10 plantillas GRATUITAS de Motion Graphics para Premiere Pro (títulos animados)

Con estas plantillas GRATUITAS de gráficos en movimiento animados para Premiere Pro, puede agregar algunos títulos animados llamativos a sus ediciones, de forma rápida y sencilla.

Como puede ver, últimamente nos hemos dedicado a este tipo de estilos de animación y diseño de textura áspera. Siento que es un buen paso fuera de la animación y el diseño corporativos limpios y casi estériles que vemos con tanta frecuencia.

Recientemente, hemos aprendido algunas formas nuevas de incorporar algo de esa textura y ambiente de estilo stop-motion hechos a mano en estas plantillas de gráficos en movimiento para Premiere. Mientras experimentamos con diferentes estilos y creamos diferentes títulos con estos efectos, pensamos: ¿Por qué no regalarlos gratis?

Con cada una de estas plantillas GRATUITAS de gráficos en movimiento para Premiere, queríamos incluir tanta personalización como fuera posible. Cada una de estas plantillas tiene una gran cantidad de opciones dentro del Panel de gráficos esenciales. Estas opciones le darán la posibilidad de crear una gran cantidad de animaciones de título diferentes y únicas, en lugar de solo los diez estilos de archivo incluidos.

NOTA: Para utilizar estas transiciones, debe tener instalada la versión más reciente de AMBOS, Premiere y After Effects. No funcionarán sin After Effects instalado.

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Este paquete de 10 animaciones de títulos de texturas GRATUITAS para Premiere incluye lo siguiente:

  • 10 archivos de plantilla de gráficos en movimiento .mogrt para Adobe Premiere Pro
  • Una carpeta de fuentes para instalar para el stock busca las plantillas
  • Archivo de proyecto .ae para mayor personalización y opciones

¿Qué es un archivo .mogrt?

Mogrt es la abreviatura de Motion Graphics Template. Un archivo .mogrt es una única animación que se exportó desde After Effects. Puede abrir plantillas de archivo .mogrt en su Premiere Pro a través del Panel de gráficos esenciales.


Descargue las plantillas de Motion Graphics gratuitas

Haga clic en el botón de abajo para descargar el Plantillas de Motion Graphics gratuitas. En la descarga, encontrará todo lo que necesita para comenzar. Estas Plantillas de Motion Graphics son de uso gratuito en cualquier proyecto personal o comercial. Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos. Apunta tus enlaces a esta página y deja que tus amigos y colegas la descarguen desde aquí.

DESCARGAR PLANTILLAS GRÁFICAS DE MOVIMIENTO GRATIS


Utilice y personalice estas plantillas de gráficos animados

Títulos de movimiento

Aunque, técnicamente, hay diez plantillas de gráficos en movimiento incluidas en este obsequio, hay muchas más posibilidades con ellas. Cada uno tiene la capacidad de activar o desactivar fondos y cambiar la cantidad de textura. Incluso puede eliminar todos los efectos de stop motion y obtener un aspecto mucho más limpio y contemporáneo.

Puede mezclar y combinar diferentes elementos, cambiar fuentes, apagar varios objetos. Esencialmente, estos se pueden usar de cualquier manera que pueda imaginar y las posibilidades son bastante infinitas.

El panel de gráficos esenciales

Opciones de personalización

Cada gráfico vendrá con su propio conjunto de opciones de personalización. Realice cambios en sus plantillas de gráficos en movimiento (también conocidos como archivos mogrt) arrastrando una plantilla a su línea de tiempo (instrucciones de instalación a continuación), y seleccionar eso. Después de seleccionarlo, debería poder acceder al Editar pestaña del Panel de gráficos esenciales (si no está abierta, vaya a la Ventana pestaña y comprobar Panel de gráficos esenciales).

Aquí encontrará todos los parámetros específicos disponibles para esa plantilla de título específica. Cada uno permitirá cambios de fuente (instale las fuentes incluidas para obtener el aspecto del tráiler), opciones de color y controles de estilo. Los controles de estilo serán diferentes de un gráfico a otro, pero todos deben estar organizados en menús desplegables que facilitarán la búsqueda de lo que necesita.

Como descubrirá, puede desactivar los fondos, eliminar ciertos efectos o resaltar algunos de ellos. Esencialmente, jugando con las diversas opciones, debería poder crear una amplia variedad de animaciones con este obsequio.

Uso del juego de títulos

Kit de título

A continuación, se muestra un ejemplo de una plantilla incluida en este obsequio que creo que tiene muchos más usos de los que podría imaginar inicialmente.

Este fue inicialmente un experimento que terminó funcionando bastante bien. Hay un puñado de estilos de animación de texto que usas con bastante frecuencia. Deslizándose, bajando, subiendo y escalando hacia adentro y hacia afuera. Pensé: ¿Qué pasaría si hubiera un archivo .mogrt que le permitiera crear títulos bien animados con cada uno de esos tipos de animaciones? Este terminó siendo el Kit de título.

Dentro de este .mogrt, encontrará una casilla de verificación para cada tipo de animación y todas las opciones que necesitaría para convertirla en una animación de texto estándar o crear esta apariencia texturizada en stop motion. Con este .mogrt, puede apilar y mezclar y combinar los distintos estilos de animación marcando el estilo de animación que desea (y apagando los demás), luego colocando un elemento de texto encima del otro. Infinitas opciones, todo dentro de Premiere.


Cómo instalar estas plantillas de Motion Graphics gratuitas

Instalación de plantillas de Motion Graphics

Estas plantillas son extremadamente fáciles de usar e instalar. Premiere ha agregado recientemente algunas nuevas formas de usar archivos .mogrt, que es un cambio bienvenido en comparación con el método anterior (instalarlos uno a la vez, individualmente).

Instalación de carpetas en su biblioteca

Cuando estás dentro Estreno, primero querrá asegurarse de tener el Panel de gráficos esenciales abierto. Si no es así, dirígete al Ventana pestaña y asegúrese de que esté marcada.

Panel de gráficos esenciales

Asegúrese de que el Panel de gráficos esenciales esté abierto.

En el Panel de gráficos esenciales, notará un poco icono estilo hamburguesa justo al lado del nombre de la pestaña. Botón derecho del ratón en eso (en la imagen de arriba), luego seleccione Administrar carpetas adicionales.

Administrar carpetas adicionales

Seleccione Administrar carpetas adicionales.

Una vez allí, puede hacer clic en el Añadir y navega hasta la carpeta donde almacenaste tus archivos .mogrt de transición, luego presiona el Okay botón.

Ahora, tendrás las transiciones agregadas como una nueva biblioteca.

Agregar transición

Las transiciones se agregan como una nueva biblioteca.

De esta manera, puede agregar o eliminar carpetas de su biblioteca .mogrt de manera fácil y rápida para seleccionar rápidamente estilos para varios proyectos. Obviamente, esta es una forma mucho mejor de mantener organizadas sus plantillas de gráficos en movimiento que la que Premiere tenía disponible anteriormente.

Arrastrar directamente a Premiere

Otro método que ahora está disponible, que es más rápido, aunque un poco menos organizado, es simplemente arrastrar sus archivos .mogrt directamente al Panel de gráficos esenciales.

Sin embargo, hacerlo de esta manera agregará los archivos a la carpeta de plantillas de gráficos en movimiento de Premiere Pro local, que enviará los archivos para que se mezclen con todos los demás gráficos en movimiento que haya instalado (incluidos los de archivo que Adobe envía con el software). . No me gusta mucho hacerlo de esta manera, ya que hace que sea un poco más difícil encontrar los gráficos que está buscando.

Títulos de movimiento

Si desea echar un vistazo bajo el capó de cómo se hicieron estas cosas, o hacer sus propios cambios en las animaciones como mejor le parezca, hemos incluido el archivo de proyecto .ae para que pueda hacer lo que necesite con estas animaciones.

No me juzgues por cómo mantengo organizados mis proyectos. A veces se pone un poco desordenado.


Usar junto con obsequios anteriores

Este tipo de obsequio concluye la saga no oficial de “Textured Motion Graphics” que hemos ido agregando, con el tiempo, aquí en PremiumBeat.

Últimamente, hemos tenido una pequeña misión para crear un paquete completo de opciones para gráficos en movimiento en este tipo de estilo texturizado stop-motion. Ahora tenemos transiciones, texturas, títulos y fuentes animadas, todo en este estilo áspero, cuadro por cuadro.

La esperanza es que los descargue todos, los mezcle y combine y cree un aspecto coherente y coherente para sus proyectos. Con suerte, entre todos estos regalos, encontrará algo que se adapte a su estilo y necesidades.

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Imagen de portada vía Irina Levitskaya.

6 programas de televisión y películas modernos que mezclan géneros

Los programas y películas que mezclan diferentes géneros a menudo producen contenido cautivador que se siente fresco, empujando los límites sobre cómo se pueden contar historias. Aquí hay algunos ejemplos notables que puede ver hoy.

Parece que con todas las nuevas plataformas y redes de transmisión, se lanza demasiado contenido todo el tiempo. Los programas nuevos tienen que ser mejores que buenos para superar la vorágine del contenido aceptable, que se vuelve más difícil de hacer. Como consumidor, mantenerse al día con el programa o la película más reciente es agotador. No es posible verlo todo.

Últimamente, sin embargo, estoy más interesado en series o películas que reinventen o revitalicen un género establecido y le den nueva vida. No puedo ver otra película de superhéroes hecha a mano ni otra comedia sobre las payasadas de la escuela secundaria interpretadas por jóvenes de 30 años. Quiero algo nuevo, fresco y dispuesto a ir contra la corriente. No creo que esté solo. A continuación se muestra una lista de programas y películas que toman un género establecido y agregan algo nuevo.

(Advertencia de spoiler: puede haber pequeños spoilers de los programas y películas a continuación).


El superhéroe: Thor: Ragnarok

En el lapso de unos pocos años, Thor pasó de ser una de las propiedades menos emocionantes del MCU a uno de los mejores Vengadores al darle la vuelta al personaje y al género de superhéroes. No es importante volver a contar las hazañas de Thor de sus dos primeras películas, ya que son intrascendentes para el Thor actual. De hecho, ni siquiera mires los dos primeros.

En Thor: Ragnarok, se cambia el personaje titular. Sigue siendo el mismo superhéroe / dios arrogante, pero también es divertido, y usa su ingenio y sarcasmo para entrenar con amigos y villanos por igual. La gran energía de atleta tonta en la que Thor se inclinó en sus dos primeras películas se ha ido, reemplazada por un héroe más afable y consciente de sí mismo.

Después de perder a su padre, enfrentarse a una hermana que no conocía, perder a Mjölnir y ser capturado en un planeta extraño, Thor es un personaje obligado a enfrentarse a su antigua identidad. Al final de la película, se reinventó por necesidad. La película hace algunos guiños obvios a su transformación en el camino de su apariencia física, despojándose de las mangas de su armadura y sus característicos mechones dorados por algo más moderno y vanguardista. Y aunque pierde a su Mjölnir de confianza, gana un poder digno del dios del trueno. Pero el final realmente encapsula a un personaje que ha experimentado un cambio significativo: para salvar a su gente del Ragnarok, debe sacrificar su hogar, que es suyo para gobernar.

Taika Waititi, el director de la película, es el maestro en convertir conceptos extraños y extravagantes: su Conejo Jojo es otra película que podría estar fácilmente en esta lista, en los favoritos de la corriente principal. Mientras que otras películas de Marvel hechas por Disney siguen una fórmula similar, Thor: Ragnarok le da la vuelta al género de superhéroes incorporando una historia espacial en un mundo que gira en torno a la mitología nórdica. En esta película, Thor no es un dios todopoderoso; es un dios derrotado, obligado a luchar por un déspota y ante el desafío insuperable de derrotar por sí solo a un hermano cuyo poder va más allá del suyo. Esta no es la típica película de Marvel, y finalmente le da a un héroe tan asombroso una introducción adecuada a la MCU. La película también es divertida: la escena en la parte superior de esta sección tiene lugar al comienzo de la película y marca la pauta.


El animado: tu nombre

El anime puede ser muy formulativo, por lo que muchos no ven el medio como un vehículo serio para contar historias fantásticas. Sin embargo, Tu nombre es diferente a muchos de sus contemporáneos; tAquí no hay niños en edad de escuela secundaria increíblemente dominados que derroten a villanos cómicamente malvados en peleas exageradas. Tu nombre es una historia de amor que tiene lugar en diferentes líneas de tiempo. Mezcla romance y fantasía con un giro en el tiempo que vale la pena extraordinariamente.

La película tiene lugar en Tokio y sigue a dos estudiantes de secundaria. Mitsuha vive en una zona rural de Japón y está aburrida de su vida tranquila. Taki vive un estilo de vida opuesto en Tokio, haciendo malabares con la escuela, el trabajo y pasando tiempo con amigos en agradables cafés. En poco tiempo, los dos adolescentes, que no tienen vínculos previos entre sí, comienzan a despertarse en el cuerpo del otro en diferentes períodos en el tiempo. Taki está viviendo tres años en el futuro, sin embargo, ambos no son conscientes de alguna manera. Aunque los dos solo se conocen brevemente, desarrollan sentimientos el uno por el otro al final, pero su futuro se pone en juego cuando un evento catastrófico le sucede a la ciudad de Mitsuha.

No quiero estropear el final, pero la recompensa es tan grande que no puedes evitar ponerte emocional. Cuando digo que la gente sollozaba incontrolablemente en el teatro, no estoy exagerando. Aquellos que no se toman el anime en serio deberían ver esta película antes de condenar al medio como infantil. Sé que viajar en el tiempo siempre complica la trama, pero Makoto Shinkai – el escritor y director de la película – teje elementos de fantasía y viajes en el tiempo en una historia de amor de la escuela secundaria que continuará inspirando a nuevos fanáticos en los próximos años.


The Alien Sci-Fi One: Llegada

En la línea de otras películas sobre extraterrestres que visitan la Tierra, un profesor universitario es sacado de la oscuridad y colocado al frente y al centro del esfuerzo del gobierno por comprender lo que está sucediendo. Louise Banks es ese profesor, un lingüista, cuyo trabajo es encontrar una manera de comunicarse con los extraterrestres recién llegados. Donde otras películas podrían representar a la humanidad en guerra con los extraterrestres, Llegada se centra en la compleja tarea de descifrar lo que quieren los extraterrestres, lo que no pueden hacer hasta que aprendan a comunicarse entre sí. La tarea no es fácil y la película avanza lentamente, centrándose principalmente en los intentos de Louise de comunicarse con los extraterrestres, a los que llaman heptápodos debido a sus siete extremidades.

