Cómo la NFL está aportando el estilo Madden a las transmisiones en vivo

La NFL está cambiando el juego con los Playoffs de la NFL y el Super Bowl LIV. Fox Sports y CBS Sports agregan cámaras sin espejo Sony a las transmisiones.

Los juegos de la NFL en CBS Sports y Fox Sports ciertamente tienen una nueva sensación para ellos. Ambas redes han recurrido al uso de cámaras sin espejo y cardanes de Sony para capturar momentos íntimos como celebraciones de touchdown.

Imagen a través de Mike Garafolo.

En la imagen destacada de arriba, cortesía de NFL Networks Mike Garafolo, puedes ver al operador de cámara Mike Smole usando una Sony a7R IV con una lente Sony FE 24-70 mm f / 2.8 GM en un DJI Ronin S. Esta “Steadicam de los pobres” se usó para capturar las celebraciones de touchdown durante el partido de playoffs entre Seattle. Seahawks y Washington Redskins.

En las cámaras, la retroalimentación de HD en vivo al camión, dijo Mike Davies, vicepresidente senior de operaciones técnicas y de campo de Fox Sports, en un comunicado. entrevista con SVG News:

“Obviamente, tienes que pasarlo por un corrector de color de algún tipo”, dice, “pero sentimos [that] cámaras que se ven tan diferentes a otras cámaras [on the broadcast] mientras que pintar con el máximo control es el sueño de todos los ingenieros de video. Una de las cosas que nos impresionó bastante fue que la cámara cortó perfectamente el resto de las cámaras, a pesar de ser un dispositivo totalmente diferente. Con el tiempo, podríamos encontrar algunos ganchos y manijas, pero, en conjunto, el único control que tienes sobre una cámara como esa es el corrector de color en el backend “.

Las reacciones de los fanáticos en las redes sociales adoraron la apariencia de Madden con tomas de primeros planos y poca profundidad de campo.

La reacción fue tan positiva que la NFL adoptó el look en otros juegos de playoffs, incluido el Super Bowl de este año entre los Kansas City Chiefs y los Tampa Bay Buccaneers.

Equipo de cámara de CBS Sports en el lugar en el juego de los Kansas City Chiefs y los Tampa Bay Buccaneers. Imagen de Steve Luciano / AP / Shutterstock.

Para el Super Bowl, CBS Sports anunció que más de 120 cámaras capturarían el juego desde todos los ángulos.

Mientras Fox Sports se apegó a la Sony a7R IV y Ronin S para su cámara de touchdown, CBS Sports recurrió a algunas otras cámaras Sony.

El equipo de CBS Sports utilizó dos cámaras Sony VENICE en Steadicams durante los playoffs.

Durante el Super Bowl, se apegaron al Sony Venice en cada zona de anotación y también agregaron un nuevo Sony a1 adicional en un MōVI.

Jason Cohen, vicepresidente de operaciones técnicas remotas de CBS Sports habla sobre la Sony a1 con SVG News:

“El operador ha quedado impresionado por lo genial que es y lo rápido que es el enfoque automático. Dijo que es increíble porque, literalmente, simplemente toca una pantalla para seleccionar el sujeto en el que quiere que se enfoque y se bloquea instantáneamente en el enfoque “.

Aquí hay algunos momentos de celebración más, cortesía de la NFL.


Imagen de portada vía Mike Garafolo.

8 cosas que aprendí al crear el donut en Blender

Eche un vistazo a lo que aprendí al completar la icónica serie de tutoriales de donas en Blender, y si es adecuado para usted o no.

Si alguna vez ha investigado el software 3D gratuito Licuadora, es probable que te hayas encontrado con muchas versiones de deliciosas donas. Esto se debe a que la serie de tutoriales más popular para comenzar con Blender es la Curso de donas por Andrew Price, también conocido como Gurú de la licuadora. Como un completo novato en Blender, decidí probar el curso y compartir lo que aprendí. Con suerte, esto le dará una idea si también está pensando en tomar el curso.

Tráiler de la serie de tutoriales Donut de Blender Guru.

1. Limpiar la interfaz de usuario de Blender

Es probable que su primera impresión provenga de la interfaz de usuario de Blender. En el pasado, la interfaz de usuario de Blender siempre parecía abrumadora para nuevos usuarios como yo. Sin embargo, en 2018, Blender renovó totalmente la interfaz de usuario con la versión 2.80. Ahora la interfaz de usuario tiene una estructura y un tacto más naturales, y se ve a la par con otros programas 3D, como Cine 4D y 3DS Max. Las pestañas y los paneles parecen mucho más cohesivos y es más fácil para un principiante orientarse.

Interfaz de usuario de Blender
La interfaz de usuario actualizada de Blender.

2. Regla 80/20

Una de las primeras cosas que Andrew explica en la serie es qué aspectos de Blender usarás más. Él menciona el Regla 80/20, que indica que utilizará el 20% de las funciones el 80% del tiempo. Esto fue inmediatamente algo con lo que me identifiqué por mi trabajo en programas como Despues de los efectos. Esto me ayudó a dar un paso atrás y romper la intimidación que viene con el aprendizaje de un nuevo programa, como Blender.

La regla 80/20
Reconocer la regla 80/20 para ayudar a que Blender sea menos intimidante.

3. Más que una simple dona

La serie de tutoriales de donas cubre mucho más que modelar un donut desde cero. Aprenderá sobre muchas de las características de Blender, como el uso de nodos para crear texturas, la animación de fotogramas clave, la configuración de renderizado y más. Además de crear la dona, también podrá crear una taza de vidrio llena de café, creando un bonito contraste con el estilo orgánico de la dona, en comparación con el diseño más rígido de la taza de vidrio.

Crea una taza de café
En el curso, también modelarás una taza de café de vidrio.

Debido a esto, querrá reservar unos días para completar el curso. Realmente es un curso introductorio completo a Blender. La serie de tutoriales me llevó unos cuatro días, trabajando de dos a cuatro horas cada día. El curso tiene veinticuatro videos de duración, y cada tutorial tiene un promedio de quince minutos. Con tanta información lanzada, querrá darse un tiempo para asimilarlo todo. Andrew divide el curso en cuatro “niveles” diferentes. Pasar por un nivel todos los días fue el mejor enfoque para mí.


