Consejos de directores de fotografía de renombre para su próxima película

¿Le interesa convertirse en un director de fotografía digno de mención? El mejor lugar para comenzar es estudiando a los grandes maestros de la cinematografía.

Comenzaré diciendo que la mejor manera de dominar cualquier parte de la realización de películas es simplemente salir y hacerlo. Hazlo y falla y vuelve a intentarlo hasta que lo hagas bien. Sin embargo, si bien ese podría ser el enfoque práctico, definitivamente hay un enfoque más filosófico: estudiar el arte del cine y aprender de aquellos que lo dominaron a lo largo de los años.

Cuando analizamos la cinematografía específicamente, tenemos una vasta y rica historia de directores de fotografía legendarios para recordar. Han ayudado a desarrollar el oficio, así como a dar forma a nuevos estilos y técnicas. También son la fuerza impulsora detrás de las innovaciones que hacen avanzar la forma de arte con cada proyecto.

Habiendo tenido la oportunidad de revisar más de una docena de los mejores directores de fotografía de todos los tiempos, aquí están mis conclusiones. Aprendí mucho sobre cómo encontraron y desarrollaron su estilo, cómo trabajan de manera tan experta con los contrastes entre la oscuridad y la luz, y cómo continúan impulsando el arte de la cinematografía, incluso hoy.


Encuentra tu pasión

Una de las partes más fascinantes de la investigación de todos estos directores de fotografía notables ha sido simplemente explorar lo que los motiva a todos. No hace falta decir que la vida de un director de fotografía nunca es fácil. Requiere extrema pasión y dedicación. Tienes que sumergirte completamente en el oficio y trabajar en proyectos las 24 horas del día, los 7 días de la semana para dar vida a tu visión.

Sin embargo, cuando escuchas a un director de fotografía de renombre como Robert Yeoman Habla en el video de arriba sobre cómo encontrar su chispa creativa, comienza a tener un poco más de sentido. Y, cuando te sumerges en cómo Hacendado da forma a su estilo y visión mientras nutre a un compañero introvertido-creativo como Wes Anderson, obtienes una imagen clara de cuán profunda es su pasión.


Desarrolle su lenguaje cinematográfico

Del mismo modo, si miras la carrera de otro director de fotografía moderno notable como Rachel Morrison, puedes ver cuán conectados están estos artistas con su oficio. Como muchos PD, Morrison habla de cómo creció con una cámara en la mano. Para sobresalir de verdad en cinematografía, debes ser un apasionado del medio y estar constantemente motivado para mejorar tu trabajo.

El viaje de un director de fotografía también se forma en la forma en que puede desarrollar su propio lenguaje como un medio para su narración cinematográfica. En el ensayo de vídeo anterior sobre Morrison, puede ver cómo ha podido crear sutilmente un estilo único y mirar muchas de sus películas al emplear varias de las mismas técnicas de filmación y paletas de colores.


Explora diferentes ángulos

También es interesante explorar los diferentes ángulos y lentes que utilizan los directores de fotografía para dar vida a sus mundos. A algunos les gusta tomar fotografías muy planas y macro, explorando los sutiles matices de los rostros y las emociones. Mientras tanto, a otros les gusta trabajar en el gran angular para capturar escenarios más grandes que la vida y dar más contexto al espacio y la acción.

Mirando en el mundo de gran angular de legendarios DP como Wally Pfister, el video de arriba es un ejemplo perfecto de cómo enfocará sus películas. En sus múltiples colaboraciones con Christopher Nolan, así como en sus otros proyectos, Pfister utiliza su enfoque de gran angular para capturar la grandeza de sus sujetos y ayudar a dar vida al alcance de la acción.


Conviértete en un personaje de la escena

Otro consejo divertido que me parece realmente fascinante proviene del prometedor director de fotografía convertido en director Reed Morano, que ha podido capturar a sus personajes con notable sinceridad y detalle. Esto se debe en gran parte a su enfoque (que describe más arriba) de “convertirse en un personaje de la escena” con su cámara.

Un buen director de fotografía no debería ser simplemente una mosca en la pared o en el fondo del conflicto y la acción. Un director de fotografía fuerte como Morano quiere estar en el medio de la escena, moverse con los personajes, interactuar con ellos y sus emociones, y darle a la audiencia esa perspectiva POV como si también estuvieran en la habitación.


Experimente temprano y con frecuencia

En muchos sentidos, los que recién se inician en la cinematografía son los más afortunados. Esos primeros años son cuando los directores de fotografía tienen la libertad de explorar y experimentar realmente con el fascinante medio del cine. Si miramos la cinematografía innovadora y la carrera de Matthew Libatique, que ayudó a dar forma a muchos de los más cerebrales Darren Aronofsky películas que dirigió, empiezas a ver cuánta experimentación ha tenido lugar en el pasado.

Libatique debe gran parte de sus estilos y técnicas innovadores a sus primeros días de jugar con las cámaras y modificar diferentes películas y velocidades. Sus experimentos realmente perfeccionaron las habilidades en las que confiaría a lo largo de su carrera.


Crea un lookbook

De todos los directores de fotografía que hemos presentado y entrevistado a lo largo de los años, Bradford Young quizás sea el mejor consejo que he escuchado para cualquiera que quiera dedicarse a la cinematografía, o incluso a la cinematografía en general. ¡Crea un lookbook! Como afirma en el video anterior, no solo te ayuda a desarrollar tu propio estilo y apariencia, sino que también te prepara para superar los nervios de iniciarte en la industria.

Un lookbook tampoco tiene que ser tan claro y conciso como se ve en el ejemplo anterior, ya que Joven explica. A efectos prácticos, la práctica del lookbooking realmente informará a su mente y ojo cinematográfico para reconocer las miradas y estilos que eventualmente podrá desarrollar en sus propias composiciones.


