¿Cómo transmitimos una emoción o sentimiento de un personaje sin cambiar el estado de ánimo general de la escena? ¡Algo de luz sutil en los ojos puede ayudar!
La descripción visual de una emoción en una imagen o escena a menudo puede ser de varias capas; tendemos a usar longitud focal, movimiento de cámara, colore iluminación para comunicar y enfatizar cómo queremos que nuestra audiencia interprete los sentimientos en una escena, o las emociones de nuestro personaje dentro de esa escena.
Generalmente, cuando usamos iluminación, podemos usar la luz para crear un estado de ánimo general. Pero podemos profundizar un poco más y usar algo tan sutil como focos de luz en el ojo para representar mejor cómo se siente nuestro personaje en un primer plano, o cómo es percibido.
Sin luz ocular
Aquí, nuestro sujeto está envuelto en la oscuridad; apenas podemos distinguir los rasgos de su rostro.
Esto se iluminó desde arriba, con nuestro sujeto sentado justo delante de la luz para crear una sombra en la cara. También tuvimos otra luz que rebotaba desde el techo para rellenar las sombras en el frente, solo un poco; puedes ver los ojos y se ven sin vida.
Dado que no hay focos en los ojos, es difícil sentir alguna emoción de nuestro sujeto, y es posible que debamos interpretarla nosotros mismos a través de la música o el contexto que rodea la escena. La falta de reflectores podría sugerir muchas cosas: falta de familiaridad, vacío, peligro, una sensación de misterio o ambigüedad.
Pequeño ojo de luz central
Añadamos un foco de luz a los ojos mientras tratamos de no cambiar demasiado la exposición en la cara.
Hicimos esto colocando un pequeño panel LED de bolsillo justo encima de nuestra cámara, con el brillo del LED de bolsillo hacia abajo.
En comparación con el escenario sin reflectores, ahora estamos obteniendo más sentimientos de nuestro personaje, solo de sus ojos. Dado que la fuente de luz es pequeña, los reflectores son pequeños y la posición de la luz junto a la cámara coloca los reflectores bastante centrados en los ojos. Es directo, y podemos sentir esta franqueza de nuestro carácter. Casi se siente agresivo.
Luz ocular pequeña y alta
¿Qué pasa si movemos nuestro reflector un poco más arriba?
Encendimos nuestro LED de bolsillo justo por encima y en frente de nuestro sujeto para lograr esto.
Comparado con los reflectores anteriores, todavía se siente como si nuestro personaje viniera de un lugar fuerte, pero tal vez algo menos agresivo. Esto podría sentirse tranquilizador en la situación correcta, como fuerza en la oscuridad.
Puedes ver cómo cambiar la ubicación del reflector ha cambiado nuestros sentimientos hacia el personaje.
Luz ocular pequeña y baja
Bajemos el reflector a la parte inferior del ojo.
Para esta configuración, colocamos nuestro LED de bolsillo en el piso debajo de nuestro sujeto.
En comparación con nuestro escenario anterior de reflectores, hemos recuperado esa sensación agresiva de los reflectores ubicados en el centro. Aún así, colocarlos en una posición antinatural hacia la parte inferior del ojo ahora se siente mucho menos como una agresión humana y algo más desprovisto de humanidad. Se ve un poco más aterrador.
Observe cómo el simple hecho de cambiar la posición de nuestros reflectores cambia nuestra percepción del personaje. Aunque nuestra iluminación general sigue siendo similar entre cada toma, la sensación de la imagen cambia.
Luz ocular grande y baja
Incluso podemos experimentar cambiando el tamaño del reflector del ojo.
Aquí, colocamos un material de muselina blanqueada en el suelo frente a nuestro sujeto para que se refleje en la parte inferior de los ojos.
En comparación con la fuente menor, hemos introducido un poco más de luz en la cara, pero eso no es lo único que ha cambiado.
Los reflectores más grandes traen más emoción a los ojos, y aunque nuestro personaje todavía parece un poco enojado, también parece más decidido, más humano.
Luz ocular grande y alta
Muevamos estos reflectores más grandes a la parte superior de los ojos.
Hicimos explotar un octabox cuadriculado grande sobre nuestro sujeto para lograr esto.
En comparación con nuestros reflectores más pequeños en la parte superior de los ojos, tenemos una apariencia general más suave en la cara de nuestro personaje. Esto no es solo porque la luz al principio es ligeramente diferente.
Si nos enfocamos en cómo se sienten los ojos, podríamos obtener una sensación un poco más suave de nuestro personaje con focos más grandes. No se siente tan fuerte, hay una sensación de vulnerabilidad.
Los reflectores a menudo pueden pasarse por alto, o simplemente usarse como una forma práctica de iluminar los ojos. Pero también pueden funcionar como una herramienta sutil para crear y exagerar sentimientos y emociones en tu personaje e imagen, estableciendo el tono de las ideas contenidas en la escena que tu audiencia puede captar de una manera más subconsciente.
Para obtener más inspiración sobre iluminación y cinematografía, visite las publicaciones de blog a continuación.
Cuéntanos qué quieres lograr. Queremos saber. Creemos que el éxito consiste en tomarse el tiempo necesario para entender los objetivos de su negocio antes de lanzar cualquier proyecto.
Entendemos que no todos los proyectos y propiedades son iguales y que una plantilla estándar no siempre funcionará para usted.
Ofrecemos servicios de fotografía con drones a nivel nacional y brindamos consistencia y confiabilidad profesional para su marca.