El estado de ánimo es tenso durante la mayor parte de la película, acentuado con cielos grises azulados de mal humor, tonos apagados y música de ciencia ficción inquietante y llena de sintetizadores. los escenas en las que el equipo de Louise se comunica con los heptápodos dentro de su nave son especialmente tensos y escalofriantes, con paredes negras cavernosas que conducen a un cristal de ventana rectangular blanco brillante en el que se esconden los heptápodos. Aunque parece que las cosas podrían cambiar en cualquier segundo, nunca lo hacen. El enorme tamaño de los extraterrestres y los espeluznantes tentáculos son desagradables, claro, pero la parte más inquietante llega más tarde, cuando una falta de comunicación pone a los gobiernos del mundo al límite, poniendo a la humanidad un paso más cerca de la guerra con los heptápodos. No es hasta que Louise finalmente comprende el complejo lenguaje circular del heptápodo que comienza a ver el pasado, el presente y el futuro como uno solo. Su don recién descubierto la ayuda a desescalar la situación, pero hay una verdad más oscura en que ella pueda ver su futuro.

El director de la película Denis Villeneuve, es uno de los mejores directores surgidos en los últimos cinco años, y entre todas sus películas recientes – Prisioneros, Sicario, Blade Runner 2049 – este es su más cerebral. La película está basada en la excelente historia corta de Ted Chiang, “Historia de tu vida”, pero la película amplía la historia corta a la perfección. Tiene los elementos correctos de ciencia ficción, pero sin la ciencia extraña ni los marines espaciales. Es una película inteligente de grabación lenta que no teme presentar temas complicados. Muestra que la humanidad, cuando está asustada y confundida, recurrirá a la violencia como última defensa, pero que también hay esperanza cuando la cabeza fría puede prevalecer e introducir la razón. El mejor cumplido que puedo hacer es que no podía dejar de pensar y hablar sobre esta película después de salir del cine, y sigue asombrándome en cada visualización posterior.


The Space Sci-Fi One: The Expanse

Con la humanidad colonizando los confines de nuestro sistema solar, La Expansión ofrece una visión de una sociedad no muy lejana donde los planetas interiores, la Tierra y Marte, se benefician principalmente del arduo trabajo de Belters, las personas que viven en estaciones espaciales a millones de millas de distancia. La Expansión, que debutó por primera vez en Syfy, se basa en los libros escritos por James S.A. Corey, que es un seudónimo utilizado por los dos autores, Daniel Abraham y Ty Franck.

La expansión La primera temporada presenta lentamente a los espectadores una sociedad espacial que vive en una tenue paz entre la Tierra, Marte y el Cinturón. La Tierra está superpoblada y la mayoría de la gente vive en la pobreza porque no hay suficientes trabajos para todos. Mars es una sociedad espartana con un ejército impresionante y las armas y naves más avanzadas del sistema. El Cinturón está formado por trabajadores manuales empobrecidos que viven en varias estaciones espaciales, lunas y asteroides alrededor de los bordes del sistema. Los tres grupos se odian, pero el incidente incitante de la primera temporada pone a todos nerviosos. Pronto se convierte en un espectáculo con batallas espaciales impresionantes y realistas, teatro político y misterio de asesinatos. Tiene un poco de todo para todos, pero se vuelve más intrigante cuando aparece una extraña sustancia alienígena que pone a la humanidad en peligro. El programa sigue a la tripulación del Rocinante, un detective de la estación espacial Ceres, y a políticos de las Naciones Unidas en la Tierra, entre otros.

Dónde La Expansión se diferencia de otros espectáculos espaciales es que se siente más fiel a la vida real. Los barcos se fabrican de forma práctica y no utilizan cañones de plasma; los pasajeros deben usar botas magnéticas cuando estén en el espacio; aquellos que no nacen en la Tierra experimentan una enfermedad de gravedad que les lleva a la muerte. El programa presta mucha atención a los detalles, como la forma en que Belters habla un dialecto basado en el inglés que se inspira en gran medida en otros idiomas.

La Expansión es un programa especial por muchas razones, pero no se puede colocar en ninguna caja. Mientras que sus últimas temporadas exploran la sustancia alienígena en profundidad, La Expansión muestra a la humanidad al borde de una guerra espacial total; es un comentario sobre la codicia empresarial, la ambición política y nuestro deseo de explorar lo desconocido. No tiene la tradición de Star Wars o la ciencia de Star Trek, pero La Expansión es un programa que sigue desafiando las expectativas incluso después de que fue cancelado y traído de vuelta por Amazon.


El terror de los 50: el país de Lovecraft

País de Lovecraft se supone que es un espectáculo de terror. Hay sobresaltos, monstruos espeluznantes y escenas tensas en el primer episodio, pero el nuevo programa de HBO, que tiene lugar en los EE. UU. Durante la década de 1950, retrata un espectáculo de terror con una capa gruesa de racismo de la era de Jim Crow que es más horripilante que los monstruos reales.

La escena de apertura del programa es un panorama grandioso, que abarca desde la ciencia ficción hasta el terror y la fantasía, con el protagonista de ojos saltones vagando por un campo de batalla infernal. Si bien esa escena, en la que aparece un famoso monstruo de Lovecraft con cara de tentáculo, es un espectáculo para la vista, el personaje principal, Atticus Freeman, es inmediatamente atraído al mundo real, un lugar donde las personas negras tienen que sentarse en la parte de atrás en el autobús. Un lugar donde el racismo está vivo y coleando.

El programa está basado en un libro con el mismo nombre escrito por Matt Ruff, y explora temas de terror creados por H.P. Lovecraft, un racista enorme. No es una coincidencia que un programa que lleva el nombre del infame autor tenga un elenco mayoritario de negros o que el programa se desarrolle en un período violentamente racista en la historia de Estados Unidos. Al ser un programa de terror, hay escenas de persecución de monstruos, pero lo que es realmente aterrador es el racismo.

En el primer episodio, los tres personajes principales tienen la misión de encontrar al padre de Atticus, que se ha escapado. País de Lovecraft en una misión misteriosa. En su camino hacia allí, cuando se detienen en un restaurante para almorzar, el trío es expulsado de la ciudad por un grupo de racistas armados. Posteriormente, son abordados por un policía blanco que inmediatamente agrava la situación y los amenaza con dejar su pueblo por puesta del sol. Seguidos por el oficial de policía, mantienen el límite de velocidad y apenas logran salir de la ciudad, pero se encuentran con otros policías que bloquean la carretera. Ahí es cuando el espectáculo da un giro. La policía lleva al grupo al bosque, pero una enorme y terrible bestia con ojos colocados por todo el cuerpo los ataca. Aunque los monstruos dan miedo, los latidos de mi corazón se aceleraban mucho más cuando el trío salió corriendo de la ciudad antes de la puesta del sol.

Hay incluso más monstruos y magia y otras fantasías extrañas en episodios posteriores, pero, similar a Sal Jordan Peele también está involucrado en este programa: el racismo juega un papel crucial en el horror. Para los negros que viven en Estados Unidos, el verdadero hombre del saco no es el que se esconde en el bosque. Es el que se esconde a plena vista.


El anti-superhéroe: los chicos

(Advertencia: el avance a continuación contiene improperios y escenas gráficas que involucran sangre y sangre).

Basado en los cómics de Garth Ennis, Los chicos sigue a un equipo de personas, en su mayoría hombres, que tienen una cosa en común: su odio por los superhéroes. Después de que Hughie pierde a su novia en un extraño accidente de superhéroe, Billy Butcher lo recluta para una misión. Con su vida cambiada, Hughie se une al equipo de Butcher después de la misión, e intentan acabar con los superhéroes más famosos, financiados por el malvado Vought, una corporación de superhéroes gigante.

En Los chicos’ mundo, los superhéroes no son los bienhechores de las páginas de los cómics de Marvel o DC. Son personas codiciosas y narcisistas con habilidades sobrehumanas que no tienen compasión por la gente común. Si bien sus habilidades los hacen únicos, los superhéroes en Los chicos pasan la mayor parte de su tiempo como celebridades, apareciendo en películas, en envases de alimentos y merchandising. Están gestionados por etapas en todos los aspectos. No son héroes; son el producto de una corporación gigante, lo que los hace absolutamente terribles. Al principio, nos enteramos de que A-Train, el héroe responsable de matar a la novia de Hughie, no siente ningún remordimiento por sus acciones. Se hace evidente que A-Train no es una excepción: todos los héroes de Los chicos son todo menos.

Ahora, en su segunda temporada, el programa dirigido por Eric Kripke ha ido aún más lejos, con escenas exageradas y sangrientas que no se parecen a nada en la televisión popular. Esto no es lo que se supone que es un programa de superhéroes, por eso es un programa tan querido. Si bien los cómics inspiran la violencia gráfica del programa, Los chicos Las series de televisión toman una dirección diferente al ejecutar la historia más amplia. El tono general del cómic todavía está ahí, especialmente el humor negro, pero la trama ha sido remodelada para encajar en ocho episodios de una hora por temporada. El resultado es una acusación mordaz sobre el género de los superhéroes y una mirada sombría a lo que le gustaría a nuestro mundo si los superhéroes fueran reales y pertenecieran a corporaciones. Sin embargo, la ironía es que los chicos son el contraste de los héroes y los verdaderos héroes de la historia. Pueden ser poco ortodoxos y propensos a la violencia excesiva, pero con la impunidad inherente a los superhéroes, los niños son el único elemento disuasorio.


Qué transmitir

No fue fácil reducir estos programas y películas, pero es bueno saber que todavía hay mucho contenido excelente por ahí. Por agotador que sea encontrar algo nuevo para ver en Netflix, hay muchas gemas por ahí si sabes dónde buscar.

Como alguien que siempre está de humor para mirar La oficina o Brooklyn 99, Me gusta encontrar nuevos programas que abordan temas difíciles, destacan a los creadores marginados o incorporan diferentes aspectos de género para crear un crisol de contenido digno de atracones. Entonces, no tenga miedo de probar algo nuevo. A veces, es la combinación más inesperada de ideas y géneros la que termina siendo la más divertida de ver.


Aquí hay más contenido sobre cine / cultura pop que creemos que te gustará:


Imagen de portada con Los chicos vía Amazonas.

Descargue 15 transiciones texturizadas GRATIS para Premiere Pro

Con estas transiciones texturizadas GRATUITAS, puede agregar rápidamente un poco de energía divertida a sus ediciones en Premiere Pro. Descarga este paquete gratuito a continuación.

Estoy harto de las transiciones habituales que se utilizan en Premiere Pro. Las transiciones suaves habituales de zoom / fundido se están reproduciendo muy bien, y la mayoría de las ediciones aún se benefician de algún tipo de elemento de transición entre escenas.

Tiendo a gustarme una transición de estilo más “intersticial”, una que en realidad superponga el color y la textura, y por lo tanto la personalidad, en una edición. Es por eso que creamos este obsequio. Brindar a los editores de Premiere la capacidad de agregar un poco de energía divertida a sus ediciones con facilidad, durante la transición de una escena a otra.

Este paquete de transición gratuito consta de quince archivos .mogrt diferentes que puede arrastrar directamente a Premiere y realizar todo tipo de cambios y alteraciones diferentes para su proyecto específico. Puede alterar la cantidad de textura, colores y, en algunos casos, incluso cambiar la apariencia de la transición. Hay diferentes estilos para elegir: un lápiz garabateado, papel rasgado, rayas de cebra de aspecto ondulado y toallitas estándar con textura de papel, por nombrar algunos.

También se incluye un archivo de proyecto AE, en caso de que desee abrirlo y realizar más alteraciones en las animaciones. Todas las transiciones incluidas se guardan como una animación de dos segundos, siendo el punto medio exacto el lugar correcto para agregar su corte debajo de la transición. Puede acelerarlo o ralentizarlo fácilmente según sus necesidades dentro de Premiere.

NOTA: Para utilizar estas transiciones gratuitas, debe tener instalada la versión más reciente de AMBOS, Premiere y After Effects. No funcionarán sin After Effects instalado.


Descarga las transiciones texturizadas gratuitas

Haga clic en el botón de abajo para descargar las transiciones animadas texturizadas gratuitas. En la descarga, encontrará todo lo que necesita para comenzar. Estas transiciones texturizadas son de uso gratuito en cualquier proyecto personal o comercial. Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos. Apunta tus enlaces a esta página y deja que tus amigos y colegas la descarguen desde aquí.

DESCARGAR TRANSICIONES DE ESTRENO GRATIS


Cómo utilizar las transiciones gratuitas en Premiere

Transiciones libres en Premiere

Afortunadamente, en las versiones más recientes de Premiere, Adobe ha realizado algunos cambios para que .mogrts sea mucho más fácil de instalar. Anteriormente, tenía que instalarlos individualmente, uno a la vez. Ahora, puede elegir una carpeta a la vez para agregar a su biblioteca o arrastrarlas directamente.

Instalación de carpetas en su biblioteca

Cuando estás dentro Estreno, primero querrá asegurarse de tener la Panel de gráficos esenciales abierto. Si no es así, dirígete al Ventana pestaña y asegúrese de que esté marcada.

Panel de gráficos esenciales

Abra el Panel de gráficos esenciales.

En el Panel de gráficos esenciales, notará un poco icono estilo hamburguesa justo al lado del nombre de la pestaña. Botón derecho del ratón en eso (en la imagen de arriba), luego seleccione Administrar carpetas adicionales.

Administrar carpetas adicionales

Seleccione Administrar carpetas adicionales.

Una vez allí, puede hacer clic en el Añadir y navega hasta la carpeta donde almacenaste tus archivos .mogrt de transición, luego presiona el Okay botón.

Ahora, tendrás las transiciones agregadas como una nueva biblioteca.

Transiciones agregadas

Transiciones agregadas como una nueva biblioteca.

De esta manera, puede agregar o eliminar carpetas de su biblioteca .mogrt de manera fácil y rápida para seleccionar rápidamente estilos para varios proyectos. Obviamente, esta es una forma mucho mejor de mantener organizadas sus plantillas de gráficos en movimiento que la que Premiere tenía disponible anteriormente.

