Desde las películas sonoras hasta la realidad virtual, el compositor Guillaume Roussel habla con PremiumBeat sobre su proceso a la hora de componer una película.
El sonido en la película ha recorrido un largo camino desde 1926. Ese año Don Juan se convirtió en la primera película importante que se estrenó con una banda sonora sincronizada de larga duración, con partitura musical y efectos de sonido. Pero no hay diálogo.
A principios de la década de 1930, Hollywood había adoptado por completo las películas sonoras y las mejoras tecnológicas continuaron enérgicamente. El surgimiento de la partitura cinematográfica moderna se atribuye con mayor frecuencia a Max Steiner por su música cinematográfica no diegética en la década de 1933. King Kong. Hablando a Variedad el pasado junio Steven C. Smith, autor de Música de Max Steiner: la vida épica del compositor más influyente de Hollywood, tenía esta observación:
Él fue el primero en juntarlo todo en los albores de las películas sonoras, esta idea de cómo escribir música orquestal bajo y alrededor del diálogo, algo de lo que productores y directores realmente sospechaban en los primeros años del cine sonoro. No querían música en películas dramáticas. Estaba bien si era un musical. Y Steiner es el tipo que descubrió, no solo cómo escribir música en torno al diálogo, sino también cómo escribir temas para los personajes y darles forma sutil en todo momento.
Los avances técnicos, como el movimiento del sonido en el disco al sonido en la película, permitieron a Steiner (y otros) explorar cómo la música podría usarse de manera efectiva en una película. Unos ochenta y siete años desde que el gorila subió al Empire State Building y surgió la música de películas contemporáneas, ¿cómo ha contribuido la tecnología en constante cambio a esa evolución?
Premium Beat tuvo el privilegio de obtener información sobre el proceso moderno con Composer Guillaume Roussel, quien obtuvo más recientemente la puntuación de Disney Belleza negra presentando Kate Winslet.
Una entrevista con Guillaume Roussel
Roussel ha trabajado extensamente tanto en Francia como en Hollywood. Al preguntarse cuáles podrían ser las diferencias artísticas y logísticas al trabajar con cineastas europeos, fue intrigante escuchar a Roussel centrarse en la relación entre la música y el diálogo, que Steiner abordó hace tantos años.
Hay tantas diferencias entre los cineastas europeos y estadounidenses. La principal diferencia en Francia es que trabajamos en muchas comedias. Se supone que la música de estas comedias está de fondo, por lo que no interfiere con el diálogo. En las comedias, el diálogo es lo más importante. Artísticamente, en Francia es más moderado, en cuanto a la música que escribes para las imágenes, a menos que estés trabajando en una película europea de ciencia ficción o aventuras, lo cual es bastante raro.
La otra diferencia técnica es el timbre de las voces de los actores. El sonido de las voces estadounidenses es mucho más agudo que el de las voces francesas. La música se interpone más en el diálogo en Francia porque sus voces son más suaves. La música no puede ser tan rica, en términos de frecuencias, que cuando creas la misma música con actores en inglés.
Otra consideración reciente es el advenimiento de los avances en la tecnología real del cine. Por ejemplo, proyectos de postes de carpa que se basan en efectos visuales. ¿La tecnología involucrada en el rodaje real influirá en la tecnología utilizada en la partitura?
Para mí, la principal diferencia entre una película que es más visual y está basada en efectos es que es más fácil tener un enfoque más orientado al sonido, en lugar de solo la melodía. A veces, la música puede ser tan simple como tocar el piano. O puede ser muy grandioso y tener muchos instrumentos diferentes tocando juntos. Eso agregaría más información a la película. El significado de la melodía es una cosa, pero el sonido es otra capa que enriquece la música. Además, siempre he asociado los colores con los sonidos. Siempre me ha fascinado la música de principios de los 20.th siglo e inspirado en sus pinturas. Para mí, lo visual tiene un impacto directo en los sonidos de la música, más que la melodía.