Nuestra escala es lo suficientemente grande como para permitir tiempos de respuesta rápidos y eliminar todas y cada una de las tarifas o gastos de viaje que, de otro modo, podrían asumir los clientes.
Alquiler drone precio, ¿ Cuanto cuesta un alquiler de drone en colombia?
Tal vez le hayas echado el ojo a una marca de drones y te gustaría probarla antes de decidirte a comprarla. Después de todo, qué mejor manera de saber si está obteniendo valor por su dinero que probar el producto.
En promedio, alquilar un dron cuesta entre $250.000 y $750.000 por día u hora de trabajo en colombia, dependiendo de cuantas baterias se usen, lo lejos que se encuentre el servicio, cantidad de fotos ó videos a registrar, por el desgaste del obturador de la cámara. además el precio podría variar aún mas si el drone cuanta con alguna poliza contra terceros.
Luego vendrían costos de postproducción del servicio, si necesitan el video editado ó las fotografías retocadas.
Es posible que sea nuevo en el mundo de los drones y planee sumergirse primero para ver si realmente le gustará volar drones antes de decidir apretar el gatillo y comprar uno.
O tal vez solo necesite drones adicionales para su proyecto.
Sea lo que sea, en este artículo entraremos en detalle sobre los costos de alquiler de drones y los factores en juego.
¿Se puede alquilar un dron?
Probablemente te estés preguntando si es posible alquilar un dron en primer lugar. La respuesta corta es sí, pero hay más.
En colombia generalmente el alquiler de un drone, generalmente se hace junto con el alquiler del piloto, ya que para volar un drone se necesita experiencia, y capacitación constante y mejor aún si el piloto de drone está certificado ante la aeronautica civil.
Absolutamente puedes alquilar un dron. Sin embargo, volarlo es una cuestión diferente, depende de si el dron está registrado, si realmente puede volar drones en su área y el tipo de vuelo que va a realizar.
Por ejemplo, un dron debe estar absolutamente registrado ante la aeronautica civil de colombia, Y además, el número de registro debe mostrarse en el exterior del dron.
Debe asegurarse de que el número de registro esté etiquetado en el dron antes de alquilarlo, porque si algo sucediera, usted sería el culpable, no el propietario del dron.
He profundizado en las leyes de drones en este artículo , pero básicamente hay dos cosas que debes tener en cuenta:
El dron que estás alquilando debe estar registrado, con su número de registro mostrado/escrito en el exterior.
Si desea volar comercialmente, es decir, recibir dinero por su vuelo con drones, debe estar certificado (más sobre esto en mi artículo sobre las leyes de drones en tu país .).
Ahora que hemos analizado los aspectos técnicos de alquilar un dron, ¿cuánto cuesta realmente?
La mayoría de estos precios han sido analizados con los de drones DJI, que son drones de uso profesional, aunque tenemos otras marcas de drones profesionales como lo son Autel, Parrot, Syma, Potensic, Eachine, Xiaomi, entro otras marcas.
También debe tener en cuenta que hay drones que cuestan hasta $ 3 millones de pesos/ día para alquilar del drone, si no más. No los incluí en mis cálculos, ya que generalmente están reservados para profesionales de inspección o realización de películas.
Generalmente son drones con tecnología Lidar, para agricultura, labores topográficas entre otras.
¿Cómo funciona el alquiler de drones?
Debería ser simple, pague a la compañía de drones o al propietario sus cuotas por adelantado y tendrá un dron por un par de días… Excepto que en realidad no es tan simple.
NO hay empresas de alquiler de drones que entreguen sus drones sin algunas garantías y sin verificar sus antecedentes. Cubriremos dichas empresas en la siguiente sección…
Pero primero, veamos las cosas que debe tener en cuenta al alquilar un dron.
Duración del alquiler del drone
Casi nunca es una buena idea alquilar un dron solo por unos días. A menos que el dinero no sea un problema para usted, alquilar por semanas en lugar de días suele ser la mejor opción, desde el punto de vista financiero.
Por ejemplo, la mayoría de empresas de alquiler de drones tendrán el mismo precio por semana (7 días) que por 2 o 3 días de alquiler.
Responsabilidad
Tenga en cuenta que será responsable de cualquier daño que le suceda al dron, intencional o no intencional. Algunas compañías le darán la opción de pagar extra y estar libre de responsabilidad, hasta cierto punto.
Sin embargo, la mayoría no lo hará. Así que asegúrese de conocer al menos los conceptos básicos de Dorne Flying antes de tomar un vuelo, o tenga a alguien con usted que sepa lo que está haciendo.
Adquirir el dron
Adquirir el dron que quieres alquilar puede ser un auténtico fastidio. ¿Recuerdas lo que dijimos sobre las verificaciones de antecedentes? Bueno, la mayoría de las empresas de alquiler de drones requerirán que vengas a buscar el dron tú mismo.
Entonces, si no estás en la misma ciudad que la empresa, no es una opción viable. Hay algunos sitios web peer-to-peer que son básicamente como craigslist para alquilar drones y, técnicamente, puedes hacer que el propietario del dron te envíe el dron por correo. Pero yo no contaría con eso sin embargo.
Seguro
Lo que la mayoría de la gente se equivoca es que seguro significa seguro para el dron que estás volando… Eso simplemente no es cierto.
Cuando digo seguro, me refiero a un seguro por cualquier daño que pueda causarle al dron, no a él.