4. Teclas de acceso rápido

Al usar Blender, debido a la cantidad de funciones diferentes que tiene, definitivamente querrá aprender algunos de los atajos de teclas de acceso rápido a lo largo de la serie. Estos casi se vuelven necesarios para completar el curso. Probablemente no podrá memorizarlos todos, y para eso, Andrew ha creado un PDF de acceso directo de Blender que los usuarios pueden descargar de forma gratuita. Algunos de mis atajos favoritos son “.“En el teclado numérico para acercar el modelo seleccionado, y”0”En el teclado numérico para alternar la vista de la cámara de escena.

Atajos de teclas de acceso rápido de Blender
Memorizar incluso unos pocos atajos hará que trabajar en Blender sea mucho más fácil y rápido.

5. Verifique la sección de comentarios

Rápidamente descubrí que la sección de comentarios de cada video puede ser extremadamente útil. Esto se debe a que, a medida que se implementan nuevas actualizaciones en Blender, algunas funciones que usa Andrew pueden ser ligeramente diferentes. O, algunas configuraciones pueden establecerse en diferentes valores predeterminados en compilaciones posteriores. Aquí es donde entra la sección de comentarios, con muchos usuarios votando comentarios con soluciones a partes en las que podría quedarse atascado. ¡No puedo enfatizar lo suficiente lo útil que fue esto!


6. El poder de la escultura

Como forastero que mira hacia adentro, siempre me ha fascinado la “escultura” en los programas 3D. Y esa es una de las áreas de Blender que puedes explorar durante la serie de tutoriales. Podrás esculpir la rosquilla y el glaseado para darles una forma más “real”. ¡Defectos de cocina y todo! Esta fue una parte extremadamente divertida de la serie que no decepcionó.

Esculpir en Blender
La escultura en Blender es increíblemente satisfactoria.

7. Ahorre con frecuencia

Independientemente de la potencia de su computadora, querrá guardar su trabajo con frecuencia durante cada tutorial. Esto se debe en parte a que los programas 3D requieren una gran cantidad de procesamiento y potencia de gráficos, lo que puede hacer que cualquier computadora sea susceptible a percances o fallas. Pero también porque las últimas versiones de Blender siempre se consideran experimentales. (Según mi experiencia, esto es realmente cierto con cualquier software de producción recién lanzado).

Sin embargo, puede descargar versiones anteriores de Blender, como la versión 2.83 LTS, que tiene como objetivo lograr una mayor estabilidad a largo plazo para sus proyectos. A lo largo de toda la serie de veinticuatro videos, solo tuve un accidente.


8. Experimento

Una de las mejores formas de aprender cualquier programa nuevo es saltar y empezar a jugar con la configuración. En realidad, esto se recomienda a lo largo de la serie, para ayudar a que su escena de donas sea más suya. Me encontré experimentando bastante después de cada “nivel” del curso. Así es como creé la imagen de portada de este artículo. Dupliqué la rosquilla que había creado varias veces y luego cambié el material del piso a una superficie oscura y reflectante. Al hacerlo, ¡aprendí mucho sobre diferentes configuraciones de material en Blender!

Experimentando en Blender
Experimentar durante el curso es una parte clave del proceso de aprendizaje.

¿Qué ver a continuación?

Una vez que haya completado el curso Donut, es posible que se pregunte qué hacer a continuación. Bueno, también hay bastantes otros creadores de Blender que vale la pena ver en YouTube. Algunos de los más populares que noté serían: Ian Hubert, Dedouze, Maestros CG, Derek Elliott, Josh Gambrell, Estudio CrossMindy Gleb Alexandrov.

Cómo hacer sables de luz en un tutorial de Blender por Ian Hubert.

Si desea ver más series de tutoriales gratuitos de Blender Guru, consulte su Iluminación para principiantes y Modelado para principiantes cursos.

Serie de tutoriales de iluminación para principiantes de Blender Guru.

Para obtener más tutoriales y consejos divertidos relacionados con el software, consulte estos artículos:

Revisión de la elíptica NordicTrack ASR 700

La elíptica NordicTrack ASR 700 es el intento de NordicTrack de hacer que las máquinas elípticas sean más divertidas para entrenar. Los entrenamientos pueden volverse muy monótonos, así que para agregar un poco más de entretenimiento y emoción, han incorporado sus videojuegos interactivos patentados Game & Train (TM) y la tecnología ifit® Workout Card en la consola.

Pero antes de hablar sobre estas interesantes funciones, hablemos de los conceptos básicos. Al comprar en cualquier tienda en línea, muchos ofrecerán un servicio de ensamblaje en el hogar, pero lo que descubrí con NordicTrack es que realmente no hace falta ser un gran científico para descubrir cómo armar sus máquinas elípticas. La elíptica NordicTrack ASR 700 es un excelente ejemplo y el montaje es más fácil de lo esperado. Solo asegúrese de que todas las partes móviles estén lubricadas correctamente.

La elíptica ASR 700 tiene una capacidad de peso de 275 libras, por lo tanto, esta elíptica se mantiene bastante estable, incluso durante los entrenamientos con el peso de un usuario promedio en movimiento a alta intensidad. La longitud de la zancada es de 18 “, lo que para cualquier usuario por debajo de 6” promoverá una conducción suave y agradable. Los usuarios de más de 6 “pueden encontrar esto incómodo. Para la parte superior del cuerpo, los brazos de entrenamiento son totalmente ajustables, lo que es ideal para apuntar a grupos de músculos en la región superior, incluidos brazos, hombros y espalda.

Las máquinas elípticas NordicTrack ASR 700 vienen con 14 programas de entrenamiento que incorporan resistencia digital. Esto es ideal para los entrenamientos, ya que puede ajustar la resistencia durante su entrenamiento para una mayor intensidad y una quema de calorías óptima. Los programas de entrenamiento del Personal Trainer (TM) controlan automáticamente la resistencia para obtener los mejores resultados, pero algunos principiantes pueden encontrar esto difícil, por lo que a menudo es mejor comenzar con una resistencia baja y aumentar manualmente la intensidad. Los sensores de pulso de frecuencia cardíaca están alojados en las empuñaduras para medir lecturas de pulso precisas que se muestran en la pantalla Clear View (TM) junto con los datos habituales, como tiempo, velocidad y resistencia. Este también es un buen toque para los usuarios que desean entrenar con sus zonas de frecuencia cardíaca objetivo.

Ahora para las funciones divertidas. La elíptica NordicTrack ASR 700 contiene un puerto de música con altavoces integrados. Simplemente conecte su iPod o reproductor de mp3 y entrene con el sonido de sus canciones favoritas. Si eso no es suficiente, agregue más diversión a su entrenamiento con los videojuegos Calorie Destroyer (TM), Fat Blocker (TM), Black Jack y Texas Hold ‘Em. Los juegos se vuelven aún más fáciles cuanto más trabajas, lo que es genial para ayudarte a mantenerte motivado.