Arrastrar directamente a Premiere

Otro método que está disponible ahora, que es más rápido, aunque un poco menos organizado, es simplemente arrastrar sus archivos .mogrt directamente en el Panel de gráficos esenciales.

Sin embargo, hacerlo de esta manera agregará los archivos a la carpeta de plantillas de gráficos en movimiento de Premiere Pro local, que enviará los archivos para que se mezclen con todos los demás gráficos en movimiento que haya instalado (incluidos los de stock que Adobe envía con el software). . No me gusta tanto hacerlo de esta manera, ya que hace que sea un poco más difícil encontrar los gráficos que está buscando.

Personalización en Premiere

Cronología

Para acceder a las opciones de personalización, con el Panel de gráficos esenciales abierto, puede seleccione la transición en su línea de tiempo (después de arrastrarlo) y el Editar La pestaña debería abrirse en el EGP. Aquí encontrará todos los parámetros accesibles de la animación. En todos los casos, debería poder cambiar los colores y las cantidades de textura. En algunos casos, habrá otras opciones disponibles. Como se mencionó anteriormente, si necesita que su animación sea más rápida o más lenta, la mejor opción es usar las opciones de reasignación de tiempo dentro de Premiere.

Archivo AE incluido

Si desea personalizar aún más sus gráficos, proporcionamos el proyecto .ae para que pueda abrirlo y alterar el tiempo o las texturas usted mismo.

Estas transiciones son una forma rápida de agregar un valor de producción divertido a tus ediciones, y creo que terminaré usándolas bastante para hacer vlogs y otras ediciones al estilo de YouTube.


Sumérjase en contenido más útil de Premiere Pro:

Recordando la cinematografía del difunto Michael Chapman

En honor al difunto Michael Chapman, exploremos el alto contraste y los colores brillantes del aclamado director de fotografía detrás Conductor de taxi y Toro furioso.

Trágicamente Michael Chapman falleció a principios de este año. Y, en los días y semanas siguientes, una avalancha de dolientes comenzó a compartir en línea el gran respeto que tenían por el famoso director de fotografía. Sin embargo, hay mucho más que decir sobre la cinematografía de Michael Chapman que simplemente un Conductor de taxi GIF compartido en Twitter.

Chapman era un operador de cámara de gran talento y un director de fotografía visionario que fue responsable de desarrollar dos de Martin ScorseseLas imágenes más famosas del mundo oscuro: Conductor de taxi y Toro furioso – así como la fuerza impulsora detrás de toda una década de thrillers de acción y comedias inteligentes y de gran presupuesto.

Así que, además de dar nuestro debido respeto al enorme logro cinematográfico que es Conductor de taxi, así como otros ejemplos famosos, profundicemos en cómo Chapman pudo perfeccionar su oficio, desarrollar su estilo e impartir su genio a las audiencias de todo el mundo.


La importancia del guion gráfico

Para todos aquellos que pensaron que íbamos a sumergirnos en los ricos tapices de disparar luces de neón en la sucia Nueva York, están equivocados. Vamos a empezar con lo básico: ¡guiones gráficos! Y, a pesar de la cita de Chapman (en el video de arriba) sobre “odiar los guiones gráficos” en general, el hecho de que Scorsese pudo convencerlo de que le diera el crédito debido a este bloque de construcción necesario de la forma del cine es un testimonio de la importancia del proceso .

Hablando específicamente sobre Conductor de taxi y trabajando con Scorsese (también en el video de arriba), puedes ver los guiones gráficos minuciosamente detallados que “Marty” dibujaría junto con Chapman para detallar la “energía y emoción” detrás de cada acción y movimiento de cámara para cada secuencia.

También puede ver cómo todo el proceso fue una gran oportunidad de aprendizaje para Chapman, quien recientemente se había convertido en un operador de cámara talentoso (obteniendo su primera notoriedad por su trabajo en Steven SpielbergEs Mandíbulas). A Chapman se le dio una mirada de primera mano sobre cómo las mentes de los grandes directores y directores de fotografía estaban destinadas a ser una intrincada mezcla entre lo meticulosamente planeado y lo profundamente emocional y explosivo.

Si está buscando mejorar su guión gráfico, por cierto, comience con algunos de estos manuales útiles:


La cinematografía como servicio a la historia

La cinematografía no tiene que ser hermosa, tiene que ser apropiada para lo que ve su ojo.

Prometo que llegaremos a Conductor de taxi y Toro furioso y el resto de las funciones importantes de Chapman a continuación, pero después del guión gráfico y la intencionalidad, nuestro siguiente enfoque es la atención de Chapman de cuán buena cinematografía, y su la cinematografía, en particular, debe atender la historia que está tratando de contar.

Para cualquier operador de cámara o aspirante a director de fotografía o director, este lenguaje es clave, ya que ilustra por qué verá imágenes tan ricas y sórdidas de Nueva York en una de las películas de Chapman, luego crudas, desnudas, en blanco y negro. Disparos POV en el siguiente. Y aún más cuando comiences a investigar el trabajo de Chapman en videos musicales, comedias y crossovers de Looney Tunes.

Chapman ha demostrado, a lo largo de su carrera, que cada toma y cada escena deben reflejar la historia que intenta contar. No solo en cómo se enmarca, sino en cómo se proyecta la iluminación, cómo se ajusta la perspectiva y se explora la mirada que proyecta de uno de sus personajes. o directamente para que la audiencia interprete.


Alto contraste y colores fuertes

¡OK, finalmente! Hablemos Conductor de taxi, la película que lanzó las carreras de Martin Scorsese y Robert de Niroy la película que la mayoría de la gente asocia (por una buena razón) con el trabajo cinematográfico de Chapman.Conductor de taxi está considerada como una de las películas más cinematográficas y mejor filmadas, no solo de su década (la de 1970), sino de todos los tiempos.

Sin embargo, si miras hacia atrás y hacia adelante a lo largo de la carrera de Chapman, puedes ver que los estilos que trabajó para desarrollar a lo largo de los años emergen por completo en esta hermosa imagen. Chapman tiene un sólido conjunto de habilidades para trabajar con alto contraste y colores fuertes. En muchas de sus películas, Chapman usa estos looks para resaltar las disparidades entre personajes y temas.

En Conductor de taxiEn particular, él y Scorsese eligieron pintar las calles de Nueva York con ubicaciones perfectamente seleccionadas para capturar los brillantes letreros de neón que aparecen en la pantalla contra las calles oscuras y arenosas iluminadas por la noche. Chapman va más allá, como puede ver en el montaje cinematográfico de arriba, al proyectar a Travis Bickle de De Niro bajo las mismas luces duras, mientras ayuda a Scorsese a rastrear el descenso del personaje a la notoriedad cinematográfica.


Movimientos rápidos e improvisación

Tras el éxito de Conductor de taxi, Chapman volvería a asociarse con Scorsese en Toro furioso – una película que yo diría que es realmente superior en términos de sus hazañas cinematográficas y como una pura clase magistral de artesanía. En Toro furioso, Scorsese y Chapman fueron realmente capaces de salirse de las cuerdas (por así decirlo) y crear un mundo cinematográfico que estaba plagado de estilo e innovación pura.

Como puede ver en el desglose del video a continuación, hubo muchos elementos de la narración que eran únicos y fascinantes, pero cinematográficamente hablando, Chapman pudo adoptar por completo un estilo de movimiento rápido y trabajar con frecuencia sin estructura y con improvisación en el set. Estos son más notables en las escenas de boxeo donde Chapman pudo sujetar físicamente la cámara a los actores, con plataformas improvisadas para tomas creativas y movimientos caóticos.

Junto con el puro contraste de la cinematografía en blanco y negro, y las grandes olas entre escenas silenciosas y sutiles, así como los montajes de lucha explosiva, Toro furioso catapultó a Chapman y Scorsese de prometedores a algunos de los nombres más importantes de la industria. Y, realmente fue el trabajo de DP de Chapman en esta función lo que le permitió dirigir tantos éxitos de taquilla importantes después.


Acción y comedia y más allá

Desde sus primeros días en los años 70, trabajando desde una cámara, para cuando llegaron los 80 y los 90, Chapman era claramente un director de fotografía en demanda, capaz de saltar entre proyectos sin problemas gracias a su servicio. enfoque centrado. Si bien Scorsese continuó trabajando con varios directores de fotografía diferentes a lo largo de los años, Chapman estaba bastante contento de profundizar más en géneros de gran presupuesto, como películas de suspenso y comedias de acción.

Las características notables de la toma de Chapman incluyen Los niños perdidos, El fugitivo, Cazafantasmas II, Policía de jardín de infantes, y uno de mis favoritos personales – Space Jam. Pero, no se equivoquen, para cada una de estas imágenes, puede ver muchas de las mismas opciones de estilo e influencias que Chapman desarrolló desde sus primeros días, que todavía emplean a menudo un fuerte contraste y movimientos de cámara innovadores y técnicos.

Si bien algunas de las películas no viven en los mismos círculos cinéfilos en línea y en Twitter, es bastante inspirador volver atrás y ver cómo Chapman pudo mantenerse fiel a sus raíces y al mismo tiempo desarrollar su oficio a la perfección tanto como público como la industria cambió con los años.


Para obtener más información y perfiles cinematográficos, consulte estos artículos:


Imagen de portada vía MGM.

Limpiar y acelerar las líneas de tiempo con el anidamiento de secuencias en Premiere

A continuación, le mostramos cómo puede ahorrar tiempo en las revisiones y mejorar la organización de sus proyectos de edición mediante secuencias de anidación con Adobe Premiere Pro.

Cuando hablamos de secuencias de anidamiento, es más en la línea de Muñecas de anidación rusas que el nido de un pájaro. El concepto de anidación es simplemente colocar una línea de tiempo de edición más pequeña dentro de una línea de tiempo más grande – nidos sobre nidos sobre nidos. Estas líneas de tiempo más cortas podrían ser parte de una producción mucho mayor, como escenas dentro de una película, segmentos dentro de una transmisión de noticias o incluso gráficos y animaciones.

Solo tenga en cuenta que las secuencias anidadas no son un tipo de secuencia, sino más bien una función disponible para organizar mejor su proyecto. Antes de entrar en un Comienzo situación, echemos un vistazo rápido a cómo crear secuencias anidadas y luego desglosar sus beneficios y cómo pueden mejorar sus habilidades como editor.


Crear una secuencia anidada

Secuencia de arrastrar y soltar

Arrastra y suelta la secuencia que te gustaría anidar.

Cualquier secuencia de Premiere Pro se puede utilizar como secuencia anidada. No es necesario convertir una línea de tiempo preexistente ni realizar cambios que afecten a las secuencias preexistentes.

La forma más sencilla de anidar una secuencia es arrastrando y soltando una secuencia actual en la línea de tiempo de otra secuencia. Localizar la secuencia que te gustaría anidar, botón derecho del ratón en el archivo en el navegador de medios, haga clic en insertar, la secuencia se colocará dentro de la línea de tiempo abierta actual. Asegúrese de tener suficiente espacio dentro de la línea de tiempo actual para poder ajustar la secuencia anidada; de lo contrario, el metraje actual podría sobrescribirse.

Crear secuencia anidada

Crea una secuencia anidada a partir de un clip en tu línea de tiempo.

También puede crear una secuencia anidada a partir de un clip actual dentro de una línea de tiempo. Esto creará una nueva secuencia a partir de este clip y anidará automáticamente esa secuencia en la ubicación del clip original. Para hacerlo, simplemente botón derecho del ratón el clip, haga clic en Nido, luego nombre la nueva secuencia. El clip actual debería cambiar a un nuevo color y la nueva secuencia se ubicará en el navegador de medios del proyecto.


Beneficios de las secuencias de anidación

Línea de tiempo del video

Utilice el anidamiento para organizar y limpiar líneas de tiempo muy grandes. Imagen vía BoxBoy.

Organización

Un editor verdaderamente profesional mantiene sus proyectos organizados. Desde carpetas con nombres perfectos hasta líneas de tiempo administradas estrictamente, tener un proyecto bien organizado hace que editar proyectos más grandes sea más fácil y eficiente. Anidar es solo una forma más de mantener todo limpio y optimizado.

El anidamiento es perfecto para usar cuando tiene varias escenas en un proyecto grande. Cada escena consta de su propia secuencia de nido que luego se ensambla con las otras escenas de la secuencia principal. Esto hará que su secuencia principal se vea limpia y organizada. Si necesita realizar cambios en una escena específica, puede abrir la secuencia anidada y solo editar esa secuencia, afectando solo la escena que necesita modificar. Una secuencia anidada funcionará como si fuera un solo clip dentro de la línea de tiempo más grande. Podrá agregar efectos, recortar, cortar o realizar cualquier otra edición, como un clip normal que colocaría. Cualquier efecto agregado a una secuencia anidada afectará a todos los clips ubicados en la secuencia. Esto puede suponer un gran ahorro de tiempo al realizar cambios generales como corrección de color o cambio de tamaño.

Recientemente, edité una línea de tiempo muy grande para una transmisión en línea que totalizó más de una hora, con más de quince segmentos y escenas separados. Tener todo el proyecto ubicado dentro de una sola línea de tiempo habría causado muchos problemas (especialmente cuando se necesita hacer cambios menores) y habría parecido un desastre. Romper cada escena en su propia secuencia anidada me permitió concentrarme en cada escena individualmente y juntarlas cuando terminé. Esto me ayudó a abordar el proyecto como un todo, estableciendo cada escena como pequeñas metas para terminar.

Es mucho más fácil para las personas ver las cosas en partes grandes y dividirlas en partes más pequeñas, según sea necesario. Ver una línea de tiempo completa con miles de pequeños clips puede ser abrumador y afectar su funcionamiento como editor. Utilice el anidamiento de secuencias para mantener su espacio de trabajo limpio y organizado.

Ediciones dinámicas

No hay nada peor que una tarea tediosa, ¡especialmente una tarea tediosa que podría haber evitado! Recomiendo encarecidamente utilizar secuencias anidadas siempre que necesite reutilizar activos, material de archivo o transiciones que utilizará varias veces dentro de un proyecto. Por ejemplo, esta puede ser una secuencia de título de introducción que usará en varios videos. Las secuencias anidadas son dinámicas y se ajustan a todas las líneas de tiempo en las que se encuentran. Si realiza un pequeño cambio en una, se aplicarán a todas las secuencias en todos los ámbitos. Ahorrará mucho tiempo al no tener que ir a cada línea de tiempo individual para hacer ajustes. Realice ese cambio solo una vez y haga que se modifique en todos los lugares donde se encuentre.