La tecnología también ha impulsado las tendencias modernas en la forma en que los compositores colaboran con directores y productores. Le preguntamos a Roussel si hizo una maqueta de su composición en un sintetizador antes de la grabación para que él y el director puedan estar en la misma página, con pistas. antes de llegar a la etapa de puntuación y cuáles podrían ser las ventajas y desventajas de ese proceso.
Soy un gran fan de escribir música en la computadora por la alegría que trae, poder escuchar la música mientras estás en el proceso de escribir. A los directores y productores también les encanta esto. Pongo mucha energía en la maqueta que estoy haciendo y me aseguro de que esté lo más cerca posible de la música final que vamos a entregar. Por otro lado, la única desventaja de este enfoque es que el director y el productor pueden acostumbrarse a la música de la maqueta y, a veces, tener dificultades para pasar de la maqueta a la versión final. A veces, al escuchar la maqueta una y otra vez, no importa cuánto mejor sea la versión real con la orquesta, si es demasiado diferente, es posible que terminen prefiriendo la versión de la maqueta.
El otro problema: parece técnicamente fácil crear una maqueta, pero en realidad es bastante complicado. Debido a esto, las demandas de modificaciones se vuelven más frecuentes y en un tiempo de respuesta más rápido. Esto coloca al compositor en un lugar donde no vas a trabajar en la sustancia principal de la música, sino más bien haciendo arreglos para complacer al director o productor, o para tranquilizarlos sobre algún otro detalle. Eso a veces le quita mucho tiempo a la investigación de melodías y todo ese tipo de lluvia de ideas creativa, que es muy importante. Se ha convertido en parte del proceso y probablemente no cambiará, por lo que hay que encontrar un equilibrio sobre cómo utilizar la tecnología.
Parece que una tendencia de los compositores es “striping”: grabar secciones de la orquesta por separado para dar a los cineastas un mayor control de la partitura durante la mezcla final.
Inicialmente, no era un gran fanático de la orquesta porque, obviamente, estás perdiendo el sonido de los instrumentos juntos en la misma habitación. Tengo que decir que es muy conveniente cuando se mezcla la película en general. Entiendo por qué y lo animo, dependiendo del tipo de película, pero los efectos de sonido son tan importantes en una película y vienen al final del proceso, después de que se haya grabado la música. Para mí, es muy útil poder calibrar la música, junto con los efectos de sonido. Cuando finalmente, en el doblaje, tengas todos esos elementos a mano. El objetivo final es servir a la visión del director de la mejor manera posible. No puede lograr esa visión hasta que tenga todos esos elementos. De repente, puede darse cuenta de que tener esos efectos de sonido es muy importante en este momento de una escena clave. Ser capaz de bajar la percusión, en lugar de bajar toda la orquesta, hará que la música sea más eficiente. Ese es solo un ejemplo, pero por eso creo que es algo bueno, si se usa bien.
El proyecto más reciente de Roussel, Belleza negra, fue elaborado durante nuestra pandemia global actual. Nos habló sobre el uso de Skype para dirigir una orquesta en vivo de forma remota y los desafíos y beneficios inesperados que brindó esa experiencia.
Para mí, lo más difícil de supervisar de forma remota, además del hecho de que siempre me encanta escuchar el sonido directamente desde el escenario, es que es difícil manejar a las personas. Cuando hago una sesión de grabación, me gusta asegurarme de que la gente esté poniendo la mejor energía. Me gusta cuidar a la gente para asegurarme de que todos estén felices. Esto es imposible de hacer a través de Skype porque solo está hablando con una persona, que es el ingeniero de grabación o el director. Entonces, te pone en una pequeña caja, en lugar de poder sentir cómo reaccionan y se sienten los músicos. ¡Cuanto más disfruten los músicos de lo que están tocando, mejor sonará la música! Y es una experiencia humana increíble compartir en persona, en lugar de a través de Skype.
Roussel trabaja en un Mac Pro utilizando el software Cubase. Le preguntamos cómo compuso antes de utilizando este programa y cómo ha sido un valor para su proceso?