Pero en una nota más seria, otro toque innovador es la tecnología de tarjeta de entrenamiento iFIT®. Esta tecnología de entrenamiento ha sido diseñada para ayudarlo a tonificar, perder peso, todo en 8 semanas. Yo personalmente no los he usado pero básicamente son tarjetas programadas por entrenadores personales certificados y se deslizan directamente en la consola elíptica. Luego, la elíptica ajusta todas las configuraciones automáticamente y la voz del entrenador personal lo guía a través de su entrenamiento. Como las tarjetas se venden por separado, no hay pérdida si prefiere realizar sus propios entrenamientos, pero si necesita orientación y desea seguir el programa para obtener los mejores entrenamientos, las tarjetas tendrán un costo adicional.

Pros – Precio, brazos ajustables, funciones de consola, agradable, iFit

Contras – Stride (para usuarios más altos), Garantía

Las máquinas elípticas NordicTrack ASR 700 eliminan el aburrimiento de los entrenamientos cardiovasculares diarios y le permiten disfrutar de lo que realmente lo mantiene motivado. El fitness, la pérdida de peso y la tonificación corporal total se hacen más efectivos al centrarse en los aspectos divertidos del entrenamiento. No muchas otras máquinas elípticas en los $ 1300 le ofrecerán esto y si necesita la guía de un entrenador virtual, al menos la tarjeta iFit siempre es una opción para ayudarlo a lograr excelentes resultados.

¿Reemplazarán los aparatos digitales en tiempo real las pantallas verdes?

Disney, Netflix, Amazon, Paramount y más están apostando fuerte por los sets digitales, Volumes y extensiones de sets digitales. Vamos a ver.

Lo práctico se encuentra con lo virtual. Los equipos digitales llegaron para quedarse y, gracias a COVID-19, se están adoptando a un ritmo mucho más rápido. También denominados XR, o realidad cruzada, estos sistemas combinan escenarios físicos, elenco y equipo, con sets digitales o extensiones de set.

Lo que es diferente de las técnicas tradicionales de retroproyección es que estos conjuntos se crean en motores de juegos en tiempo real, como Unreal Engine. Los decorados en sí pueden modificarse durante un rodaje, lo que también significa que hay un nuevo papel en ascenso en el mundo de la producción.

En ILM (Industrial Light & Magic), lo llaman Brain Bar, un grupo de artistas y técnicos 3D que trabajan en el set con el equipo de cámara y el equipo de iluminación para hacer que estos sistemas funcionen.

Equipo de Brain Bar
Un nuevo papel en la producción: Brain Bar. Imagen vía Disney + cortesía de ILMVFX.

Trabajan mano a mano en el set con los gaffers para iluminar el set y combinar los colores, al mismo tiempo que trabajan con el equipo de cámaras para rastrear la posición de la cámara y la configuración de la lente para que las pantallas digitales se muestren en los ángulos, profundidad de campo, exposición, y más.

Seguimiento de ángulos de cámara
Los artistas 3D trabajan con el equipo de cámara para rastrear la posición de la cámara, los ángulos, etc. Imagen a través de Disney + cortesía de ILMVFX.

¿El mayor desafío? No hay suficientes de estas personas en la industria. Este tipo de trabajo requiere de alguien con conocimientos prácticos tanto de realización cinematográfica como de producción de videojuegos.

El ILM Volume es un conjunto circular con un diámetro de setenta y cinco pies.

Volumen del conjunto mandaloriano
El conjunto circular tiene setenta y cinco pies de diámetro. Imagen a través de Disney + cortesía de ILMVFX.

Originalmente fue diseñado para luz interactiva con un pantalla verde telón de fondo que podría seguir a un actor. De esa forma, no habría necesidad de volver a encender las pantallas entre tomas.

Conjunto mandaloriano
Originalmente, fue diseñado para luz interactiva con un fondo de pantalla verde. Imagen a través de Disney + cortesía de ILMVFX.

Productor y Director Jon Favreau fue a ILM para combinar los conceptos e ideas cinematográficos que tenía al hacer Duende, Hombre de Acero, El rey Leóny El libro de la selva.

Prueba de entornos de Lion King
Prueba de entornos en tiempo real durante El rey León producción. Imagen a través de Disney + cortesía de Tráiler de película / PTP.

Durante la producción de El rey León, el equipo de efectos visuales de la película comenzó a probar motores de videojuegos para decorados digitales.

El contenido de la pantalla se rastreó en movimiento hasta la cámara, de modo que la posición de la cámara refleja un aspecto realista del conjunto a través de la lente de la cámara. Esto permite cambios de perspectiva y paralaje durante la filmación.

Posicionamiento de la cámara
La posición de la cámara refleja el aspecto en tiempo real del televisor. Imagen a través de Disney + cortesía de ILMVFX.

Favreau da crédito a LucasFilm Kathleen Kennedy para comprometer los recursos en la construcción del Volumen para El mandaloriano.

Volumen del conjunto mandaloriano
El set es básicamente una caja de iluminación gigante. Imagen a través de Disney + cortesía de ILMVFX.

De la forma más sencilla, es como estar en una gran caja de iluminación. Colocar un sujeto en el espacio ilumina de manera realista su sujeto. Y, con el traje de Mandalorian cada vez más reflectante en cada episodio, le dio al equipo de producción una cantidad increíble de libertad para iluminar el casco y el traje de Beskar.

El verdadero cambio de juego es que la mayor parte de la tecnología no es propietaria. Las pantallas LED, los motores de juegos y los entornos 3D son herramientas a las que la gente tiene acceso.

ILM está construyendo actualmente tres volúmenes más en todo el mundo, y los ejecutivos de estudio de Netflix, Amazon Originals y Paramount han revelado que también ya están usando la tecnología y construyendo sus propios estudios.

Ahora se trata de poner a los artistas y técnicos en su lugar para llevar los conceptos aún más lejos. ¿Entonces, Qué esperas?


Imagen de portada vía Disney + cortesía de ILMVFX.

Para obtener más consejos, trucos y consejos sobre la realización de películas, consulte estos artículos:

Consejos útiles que todo ingeniero de audio quiere que aprenda

A continuación, presentamos una inmersión rápida en el mundo de la grabación de audio para ayudar a evitar algunos dolores de cabeza a sus futuros ingenieros de audio.