Utilice la cinematografía para crear sonido

Uno de mis ejemplos favoritos del poder de la cinematografía proviene de El lugar tranquilo, por DP Charlotte Bruus Christensen. En esta película, Christensen hace lo impensable al crear sonido a partir de la práctica silenciosa de la cinematografía.

Christensen, que se formó originalmente en el estilo y la filosofía cinematográfica Dogme 95, a lo largo de los años desarrolló un enfoque naturalista de la cinematografía. Su enfoque le da al cineasta la capacidad de usar imágenes para hablarle al público de maneras mucho más profundas y más fuertes que solo los personajes y el movimiento.


Comprender la importancia del contraste

Otro aspecto importante de analizar las carreras de tantos directores de fotografía estimados es lo concentrados que están todos en el contraste y la importancia de la oscuridad y la luz. Estos son realmente los bloques de construcción absolutamente fundamentales de cómo se construyen las imágenes y las tomas. Entonces, mientras que un director de fotografía puede enfocarse en otros elementos de color y composición, los contrastes siempre están al frente de su mente.

Quizás no haya mejor ejemplo de esto que con Steven SpielbergDirector de fotografía de toda la vida Janusz Kamiński. Kamiński filmó secuencias tan famosas como la apertura “oración de la vela“Escena de La lista de Schindler. En la entrevista anterior, Kamiński expone la importancia de estos contrastes entre la luz y la oscuridad que informan su cinematografía, así como quién es él como artista.


Usa tu cámara como una extensión de ti mismo

Esta cita es cierta para cualquier director de fotografía experimentado que haya pasado una cantidad significativa de tiempo detrás de una cámara. En cierto momento, el arte de la cinematografía deja de ser una tarea y se convierte simplemente en una extensión de uno mismo. La cámara básicamente se convierte en una extremidad, o un tercer ojo, para que un director de fotografía vea y capture el mundo que lo rodea.

Mirando algunas de las cinematografías ejemplares y alucinantes de Ellen Kuras (quien filmó una de mis películas favoritas Eterno resplandor de una mente impecable) como ejemplo, puede comenzar a comprender cuán cierto es este concepto. Con solo mirar su proyecto más famoso, realmente tienes la sensación de que su cámara es similar a su visión mientras vemos algunos de los momentos fascinantes, pero verdaderamente humanos, de la película pasar ante nuestros ojos.


Sea el colaborador de su director

Esto probablemente debería ser evidente, pero si quieres ser un director de fotografía exitoso, ¡trabaja con grandes directores! Este es ciertamente el caso del legendario Robert Richardson, que ha trabajado con grandes directores como Oliver Stone y Quentin Tarantino. Sin embargo, el truco no es solo trabajar con grandes directores. En realidad, debes ser un gran colaborador.

Richardson ha encontrado trabajo una y otra vez con algunos de los nombres más importantes de la industria debido a su capacidad para ser un socio creativo. Además, es un astuto servidor del oficio de la cinematografía mientras está en el set. Se necesita una combinación perfecta de compatibilidad y comunicación para asociarse con un gran director y ayudar a dar vida a su visión.


Recuerde siempre dar servicio a la historia

Al igual que en el consejo anterior, otro principio de una gran cinematografía es recordar siempre que la historia es lo primero. Al mirar hacia atrás en la cinematografía de los últimos Michael Chapman, quien fue uno de Martin ScorsesePrimeros colaboradores en películas como Conductor de taxi y el blanco y negro Toro furioso, obtenemos un fuerte sentido de la historia en cada cuadro.

En el video de arriba, Chapman atribuyó el éxito de su trabajo a su constante enfoque en el servicio de la historia. Compartió su enfoque con Scorsese, y este enfoque es el motivo por el que ambos prosiguieron hasta alcanzar tanto éxito.


Sea parte de un movimiento cinematográfico

También es interesante mirar hacia atrás a través de la historia de la cinematografía para reconocer diferentes épocas y movimientos. Cuando Caleb Deschanel Comenzó en el cine y la cinematografía en los años 60 y 70, el Hollywood clásico seguía siendo la norma. Sin embargo, mientras ascendía, rápidamente se encontró a sí mismo como parte de un nuevo movimiento. Junto a contemporáneos como Robert Richardson y Roger Deakins, Deschanel llevó la cinematografía a un estilo nuevo y moderno de Hollywood.

Esto no significa que deba simplemente copiar lo que están haciendo sus colegas. En cambio, significa mucho como Deschanel, es importante reconocer que no es necesario que haga las cosas de la misma manera que siempre se ha hecho. En su lugar, busque nuevos estilos y técnicas en cada esquina.


Empuje el arte hacia adelante

Finalmente, uno de los mayores sellos de lo que hace que un director de fotografía en activo sea un verdadero maestro de la cinematografía es su voluntad de impulsar la forma de arte. Hay miles de directores de fotografía con mucho talento que trabajan en proyectos en todo el mundo. Pero destacarse en una industria altamente competitiva requiere cierta voluntad de adoptar nuevas tecnologías y oportunidades.

Como verdadero provocador de la innovación, tenemos que mencionar Steven Soderbergh firme voluntad de impulsar la industria. Soderbergh DPs muchos de sus propios proyectos bajo el seudónimo de Peter Andrews. Si bien muchos ejecutivos y directores de estudio están haciendo películas más grandes, más llamativas y más caras, Soderbergh continúa adoptando la nueva tecnología de video para teléfonos inteligentes como una forma de abrir la realización de películas a una nueva generación de aspirantes a cineastas.


Para obtener más información y recursos cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de bepsy.

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