Duplica los efectos

No se puede agregar estabilizador de deformación

Premiere no permite el estabilizador de deformación ni los ajustes de velocidad en el mismo clip.

Un problema común en Premiere Pro es no poder agregar Warp Stabilizer y ajustar la velocidad dentro del mismo clip. No estoy del todo seguro de por qué esto es un problema, pero lo ha sido durante años. La forma más fácil de solucionar este pequeño problema es, lo adivinaste, ¡anidar!

Empiece por creando una secuencia anidada del clip que desea estabilizar y ajustar la velocidad. Agregue el estabilizador de deformación al clip dentro de la secuencia anidada y ajustar a tu gusto. Una vez que se agrega el estabilizador de deformación, vuelva a la línea de tiempo principal y ajustar la velocidad en la secuencia del nido. Hay algunos otros efectos que no se pueden mezclar en un solo clip y el anidamiento resolverá ese problema.

Solución alternativa de secuencia de anidamiento

Agregue varios efectos a un clip con la solución alternativa de secuencia de anidamiento.

¡Edite de forma más inteligente, no más difícil! Piense en cómo desea estructurar sus proyectos y utilice secuencias anidadas en los lugares que pueda. Las secuencias anidadas mantendrán sus proyectos organizados, profesionales y optimizados.


Siga explorando las posibilidades de Premiere Pro con este útil contenido cuidadosamente seleccionado:


Imagen de portada vía BoxBoy.

DJI vuelve a subir de nivel el juego del estabilizador con RS 2 y RSC 2

Dos nuevos estabilizadores de cámara para que babees mientras debates cuál elegir. Vamos a ver.

DJI ha lanzado dos nuevos estabilizadores de cámara, ambos revolucionarios a su manera, y ambos te brindan las características tan buscadas que otros estabilizadores y cardanes han faltado.

DJI RS 2

El RS 2 es el nuevo estabilizador insignia de DJI para cineastas profesionales. Este estabilizador admite una carga útil más pesada, lo que le permite usar cámaras como Arri Alexa Mini LF, Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K, Sony a7s III y Canon 1DX.

El DJI RS 2 es la continuación del Ronin-S, y este nuevo cardán realmente cumple con las actualizaciones. Es más liviano, pesa 2.36 libras y puede transportar hasta 10 libras de carga útil.

No solo retiene el control de 3 ejes, hay sistemas de seguimiento mucho mejores en su lugar, así como más configuraciones para que pueda disparar.

El RS 2 es una gran combinación de características de tamaño completo Ronin 2 y Ronin-S. Se puede decir que se realizaron muchas pruebas y reflexiones en el estabilizador para brindarnos la herramienta más versátil.

El nuevo sistema de batería tiene una carga de 12 horas, y si eso aún no es suficiente, el nuevo sistema de carga rápida le dará 2 horas adicionales de vida con solo 15 minutos de carga.

El transmisor RavenEye le permite conectarse fácilmente a su Ronin, y no solo le brinda un monitor de alimentación instantáneo de 1080p en su teléfono o tableta, sino que luego puede usar su dispositivo para rastrear sujetos. Con Force Mobile puedes montar el Ronin fuera de tu alcance y controlarlo por completo desde tu dispositivo móvil.

El dial de la rueda delantera le permite controlar el enfoque con su dedo índice.

Especificaciones de DJI RS 2

  • Desde $ 849 USD
  • 3 ejes
  • Pesa 2,36 libras
  • 10 libras de carga útil
  • 12 horas de duración de la batería
  • Active Track 3.0
  • Pantalla táctil LCD a todo color de 1,4 ″
  • Diseño compacto para un fácil transporte
  • Compatible con transmisor RavenEye 1080p

Ronin RSC 2

El RSC 2 es la opción más compacta hecha para cámaras DSLR y sin espejo más pequeñas.

El RSC 2 es realmente el sueño de un vlogger hecho realidad, ya que tienes un modo vertical a tu disposición. Podrá usar su dispositivo móvil para el seguimiento avanzado, haciendo que realmente se sienta como si tuviera su propio operador de cámara siguiéndolo.

Especificaciones de DJI RSC 2

  • Desde $ 499 USD
  • 3 ejes
  • Pesa 2,68 libras
  • Carga útil de 6.6 libras
  • Duración de la batería de 14 horas
  • Modos estándar y vertical
  • Pantalla OLED de 1 ″
  • Diseño compacto para un fácil transporte
  • Compatible con transmisor RavenEye 1080p

Mejoras importantes

Estos nuevos gimbals son realmente un monstruo completamente nuevo en comparación con el antiguo Ronin-S. Para obtener un gran desglose y una vista previa, consulte esta revisión de nuestros amigos de Indy Mogul.

Una de las desventajas de este nuevo sistema, como se menciona en esta revisión, es que el sistema de batería se ha reemplazado por completo. Entonces, si tienes el Ronin S anterior, no podrás usar ninguna de esas baterías que compraste antes.

Dicho esto, todos los nuevos beneficios me hacen pensar en cuál debería obtener. Ese RS 2, aunque – hombre, oh hombre. Quiero uno de esos. Lástima que acabo de comprar una cámara con lo último de mi presupuesto de menos de $ 1000.

Cómo ILM combinó SFX, impresión 3D y efectos visuales modernos en The Mandalorian

El mandaloriano se convierte en un efecto especial probado y verdadero: modelos en miniatura hechos a mano. Así es como lo hicieron.

Si bien es probable que haya visto los cientos de artículos sobre cómo El volumen pionero de Mandalorian supera los límites de la captura de inicio frente a los decorados digitales en vivo, artistas de efectos especiales de toda la vida en Industrial Light and Magic (ILM) también recurrieron a algunos trucos de Star Wars de la vieja escuela.

Veamos cómo los genios creativos de ILM volvieron a los efectos especiales clásicos de Star Wars que hicieron que las películas originales fueran tan cautivadoras.

Construyendo la cresta de la navaja

La nave del Mandaloriano, la Razor Crest, fue inicialmente concebida y luego modelada en 3D.

Se imprimieron barcos pequeños para que los usara el equipo de producción no solo para finalizar el aspecto del barco, sino también para ayudar con cosas como determinar el tamaño y el diseño del barco en sí.

Esto se usaría no solo en VFX, sino también en el set donde se construirían partes del barco en el estudio.

Creador de series Jon Favreau y el director y amigo Guillermo Del Toro habían tenido una vez una conversación en la que Guillermo dijo en broma que si las películas que estaba haciendo creaban modelos, se las quedaría para mostrar en su casa.

Favreau recuerda:

Aprendí de Guillermo del Toro, si construyes una miniatura, puedes tenerla en tu casa como utilería… y cuando estábamos hablando, ¿qué tal si solo tienes una referencia de Razor Crest para parte de la iluminación?

Ese indicio de la idea evolucionaría a medida que el equipo creativo considerara tener una miniatura a escala de producción hecha para filmar secuencias.

En una entrevista con Adam Savage en Tested, modelo de ILM desde hace mucho tiempo John Goodson contó las muchas veces que había escuchado que una producción querría usar un modelo físico, a menudo hasta que los productores se dieron cuenta de lo caro que sería.

Hemos hablado de cosas así en el pasado y es una buena idea y a la gente le encanta, pero por lo general nunca despega. Así que pensé que este era otro de esos … genial, seguro, que simplemente se caerá por la espalda … Entonces lo estábamos haciendo y fue una especie de shock.

Se aprobó la fabricación de una miniatura lista para la cámara y el Director Creativo de ILM (y leyenda de la industria) John Knoll Me puse a trabajar planificando con el equipo.

Ensamblaje del modelo Razor Crest

Después de ver la cantidad de tomas necesarias y el tipo de tomas, la producción comenzó de inmediato tanto en un modelo físico en miniatura del barco como en un equipo de control de movimiento personalizado y una pista para capturar el metraje.

El modelo Razor Crest de dos pies de largo se imprimió pieza por pieza en una impresora 3D. Tan pronto como se completaron las piezas, se entregaron de inmediato a Goodson, quien estaba a cargo de ensamblar el modelo en cámara.

Las piezas impresas en 3D eran tan frágiles que no había forma de que resistieran en la construcción, y mucho menos en el set. La impresión estaba completamente ensamblada y luego John Goodson creó un molde de dos piezas a partir de esa impresión inicial.

A partir de ahí, la nave se terminó meticulosamente y se agregaron componentes electrónicos para efectos como los propulsores del motor.

Los fabricantes de modelos también tuvieron que tener en cuenta cómo se uniría el barco a los soportes y la plataforma de captura de movimiento para la filmación.

Agregamos compartimentos secretos en la parte delantera, trasera y lateral del barco para que pudieran lograr las muchas tomas que necesitaban capturar.

Disparar la cresta de la navaja en miniatura

Dato curioso: la miniatura en sí aún no estaba terminada cuando se necesitaba realizar la primera serie de disparos. Favreau quería provocar la serie y devolver la llamada a las técnicas clásicas de Star Wars al presentar una toma de la miniatura en acción durante Celebración de Star Wars.

Los fanáticos más acérrimos recibirían un adelanto de la producción de la serie, pero eso también significó que los plazos se aceleraron en cinco semanas.

La burla fue un gran éxito cuando se estrenó en vivo, tanto que los productores buscaron agregar tomas en miniatura adicionales a la serie.

Para capturar estas tomas, ILM CCO y VFX Supervisor John Knoll fabricaron una plataforma de captura de movimiento personalizada y un sistema de seguimiento en el garaje de su casa. Una Canon DSLR se instalaría en un sistema personalizado.

El modelo Razor Crest en sí también se colocaría en una “cuna” personalizada que permitiría al equipo filmar la nave no solo desde múltiples ángulos, sino que también les permitiría capturar los movimientos de la nave rodando.

Knoll no solo construyó el sistema, sino que también codificó todo el software necesario, confiando en un hardware de la vieja escuela para ayudar a controlar el sistema.

Aunque no se reveló oficialmente, Knoll se ha burlado de que desde entonces ha mejorado el sistema de control, lo que significa que es probable que los fanáticos vean más de la miniatura en acción en la segunda temporada de The Mandalorian.

Finalmente, mientras que los actores en el set de Volume se basaron en los nuevos fondos digitales que los rodeaban durante la filmación, Razor Crest obtuvo su propio escenario personalizado que el equipo apodó el “gazebo”.

Esta configuración de proyección clásica se utilizó para colocar reflejos auténticos en el exterior del Razor Crest. Esto les permitiría colocar el modelo en diferentes entornos para que la miniatura física se compilara maravillosamente en cualquier conjunto digital.

Si bien Favreau había mencionado anteriormente que el modelo ayudaría con la iluminación, no creo que hubiera imaginado cuán cierto era eso. Knoll incluso admitió que el equipo de efectos visuales se benefició enormemente porque podían hacer referencia a una nave real. Esto les permitió crear una nave digital aún mejor para la serie.

Para profundizar en este proyecto, mire este maravilloso documental detrás de escena de ILM.

Para una charla de modelos aún más profunda y nerviosismo sobre el sistema de cámara, consulte esta entrevista con Adam Savage en Tested, que presenta su conversación con John Knoll y John Goodson de ILM.

Todas las imágenes y metraje a través de Industrial Light and Magic / LucasFilm / Disney.

El triángulo retórico: uso de Pathos, Logos y Ethos en sus proyectos

Llevar a tu audiencia a una conclusión particular es un arte en sí mismo, un arte clásico, además. A continuación, le mostramos cómo comprender el patetismo, los logotipos y la ética mejorará sus proyectos de películas y videos.

El triángulo retórico une tres conceptos del mundo de la retórica clásica: patetismo, logos y ethos. Cada proyecto, ya sea creativo, corporativo o informativo, se basa en estos tres medios de persuasión para hacer su punto y llevar a la audiencia a una conclusión o serie de conclusiones. Esas conclusiones pueden ser algo como Siento así sobre esta historiao decide comprar este productoo creo que el alunizaje fue falso.

Incluso si no ha considerado estos conceptos en el desarrollo de sus proyectos de películas o videos, han estado ahí, acechando bajo la superficie y clasificando lo que ha estado haciendo.

La retórica, la disciplina donde encontramos estos medios de persuasión, es más interesante de lo que parece. Tomemos un momento para definir los términos y cómo funcionan, con algunos ejemplos en acción que han estado ante sus narices.


El triángulo retórico

Rami Malek en Mr.Robot

Los creadores detrás Señor robot usó ethos para llevar a los espectadores perspicaces a una conclusión “realista” o “creíble” sobre cómo estaban contando la historia, una clave para el éxito narrativo de historias de este tipo, manteniendo la código utilizado por los piratas informáticos a lo largo de la serie precisa. Esto crea confianza para los showrunners y despliega logotipos para mejorar la autoridad de la historia en sí (imagen a través de USA Network).

Primero, datos divertidos para su próxima cena: el triángulo retórico, o “apelaciones retóricas”, o “medios de persuasión”, o incluso “tetraedro retórico” (!), Proviene de Retórica, El famoso tratado de Aristóteles del siglo IV a. C. En él, establece algunas reglas básicas sobre el arte de la persuasión (retórica). Agregue gramática y lógica, y tendrá las tres artes antiguas del discurso, que guiaron el desarrollo de la ley, la política y la poesía griegas antiguas. La influencia de la ley, la política y la poesía griegas antiguas en el desarrollo de la civilización occidental es. . . bien . . . una publicación para otro momento.

Las tres “apelaciones” del triángulo retórico funcionan de forma independiente y al unísono para crear argumentos convincentes que llevarán al público a conclusiones particulares. El breve desglose es el siguiente:

  • Patetismo representa a su audiencia y el atractivo de su proyecto a sus emociones.
  • Logotipos representa su proyecto en sí mismo y el atractivo de su proyecto a la razón (cosas que tienen sentido).
  • Carácter distintivo lo representa a usted y a su credibilidad o confiabilidad como creador de un proyecto específico.
Sócrates con Bill & Ted de Bill & Ted's Excellent Adventure

Sócrates enseñó a Platón, quien enseñó a Aristóteles, quien nos dio los fundamentos de la retórica (y la necesidad de este post). Recopilar figuras históricas reales para su presentación en la escuela secundaria sería un excelente uso de la ética. Imagen vía La excelente aventura de Bill y Ted (Warner Bros.).