Pocas compañías tendrán sus drones asegurados, por lo que si quieres volar con tranquilidad, puedes obtener cobertura de seguro fácilmente. Hay varios sitios web que te permiten hacerlo en línea, mi recomendación personal para comprar una poliza de seguros para drones es DroneInsurance, o La compañía de seguros Lloyd ‘s of London tiene un seguro de responsabilidad civil para drones, con un precio menor, alrededor de 600 dólares.
Si cree que vale la pena obtener un seguro para el dron de alquiler o no, depende totalmente de usted.
Recuerde que no todos los drones necesitan un seguro
Un seguro para drones se adquiere dependiendo de la actividad que vas a desarrollar con él, no es lo mismo volar un dron por hobby que volar un dron profesionalmente.
Si piensas volar tu dron en la ciudad o sobre multitudes de personas debe estar, sí o sí asegurado con una póliza de responsabilidad civil, recuerda que siempre existe la posibilidad de que algo suceda con tu dron.
La diferencia en tener que adquirir un seguro para drones se basa en el peso, y la actividad a desarrollar, los drones que no necesitan licencia para volar, son los que tienen un peso menor a 250 gr.
Los drones superiores a 250 gr, necesitan certificación para volar, avalada por la aeronáutica civil.
Si vas a realizar actividades comerciales, como fotografía y video o fotogrametría, debes tener un seguro de responsabilidad civil para drones.
Usos y aplicaciones de drones para la construcción
Los drones son una opción natural para la industria de la construcción, que combina equipos a gran escala y actividad constante con la necesidad de precisión centimétrica.
Los contratistas que buscan hacer su trabajo más rápido, más seguro y más rentable están en constante búsqueda de nuevas tecnologías que puedan ayudar.
Los drones de construcción son la herramienta perfecta para estar a la altura de las circunstancias, recopilando información digital esencial desde un punto de vista elevado, muy por encima del ajetreado entorno que se encuentra debajo.
Al aprovechar lo último en tecnología de drones, los contratistas pueden revolucionar sus procesos, desde topografía y mapeo geoespacial 3D hasta gestión de tráfico, supervisión de inspecciones de seguridad y más.
Desde el lanzamiento del primer Matrice 200 en 2017, los ingenieros de DJI han seguido desarrollando plataformas de drones comerciales y cargas útiles teniendo en cuenta la capacidad, la seguridad y la confiabilidad. En el camino, nuestra gama Enterprise se ha ampliado para satisfacer las necesidades de los usuarios industriales en todo tipo de sectores. Desde la seguridad pública hasta la inspección de infraestructuras y la topografía aérea, los profesionales de todo el mundo trabajan de manera más inteligente gracias a un conjunto de herramientas revolucionarias.
Los drones equipados con cámaras brindan a las empresas un par de ojos adicionales en el cielo, brindando una nueva perspectiva de las operaciones que ocurren en el terreno. En industrias tan variadas como la construcción, los servicios de emergencia, la agricultura y los servicios públicos, los drones están agregando valor.
Desde su creación en 2016, AirWorks se ha convertido en la principal conferencia de drones comerciales de la industria. Ahora, dos años después de nuestro último evento presencial, ha vuelto y es más grande que nunca. A lo largo de tres días de charlas, talleres, avances y demostraciones, AirWorks 2022 proporcionará una plataforma para el intercambio de información e ideas, oportunidades inigualables para establecer contactos y una primera mirada a la innovación que impulsa a nuestra industria.
Desde que se anunció en 2019, el software de mapeo de drones DJI Terra ha estado ayudando a los profesionales a lograr hazañas increíbles. Desde capturar cada pequeño detalle en monumentos históricos centenarios hasta mapear ríos que fluyen a través de ciudades concurridas, DJI Terra está capacitando a los profesionales para transformar datos de drones en poderosos activos digitales en tiempos récord.
¿Cómo grabar audio de manera profesional?, Códigos de tiempo, micrófonos boom, tono de habitación y más. Graba un sonido impecable cuando estés solo con este desglose de todo lo relacionado con el audio.
Excelente calidad de imagen por encima de todo, ¿verdad?
Piénsalo. Hay innumerables videos en línea que muestran errores del operador de cámara cuando el operador de cámara aparece accidentalmente en un reflejo, y muchas películas usan cámaras de baja calidad como cámaras de emergencia. Pero, a menudo estamos demasiado absortos en la acción para darnos cuenta. No obstante, en el momento en que escuchamos un mal audio, se vuelve reconocible al instante.
entonces ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Es por eso que hay equipos en grandes producciones dedicados solo a capturar audio, llenos de una buena cantidad de miembros del equipo que ayudan a asegurarse de que el audio se capture correctamente.
Sin embargo, en producciones más pequeñas como sesiones de entrevistas en solitario, no siempre tenemos ese lujo. Entonces, tenemos que capturar ese audio. y ejecutar una cámara. La buena noticia es que podemos usar algunas herramientas y técnicas para obtener un audio de excelente sonido. En el siguiente video tutorial, puede descubrir cómo.
¿Qué equipo necesito para grabar audio como cineasta?
Sé que esta lista puede parecer bastante intensa. Sin embargo, una de las cosas más importantes como cineasta en solitario es asegurarse de estar lo más preparado posible. Como dijo el excelente David F. Sandberg, hacer cine es resolver problemas. Lo que ha planeado puede desmoronarse en un instante y estará agradecido de haber tenido esos micrófonos lav adicionales o una tarjeta de memoria adicional en su equipo.