Cada departamento tiene su propia jerga, términos y reglas no escritas dentro de su área de especialización. El audio no es una excepción. Puede ser un poco difícil dominar y comprender lo que implica la producción de audio. Aquí, le brindaremos una inmersión rápida en el mundo del audio y, con suerte, les ahorraremos algunos dolores de cabeza a sus futuros ingenieros de audio.


Obtenga buen audio en la ubicación

Audio en la ubicación
Intente obtener su audio en la ubicación correcta. Imagen vía guruXOX.

El adagio clásico, “Lo arreglaremos la publicación”, a menudo se atribuye al espacio de audio. La verdad es que, como con la mayoría de las cosas, arreglarlo en la publicación es mucho más difícil que hacerlo bien la primera vez. Además, el audio puede ser lo más difícil de corregir de manera efectiva en una publicación. Si tiene un error en una toma, es posible que pueda cortar, recortar o incluso eliminar el error por completo con algo de fantasía Magia de After Effects.

Este puede no ser el caso con un error de audio. No puede recortar una grabación de audio, o hacer un rotoscopio con el aire acondicionado zumbando de fondo.

Un ingeniero de sonido local tendrá sus oídos atentos para escuchar cualquier cosa que pueda arruinar el audio para una toma. A veces, esto podría detener un rodaje mientras espera que pase una ambulancia o que un perro del vecindario deje de ladrar, pero tenga cuidado de no dispararle al mensajero. Estoy bastante seguro de que el registrador de la ubicación no está intentando retener la siguiente toma a propósito. Lo admito, soy culpable de decir: “Vamos a intentarlo y me preocuparé cuando llegue a la edición” o “De todos modos habrá música debajo de esto, estoy seguro de que no ser capaz de decirlo ”, solo para pasar horas tratando de reelaborar la toma para que suene bien más tarde.

Si bien esos sucesos específicos me acompañarán a la tumba, si mi ingeniero de audio estuviera al tanto, estoy seguro de que me habría dado un gran y viejo, “Te lo dije …”

Grabación de audio
Recuperar el talento requiere mucho tiempo y es costoso. Imagen vía SpeedKingz.

Por último, cuando lo peor llega a ser peor, es posible que tenga que traer de vuelta a los actores o al talento para hacer ADR (reemplazo automático de diálogo). Aquí es donde traes el talento para volver a grabar sus líneas y un estudio para sincronizar las palabras que dijeron en la toma. Si bien ADR definitivamente tiene su momento y lugar, usar ADR para solucionar un problema puede ser costoso y prueba tu paciencia. Hágalo bien en persona y evite que ADR sea un problema.


El diseño de sonido puede elevar su proyecto

El diseño de audio a veces puede ser un pensamiento posterior, especialmente cuando se trata de escenografía, Encendiendoy cinematografía. Sin embargo, al igual que los otros departamentos más glamorosos, el audio puede ser su propia forma de arte y es igualmente importante. El audio es a menudo ese ingrediente secreto que no se nota del todo, pero cuando falta, nada se siente bien. Imagina un película de miedo sin los zumbidos o los pisos crujientes, o un película de ciencia ficción sin distintos efectos láser y pitidos.

Tener las ideas correctas sobre cómo sonará su proyecto puede llevarlo al siguiente nivel en términos de calidad. No tener idea de cómo deberían funcionar los sonidos también podría hacer que tu proyecto se derrumbe.

Dale a tu persona de audio la oportunidad de dar su opinión creativa sobre cómo creen que deberían sonar las cosas, qué sonidos usar y cómo grabar el proyecto. Estoy seguro de que les encantaría dar su conocimiento creativo y hacer realidad sus ideas. Es posible que se sorprenda gratamente de cómo un profesional de audio real se acerca a un tema o da nueva vida a sus ideas.


Diferentes aplicaciones requieren diferentes micrófonos

Si está familiarizado con el funcionamiento de las cámaras y los objetivos, sería una analogía perfecta comparar grabadoras / mezcladores de audio y micrófonos de manera similar. En la mayoría de los escenarios, no tomaría un primer plano dramático con una cámara de acción o súper gran angular. Querría una distancia focal más agradable con su cámara principal. Del mismo modo, existen combinaciones de micrófonos y grabadoras que se adaptan mejor a una determinada condición de grabación. Un grabador profesional puede tener algunos micrófonos diferentes para grabar diálogos exteriores, diálogos interiores, entrevistas, música, inclemencias del tiempo, o efectos de sonido.

Al elegir grabar un diálogo para un proyecto narrativo, pueden recurrir al estándar de oro en los micrófonos de diálogo, el Sennheiser MKH 416. El MKH 416 tiene una sensibilidad y un rango de grabación agradables que lo hacen perfecto para las partes habladas, pero no para situaciones en las que necesite aislar sonidos.

UN RØDE NTG5 sería una opción al grabar en la ubicación, efectos de sonido o con fines generales de grabación. Con una gran cantidad de rechazo fuera del eje, es más adecuado para aislar sonidos cuando puede haber otros ruidos molestos cerca.

Si está buscando hacer una voz en off de estudio, su grabador puede optar por algo como el Shure SM7B. Este micrófono es una buena opción para grabar pistas vocales. También tendría dificultades en un conjunto de ubicación en movimiento y es más adecuado para un entorno de estudio controlado. Es posible que obtengas algunas miradas divertidas si sugieres usar este micrófono de manera rápida.

Micrófono Shure
Un ejemplo de micrófono Shure. Imagen cortesía de Shure.

Cada micrófono tiene sus mejores casos de uso. Ya se trate de las frecuencias para las que es adecuado el micrófono, el patrón de captación o incluso su robustez (posible sinónimo de prescindible). Permita que su ingeniero de audio dé su opinión sobre cómo grabar su proyecto y las herramientas que prefiere usar.


Lista corta de términos de audio

A continuación, se incluye una lista breve de la terminología de audio y el lenguaje que se usa al hablar en el espacio de grabación de audio. Esta no es de ninguna manera una lista exhaustiva, pero debería ayudarlo a comenzar y a hablar como un profesional del audio.