Entonces, el triángulo retórico se refiere a usted, su proyecto y su audiencia, y cómo toda la relación funciona o no. No creamos contenido en el vacío (el “tetraedro retórico” entra más en contexto, si quieres Leer), por lo que la forma en que escribimos guiones, creamos anuncios y aparecemos en las redes sociales es un intercambio constante que alterna lo que enfatizamos en qué punto de la experiencia del contenido.

Primero, echemos un vistazo al patetismo.


Patetismo

Pathos es manipulación de audiencia, pura y simplemente. Estás apelando a las emociones de las personas al presentar material que provocará reacciones emocionales particulares: miedo, tristeza, enojo, etc. El uso del patetismo en la creación de contenido depende de la capacidad de la audiencia para empatizar con tu mensaje, historia o anuncio. Uno de los ejemplos más claros de todos los tiempos es el famoso comercial ASPCA de Sarah McLachlan (que incluso ella no puede mirar).

Los animales tristes y temblorosos. Los inquietantes sonidos del piano. El deseo desesperado de atravesar la pantalla para dar algunos abrazos y tirones. Este es el patetismo en acción. El objetivo aquí es lograr que la gente concluir enviar dinero a la ASPCA. En realidad, Pathos no es la única herramienta en juego aquí, pero es tan evidente que es fácil de reconocer. Este video hace una pregunta simple: “¿Crees que los animales son lindos y desearías que no sufrieran?” Si la respuesta no es otra cosa que un rotundo ¡Si!, la contrapregunta del video es simplemente “¿Qué tipo de persona eres?”

El video te hace sentir triste, por lo que es atractivo para ti, la audiencia (¿ves cómo funciona?) Sentirse culpable, triste o enojado lo suficiente como para seguir la ecuación tácita de toda la experiencia: si nos das dinero, esto no sucederá. Y adivinen qué: funcionó. Esa campaña publicitaria recaudó $ 30,000,000 solo en los primeros dos años..

Atreyu y Artax en el pantano de la arena en La historia interminable

La escena en la que Atreyu pierde a su amado caballo Artax en el Pantano de la Tristeza sigue siendo una dosis sorprendentemente brutal de patetismo para generar empatía entre Atreyu y el público. Imagen vía La historia interminable (Warner Bros.).

Sin embargo, finalmente, la gravedad de esta apelación creó consecuencias no deseadas. La gente llegaba a un punto en el que simplemente no podía volver a ver el anuncio y silenciaba la televisión o cambiaba de canal. Seguro, te sentiste mal haciéndolo, pero no tanto como ver el comercial de nuevo. Es seguro decir que más del tiempo, después de abandonar el anuncio, no lo hizo regrese y concluya para enviar más efectivo. Fracaso tan retórico.

Entonces, la forma en que usas el patetismo para llevar a una audiencia a una conclusión particular necesita una mano firme y un poco de sutileza si quieres que funcione la mayor parte del tiempo para la mayoría de las personas. Facilite a su audiencia sus llamamientos emocionales. Incluso si su objetivo es simplemente “hacer que la gente piense que mi película tiene un final triste”, no los empuje por un precipicio emocional, a menos que esté listo para que lo llamen por manipulación emocional. Eso está bien porque estamos manipular las emociones, pero si está tratando de desarrollar una reputación como un cineasta hábil que comprende los matices de la condición humana y cómo capturarla con una cámara, tal vez no se limite a hacer películas sobre animales tristes.


Logotipos

Logos tiene que ver con la información. En la interacción del triángulo retórico, los logotipos son su proyecto en sí, específicamente cuánto (o qué tan poco) sentido hace. Números, datos y “hechos” (seamos flexibles con ese término por un minuto) son el nombre del juego. Si está escribiendo un anuncio para vender chicles y su guión incluye una línea como “Científicamente probado para fortalecer sus dientes”, entonces su atractivo lógico aquí es más fuerte que un guión que no tiene nada que decir sobre la ciencia. Ninguno de estos dos guiones es incorrecto o derecho; sin embargo, el que tiene Ciencias detrás está la creación de un atractivo lógico más convincente, que nos acerca un paso más a la conclusión que queremos: comprar chicle.

Stephen Colbert acuñó el término

Stephen Colbert famosamente nos introdujo a la mutabilidad de los hechos cuando se le ocurrió la “veracidad”. (Imagen a través de Comedy Central).

Los creadores de contenido se vuelven creativos con los “hechos” de una apelación lógica. Es fácil recortar algunos datos, dar forma a una cita o manipular la verdad para que diga lo que quiere en su proyecto. Su audiencia no siempre tendrá tiempo para verificar sus datos y validar sus hechos. (¿Cómo van a saber que pagó por el estudio que produjo la ciencia sobre dientes más fuertes?) Esto significa que hay espacio para. . . creatividad en cómo construyes el mundo en el que vive tu proyecto. Debería ¿Estás indiferente con tus hechos? Eso no nos corresponde a nosotros decirlo, pero definitivamente es una realidad del mundo creativo.

Es bastante fácil ver cómo esto podría aplicarse al escribir anuncios, crear documentales o dirigir un video corporativo, pero ¿qué pasa con el guión puramente narrativo? ¿Qué significa hablar de datos cuando hablamos de una película? Dejame darte un ejemplo.

La empresa de la línea de tiempo de Kelvin.

Miro el Enterprise desde la línea de tiempo Kelvin de 2009 Star Trek, y solo veo una nave espacial, pero no todos lo ven. . . (Imagen a través de Paramount).

Cuando la línea de tiempo de Kelvin Star Trek franquicia puesta en cola en 2009, estaba emocionado. Soy un gran admirador de Star Trek y no me preocupan las iteraciones. Quiero decir, creo que los klingon en Star Trek: la próxima generación se ve a años luz mejor de lo que vimos en la serie original. Creo que se ven aún más auténticos (sea lo que sea que eso signifique, son ficticios, pero un sentimiento de autenticidad es un logotipo en funcionamiento) en Star Trek: Descubrimiento. (Probablemente por eso ya no me invitan a ninguna fiesta de Star Trek). Entonces, ¿cuál es la comida para llevar? Soy un fanático de Star Trek bastante fácil de complacer.

Pero no todos lo son.

Un amigo mío, que posiblemente sea un fan mucho más grande que yo, fue furioso cuando 2009’s Star Trek salió a la luz. Odiaba absolutamente el diseño de la Enterprise. Lo miré y vi. . . una nave espacial. Lo miró y no pudo comprender adónde iría Ingeniería ni cómo encajaría. La autenticidad (los “hechos” de este barco) fue un brindis por él, por lo que no había ningún atractivo lógico. Y luego las cosas se pusieron raras con la física del transportador, y la construcción del mundo de esta película se vino abajo para él. La apelación a los logotipos no funcionó.

Apelación del Apolo 11 al Logos

Todo documental lleva a su audiencia a una conclusión u otra, a pesar del barniz periodístico. Los documentales están llenos de apelaciones a los logotipos, pero Apolo 11 lo lleva al siguiente nivel. Toda la película no es más que hechos y pruebas sin intrusión narrativa. (Imagen a través de CNN Films).

Por lo tanto, hay reglas que establece con su audiencia sobre la marcha, según el tipo de película que está haciendo, lo que la audiencia está acostumbrada a ver en este sentido y cuáles parecen ser las leyes que gobiernan el universo. Si viola estas reglas debido a una mala redacción o diseño de producción, será menos probable que lleve a su audiencia a la conclusión que desea, que probablemente sea algo parecido a Esta es una pelicula buena.


Carácter distintivo

Ethos es credibilidad. Es una razón por la que tu audiencia debería escuchar más bien que esa persona de ahí. Todo lo que demuestre (o parezca probar) que sabes lo que estás haciendo o de lo que estás hablando es una apelación a la ética. Es por eso que a los medicamentos o productos de venta libre les gusta contar con el respaldo de los médicos. Ellos son doctores, después de todo. Si no podemos confiar en ellos, ¿en quién podemos confiar? Lo mismo, extrañamente, se aplica a las celebridades. Muchas personas consideran que las celebridades son intrínsecamente más correctas o informadas sobre, bueno, cualquier cosa simplemente porque son famosas. Esta mentalidad sostiene que los famosos son mejores que los no famosos. Entonces, la idea es ser más como gente famosa.

Las celebridades crean un

Brad Pitt, Leonardo DiCaprio, Quentin Tarantinoy Margot Robbie son buenos ejemplos de celebridades de Hollywood de alto perfil que crean un “atractivo ético” cuando firman un proyecto. (Imagen vía IMDb.)

En el mundo del cine narrativo, esta es una buena razón por la que gastamos lo que gastamos en actores y directores famosos. Los estudios están presentando el argumento retórico de que deberíamos darles nuestro dinero para que vean lo último que han hecho. Por lo general, nos gusta aferrarnos a nuestro dinero y hay muchas películas entre las que elegir, así que aquí es donde ¿Por qué deberíamos escucharte? entra. Es un círculo que se perpetúa a sí mismo. Es probable que un director que haya hecho películas exitosas en el pasado vuelva a hacerlo, por lo que pagarles mucho dinero en efectivo para firmar un proyecto es una inversión digna para un estudio. Le da credibilidad al proyecto, por lo que ahora es más probable que los actores famosos se inscriban y es más probable que paguemos el dinero para ver la película porque ¡Guau, mira todo ese espíritu!

Pero es posible que no tenga el presupuesto para traer J.J. Abrams en tu proyecto de pasión. Hay otras formas de generar credibilidad. Es muy probable que tu audiencia no sepa nada sobre ti, tu equipo o el proyecto. Si están viendo tu película, es porque la comercializaste correctamente, alguien la recomendó o simplemente fue una mala suerte. En el último escenario, buena suerte, no hay mucho ethos que pueda hacer por ti aquí. En los dos primeros, sin embargo, su proyecto tiene una reputación que cumplir: la reputación que creó con sus avances, su campaña social e incluso el título que eligió. Si cumple lo que prometió, demostrando que sabe manejar una cámara, un equipo y un set, su audiencia desarrollará muchas razones para adjuntar el espíritu a su operación. La fotografía engañosa y los trucos geniales con la cámara son tentadores, pero si no llegan, tampoco lo hará tu película, y tendrás un problema de credibilidad, no una ventaja.

Asegúrese de dar a conocer los motivos por los que la gente vino a ver lo que hizo. Y si está en línea y ves un me gusta, una suscripción o un enlace, eso es el espíritu en acción.


Los tres en acción

Para completar este círculo, quiero volver al video de ASPCA con Sarah McLachlan. No es más fácil de ver ahora que hace dos minutos, pero adelante, pruébalo por el bien de la discusión. . .

Ahora, ya llamamos al uso del patetismo. Es deslumbrante, por lo que no es necesario volver al tema. Sin embargo, dije antes que aquí sucedía algo más que una simple apelación al patetismo, y ahora pueden ver de lo que estoy hablando. Sarah McLachlan es una celebridad muy reconocida y su música es ampliamente conocida. Al poner su música en capas como banda sonora y contratarla como portavoz, la ASPCA no solo trajo un atractivo ético inmediato a su campaña, sino que lo llevó a este video específico que presenta la música. Y si pudiste pasar con éxito esta vez (adelante, inténtalo de nuevo…), Habrás notado que incluso antes de que veamos a McLachlan o la escuchemos cantar una nota, recibimos una apelación a los logotipos con la información que “Cada hora, un animal es golpeado o maltratado”. Entonces alguien ha hecho una investigación. Más tarde, escuchamos que la contribución solo necesita ser de $ 18 por mes para salvar a un animal, lo que significa, nuevamente, que alguien hizo algunos cálculos y lo descubrió por nosotros.

Entonces vemos un combo de uno, dos, tres golpes en acción con este video, que le mostrará cómo diferentes proyectos necesitarán que sintonice esos tres diales de manera diferente. Los documentales serán un poco pesados ​​en los logotipos desde el principio, pero pueden mejorar el atractivo del espíritu con narradores reconocibles. Los videos de redes sociales no dejan mucho tiempo para apelar a los logotipos, así que concéntrate en el patetismo y la ética. Y si está haciendo un video de capacitación corporativo, ponga los tres en marcha: necesitará toda la ayuda que pueda obtener.


¿Busca más información sobre cómo crear proyectos de video exitosos? Consulte estos artículos.

Analizando el rol polifacético de un showrunner

Eche un vistazo al día a día del más importante showrunner de programas de transmisión o televisión. ¿Qué puede aprender de este rol multifacético?

A medida que la industria del cine y el video continúa encontrando formas de adaptarse a los cambios en los hábitos de la audiencia, la televisión y el contenido de transmisión por episodios se convierte en una opción cada vez más viable para los creadores de contenido que aspiran a tener éxito a largo plazo. ¿No me crees? Solo pregúntale a Disney.

Entonces, ¿cómo se entra en el mundo de la producción de televisión / streaming? Y, ¿cómo se ven esas producciones? La respuesta a muchas de sus preguntas en realidad depende de una persona importante: el todopoderoso showrunner.

La mayoría de nosotros podemos recitar una larga lista de nuestros directores, directores de fotografía y actores favoritos. Entonces, ¿por qué tan pocos de nosotros conocemos el nombre de la persona más importante detrás de nuestro título favorito de TV y transmisión?

El showrunner es el individuo (o individuos) clave responsable de casi todos los aspectos de su programa favorito, y comprender el puesto es fundamental para cualquier persona interesada en esta industria. Echemos un vistazo más de cerca a lo que se necesita para comenzar en el puesto y desglosar sus responsabilidades creativas y de gestión asociadas.


¿Qué es un showrunner?

Dado que el rol de showrunner es tan importante para un programa, pensaría que sería un término fácil de definir. Y, si bien el título de showrunner ha evolucionado a lo largo de los años y puede significar algo diferente según el área del mundo en la que esté trabajando, realmente se ha convertido en un término general para el productor líder de un programa.

De su Página de Wikipedia, un showrunner se define como la persona que “tiene la responsabilidad creativa y de gestión de la producción de una serie de televisión, mediante la combinación de las responsabilidades del empleador y, en comedias o dramas, normalmente también como creador de personajes, guionista principal y editor de guiones”.

Eso está muy bien, pero probablemente simplemente simplificaría la definición a “el productor líder en un programa que supervisa todos los elementos de la creación del proyecto, desde el lanzamiento inicial hasta las ediciones finales y el marketing”. Independientemente de su definición preferida, los roles y responsabilidades son bastante numerosos.