Si no tienes el dinero ahorrado para todo esto, siempre puedes alquilar el equipo que necesitas. Si recién está comenzando, alquilar equipos puede ser una excelente manera de tener equipo profesional en el set sin gastar mucho dinero. Aunque tengo un kit completo para mi compañía de producción, si es necesario alquilo el equipo, especialmente cuando estoy de viaje.
Configuración del micrófono Boom
Sistema de micrófono lavalier inalámbrico
Grabador de audio
Cables de código de tiempo apropiados
Tarjetas de memoria (x2) para grabadora
Auriculares para monitoreo
Ahora que tenemos un kit básico, profundicemos un poco más en cada uno de estos elementos.
Micrófonos Boom
Imagen vía Grusho Anna.
¿Qué es exactamente un micrófono boom? En pocas palabras: un micrófono boom es un micrófono conectado a un poste boom y se coloca apuntando hacia el talento. Hay varias opciones para los micrófonos boom pero, con mucho, el más común es un micrófono de cañón.
sigamos desglozando nuestra gran duda de ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Micrófonos de escopeta
Los micrófonos de cañón se usan ampliamente en la industria del cine y el video debido a su versatilidad. Estos micrófonos hacen un gran trabajo al rechazar el ruido fuera del eje y aislar el audio directamente en frente del micrófono.
Además, los micrófonos de cañón tienen un diseño físico más extenso en comparación con otros micrófonos, como resultado de los tubos de interferencia que ayudan a crear un patrón polar estrecho. Con el patrón polar estrecho de un micrófono de cañón, debe asegurarse de que el micrófono apunte directamente hacia la fuente.
Los micrófonos de cañón brillan en exteriores porque rechazan el ruido fuera del eje, pero también se pueden usar en interiores con excelentes resultados.
Lo ideal es utilizar un micrófono de cañón con una conexión XLR porque los cables XLR ofrecen una calidad de sonido superior a la de un solo cable de 3,5 mm. Con los cables XLR, puede tener un cable largo desde el micrófono hasta la grabadora de sonido sin pérdida de calidad de audio, pero no se puede decir lo mismo de los cables de 3,5 mm.
Aquí hay algunas excelentes opciones de micrófonos de cañón que personalmente he usado muchas veces con excelentes resultados:
Todos estos micrófonos requieren alimentación fantasma de 48 V, proporcionada por la grabadora de sonido o la cámara (si es posible) y pasa a través del cable XLR. La única excepción en esta lista es el MKE600, que puede funcionar con una batería AA extraíble. Sin embargo, descubrí que la calidad del audio es mejor cuando se enciende el MKE 600 con alimentación fantasma. El Sennheiser MKH 416 es probablemente el micrófono de cañón más popular y es considerado por muchos como el estándar de la industria.
Suponga que el presupuesto y/o la disponibilidad le impiden obtener uno de los micrófonos enumerados anteriormente. En ese caso, hay otras opciones que son más asequibles, pero que no rendirán la misma calidad:
Solo recomiendo este tipo de micrófonos de cañón como micrófonos en la cámara para audio de referencia o para capturar una entrevista rápida de tipo «hombre en la calle» si estoy filmando solo.
Micrófonos hipercardioides
Si está filmando entrevistas principalmente en interiores, entonces un micrófono de cañón no siempre es la mejor opción, ya que los micrófonos de cañón a veces pueden captar ecos que distraen y reverberaciones de gama baja.
Los micrófonos supercardioides o hipercardioides que no son de escopeta no muestran el mismo comportamiento, por lo que son una opción popular para grabar diálogos en interiores, especialmente en salas más pequeñas que no están tratadas acústicamente. Estos micrófonos también requieren alimentación fantasma de 48 V. Aquí hay algunas excelentes opciones:
¿Cómo hago boom en un micrófono?
Primero, configure su soporte en C fuera del marco. Me gusta colocar el soporte a 90º del lado opuesto del talento de la luz principal si el espacio lo permite.
A continuación, necesitará un soporte para poste de aguilón. Monte el soporte del poste de la barrera en el cabezal de agarre de modo que la dirección de la barra de la barrera (cuando esté montada) mire hacia la derecha, y la pata más alta del soporte apunte en la misma dirección que la barra de la barrera por seguridad.
Imagen a través de volantes altos.
Antes de continuar, asegúrese de colocar también un saco de arena en la pata más alta por seguridad. Ahora que el soporte está listo, monte el poste de la pluma en el soporte y extiéndalo para que quede sobre el lugar donde se sentará el talento.
A continuación, conecte el micrófono a la montura antivibración y luego conéctelo a la pértiga de la pluma; por lo general, la pértiga de la pluma se enroscará en la montura antivibración.
Por último, conecte el cable del micrófono al micrófono y páselo por el soporte en C.
¿Dónde coloco el micrófono Boom?
La ubicación del micrófono boom es crítico para capturar audio claro debido a los estrechos patrones polares de estos micrófonos. El objetivo es acercar el micrófono lo más posible a la fuente sin que el micrófono esté en el marco. Cuanto más cerca esté el micrófono, mejor será el sonido.
En cualquier lugar entre 15 y 50 cm (6 y 20 pulgadas), por lo general, se obtendrán excelentes resultados según el micrófono. Lo mejor es colocar el micrófono sobre la cabeza y un poco por delante del talento para que el micrófono apunte hacia el talento.