  • Mezcla – Modificar y ajustar cada pista de audio dentro de una escena para que se escuche claramente y tenga una presencia definitiva. Esto también podría incluir agregar efectos, ajustar los niveles de audio y traer una partitura.
  • Masterización – Suavizar el audio de todo el proyecto como un todo y garantizar que el audio tenga un sonido y una sensación uniformes. Esto puede no ser aplicable a todos los proyectos.
Terminología de audio
Facilite la vida de su ingeniero aprendiendo su terminología. Imagen vía PrinceOfLove.
  • Pico – El nivel más alto que alcanza la grabación de audio dentro de una pista o escena. “El audio alcanza un máximo de -6db”.
  • Ecualizador – Abreviatura de ecualización. Cambiar el equilibrio de las frecuencias de una pista de audio. Cambiar el ecualizador en una pista podría ser ajustar los agudos, los graves o ajustar las frecuencias para que el diálogo sea más agradable o claro.
  • Recorte – El punto en el que un nivel de audio se amplifica al umbral de la grabadora, lo que resulta en distorsión y partes no grabadas en la pista.
  • Frecuencia – Medido en Hertz (Hz). El espectro de sonido de tono bajo (bajo) a alto.
  • Piso de ruido – La cantidad de ruido que crea naturalmente un equipo de audio.
Aprenda terminología de audio
Aprenda la jerga. Imagen vía Criptógrafo.
  • Ganancia – La amplificación de la señal de audio. Agregar ganancia agrega ruido. Similar a la ganancia o ISO de una cámara.
  • Reverberación – Sonidos que se reflejan fuera del espacio de grabación en el micrófono. Ésta es una forma compleja de eco.
  • Mojado – Una grabación o sala con mucha reverberación presente
  • Seco – Una grabación o sala con poca o ninguna reverberación.

La grabación de audio y audio es un campo profundo y solo hemos arañado la superficie. Hay bastante que aprender y dominar, ya que es una parte importante en cualquier producción. Con suerte, esto le dará un pequeño vistazo al misterioso departamento de producción de audio, brindándole más información para trabajar con profesionales del audio.


Imagen de portada vía Janelle Lugge.

Para obtener sugerencias, trucos y consejos de audio adicionales, consulte estos artículos:

Las 10 mejores cámaras de video digital para cine en 2021

¡Clasificamos nuestras diez mejores selecciones para las mejores cámaras de video digitales para la realización de películas aquí en 2021! Veamos los resultados.

A pesar de que una pandemia está ralentizando las industrias en todo el mundo, el juego de las cámaras digitales es tan sólido y feroz como siempre. En el último año, hemos visto importantes avances tecnológicos, así como muchas actualizaciones importantes y cámaras completamente nuevas agregadas.

¿Pero cual es el apropiado para usted? Esa pregunta se reducirá a varias preguntas con respecto a su fabricante favorito, conjunto de habilidades y precio. Sin embargo, lo tenemos cubierto a medida que desglosamos las diez mejores cámaras para filmar en 2021. ¡Vamos a sumergirnos!


1. Fujifilm X-T4

Recién anunciado hace un año, El tan solicitado seguimiento de Fujifilm a su Fujifilm X-T3 no ha decepcionado. La X-T4 mantuvo todos los elementos que hicieron que la X-T3 fuera sobresaliente, con su sensor de 26.1 megapíxeles, video 4K de hasta 60 fps y una hermosa grabación F-Log. Sin embargo, el X-T4 también cuenta con adiciones y mejoras para la estabilización de imagen en el cuerpo (IBIS), grabación de alta frecuencia de cuadros (HFR), una pantalla táctil LCD desplegable, mejor audio y el doble de duración de la batería.

Hemos incluido la Fujifilm X-T4 primero en nuestra lista debido a sus características robustas y su precio altamente competitivo, actualmente a $ 1,699 (o $ 2,099 con un kit de lentes de 18-55 mm). Esta es una buena opción de cámara sin espejo para aquellos que comienzan en la realización de películas digitales o videografía.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS 4 APS-C X-Trans BSI de 26.1MP
  • Procesador de imagen X-Processor 4
  • Estabilización de imagen en el cuerpo de 5 ejes
  • DCI / UHD 4K a 60 fps, Full HD a 240 fps
  • Sistema AF híbrido de 425 puntos
  • EVF OLED de 3.69 millones de puntos y 0,75 aumentos
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3,0 ″ y 1,62 m de puntos
  • Conectividad Bluetooth y Wi-Fi
  • Modos de simulación de película

Precio: $ 1,699


2. Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K

Debido a que la industria se ha movido tan rápido desde su anuncio y lanzamiento, puede parecer que la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K es una noticia pasada en este momento (quiero decir, ¿dónde está nuestra BMPCC8K, verdad?). Pero nada puede estar más lejos de la verdad. Mientras cubrimos en nuestro completo revisión práctica, el BMPCC6K es un gigante de la cinematografía empaquetado en un paquete portátil que sigue siendo increíblemente barato para lo que está obteniendo.

Con grabación de video 6K a hasta 50 fps, un sensor HDR de tamaño Super 35 y una montura EF más compatible, la BMPCC6K es la actualización perfecta para su Contraparte 4K y debería ser un elemento básico de la comunidad de video digital durante los próximos años, lo que significa algo sobre lo rápido que avanza la industria.

Especificaciones completas:

  • Montura Canon EF / EF-S activa
  • Sensor HDR de tamaño súper 35
  • Graba 6K 6144 x 3456 hasta 50 fps
  • ISO 400 y 3200 nativos dobles a 25.600
  • Pantalla táctil de 5 ″ 1920 x 1080
  • Grabe hasta 120 fps HD con ventana
  • Ranuras para tarjetas CFast 2.0 y SD / UHS-II
  • Grabación externa a través de USB tipo C
  • Rango dinámico de 13 pasos, compatibilidad con 3D LUT
  • Incluye licencia DaVinci Resolve Studio

Precio: $ 1,995

Si está interesado en la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K, aquí hay algunos artículos adicionales para ver que cubren todo, desde lentes hasta ajustes preestablecidos y cómo manejarla en el frío.


3. Nikon Z6 II

A un precio similar al de la Fujifilm X-T4 y la BMPCC6K, tenemos la única oferta de Nikon en nuestra lista con la Nikon Z6 II. Una continuación reciente de la Z6, la Z6 II es otra cámara de alta calidad y alta capacidad que ofrece muchas de las mismas especificaciones (como 4K a hasta 30 fps con salida HDMI de 10 bits), pero con su propio estilo distintivo de Nikon.