El papel y las responsabilidades

Showrunner Mike Judge con elenco de Silicon Valley

Showrunner experimentado Mike Judge ha ayudado a dar vida a muchos programas de televisión, incluido su más reciente Silicon Valley. Imagen vía HBO.

De hecho, tengo algo de experiencia de primera mano en este departamento, ya que fui showrunner (y creador, productor y director) de un programa de televisión en la escuela de cine. Si bien no se emitió en Netflix, sí se emitió en nuestra ciudad universitaria y ganó algunos premios Emmy para estudiantes. Lo más importante es que me enseñó bastante sobre la enorme cantidad de trabajo que recae en un showrunner para elegir un proyecto y llevarlo hasta el final.

Dividí los roles de un showrunner en cinco categorías: desarrollo, preproducción, producción, posproducción y marketing. Echemos un vistazo a cada uno.

  • Desarrollo: Si bien no siempre es el caso, la mayoría de las veces un showrunner es el que tiene la idea inicial o la inspiración para un programa y comienza el proceso de lanzarlo y desarrollarlo. Ya sea para los productores de Hollywood, los directores de estudios o la televisión local, el showrunner pasa meses, si no años, en el desarrollo solo para tratar de dar luz verde al concepto.
  • Preproducción: Una vez que se selecciona el proyecto para seguir adelante, el showrunner comienza a armar un equipo central, que incluye escritores, directores, elenco y equipo, y un grupo de compañeros productores que supervisarán todo, desde presupuestos hasta contratos, guiones y rodajes horarios.
  • Producción: Nuevamente, no todos los roles de showrunner serán iguales. Es posible que algunos no intervengan más en la producción real, pero hay muchos ejemplos de showrunners que también se desempeñan como directores o permanecen cerca del día a día de la producción. Con tanto invertido ya, un showrunner se asegura de que la producción transcurra de la manera más fluida y correcta posible.
  • Post-producción: Dependiendo de cómo se filme y se publique un programa, el proceso de posproducción podría superponerse con la producción. Esto requiere una mano firme, ya que el showrunner guía los episodios individuales hacia la transmisión / lanzamiento sin dejar de vigilar el resto de la temporada. Además, las tareas de posproducción de un showrunner implican la gestión de especialistas como editores narrativos y expertos en color mientras se mantienen al tanto de cosas como diseño de sonido y gráficos / VFX.
  • Márketing: Finalmente, el rol de un showrunner no termina una vez que un programa está en vivo. En cambio, adquiere una nueva vida propia, ya que un showrunner estaría muy interesado en asegurarse de que el programa sea revisado favorablemente y fuertemente comercializado para encontrar su audiencia. Desde campañas virales hasta anuncios de televisión, un showrunner trabajaría con su equipo de marketing para hacer todo lo posible para ayudar a que su programa despegue.

Showrunners famosos de tus programas favoritos

Cuando nos ven

Ava DuVernay es otro gran ejemplo de una showrunner que dejó el cine como la fuerza principal detrás de su programa. Cuando nos ven. Imagen vía Netflix.

Quizás la mejor manera de ilustrar quién es un showrunner y qué hace es mirar algunos ejemplos notables de algunos de sus programas y programas favoritos a lo largo de los años. Aquí, he incluido algunos de mis showrunners favoritos. Me parece fascinante ver cómo cada showrunner ha podido poner tanto de sí mismo en sus proyectos, y al mismo tiempo ayudar a un programa a prosperar por sí solo, creando su propia voz y estrellas posteriores.

Esta lista es un ejemplo sólido de las responsabilidades integrales de un showrunner, y muestra la diversidad de cada showrunner y sus proyectos específicos. Por ejemplo, mientras que Phoebe Waller-Bridge podría haber sido la creadora, escritora y estrella de Fleabag, Mike Judge permaneció un poco más detrás de escena en Silicon Valley por delegando responsabilidades a sus escritores, directores y equipo cuidadosamente seleccionados.


Lecciones sobre cómo empezar

Si desea conocer más a fondo la vida de un showrunner, consulte el video de arriba que presenta Hacerse malo showrunner Vince Gilligan. En el caso de Gilligan, su papel como showrunner cubrió todos los aspectos de la supervisión de la escritura, la dirección y la posproducción, lo que le permitió mantener su visión consistente en todos los aspectos del programa galardonado. Para aquellos interesados ​​en trabajar en esta industria o probar el showrunning, el mejor consejo es enfocarse en una de estas tres áreas: producir, escribir y / o dirigir.

Estas tres áreas son las más críticas para que un espectáculo despegue, y tener una sólida experiencia en al menos una de estas áreas sería su mejor opción. Si puede trabajar como productor y ayudar a otros programas a tener éxito, puede comenzar a presentar el suyo. Si puede trabajar en una sala de escritores, puede perfeccionar sus habilidades de escritura, experimentar con sus propios guiones y trabajar para avanzar hacia el papel de escritor principal. O, si desea enfocarse en la dirección, trabaje para dirigir un cortometraje, o incluso un largometraje, que obtenga algunos elogios y le proporcione algunas conexiones para que pueda empujar para dirigir su propio proyecto de varios episodios.

Independientemente de su trayectoria, comprender el papel del showrunner y seguir los ejemplos de algunos de sus favoritos es una forma inteligente de mantenerse conectado con esta industria en ciernes mientras navega por su carrera y desarrolla sus propios proyectos.


Para obtener más información sobre los roles y carreras de producción de películas y videos, dedique un tiempo a los siguientes recursos:


Imagen de portada con Bryan Cranston, Aaron Paul y el showrunner Vince Gilligan vía Agencia de fotografía Featureflash.

Cómo y por qué recorrer el equipo de video y cámara

Cambio de cámara a cámara. Marca a marca. ¿Es una maldición nauseabunda o simplemente un disfrute de la tecnología? Descubramos cómo elegir el equipo de video.

Si ha seguido este blog durante bastante tiempo, es posible que haya notado un tema común con respecto al equipo y las piezas de la cámara. A menudo, escribo desde la perspectiva de “un propietario de esta cámara” o “como alguien que ha tenido este objetivo”. Y esto se extiende a varias marcas y varios modelos durante los últimos diez años. Algunos pueden preguntarse: “¿Cuántas cámaras necesita este tipo?” Siendo realistas, debo admitir que tengo un caso leve de síndrome de adquisición de equipo. Tal vez.


Síndrome de adquisición de engranajes (G.A.S.)

Lentes de cámara

Las personas que constantemente compran o actualizan equipos en rápida sucesión se denominan personas con síndrome de adquisición de equipos. Imagen vía bioraven.

El síndrome de adquisición de engranajes es el término lúdico que se da en Internet a las personas que continuamente compran el último equipo en lugar de seguir con su sistema y dominarlo. Hay una asociación un tanto despectiva con el término. También se usa para describir a las personas que continuamente mejoran su equipo en rápida sucesión, con la esperanza de que también eleve su nivel de habilidad. Sin embargo, ¿puedes tener G.A.S. simplemente porque te gustan las cámaras y exploras lo que la próxima puede y no puede hacer? Creo que sí. Y, en defensa propia, debo afirmar que pasar del Sony A7R IV de $ 3,500 al Fuji X-T3 de $ 1,000 es lo opuesto a actualizar los sistemas, con la esperanza de aumentar la habilidad también.

Repasemos lo que he tenido en los últimos diez años.

  • 2010: Canon 550d
  • 2011: Canon 5D Mk II
  • 2012: Canon 5D Mk II, Red ONE MX, Nikon FM2 (película de 35 mm)
  • 2013: RED ONE MX, Nikon FM2
  • 2014: RED ONE MX, Nikon FM2
  • 2015: Lumix GH4
  • 2016: Lumix GH4
  • 2017: Lumix GH5, Ursa Mini 4.6k
  • 2018: URSA Mini 4.6k, Fuji X100F
  • 2019: Fuji X100F, BMPCC4k, Canon EOS 3 (película de 35 mm), Sony A7 III, Sony A7RIV
  • 2020: Sony A7RIV (ahora vendido), Fuji X-T3, Lumix S1H

Entonces, podemos ver, en la mayoría de las circunstancias no fue necesariamente una actualización directa o un caso de síndrome de adquisición de equipo. Estoy seguro de que muchos no considerarían la venta de una cámara de cine RED ONE MX para la GH4 de 8 bits como una actualización viable. Sin embargo, estaba intrigado por esta pequeña cámara, y la RED ONE se estaba volviendo demasiado engorrosa.

Hay dos cosas esenciales a tener en cuenta. A través de la mayor parte de esa lista, nunca estuve en una posición financiera para adquirir una cámara sin luego vender la primera. Por eso, un modelo solía abandonar el año siguiente a la adquisición. En segundo lugar, me gusta tener un video dedicado y una cámara fotográfica separada. Mi principal línea de ingresos es crear y escribir sobre películas y videos. Si tuviera que usar el híbrido para una caminata fotográfica informal y romper la cámara, estaría en problemas. Además, hay funciones cinematográficas que me gusta tener y que no se encuentran normalmente en las cámaras híbridas.

Con eso, analicemos algunos de los elementos de por qué he pasado por tanto equipo.


Los beneficios del ciclismo a través del equipo

La primera pregunta que puede surgir es: ¿Por qué no alquilar el equipo? Es una pregunta válida. Sin embargo, después de un corto período de tiempo, rápidamente comienza a costar mucho más cuando se alquila que cuando se vende. Compré el Sony A7 III por $ 2,000 en mayo de 2019. Cuando decidí comprar el Sony A7R IV, me separé del A7 III por $ 1,700 a mediados de noviembre. Una pérdida de $ 300, o desde un punto de vista diferente, un alquiler a $ 1,38 por día durante 217 días. A modo de comparación, simplemente alquilar la A7 III durante seis semanas (no puedo contratar por más tiempo) en una de las principales empresas de alquiler de cámaras británicas costaría 734 dólares.

Además, vivir con una cámara es inherentemente diferente a alquilar una cámara durante una semana o dos. A menudo encuentro que cuando tienes una cámara nueva solo por un período corto, nunca te sientes completamente cómodo con el (nuevo) sistema y todavía hay dolores de crecimiento. Solo después de unos meses de rodaje sólido se vuelve como tener un apéndice adicional.

Disparar con una cámara nueva

En realidad, poseer la cámara en lugar de alquilarla permite que su nivel de habilidad se acelere exponencialmente.

Un beneficio secundario del ciclismo a través del equipo es que se familiariza con las fortalezas y debilidades de cada fabricante. Como alguien que escribe reseñas, puedo decir que leer una reseña o ver un desglose de YouTube nunca es lo mismo que usar la cámara usted mismo durante unos meses. Una debilidad en el papel puede parecer un problema frecuente, pero en la mano, no es un gran problema.

La Blackmagic Pocket Cinema Camera 4K, por ejemplo, tiene una duración de batería terrible. En mi revisión, noté que una sola batería duraría alrededor de 40-50 minutos. Siendo realistas, eso no es ideal. En absoluto. Pero después de usar esa cámara durante casi dos años, simplemente no fue un problema dado que tengo tantos LP-E6 en mi cajón. En el extremo opuesto de esta escala, es posible que la potencia anunciada de la cámara no siempre sea ideal para su flujo de trabajo. El sensor de 61 MP del A7R IV produce archivos enormes (alrededor de 120 MB por foto RAW), y tratar de trabajar con estas fotos en Lightroom comenzó a convertirse en un dolor de cabeza después de varios meses de uso.

Comprar vs alquilar

Invierta en una cámara que se adapte a su flujo de trabajo particular.

Por supuesto, debe tenerse en cuenta que, aunque está ahorrando dinero con el alquiler de equipos, en última instancia, después de cada venta, tiene una pérdida neta. Y supongo que debo decir que, aunque me encanta adquirir la última tecnología, no es suficiente para ahorrar dinero. Del mismo modo, me gustaría tener una cámara en mi poder durante al menos dos años. En última instancia, a eso se reduce el ciclo: encontrar la cámara que se siente como una extremidad extra.

Mi cámara (fija) favorita que tenía / usaba era la Fuji X100F. Representaba las imágenes exactamente como las quería, la funcionalidad era asombrosa y la cámara era compacta y elegante. La única razón por la que lo vendí fue para hacer espacio para el Fuji X100V, pero luego COVID-19 se convirtió en un problema global. Sentí que comprar una cámara compacta para los días de ocio caminando por la costa era precisamente lo incorrecto para comprar en marzo. Luego, cuando el mundo de la producción se detuvo y se establecieron restricciones de viaje, pensé que sería prudente vender la configuración de Sony A7R IV para adquirir una red de seguridad antes de que se necesitara rápidamente. Sin embargo, ahora no tenía una cámara fija, y con mi amor por el sistema Fuji, decidí fusionar la intercambiabilidad del A7R IV con el sensor X100F que se encuentra en el X-T3. Y probablemente me quedaré con la serie X-T durante algún tiempo.


La mejor manera de recorrer el engranaje

Como se señaló, recorrer el equipo no es una empresa próspera, especialmente si se cambia a un fabricante completamente nuevo y desea cambiar las lentes en lugar de usar un adaptador de lentes. Sin embargo, si la próxima cámara puede conseguirle más trabajo de forma inherente, si bien el gasto de vender la cámara será negativo, en general, la inversión es una empresa que vale la pena.

El mercado de accesorios es un territorio hostil. Puede comprar una cámara nueva en una tienda minorista, tomar dos fotografías y la cámara ha perdido oficialmente su PVP completo. Esto es aún más frecuente para la gama de cámaras de $ 2000 a $ 3000. Hay varias cosas que puede hacer para mantener alto el precio posventa, como mantener la caja, los manuales y las fundas de plástico en las mejores condiciones posibles. Suena como una pequeña cosa, pero he descubierto que cuanto más cerca tiene el comprador de abrir una cámara nueva, más puede vender su cámara.


Nuevo modelo

Una cámara es una herramienta y una herramienta está destinada a ser utilizada. Con el uso continuo, finalmente habrá signos de desgaste. Si bien los gustos del desgaste en el caballete de un pintor o el bloc de notas de un poeta indican que se han utilizado ampliamente, querrá minimizar el desgaste si tiene la sensación de que luego venderá su cámara.

Para la práctica estándar, siempre tengo mis cámaras en una funda de cuero y coloco un protector de pantalla en la pantalla LCD para minimizar los golpes y rasguños.

