. No se trataba de etiquetar todo por el bien de la tradición.
Cuando necesitas una luz clave, significa que necesitas otra luz para completar el sistema y nunca pensé en eso. Solo necesitaba la luz que necesitaba. Ponerle un nombre no tenía sentido para mí.
Si bien es útil conocer los términos y sistemas para los flujos de trabajo en el set (y la garantía del trabajo), él hace un buen punto para no caer en un enfoque aburrido de la iluminación según el libro. Roger Deakins discute este mismo sentimiento muchas veces en su podcast. Deakins Le gusta trabajar con agarres y gaffers más nuevos y frescos debido a la falta de rigidez que viene con un equipo más dispuesto a correr riesgos y probar cosas nuevas.
Si necesitabas más motivos para amar esta película, aparentemente la última escena que tuvieron que filmar fue en su último rollo de película de 300 metros y tuvieron que filmar un monólogo de una sola toma de ocho minutos. Es agradable escuchar que algunos de los grandes de todos los tiempos se hicieron bajo un estrés intenso con recursos mínimos.
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Imagen de portada vía Fox del siglo XX.
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