Esto asegurará que aún se capture un audio claro si el talento se inclina hacia la cámara. El micrófono boom suele ser una de las últimas cosas que configuro. Lo pondré en el área general del asiento de la entrevista y luego haré los ajustes finales cuando el talento se siente en el asiento.
Esperamos vallas teniendo un poco mas claro la respuesta de la pregunta sobre ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Sistema de solapa inalámbrico: no confíe solo en el micrófono Boom.
Los micrófonos Boom son herramientas encantadoras para capturar audio debido a lo rico y natural que suenan. Sin embargo, nunca grabo una entrevista solo con un micrófono boom.
Como micrófono secundario, utilizo un sistema de micrófono lavalier inalámbrico como el Sennheiser AVX. Los micrófonos Lav son micrófonos omnidireccionales que se montan en el talento, ya sea sujetándolos a su camisa o escondiéndolos de alguna manera. Por mucho que prefiera el audio de un micrófono boom, el micrófono lav es, en mi opinión, una pieza fundamental de un kit de audio.
Imagen vía Grusho Anna.
Puede servir como una pista de audio de respaldo en caso de un problema con el audio del micrófono boom, pero a veces incluso opté por la pista del micrófono lav en la publicación porque terminó sonando mejor para la edición en particular.
Además, si está filmando una entrevista en la que el talento está lejos de la cámara o caminando en el marco (piense en el presentador de televisión), un micrófono de lavamanos inalámbrico le servirá mejor. Asegúrese de ver el video de YouTube para escuchar la diferencia entre un micrófono boom y un micrófono lav.
Grabación de audio
Aunque algunas cámaras tienen entradas XLR y preamplificadores decentes, nunca serán mejores que una grabadora de sonido dedicada.
Las grabadoras de sonido tienen un trabajo que hacen muy bien; captura de audio. Las grabadoras de sonido tienen preamplificadores mejores y más limpios que los que se encuentran en las cámaras y, según el tipo de grabadora, brindan más beneficios que la grabación de audio en la cámara. Eso incluye limitadores analógicos, más pistas/entradas de audio que cámaras, suministro de alimentación fantasma, grabación en flotante de 32 bits y generación de código de tiempo, por nombrar algunos.
Además, cuando graba audio separado de la cámara, tiene la tranquilidad de saber que si la cámara deja de grabar por cualquier motivo, su audio seguirá acelerando. Luego puede usar un material adicional para cubrir eso en la publicación si fue una buena toma.
Grabar audio separado de la cámara suena como una molestia con respecto a la edición, ¿verdad? Bueno, sí, es un paso extra, pero en mi opinión vale la pena. Además, si está ejecutando varias cámaras, tendrá que sincronizar esas pistas de todos modos. Aquí es donde la programación al comienzo de la toma es fundamental para que tenga un pico distinto en la forma de onda para usar para sincronizar todo.
Sin embargo, existe una herramienta aún mejor: el código de tiempo.
El código de tiempo es esencialmente un reloj interno de alta precisión, y si todos los dispositivos tienen el mismo código de tiempo, hace que la sincronización en la publicación sea extremadamente rápida. Muchas grabadoras de campo tienen la capacidad de enviar el código de tiempo desde la grabadora a través de un cable a la cámara (siempre que la cámara admita el código de tiempo).
Esto es lo que se conoce como código de tiempo de «jamming». Meto el código de tiempo en cada una de las cámaras una vez que están todas configuradas. Luego, cuando los traigo a mi editor, simplemente apilo todos los clips en la línea de tiempo y los alineo según el código de tiempo. De esa manera se sincronizan instantáneamente.
Monitoreo de audio
Así como monitoreamos nuestras cámaras durante una entrevista, también es importante monitorear el audio. Esto nos ayuda a captar cosas que tal vez ni siquiera notemos, pero el micrófono las capta hasta el punto en que distrae, como un automóvil que pasa, una puerta que se cierra de golpe, personas hablando en el pasillo o un avión volando por encima.
Existen muchos tipos de auriculares de monitoreo, por lo que, por supuesto, cuál elegir se reduce a las preferencias personales y el presupuesto. Utilizo monitores internos ya que tienen un perfil realmente bajo, suenan muy bien y se empaquetan muy bien para viajar.
Otras consideraciones al capturar audio como cineasta en solitario
Tratamiento de sonido
A menos que esté filmando una entrevista en un estudio de grabación o en alguna otra sala tratada acústicamente, deberá tratar la ubicación/la sala para el sonido. Hacemos esto para ayudar a reducir el ruido, el eco y la reverberación no deseados tanto como sea posible. Aquí hay algunas cosas a considerar al tratar la ubicación para el sonido:
Si es posible y con permiso, apague el horno o la unidad de enfriamiento solo durante la entrevista.
Si es posible y con permiso, desenchufe el refrigerador/congelador durante la entrevista. (Trate de no desenchufar mientras el compresor está funcionando, ya que podría dañar el compresor, ¡lo cual no es bueno!)
Coloque mantas de sonido/arme mantas de sonido para ayudar a reducir la reverberación del eco.
Hacer estas cosas puede ayudar a capturar el audio más limpio posible, por lo que se necesita menos trabajo en la publicación.