Si eres fanático de las cámaras o objetivos Nikon, esta es la cámara para ti. Y animo a cualquiera que mire las cámaras alrededor de este umbral de precio de menos de $ 3,000 (que se ha argumentado es el actual umbral para cámaras que no son de cine en el mercado) para al menos comprobar este también. Es posible que se enamore de su soporte N-Log y HLG (HDR) y su estética y ergonomía bien diseñadas.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS BSI de formato FX de 24.5MP
  • Procesadores de imagen Dual EXPEED 6
  • UHD 4K a hasta 30 fps
  • Salida N-Log y HDMI de 10 bits
  • Sistema AF de detección de fase de 273 puntos
  • Visor electrónico OLED de 3,6 millones de puntos
  • Pantalla LCD táctil inclinable de 3,2 ″ y 2,1 m de puntos
  • Reducción de vibraciones en el cuerpo de 5 ejes
  • Ranuras para tarjetas de memoria dobles

Precio: $ 1,996


4. Sony a7S III

Uno de los más grandes anuncios de cámara de 2020, El tan esperado seguimiento de Sony de su popular a7S II ha superado las expectativas en todos los aspectos. La Sony a7S III encaja perfectamente con la línea de ofertas de cámaras de cine y sin espejo digitales de la marca, a un precio elevado ($ 3,500) y con una enorme capacidad de grabación en 4K hasta 120 fps.

Por supuesto, no te equivocarás también echa un vistazo a la Sony a7R IV, que también llamó la atención con su reciente lanzamiento. Sin embargo, vamos a recomendar la a7S III aquí solo por la popularidad y familiaridad de la cámara para muchas personas en las comunidades de fotos y videos digitales..

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS Exmor R BSI de fotograma completo de 12 MP
  • Vídeo UHD 4K de hasta 120p, 4: 2: 2 de 10 bits interno
  • Salida RAW de 16 bits, HLG y S-Log3 Gammas
  • AF híbrido rápido de 759 puntos
  • EVF OLED QXGA de 9.44 millones de puntos
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3,0 ″ y 1,44 m de puntos
  • Estabilización de imagen SteadyShot de 5 ejes
  • Ranuras para tarjetas duales CFexpress tipo A / SD

Precio: $ 3,499


5. Panasonic Lumix S1H

Pasando del rango de $ 2,000, echamos un vistazo a las fantásticas cámaras que ofrece Panasonic con su Lumix S1H. Como puedes leer En nuestra redacción inicial, la S1H es definitivamente una cámara diseñada pensando en el profesional del vídeo moderno. Con capacidades para grabar videos de 6K a hasta 24 fps (junto con un respetable 4: 2: 2 DCI 4K de 10 bits), el S1H no debe confundirse con el enfoque de doble propósito. Lumix S1.

En general, si bien la S1H tiene un precio más alto que la BMPCC6K, para los fanáticos de otras cámaras Panasonic, como la súper popular Lumix GH4 y GH5—La S1H será una de las mejores opciones fuera de las cámaras de cine puro que veremos más adelante en nuestra lista.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 24.2MP
  • Vídeo de 6K hasta 24 fps
  • 4: 2: 2 DCI 4K / UHD 4K de 10 bits
  • V-Log, ISO nativo dual
  • LVF OLED de 5.76m-Dot con aumento de 0.78x
  • LCD táctil de inclinación / ángulo libre de 3,2 ″ y 2,33 m de puntos
  • Sistema AF DFD de 225 áreas con detección de contraste
  • Estabilización de imagen con cambio de sensor de 5 ejes

Precio: $ 3,999


6. Canon EOS R5

Muy bien, pasando a los grandes nombres de nuestra lista, la Canon EOS R5 casi sin ayuda ha marcado el comienzo de un nueva era de 8K el momento en que salió en marzo de 2020. Es una cámara audaz que empuja todo lo que pensamos que era posible para algo tan pequeño y asequible, con sus capacidades de grabación RAW 8K a hasta 30 fps (y 4K a hasta 120 fps).

Sin embargo, a medida que las expectativas han vuelto a la tierra, nos hemos visto obligados a preguntarnos: “¿Es la Canon R5 realmente una buena cámara para cineastas?? ” La respuesta es: simplemente depende de lo que esté buscando. El R5 ciertamente tiene un gran impacto en términos de recuento de píxeles, y Canon no se queda atrás en lo que respecta a la ciencia del color y las funciones enfocadas en video, pero puede que tampoco lo sea para todos.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 45 MP
  • Procesador de imágenes DIGIC X
  • 8K RAW hasta 30 fps
  • 4K a hasta 120 fps (video interno de 10 bits)
  • Estabilización de imagen de 5 ejes con cambio de sensor
  • CMOS AF II de doble píxel con 1053 puntos
  • Pantalla LCD táctil de ángulo variable de 3,2 ″
  • Seguimiento de sujetos con aprendizaje profundo
  • Ranuras para tarjetas de memoria CFexpress y SD UHS-II

Precio: $ 3,899


7. Sony Alpha 1

En noticias más recientes, y quizás como respuesta a la EOS R5 de Canon, Sony también ha anunciado una oferta propia sin espejo de 8K con la Sony Alpha 1 (estilizada como la Sony a1). Si bien esta cámara técnicamente aún no ha salido a la venta, debe llegar a las tiendas en marzo de 2021, por lo que la incluiremos en nuestra lista, ya que definitivamente será una de las opciones más populares del mercado en los próximos años.

Pero, ¿qué hace que este Sony a1 se destaque? De hecho, es similar a la Canon R5 con video 8K hasta 30 fps y 4K hasta 120p. Por un lado, el a1 promete capturar su video de 8K a 8.6K y sobremuestrearlo a 8K, junto con la ejecución habitual de la ciencia del color de Sony y la grabación S-Cinetone. Sin embargo, el mayor inconveniente inicial parece ser el precio. Por lo tanto, haga un pedido por adelantado si es fanático, si no, puede esperar hasta el lanzamiento y las primeras revisiones prácticas antes de haciendo su inversión.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS Exmor RS BSI de fotograma completo de 50 MP
  • Video de 8K hasta 30 fps
  • Vídeo 4K de hasta 120p en 10 bits
  • Salida de video RAW 4.3K de 16 bits, S-Cinetone
  • AF híbrido rápido de 759 puntos, Eye AF en tiempo real
  • Estabilización de imagen SteadyShot de 5 ejes
  • Wi-Fi MIMO de 5 GHz
  • Ranuras para tarjetas duales CFexpress tipo A / SD

Precio: $ 6,499


8. Blackmagic URSA Mini Pro 12K

Pasando a nuestra gama de cámaras de cine, ahora podemos aventurarnos en el salvaje mundo del vídeo de 12K con la Blackmagic URSA Mini Pro 12K. Anunciado originalmente En julio de 2020, la URSA Mini Pro 12K fue una sorpresa. Blackmagic ya tenía una gran cámara de cine de caballos de batalla documental con el URSA Mini Pro 4.6K G2. Sin embargo, a la industria le encanta perseguir ese número de píxeles y la URSA Mini Pro 12K no defrauda. (La única pregunta sigue siendo: ¿Cuándo y por qué realmente necesitas 12K?)