Antes de comenzar a usar Cubase, escribía música con lápiz y papel. Siempre me pregunté cómo influye el trabajo en la computadora en la forma en que escribes, y definitivamente lo hace. Esta herramienta le brinda muchas oportunidades para experimentar con diferentes sonidos. Hay tantos aspectos geniales que vienen con una computadora, así que no puedo decir que prefiera lápiz y papel. La verdad es que no trabajar con lápiz y papel te hace esforzarte más en la producción y los sonidos que en la naturaleza de la música. A veces, me gusta trabajar con un piano, tanto como puedo, antes de seguir adelante. Para mí, es la forma de estar en contacto con el enfoque inicial de la composición, que es la página. Creo que la computadora te obliga a ir directo al grano, a ser más eficiente. Probablemente sea algo bueno, pero me gusta intentar mantener una combinación de esos dos enfoques tanto como pueda.
Obviamente, la tecnología se usa con una gran ventaja en la composición, pero también se puede usar como una herramienta productiva para colaborar con los creativos involucrados en la producción. Roussel tenía esto para compartir:
Cada película es diferente, en cuanto al flujo de trabajo y la forma en que interactúas con el director y el productor. A veces, hay más de dos personas involucradas. Entonces, pasa de hacer una reproducción en mi estudio a enviar videos a través de Internet. Ese es probablemente el desafío, técnicamente. Por ejemplo, desearía que todos tuvieran los auriculares o altavoces adecuados, al menos. Sabemos que no escucharán la música en altavoces de alta calidad. Entonces, ese es uno de los desafíos para mí. En general, el trabajo en las producciones se está volviendo cada vez más remoto, incluso antes de la pandemia.
Dado que el enfoque de esta pieza es la tecnología del sonido, queríamos saber si Roussel tenía algunos consejos y trucos que aprendió mientras componía.
Para mí, es importante conocer muy bien una (o solo algunas) herramientas, que muchas. A lo largo de los años, he podido probar muchas herramientas diferentes. Las bibliotecas de sonido son un gran ejemplo de esto. Después de encontrar mis bibliotecas de orquesta y sonidos preferidos, y después de haber trabajado tantos años con las mismas herramientas, esto es muy importante porque escribo mucho más rápido.
Las principales herramientas para los compositores, más allá de DAW y Cubase, son las bibliotecas de sonido. He recopilado bibliotecas de sonido de Project Sound, Vienna Symphonic Library, Spitfire y East West durante muchos años. Recuerdo que hace veinte años, solo había unas pocas bibliotecas de sonido disponibles y ahora hay tantas, es difícil saber cuáles usar. He tenido suficiente tiempo, en este punto de mi carrera, para saber qué seleccionar y cómo combinarlos y qué funciona muy bien para las maquetas.
Le postulamos a Roussel que si él fuera a traspasar los límites de lo que puedes hacer con una partitura en una producción, ¿qué le encantaría incorporar?
Algo que siempre me ha fascinado es la realidad virtual. Nunca trabajé en un proyecto de realidad virtual porque todavía es relativamente nuevo, pero la forma en que la música interactúa con la audiencia parece muy diferente a las funciones habituales o los programas de televisión. Ese sería un desafío artístico muy interesante que me encantaría experimentar. Estoy seguro de que en el futuro la realidad virtual ofrecerá a los compositores una nueva forma de expresar su talento.
Es fascinante pensar qué haría Max Steiner con el uso de software de computadora en el proceso de puntuación o el concepto de realidad virtual. Fue uno de los primeros en tratar la música como casi un personaje más de la película. Sabía que la música tiene la capacidad de revelar emociones, resaltar la trama, mezclar y esconder, o manipular tanto de buenas como de malas. ¿A dónde puede ir desde aquí? ¿Cuál es el futuro de la composición cinematográfica? ¿Y quién será el próximo pionero?
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Imagen de portada a través de Guillaume Roussel.
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