Tono de habitación
El tono de la habitación es el sonido ambiental o el tono de la habitación donde está filmando. Para capturar el tono de la habitación, simplemente grabe 20-30 segundos de puro silencio. Asegúrese de que nadie en la habitación esté dando vueltas o moviéndose, y si se encuentra en un entorno de oficina, pregunte cortésmente a los que están fuera de la habitación si pueden acomodar la grabación del tono de la habitación.
Entonces, ¿por qué necesitamos el tono de la habitación? El tono de la habitación ayuda a combinar el audio entre dos cortes durante una edición para que la transición no se sienta abrupta, por ejemplo.
Capturar audio puede parecer abrumador, pero como con cualquier cosa, cuanto más haces, más fácil se vuelve. Organice entrevistas simuladas o entreviste a miembros de la familia para probar estas cosas, de modo que esté bien preparado para el rodaje cuando llegue al set con un cliente. Empieza a practicar en casa si te estás adentrando en el mundo del cine.
Esperamos alla podido resolver su duda sobre ¿Cómo grabar audio de manera profesional?
Imagen destacada a través de Grusho Anna.
¿Qué más artículos de audio y tutoriales en vídeo? ¡Mira los enlaces a continuación!
How does a thermal drone work?, The list of use cases for uncrewed aerial vehicles (UAVs) is always expanding. Much of this growth is due to the development and refinement of valuable new capabilities and drone loadouts. For instance, the prevalence of thermal imaging is on the rise.
Vídeos verticales . ¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?Las películas de Stephen Small-Warner están hechas para dispositivos móviles. Aquí están sus pensamientos sobre videos verticales y consejos para crear contenido cautivador.
Stephen Small-Warner quiere que le des la vuelta al contenido. ¿Su perspectiva? El video vertical, es decir, la forma en que vemos TikToks, Reels y anuncios en nuestros dispositivos móviles, es una forma mucho más humana e íntima de conectarnos con el espectador.
Desde 2007, el graduado de la Universidad de Howard y la Universidad de Nueva York ha defendido este punto al crear películas y videos cautivadores y complejos, todos filmados y entregados verticalmente, para empresas como Moda, American Express, Fedex y Fendi. Pero, escuchó no mucho antes de llegar a donde está hoy.
Ahora que el resto del mundo finalmente se está dando cuenta del poder del video vertical, Small-Warner está reivindicado y emocionado de ver más del estilo que ama presente en todos los aspectos de nuestras vidas.
Está lanzando su propia compañía vertical de imágenes de video, Imágenes en movimiento verticalesy preparándose para recibir a su primer hijo este verano.
También se asoció recientemente con Create Fund de Shutterstock, que brinda apoyo a artistas históricamente excluidos con el objetivo de crear una biblioteca de contenido de colaboradores más inclusiva y diversa.
Esto significa que puede ver el increíble trabajo de Small-Warner y usarlo también para sus propios proyectos.
A continuación, Small-Warner comparte por qué es un evangelista del video vertical y cómo espera que su trabajo cambie la forma en que vemos el mundo.
¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?
¿Cuándo te enamoraste por primera vez del video?
Stephen Small-Warner: Tomé una cámara el verano de 2007, casi al mismo tiempo que la revolución de las DSLR. Rápidamente me di cuenta de que me encantaba grabar videos: imágenes en movimiento reales.
Yo era un estudiante de administración de empresas en la Universidad de Howard en ese momento, y me estaba volviendo loco. Para hacerle frente, me colé en un par de clases de cinematografía, y era evidente que tenía muy buen ojo. Acabo de entender muy bien el lenguaje de las imágenes en movimiento.
Terminé trabajando con la Universidad para filmar sus videos de regreso a casa (el regreso a casa es un gran problema en Howard), y desde allí decidí ir al programa de Producción de Medios Internacionales de NYU en Singapur para aprender más sobre tecnologías y tendencias emergentes.
Junto con otros diez productores de todo el mundo, concentré mi tiempo en descubrir cómo contar una historia a través de plataformas y cuál sería el próximo gran medio.
SSTK: ¿Fue entonces cuando descubriste tu pasión por el video vertical?
SSO: Sí. Escribí un artículo sobre la importancia del tamaño en el video y comencé a investigar realmente qué se convertiría en la audiencia móvil y la fuerza de lo que sería la pantalla móvil, en cuanto a la orientación. Cuando me fui de Singapur, era un hilo muy pequeño en mi cerebro que sabía que tenía que seguir.
Regresé a Nueva York y estaba filmando la Semana de la Moda. Tomé un par de fotos verticales, pero no tenía dónde ponerlas.
Instagram e Instagram Stories no existían, Snap (entonces Snapchat) estaba aquí, pero los videos eran cortos. Realmente no pude subir el video completo, pero pude editarlo y subirlo, y verlo en mi teléfono.
El simple hecho de ver el marco completo de 9 x 16 en mi teléfono inició un viaje de siete años para descubrir cómo avanzar y vender videos verticales.
SSTK: La venta de video vertical probablemente fue un desafío al principio. ¿Cuándo empezaste a ver el éxito?
SSO: Fui uno de los primeros cineastas en residencia en el Festival de Cine de Tribeca. Intenté que hicieran un programa de cine móvil para estudiantes y, en ese momento, estaban más interesados en la realidad virtual. Pero sabía que la orientación vertical era el futuro, e incluso si todos usamos la realidad virtual, llegará en forma vertical.
Fue una batalla dura hasta 2018-19, cuando Snap me llamó para presentarme a la programación original. Luego, en 2020, sucedió Quibi, que fue (temporalmente) enorme para videos verticales. Pero todavía tengo mucho rechazo.