Estuche de cuero Fuji

Un medio estuche de cuero, como el que protege mi Fuji X-T3, es perfecto para una capa de protección, sin interrumpir los botones operativos de la cámara.


Vender como acciones

El mercado de cámaras, hasta cierto punto, se puede comparar con el mercado de valores. Con el anuncio de un nuevo modelo, el modelo existente pierde instantáneamente parte de su valor posventa. Y, en la fecha de lanzamiento del nuevo modelo y todos los días posteriores, a medida que el mercado de accesorios se inunda con el modelo anterior de los vendedores que se han actualizado, el precio baja aún más.

Dependiendo del modelo que desee vender, querrá evitar esperar el anuncio de un nuevo modelo para maximizar su venta. Asegúrese de consultar los blogs periódicamente (como el nuestro) que informan sobre los rumores de la cámara. Si bien esto ocurre con poca frecuencia, a veces puede vender su cámara para obtener ganancias, si la oferta es baja y la demanda es alta. La BMPCC 4K se vendió por casi $ 500 más que RRP hasta casi seis meses después del lanzamiento. A juzgar por los anuncios recientes de eBay, el Lumix S5 está a punto de seguir sus pasos.


¿Vender por precio de mercado o tranquilidad?

A todos los efectos, a pesar de las numerosas estafas que han plagado a los vendedores de cámaras, todavía considero que eBay es un anfitrión viable para poner a la venta mi equipo de cámara, al menos aquí en el Reino Unido. Sin embargo, el pesimista que hay en mí a veces todavía se siente incómodo al enumerar artículos realmente valiosos. Por esa razón, comencé a usar MPB.com para cámaras extremadamente caras. MPB es una tienda de cámaras en línea que también compra equipos usados. Funciona de manera similar a intercambiar un juego en Gamespot. Sin embargo, la valoración de MPB también se basa en el estado del equipo de la cámara. Por supuesto, al igual que intercambiar un juego en Gamespot, está recibiendo un impacto en el valor de mercado real porque el minorista tiene la intención de obtener ganancias. Sin embargo, cuando vendo una cámara por $ 3500 y existe la posibilidad de que algo se salga del camino con la venta de eBay, personalmente prefiero tomar el golpe y tener la tranquilidad de vender en una tienda de cámaras.

Como contraargumento a esto, he vendido varias cámaras en eBay y declaro explícitamente en mi descripción “no nuevos compradores”. La primera señal de una estafa. Y, tres veces, un comprador ha comprado una cámara o un objetivo con una nueva cuenta y sin comentarios. De manera algo irracional, envié la cámara con la esperanza de estar protegido por la protección del vendedor de eBay si algo salía mal, y cada venta estuvo bien. Supongo que, en algún momento, alguien necesita crear una nueva cuenta.


A veces menos es más

Al principio del artículo, dije que mi cámara favorita era la Fuji X100F, pero se vendió para hacer espacio para el modelo más nuevo, sin embargo, la compra se suspendió debido al COVID-19.

A veces, encuentro que con las cámaras más ruidosas, que albergan características impresionantes y cuentan con tecnologías únicas, el tema de la fotografía y la realización de películas puede volverse demasiado clínico. Este es un componente potencialmente abrumador que necesita no ser víctima de adquirir continuamente equipo solo para la última tecnología.

La A7R IV se parece bastante a una cámara falsa de formato medio con el tamaño de su sensor, y tenía la intención de hacer un uso completo de ese sensor para capturar paisajes. Como tal, rápidamente me encontré abrumado con los elementos externos que necesitaba para tomar una fotografía satisfactoria en correlación con el precio pagado por ella. Esto incluyó varios filtros ND graduados, el portafiltros, un filtro polarizador, una caja de filtro y la lista continúa.

Con la X100F, la fotografía fue un proceso orgánico. Quizás podría argumentar incluso cerca de una película de 35 mm. Saque la cámara de su bolsillo, apunte y haga clic.

Fuji X100F

Invierta en equipo que le resulte funcional, en lugar de abrumador.

Esta es una de mis fotos favoritas tomadas con la X100F, mientras conducía a casa después de un fantástico día en la playa. En cuanto a los elementos técnicos de la foto, los reflejos alrededor del sol están ligeramente recortados y la velocidad de obturación fue más lenta que la del automóvil, lo que resultó en un primer plano borroso. Pero, en una sola imagen, capturó ese día. Siempre cementado en píxeles.

Si continuamente busca lo último en equipo debido al aumento del rendimiento tecnológico, recuerde que no siempre equivale a imágenes favoritas.


Pensamientos finales

Esta forma de adquisición de equipo no es del todo ideal, ni es práctica a largo plazo. Cabe señalar que, como escritor de tecnología, puedo estar en una mejor posición que otros; cuanta más tecnología de cámara consuma, más contenido puedo cubrir. Pero hay una serie de ventajas (como se indicó). Puede ser menos costoso que alquilar una cámara durante varias semanas, y realmente puede aprender lo que quiere de una cámara y en qué fabricante puede encontrarla. Por el contrario, nunca recuperará el gasto inicial y la venta El proceso puede ser nauseabundo cuando se separa de bienes de alto valor.

Siempre y cuando no esté comprando cámaras continuamente con la esperanza de que el próximo modelo mejore sus habilidades, no creo que haya nada intrínsecamente malo en recorrer el equipo de la cámara para ver qué funciona para usted.


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Pruebas comparativas informáticas gratuitas para editores de vídeo

Eche un vistazo a algunas pruebas comparativas de computadora gratuitas que son ideales para editores de video. Esto es invaluable para cuando construya su próxima computadora de edición de video.

Las pruebas comparativas pueden ser un gran recurso al crear una computadora nueva, o si tiene curiosidad por saber dónde se compara su sistema con otros del mercado. Las pruebas también pueden ayudarlo a identificar las áreas más débiles de su sistema que podrían necesitar una actualización.


¿Qué es una prueba de referencia?

En resumen, una prueba de referencia es una forma de probar el rendimiento de su computadora. Después de ejecutar una prueba comparativa, normalmente obtendrá un resultado de puntuación. A continuación, puede comparar su puntuación con otras puntuaciones del sistema. Las puntuaciones se combinan con las especificaciones del hardware. Esto le permite ver qué componentes de hardware funcionaron mejor directamente.

Pruebas comparativas del editor de vídeo: puntuaciones comparativas

Un ejemplo de prueba comparativa.

Hay muchas pruebas comparativas de computadora gratuitas disponibles, pero quería centrarme en algunas que creo que son más relevantes para los editores de video. Algunas de estas recomendaciones de prueba se trasladan a áreas como software y juegos 3D. Esto se debe a que los programas de edición de video a menudo requieren especificaciones de hardware similares en áreas como la CPU y la GPU.

Muy bien, ¡profundicemos en las pruebas!


Cinebench

Cinebench es una prueba de referencia de CPU fácil de usar de Maxon. La versión actual es Cinebench R20. Una vez que descargue e inicie la aplicación, puede ejecutar la prueba de CPU. Antes de ejecutar cualquier prueba comparativa, cierre todas las demás aplicaciones que tenga abiertas y deje la computadora inactiva mientras realiza la prueba.

Pruebas comparativas del editor de video: Cinebench

Con Cinebench, puede ver dónde se ubica su CPU en la lista.

Durante la prueba, verá Cinebench renderizar una escena de prueba de una habitación con una ventana. En el lado izquierdo de la interfaz, puede ver las especificaciones de su sistema y una placa de clasificación para las CPU. Una vez que se completa la prueba de referencia, puede ver dónde se ubica su CPU en la lista. Cinebench funciona tanto en Windows como en Mac.


Prueba de velocidad de Blackmagic RAW

Prueba de velocidad de Blackmagic RAW es una herramienta de evaluación comparativa que verifica la velocidad de la CPU y la GPU de una computadora utilizando material de archivo Blackmagic RAW. La prueba verificará varios tamaños de resolución de metraje en múltiples configuraciones de velocidad de bits RAW. Después de la prueba, verá una marca de verificación verde en varias resoluciones B-RAW que deberían funcionar en su sistema.

Pruebas de referencia del editor de video: prueba de velocidad RAW de Blackmagic

La prueba de velocidad de Blackmagic RAW comprueba la velocidad de la CPU y la GPU de su computadora.

Los resultados también muestran cuántos fotogramas por segundo puede decodificar su computadora en todas las resoluciones. La prueba de velocidad RAW de Blackmagic es un punto de referencia sólido porque toda la prueba se ejecuta en aproximadamente un minuto y prueba tanto la CPU como la GPU. La prueba se incluye al descargar DaVinci Resolvey funciona tanto en Windows como en Mac.


PugetBench

Sistemas Puget es una empresa de construcción de computadoras y está considerada como una de las mejores para construir computadoras de edición de video de alta gama. Crearon sus propias pruebas comparativas personalizadas para varios programas de edición de video populares. Consulte la lista completa de Pruebas comparativas del sistema Puget.

Pruebas de referencia del editor de vídeo: referencia de After Effects de Puget Systems

Deje su computadora inactiva mientras ejecuta sus pruebas comparativas.

Decidí revisar su prueba de referencia para After Effects. Una vez descargado, deberá instalarlo y configurar algunos ajustes. (El punto de referencia está empaquetado como un complemento de Adobe y debe instalarse antes de ejecutar la prueba).

En After Effects, una vez instalado el complemento, simplemente navegue hasta Ventana> Extensiones> PugetBench para After Effects. Esto iniciará la prueba de referencia y se ejecutará automáticamente a través de varias escenas de After Effects predefinidas. Es mejor dejar la computadora inactiva mientras realiza la prueba. Los puntos de referencia de Puget Systems pueden llevar un tiempo, así que no lo olvide. Por lo general, ejecuto cualquier prueba de PugetBench al final del día para que pueda tomar todo el tiempo que sea necesario.

Pruebas comparativas del editor de video: Puntaje de PugetBench

PugetBench es una de las pruebas de referencia mejor calificadas para la edición de video.

Una vez que se complete la prueba, verá su puntaje general y algunos puntajes de subcategoría. Los resultados se cargan automáticamente en línea, junto con las especificaciones del sistema. Luego puede comparar su puntaje con varios otros en el Base de datos de referencia de Puget Systems. Esto hace que sea realmente fácil ver qué sistemas funcionan mejor.

Si desea ver más, vea el video donde School of Motion se asoció con Puget Systems para construir el “La computadora más rápida del mundo para After Effects. “


Benchmark AE

Hablando de pruebas comparativas para After Effects, Complementar todo recién anunciado Benchmark AE. AE Benchmark probará el rendimiento de un solo hilo de la CPU, el rendimiento de múltiples hilos de la CPU y la GPU. (La velocidad del disco también influye, ya que cada fotograma renderizado se guardará en el disco antes de que comience a renderizarse el siguiente fotograma).

Cuando se completa el punto de referencia, puede ver su puntuación y comparar sus resultados con otros usuarios en el sitio web de AE ​​Benchmark. Se estima que AE Benchmark solo toma unos tres minutos, lo que lo convierte en una opción de referencia increíblemente rápida.


Benchmark de Unigine

Finalmente, las pruebas comparativas más divertidas son las de Unigine, que son esencialmente como jugar a un videojuego. Las pruebas verificarán el rendimiento y la estabilidad del hardware, como: tarjeta de video, fuente de alimentación y sistema de enfriamiento. También obtendrá lecturas en tiempo real de aspectos como la velocidad de fotogramas y la utilización de la GPU.

La última prueba comparativa de Unigine se llama Superposición, que se lanzó en 2017 y funciona en Windows y Linux. Si está en una Mac, puede descargar su Valle prueba de referencia de 2013, que se ejecuta en Mac, Windows y Linux. Ambos puntos de referencia son experiencias divertidas.

Pruebas comparativas del editor de vídeo: Puntuación comparativa de Unigine

La superposición le brinda lecturas en tiempo real del rendimiento de su computadora.

Una vez que haya descargado la prueba de referencia de Unigine que desea probar, todo lo que necesita hacer es ejecutar el instalador. Una vez que se complete, puede iniciar la aplicación como cualquier otro programa. Desde allí, puede configurar sus ajustes y ejecutar la prueba de referencia.


Para obtener más consejos, trucos y guías inspiradores, consulte estos artículos:

Más de 400 activos gratuitos y de pago con temática de Halloween para su próxima película de terror

¿Listo para empezar a rodar tu propia película de terror? Aquí hay más de 400 recursos con temas de terror que agregarán emoción y escalofríos al proyecto.

Durante los últimos dos años, hemos escrito y creado una enorme cantidad de contenido sobre Halloween y cine con temática de terror. Asi que me imagine: ¿Por qué no redondearlo todo y desglosar todos los elementos y conocimientos que hemos publicado sobre la creación de su propia película de terror? Entonces, para comenzar, hablemos un poco sobre el género de terror y lo que implica crear algo que provoque los sustos.


Desglose por género de terror

Desglose del género de terror

El género de terror se puede dividir en varios subgéneros. Imagen vía Imagen diez / Kobal / Shutterstock.

Como cualquier genero, horror se puede dividir en diferentes subgéneros. El terror se trata de asustar a tu audiencia, pero hay diferentes formas de asustar a tu audiencia. Es importante conocer estas diferencias para que pueda incluirlas, excluirlas o elegir ignorarlas por completo al escribir su próxima obra maestra. Entonces, ¡hablemos de los subgéneros!

  • Slasher: Pensar John CarpenterS Víspera de Todos los Santos como el slasher que inspiró a un millón de slashers. La idea es simple: un asesino en serie mata a todos en su camino mientras intenta llegar al héroe de la película.
  • Zombi: Esto se explica por sí mismo, pero el terror zombie es posiblemente el subgénero de terror más amado. Si está buscando una inspiración realmente increíble y de bajo presupuesto, no busque más George A. RomeroS Noche de los muertos vivientes (1968).
  • Gente: Este subgénero presenta la exploración de regiones rurales naturales y horrores históricos. ¡Piensa en el folclore! De hecho, creamos un guía completa para este subgénero! Para ver algunos ejemplos recientes, consulte Ari AsterS Midsommar o el original Hombre de mimbre.
  • Cuerpo: Es hora de ponerse raro. El horror corporal pone un espejo a la audiencia, ya que nos vemos obligados a examinar qué puede salir mal con nuestros cuerpos. A menudo hay monstruos, criaturas y posesiones en estas películas. Para ver buenos ejemplos de horror corporal, consulte La mosca, Extraterrestre (si, ¡Es horror corporal!), o Videodrome.
  • Metraje encontrado: Este se explica por sí mismo. Hecho famoso por El proyecto de la bruja de Blair, este subgénero a menudo tiene los personajes de la película sosteniendo la cámara, contando la historia ellos mismos. Personalmente, considero que estas películas son las más aterradoras de todos los subgéneros y ni siquiera puedo explicar por qué.