Aún así, esta cámara es una bestia, con su sensor CMOS 12K Super 35 HDR, que graba 12K hasta 60 fps, DCI 8K hasta 120 fps, y aún puede presionar 14 pasos de rango dinámico para hacer que incluso las situaciones más brillantes u oscuras parezcan. cinemáticamente hermoso. Este espacio para cámaras de cine de alta gama (perfecto para documentos y funciones) se llena de repente, incluso en el rango de precios de $ 10,000.

Especificaciones completas:

  • Sensor CMOS 12K Super35 HDR
  • 12K 17: 9 hasta 60 fps
  • 12K 2.4: 1 hasta 75 fps
  • DCI 8K hasta 120 fps
  • 4K Super16 hasta 220 fps
  • Rango dinámico de 14 pasos
  • Montura de lente PL que puede cambiar el usuario
  • 80MP / fotograma Blackmagic RAW
  • Grabación dual en tarjeta CFast o SD

Precio: $ 9,999


9. Canon C300 Mark III

La Canon C300 Mark II ha sido considerada durante mucho tiempo la “Estándar dorado”Para la realización de documentales de alta calidad. Sin embargo, con la introducción del C300 Mark III, Canon parece haberse superado a sí misma con una opción aún más potente, versátil y confiable de una de sus cámaras de cine insignia.

Con su sensor DGO Super 35 mm, el C300 Mark III puede impulsar video 4K a hasta 120 fps mientras ofrece 16 paradas de rango dinámico, junto con 4K DCI / UHD hasta 120 fps. Sin embargo, el verdadero quid de la oferta de la C300 Mark III proviene de la gran variedad de accesorios, complementos y versatilidad general de la cámara para disparar durante largos períodos de tiempo y en una amplia variedad de situaciones. Es perfecto para documentales, junto con videos corporativos o cortometrajes.

Especificaciones completas:

  • Sensor de salida de doble ganancia (DGO) de súper 35 mm
  • 4K hasta 120 fps
  • Recorte 2K hasta 180 fps HDR
  • Cinema RAW light y códec XF-AVC H.264
  • Montura de objetivo EF, procesador de imagen DIG! C DV7
  • CMOS AF de doble píxel y detección de rostros
  • Monitor de pantalla táctil LCD LM-V2 de 4.3 ″
  • Grabación de audio 12G-SDI y 4 canales
  • 2 ranuras CFexpress, Canon Log2 y 3

Precio: $ 10,999


10. ARRI ALEXA Mini LF

Finalmente, completamos nuestra lista con el ARRI ALEXA Mini LF de gran formato, que representa la clase más alta del cine digital profesional. La marca ARRI ha sido durante mucho tiempo sinónimo de producción de video de alta gama para todo, desde anuncios televisivos de gran presupuesto hasta funciones independientes y de gran éxito. Sin embargo, como vimos cuando se anunció por primera vez, el ALEXA Mini LF es único en su diseño, que encaja perfectamente con su sensor de gran formato en su cuerpo ALEXA Mini.

El resultado general es una construcción de “cámara pequeña y de gran formato”, una cámara perfecta para cualquiera que busque alcanzar ese UHD de nivel de Netflix, mientras empuja 4K nativo en ARRIRAW hasta 60 fps. Para muchos, sin embargo, esta cámara será un prospecto de alquiler, ya que todavía se vende a alrededor de $ 60,000 o más, dependiendo del equipo que necesitará para manejarla. Aún así, en lo que respecta a las cámaras de cine de alta gama en 2021, esta podría ser la mejor opción para el desglose de sus funciones.

Especificaciones completas:

  • Sensor de gran formato 4448 x 3096
  • Grabación 4K nativa en ARRIRAW y ProRes
  • Montura de lente LPL optimizada de gran formato
  • Puerta abierta, modo anamórfico 16: 9 y 2,39: 1
  • 800 ASA nativo, más de 14 pasos de rango dinámico
  • Matriz de modos de captura ARRIRAW y ProRes
  • Adaptador PL a LPL incluido

Precio: Alquiler


Imagen de portada de gnepphoto.

Para obtener más reseñas, guías y conocimientos sobre cámaras, consulte estos artículos a continuación.

Cómo produje 6 programas desde la mesa de mi comedor

Desde líneas de tiempo hasta contenido, consejos de un productor experimentado sobre cómo mantenerse organizado, creativo y evitar el agotamiento. ¡Vamonos!

Seis galas virtuales, tres meses de Internet irregular de Spectrum y un niño en aprendizaje remoto son el escenario perfecto para perder la mente de producción. Estoy aquí para decirte que sobreviví. Y tú también lo harás.

Muchos de ustedes lo han estado haciendo durante meses, bravo por mi producción. Me inclino ante ti y un saludo al universo rudo que lo alineó todo y mantuvo a muchos de nosotros empleados con equipos increíbles, clientes que confían en nosotros e innovación emergente que nos conecta.


Línea de tiempo ¡Todo!

Actualice su cronología
¡Actualice su línea de tiempo a menudo! Imagen vía NicoElNino.

Sí, acabo de convertir la palabra línea de tiempo en un verbo. No puedo decirte lo importante que es cronograma de producción (no una línea de tiempo de publicación, obviamente) es cuando se trata de clavar esos entregables, revisiones y aprobaciones. Puede que estés pensando: “Maldita sea, Tanya, no es broma. Eso es una obviedad “. Luego, respondía: “Escuche, sé cómo crear uno, pero ¿lo actualiza con frecuencia? ¿Agrega nuevos entregables? ¿Está tu tratamiento gráfico en él? ¿Lo está mirando su cliente? “

Tómelo de esta reina de los ojos de reojo, obtenga todo lo que necesita revisiones y aprobaciones en la línea de tiempo lo antes posible. Luego, escalone en más líneas, ya que es inevitable que aparezcan nuevas solicitudes. Mientras se comunica con un cliente durante la semana, copie y pegue las fechas importantes de esa semana en un correo electrónico para ellos o menciónelo en su llamada de estado. Recuérdele demasiado, a menos que le digan que se detenga. ¡Auge!


Google Docs es el camino

Documentos de Google
Deje que los documentos de Google lo ayuden a mantenerse organizado. Imagen vía Dennizn.