Viniendo del mundo del cine, muchos de mis compañeros cineastas no entendían por qué estaba tan convencido de que el video vertical era el futuro.
En 2020, canalicé esa frustración (y el tiempo extra que tuve durante la pandemia) en un libro de 55 páginas sobre la innovación del cine vertical. Al mismo tiempo, TikTok comenzó a despegar y comencé a recibir llamadas de agencias de publicidad que me pedían que hiciera videos de marca.
SSTK: ¿Qué lo trajo a Shutterstock? Y, ¿qué espera lograr con el Fondo Crear?
SSO: Siempre supe que las imágenes de stock eventualmente tendrían que volverse verticales, y que habría una gran necesidad de ello, ya que no hay mucho contenido vertical disponible.
Con todas las iteraciones de contenido, desde la radio hasta el cine y la televisión, existen bibliotecas de contenido a las que los productores pueden acceder fácilmente. Pero no había bibliotecas de contenido vertical. (Sabía) que tendríamos que hacerlos. Entonces, cuando Create Fund se acercó, les dije que solo quería hacer videos verticales.
Todavía hay cierto retraso en el aspecto que puede tener la vertical premium. Entonces, pensé mucho en cómo podría ser el contenido vertical en este espacio.
Y, ¿qué podría significar para una generación que utiliza principalmente contenido vertical para expresarse? Esa es una perspectiva diferente de la que se creó originalmente para las imágenes de stock.
SSTK: ¿Tiene algún consejo rápido para las personas que están creando su propio contenido de video vertical?
SSO: Creo que una de las principales cosas que siempre digo sobre el medio es que tiene una intimidad innata. Cuando hablo de vertical, me refiero a video de retrato, ¿verdad? Y cuando pienso en videos de retratos, tiendo a usar la regla número uno de encuadrar adecuadamente al sujeto, ya sea una persona o un producto.
En mi colección de Shutterstock, fotografié muchos artículos como sopa y cosas diferentes, pero lo que hice fue que los fotografié como retratos. Por lo tanto, una lente de retrato clásica es de 85 milímetros, pero en cualquier lugar entre 50 y 85 milímetros se ve bien en vertical. Tiene esa sensación íntima.
También creo que las capas son muy importantes para el marco vertical, especialmente cuando intentas transmitir detalles. Otra cosa sobre la vertical es que es un formato extremadamente utilitario.
Una de las principales razones por las que TikTok tiene tanto éxito es porque es utilitario. La gente siente que está aprendiendo de él, incluso si es solo un video de baile.
Cualquier cosa que sea un proceso se puede fotografiar maravillosamente en vertical.
SSTK: ¿En qué estás trabajando ahora?
SSO: Inmediatamente después de lanzar la colección de Shutterstock, lancé una empresa llamada Vertical Motion Pictures. Vertical Motion Pictures solo sirve a la audiencia móvil.
Me he estado asociando y hablando con directores creativos sobre proyectos muy interesantes que usarían video vertical y, por ejemplo, lo superpondrían a experiencias de realidad virtual.
Estos son los tipos de cosas que creo que empujan la aguja y realmente exploran la innovación del video vertical y lo que podría hacer por nosotros.
Imagen de portada cortesía de Stephen Small-Warner.
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Con cada innovación de plataforma y carga útil, DJI Enterprise amplía lo que es posible para los socorristas, equipos de inspección, topógrafos y otros usuarios industriales. Con cada iteración, las funciones que reciben más atención tienden a ser cosas como el tiempo de vuelo, los megapíxeles o la resolución térmica. Pero aquí nos vamos a centrar en algo que se ha convertido silenciosamente en una de nuestras herramientas más versátiles e impactantes: el localizador Laser.
La iluminación juega un papel destacado en el aspecto visual de una película, sin importar la producción. Aquí está su manual básico para la iluminación de entrevistas motivadas.
Las cámaras capturan una escena en un espacio 2D, por lo que se convierte en el trabajo de una excelente iluminación para que el marco se sienta lo más tridimensional posible. Con una excelente configuración de iluminación, comienza a agregar contraste, forma, textura y espacio compositivo a la escena. Podemos llevar esto aún más lejos haciendo que la fuente de luz parezca como si estuviera siendo proyectada por un elemento dentro de la escena. Esto se llama iluminación motivada. Aquí hay un antes y un después de la escena de mi entrevista:
Escena de entrevista sin iluminación añadida.Escena de entrevista iluminada
Agregue algunas luces estratégicamente y ¡bum! Podemos ver la cara de nuestro talento; hemos agregado una rica textura de fondo a una pared que de otro modo estaría desnuda e incluso la hemos espolvoreado de manera práctica para agregar más profundidad. Aquí esta el resultado final:
Descubra el pensamiento detrás de la configuración de iluminación de esta entrevista y el equipo que usé para crear esta escena en el video tutorial a continuación.
1. Encuadre compositivo
Al igual que con cualquier configuración de entrevista, es esencial encontrar primero el encuadre y luego iluminar a su alrededor. En mi toma inicial, tenemos una buena cantidad de profundidad en la toma, algunos elementos para agregar interés visual, una ventana práctica y grande en el lado izquierdo del marco que nos ayudará un poco.
Ahora que tenemos nuestra toma enmarcada como queremos, ajustaré mi exposición para exponer la ventana. Luego podemos comenzar a agregar luces, que ahora son más críticas que nunca porque ni siquiera podemos distinguir el talento.