Ahora que conocemos los conceptos básicos de lo que pueden ser las películas de terror, veamos algunos recursos gratuitos para que los uses y que amplificarán el terror en tu propia película de terror.


Superposiciones de niebla misteriosas GRATIS

DESCARGAR SUPERPOSICIONES DE NIEBLA GRATIS

La niebla es una herramienta polifacética para los cineastas. Puede agregar misterio y terror a una escena, agregar tristeza a un drama o simplemente aumentar el valor de producción de su rodaje. Al hacer una película de terror, la niebla crea un sentimiento ominoso en la audiencia, ya que invoca el mayor miedo de todos: el miedo a lo desconocido. Este paquete de superposición gratuito es muy fácil de usar, así que téngalo en cuenta al disparar y combine la configuración de iluminación con un entorno amigable con la niebla.


Paquete de luz volumétrica / antipolvo GRATIS

Superposiciones de niebla

Agregue un ambiente siniestro a su proyecto con algunas superposiciones de niebla y luz volumétrica. Imagen vía Ojo brillante.

Descargar paquete de luz volumétrica

En la misma línea que las superposiciones de niebla, la luz volumétrica puede agregar un peso ominoso y desconocido a su escena. Piense en un personaje que camina por una casa vieja mientras el asesino acecha cerca. Tener superposiciones volumétricas de luz y polvo en la escena puede hacer que la casa parezca que ha estado vacía durante mucho tiempo, ya que el polvo flota en el aire.

Estos elementos funcionan en Premiere Pro, After Effects, FCPX y la mayoría de los demás NLE. Son gratis, así que puedes agregarlos, jugar con ellos para ver si encajan en la escena. ¿Si no lo hacen? ¡Sácalos!


Paquete de sangre Carnage

¡Horror significa sangre! Quiero decir, no siempre significa sangre, pero lo más probable es que necesite un poco de sangre falsa en alguna parte de su película. Ya sean apuñalamientos, disparos o matanzas de monstruos, hay formas de evitar tener que gastar tu presupuesto en explosiones y efectos prácticos que arruinaste por una razón u otra. Este paquete le permite lanzar los clips y la composición en las tomas sin problemas. Si necesita un tutorial sobre cómo agregar estos activos a su flujo de trabajo, haga clic en el enlace a continuación.

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La banda sonora de una película de terror es tan importante como las imágenes (si no más). Controlar el nivel de terror de una audiencia se hace infinitamente más fácil cuando tienes un paisaje sonoro aterrador con el que trabajar, ya que se construye y aumenta en los momentos en que lo necesitas. Piense en estos sonidos como una guía para su audiencia sobre cómo sentirse.


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La enorme selección de temas de terror de PremiumBeat va desde lo tradicional a lo extraño. Imagen vía Ironika.

Si opta por un enfoque de partitura más tradicional, tenemos una selección gigante de pistas libres de regalías inspiradas en el terror / Halloween que puede usar en su película. Tenemos listas de reproducción que van desde sonidos tradicionales con muchas cuerdas hasta más Cosas extrañas-y pistas inspiradas en sintetizadores.


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La acción es un elemento esencial en casi todos los géneros cinematográficos.

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Un elemento de horror que siento que se pasa por alto es el elemento de acción. El género en sí requiere una cierta cantidad de acción: los personajes mueren, matan y / o huyen de algo que intenta matarlos. Ya sea que esté haciendo una película de slasher o zombie, necesitará chispas, impactos, polvo y efectos de humo en algún momento. Es posible que solo necesite uno o dos elementos, ya que generalmente hay un número limitado de momentos de acción en el horror, pero es importante hacerlos lo más creíbles posible para atraer realmente a su audiencia.


Cómo agregar efectos prácticos

¡Alejémonos de los activos de posproducción y entremos en efectos prácticos! Robbie Janney hizo este ridículo tutorial el año pasado para demostrar lo fácil que es crear accesorios corporales para tu próxima escena sangrienta. Los ingredientes son súper simples: agregue el polvo de moldeo de alginato y agua. A partir de ahí, debes pintar la parte del cuerpo (en este caso, creó una mano), para que reproduzca la parte del propio cuerpo del actor. Además, Robbie demuestra cómo crear sangre falsa, así como tripas falsas. ¡Es muy divertido y barato! Si estás haciendo una película de zombies, este tutorial es para ti.


El mejor tutorial sobre realización de películas de terror

Ahora, simplemente no pude no incluir este video. David F. Sandberg podría ser mi YouTuber favorito de todos los tiempos. El chico no solo camina por el camino (dirigiendo grandes películas como Shazam y Apagar las luces), pero obtiene lo que se supone que es YouTube. Sus cortometrajes (publicados en su canal) están increíblemente bien hechos y son efectivos. Sin embargo, siempre los sigue con un desglose de cómo hacerlo y son todo lo que usted quisiera que fueran, y más. Si estás interesado en hacer una buena película de terror, mira sus videos, inspírate, luego toma lo que aprendiste y aplícalo a tu propia historia.


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Cómo los editores son los verdaderos guardianes de la narración

Una mirada a cómo los editores pueden cambiar la forma en que piensan los directores y, en última instancia, pueden ser la brillantez detrás de una historia poderosa en la pantalla.

Hablando como un cineasta que también edita, tengo que decir: me encanta editar un 1,000% más que la producción real. Y no es por las razones que podría pensar. Realmente me gusta estar en un set de filmación. Me gustan los esfuerzos colaborativos de un equipo para estudiar, explorar y realizar la toma perfecta. Me gustan los desafíos matizados de la iluminación y el sonido. Sin embargo, todo, y me refiero a todo, depende del proceso de postproducción.

Como dicen en la industria, ahí es donde ocurre la verdadera magia. Me gusta más porque es donde tienes más control. Tienes la oportunidad de decidir exactamente dónde comienza y termina cada escena. Tú decides el orden de los momentos y cuándo la audiencia experimentará las mejores partes de tu proyecto.

La edición también es fascinante por lo mucho que ha dado forma a algunas de nuestras películas favoritas. Es una subestimación enorme decir que no valoramos a los editores al mismo nivel que a los directores. Pero, por cada Quentin Tarantino, Francis Ford Coppolay Martin Scorsese, hay editores igualmente importantes: Sally Menke, Walter Murchy Thelma Schoonmaker – detrás de escena haciendo un trabajo crítico.

Tomando lecciones de algunos de los editores de películas más famosos de la industria, artistas que han ayudado a dar forma a las narrativas y cincelar las estructuras de algunos de los clásicos del cine más famosos, exploremos cómo los editores son realmente los guardianes de la narración.


Los héroes silenciosos del cine

Editora Sally Menke

La editora Sally Menke fue colaboradora de Quentin Tarantino desde hace mucho tiempo. Imagen vía IMDb.

Creo que los editores juegan un papel importante con los directores al brindarles apoyo, haciéndoles sentir que pueden ver algo que puede tener problemas o problemas y sentirse lo suficientemente cómodos para que puedan abordar esos problemas.

Sally Menke, quien falleció trágicamente demasiado joven, se desempeñó como editora inquebrantable y colaboradora de Quentin Tarantino. Ella describió a los editores como “los héroes silenciosos de las películas” para las relaciones importantes, y a menudo privadas e íntimas, que los editores tienen con los directores al dar forma a la visión general de un proyecto.

De hecho, Tarantino describiría el papel de Menke como algo más que una mente colaborativa para decidir dónde y cuándo cortar escenas. En cambio, comparó el papel de Menke con el de un criador mucho más importante, que estaba allí para ayudarlo a guiarlo a través del difícil proceso que es la edición de películas.

Frente a los plazos, la intromisión del estudio y los comentarios de la audiencia, tener un editor fuerte pero comprensivo como Menke fue una de las muchas razones por las que la carrera de Tarantino pudo despegar, y Menke se convertiría en uno de los editores más solicitados en el mundo. industria.


Provocar cosas e impulsar ideas

Editor Walter Murch

El editor Walter Murch cree que el trabajo del editor es desafiar al director. Imagen vía IMDb.

Cada director es muy diferente. Todos tienen un modus operandi diferente. Uno de los trabajos del editor de películas es provocar cosas. “¿Qué tal esto? Si tiene un problema, ¿podría funcionar? ” O, cuando algo es ambiguo en el guión e incluso en la dirección, dices: “Podría ser esto”.

Cuando se trata de editores de películas famosos, Walter Murch podría considerarse el estándar de oro por su trabajo en películas como Apocalipsis ahora, El Paciente Inglésy El padrino yo, IIy III. También ganó tres premios de la Academia y fue llamado “el editor de películas y diseñador de sonido más respetado del cine moderno” por nada menos que Roger Ebert.

Sin embargo, por famoso que sea, por sus propias admisiones en una entrevista con Indiewire, un buen editor es tan bueno como su socio director de cine. Y, en el caso de Murch, se necesita un tipo muy específico de asociación que invita a la reflexión, a veces incluso enérgica. Dice que es trabajo de un editor “obtener una reacción del director” para iniciar un diálogo que conduzca a algo “mejor de lo que cualquiera de nosotros podría haber ideado individualmente”.

También habla de cómo un editor no debería simplemente abandonar sus ideas. En cambio, deberían usar su papel de guardianes de la historia como una forma de desafiar a los directores cuando sea necesario.


La edición como forma de escritura

Editor Dede Allen

Editor Dede Allen comparó su papel con el de una escritora. Imagen vía IFC.

Editar es como escribir con planos. Y los escritores son personas que cambian sus ideas todo el tiempo. Las ideas evolucionan. No están sujetos a una fórmula.

Uno de mis apodos favoritos para una de las editoras de cine más prolíficas de su tiempo, Dede Allen, es su título no oficial como “doctora en edición de películas”, ya que era conocida por su capacidad para realizar milagros en proyectos desafiantes impulsados ​​por el autor, en veces, salvándolos de sí mismos.

También fue una colaboradora apasionada y comparó su propio trabajo como editora menos como costurera y más como escritora, no atada por fórmulas o procedimientos correctos, sino como alguien que podía trabajar de forma libre y con expresión.

En un entrevista con su colega editor de películas Mia Goldman, quien le recordaría a Allen que ella misma había citado a Miguel Ángel, quien dijo la famosa frase: “Para hacer a David, corté todo lo que no era David”, Allen explicaba cómo un buen editor de cine realmente debería verse a sí mismo como un artista capaz . Ya sea que sea escultor, escritor, médico o editor de películas, se necesita un buen ojo para el arte y dejar que sus ideas evolucionen a medida que trabaja.


La importancia de la objetividad

Editor Akira Kurosawa

Editor convertido en director Akira Kurosawa comprendió la importancia de la visión de una película. Imagen vía IMDb.

El requisito más importante para la edición es la objetividad. No importa cuánta dificultad haya tenido para obtener una toma en particular, la audiencia nunca lo sabrá. Si no es interesante, simplemente no es interesante. Es posible que haya estado lleno de entusiasmo durante la filmación de una toma en particular, pero si ese entusiasmo no se muestra en la pantalla, debe ser lo suficientemente objetivo como para cortarlo.

Si bien la mayoría de las películas convencionales funcionan dentro de los límites estructurados de escritores, directores y editores separados, hay muchos ejemplos a lo largo de la historia del cine de autores astutos que están tan dedicados y enfocados en el oficio del cine que ellos mismos realizan cada papel del proceso. . Uno de los autores más famosos de todos los tiempos es el clásico cineasta japonés. Akira Kurosawa, quien frecuentemente editaba sus propias películas como una forma de asegurar un control total.

Sin embargo, en entrevistas, Kurosawa ha demostrado que incluso él no es inmune a estudiar la relación única entre director y editor y cómo su mente de editor debe alejarse de la visión de su director. Se necesita la misma mentalidad de guardián para entrar en una edición con una pizarra limpia y objetiva. Solo porque algo funcionó en el set o es parte de una parte específica de una visión general, si no muestra entusiasmo en la pantalla durante la edición, entonces debes tomar la difícil decisión de cortar cuando sea necesario cortar.


Construye el misterio de la película

Editora Thelma Schoonmaker

La editora Thelma Schoonmaker cree en el misterio, el ritmo y el drama necesarios para dar vida a una historia. Imagen vía taniavolobueva.

Hay una gran cantidad de misterio en la edición de películas, y eso se debe a que se supone que no debes ver mucho. Se supone que debes sentir que una película tiene ritmo, ritmo y dramatismo, pero no necesariamente debes preocuparte por cómo se logró eso.

Si vamos a utilizar una relación de editor y director para explorar verdaderamente la dinámica del visionario y el guardián, no necesitamos buscar más allá de la asociación entre el director Martin Scorsese y la editora Thelma Schoonmaker.

A lo largo de cincuenta años y veintitrés colaboraciones en largometrajes (además de ocho nominaciones al Oscar y tres victorias para Schoonmaker), el dúo ejemplifica mejor lo importante que es una sólida asociación entre director y editor para sacar lo mejor de cada persona. – y el proyecto en general.

Schoonmaker es tan influyente como parece. Su propia sensibilidad sobre cómo la edición de películas es una parte importante de la narración cinematográfica es bastante fascinante de estudiar. En un entrevista con el comentario de la película, Schoonmaker habla sobre la importancia del misterio y cómo la edición puede crear el ritmo y el drama tan importantes que se necesitan para darle vida a una historia. También continúa describiendo su relación de trabajo desde hace mucho tiempo con Scorsese y cómo ha desarrollado su comprensión de lo que realmente es una gran edición de películas.


Al final del día, la conclusión principal es la siguiente: si bien se necesita una fuerte visión de dirección para llevar una historia a la producción, a menudo se necesita un guardián de edición aún más fuerte para dar vida a esa historia en colaboración para el producto final.

Para obtener más información sobre el historial de edición de videos, consejos y trucos, consulte los siguientes recursos:


Imagen de portada de Gennadiy Titkov.