2. La llave de luz
La luz principal suele ser una luz esencial durante una entrevista, ya que es la luz principal que ilumina al talento. Como puede ver en la imagen final, tenemos luz del lado izquierdo del marco que ilumina el lado derecho de la cara del talento.
La ubicación y la dirección de esa luz son muy intencionales. ¿Recuerdas que dije que esa ventana nos ayudaría? Al colocar nuestra luz crucial en el mismo lado del marco que esa ventana, estamos permitiendo que esa ventana sea la motivación para nuestra luz principal.
Con la ventana en la toma, naturalmente esperamos que la luz provenga de esa dirección. Entonces, al colocar la luz principal en ese lado, ahora tenemos luz que proviene de la misma dirección que la «luz de la ventana», lo que da como resultado una toma de apariencia más natural.
Si colocara la luz principal en el lado derecho del marco, no se vería tan natural e incluso podría confundir inconscientemente al espectador.
Con la excepción de estar al aire libre bajo el sol directo, la mayoría de los entornos en los que estamos suelen tener una calidad de luz suave. Eso es bueno porque las fuentes de luz intensas suelen ser menos cómodas para nuestros ojos que las fuentes de luz suave. Para la luz principal de esta escena, utilicé un Aputura LS 300D II con una caja de luz de 60 pulgadas (152 cm) para suavizar la luz.
También estoy suavizando o difundiendo la luz porque se ve más favorecedora en las personas que la luz dura. Por último, para agregar forma y contraste a la cara del talento, coloqué la luz principal a unos 50-55º de la cámara. Esto ayuda a que el talento parezca más tridimensional. Esta luz clave también brinda una agradable luz de captura en los ojos del talento para que se destaquen un poco más.
3. Prácticas
La siguiente luz que quiero comentar es la práctica (la lámpara del fondo). Una práctica es simplemente cualquier fuente de luz que sea visible en la escena. Esto puede ser cualquier cosa, desde una vela hasta una lámpara o incluso una linterna. En este caso, la práctica a la que me refiero es la lámpara del fondo justo sobre el hombro izquierdo del talento. La lámpara está sirviendo para algunos propósitos.
En primer lugar, es una excelente adición al diseño del set. Equilibra la imagen y ayuda a vender que es una sala de estar acogedora. También agrega una cantidad sutil de exposición a la silla que se sienta a su lado, lo que le da al fondo mejores efectos visuales y textura. Dentro de la lámpara, utilicé un Aputure B7c para ajustar la exposición de la luz y la temperatura de color al gusto.
Además, lo práctico nos motiva para otra luz; la luz del borde. La lámpara se colocó intencionalmente en el lado derecho del marco por ese motivo. Prefiero que mi luz de borde entre desde el lado opuesto del marco como la luz principal. Como la luz principal provenía de la izquierda de la cámara, coloqué la luz del borde justo fuera del encuadre en la cámara derecha.
Iluminar desde el fondo
El dispositivo que utilicé para esto fue el Amaran p60c, que fue una gran elección ya que podía igualar la temperatura de color de la práctica. La luz del borde ayuda a separar el talento del fondo, como se ve en su hombro. También da una pequeña cantidad de exposición al cabello del talento e incluso un pequeño rasguño cuando su cabello está recogido.
Mueva el control deslizante sobre el área del hombro derecho de Chelsea para ver el efecto sutil de la luz de fondo.
Me gusta mantener las luces de borde muy sutiles. Tenía el p60c ajustado al 30% solo por la distancia del dispositivo en relación con el talento. Establecerlo al 100% habría parecido menos natural. Recuerda, lo práctico es la motivación; no esperaría que una lámpara tan atrás arrojara tanta luz a través de la habitación.
Al tenerlo al 30 % (con un softbox adjunto), el p60c arroja [in my opinion] una cantidad natural de luz, dando la ilusión de que lo práctico está dando una luz sutil pero suficiente para separar el talento del fondo.
4. ¡Fíngelo!
La iluminación motivada es una forma fantástica de crear marcos de aspecto natural. Sin embargo, ¿qué pasa si no hay una ventana que pueda usar como motivación para la luz de su llave, por ejemplo?
Bueno, puedes fingir la motivación. Digamos que estás en una sala de conferencias sin ventanas y estás filmando una entrevista. Puede usar una fuente de luz fuerte y usar un cucoloris (también conocido como «cookie») o una lente de montura de proyección con gobos y crear un patrón de ventana en la pared posterior.
Esto da la ilusión de que hay una ventana justo fuera del marco y engaña a nuestra mente para que piense que hay una fuente de luz natural. A partir de ahí, aplica el mismo principio y coloca la luz principal en el mismo lado del marco que la luz de la «ventana». Ahí tienes; ahora tiene una luz clave motivada por una fuente de luz.
También agregué algunos Amaran T4C junto a la ventana y frente al sofá. Esto agregó un poco de textura en primer plano y ayudó a que todo se equilibrara muy bien.
Siempre me gusta usar la analogía de la pintura cuando se trata de cine y fotografía.
Piense en la escena que captura el sensor de nuestra cámara como el lienzo. Las luces que usamos son la pintura y los modificadores son nuestros pinceles. Nuestras luces y modificadores crean profundidad, textura y dimensión en nuestra escena para que se vea real y natural.
¡Asegúrate de ver el video de YouTube para ver las otras luces que se usaron para iluminar esta escena!
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