Producir seis galas virtuales de septiembre a diciembre requirió mucha organización y concentración. Los documentos de Google me ayudaron a superar cada paso del proceso. Pude optimizar todos los activos manteniendo a mi equipo organizado en un solo espacio. Google Drive es fácil de usar en general, ya que proporciona recursos compartidos para documentos de trabajo, ¡especialmente para notas de publicaciones!

  • Comience con un ROS en Google Drive con Google Sheets. ROS es la carrera del espectáculo. El ROS es su desglose, o su lista de segmentos, para el programa que la mayoría de los clientes ya han creado.
  • Crea un tratamiento. Una vez que identificamos los elementos en Google Sheets, creé un tratamiento en documentos para que el cliente y el equipo pudieran tener una idea de cómo fluiría el programa: una versión de guion gráfico. Fue fácil transferir el contenido de ROS en Hojas de cálculo, simplemente cortando y pegando en una tabla de tres columnas en Documentos. Te animo a que uses esas tablas para agregar imágenes, ángulos de cámara, títulos gráficos, cada detalle que ayude al cliente a conseguirlo. Puede agregar el guión más tarde, una vez que se complete la transmisión.
  • Escriba una introducción al tratamiento y describa vívidamente la apariencia, el estilo de filmación y la tonalidad del espectáculo. Puentee los mensajes del cliente aquí. ¡Deben confiar en que lo entiendes! Este no es tu guión.

No probé Presentaciones de Google, pero cuéntame cómo te funciona.


Diferentes clientes, nuevos enfoques

Comprenda el objetivo de su cliente
Mantenga cada misión fresca. Imagen vía IfH.

Cada show virtual era diferente porque los clientes y sus misiones eran diferentes. Algunos clientes querían llevar a casa donaciones o menciones de celebridades, mientras que otros daban prioridad a las historias personales. Tuvimos que mantenerlo fresco y evitar imitar el mismo formato y creatividad en los seis programas.

  • Observe el factor de ronquido y aburrimiento. Divida el contenido, no alinee a los oradores uno tras otro. Piense en formas de mantener el interés de la audiencia. Infunde entretenimiento: ¡la música siempre gana! Las celebridades, las personas influyentes, las actuaciones y un tratamiento gráfico estelar ayudan a romper los segmentos con más copias.
  • Aprovecha todo lo que miras o de lo que eres fan. Desde estilos de rodaje social hasta cortometrajes, Guau el cliente como experto. Este es uno de mis controles remotos favoritos conversaciones de video entre Barack Obama y Kamala Harris, lo que nos inspiró a llevar la entrevista de Zoom a otro nivel.

No te pierdas

Establezca un horario, pero tómese un tiempo para usted. Imagen vía Estudios LightField.

Preséntese en su propia mesa de comedor o en la situación de la FMH y establezca la intención de no deja que todo este trabajo te convierta en un cascarrabias confinado en casa.

  • Aléjate y toma un poco de aire. Un IG rápido en vivo rutina de ejercicio con mi nuevo @isaacboots favorito, o intente levantarme cada dos horas y reiniciar.
  • Almorzar. No tenga hambre porque esperó hasta las 3 p.m. para comer.
  • Pon música cuando no estés hablando con alguien. La música me ha mantenido feliz y tranquilo durante esta pandemia. Me encanta la lista de reproducción Soul Coffee en Spotify.
  • Nos encanta “Club Quarantine After Dark” y jammin ’con D-Niza, pero escucha la repetición mañana y guarda ese teléfono. ¡Ve a dormir!
  • Crea límites. Decir No a los miembros de su equipo si no necesita estar en todas las llamadas. O si, francamente, alguna actividad no es su trabajo. Tienes suficiente trabajo en tus manos.
  • Haz espacio para crear en tu tiempo personal. Libera espacio de toda la resolución de problemas y de los incansables intercambios durante la semana. Y es tuyo para crear a tu ritmo. Escribí un diario y hice collages.

Control de calidad de su contenido

Revisa tu trabajo
Tú eres el productor, comprueba la calidad del trabajo. Imagen vía mimagephotography.

Conozca las especificaciones de entrega, hable para publicar, pruebe y observe todo antes de que llegue al cliente. No confíe en otros miembros del equipo para el control de calidad (control de calidad) del programa que produjo.


En general, usted conoce mejor su cronograma de producción y su equipo. Use estas herramientas para organizar su proyecto de principio a fin, y estará preparándose para el éxito y para proyectos más grandes y malos en el futuro.


Imagen de portada vía Prostock-estudio.

Para obtener recursos adicionales sobre cinematografía, consulte estos artículos:

Producción de video amateur vs profesional: lea la diferencia

La producción de video se encuentra ahora entre las estrategias comerciales más importantes para ayudar en el conocimiento de la marca y también aumenta la conversión de ventas. Cualquiera que sea el tipo de negocio que esté ejecutando hoy, es posible aprovechar el poder del video marketing para mantenerse por delante de la competencia. Muchas marcas incluso han construido equipos internos para realizar producciones. Otros están usando cualquier cámara disponible para disparar imágenes de aficionados.

El único problema es que es fácil diferenciar entre contenido amateur y profesional. Si considera la eficacia de esta herramienta de marketing para cualquier campaña, no es recomendable intentar ahorrar dinero comprometiendo la calidad. El consumidor moderno está muy interesado y distinguirá entre producciones de calidad y de mala calidad.

El uso de materiales de marketing para aumentar la visibilidad de su marca es muy valioso, especialmente en la era digital. Contratar a un camarógrafo profesional o una compañía de producción de video puede, de hecho, ahorrarle dinero y mostrar su marca de la manera correcta. No cometa el error de utilizar una solución de aficionados solo para ahorrar dinero porque puede volverse en contra. Recuerde que todo lo que publique representa su marca y nunca podrá ser retirado. Si se pregunta cómo es posible distinguir entre producción de video amateur y profesional, considere lo siguiente.

Proveedores de servicios de producción de video aficionados vs profesionales

  1. Falta de diversas tomas de cámara: un camarógrafo profesional sabe qué es visualmente atractivo y puede obtener tantos ángulos creativos como sea posible de manera eficiente. Tales ángulos ayudan a contar su historia de manera más creativa y esto impulsa su marca. Con la experiencia que estos profesionales aportan, tiene la ventaja de obtener más disparos y ahorrar tiempo. Un aficionado está limitado en cuanto a la cantidad de disparos que recibe porque no está bien versado en el uso del equipo y no sabe qué ángulos funcionan mejor para contar la historia de manera efectiva.

  2. Mala calidad de audio y visual: uno de los mayores errores que puede cometer cualquier especialista en marketing es crear un video de mala calidad con fines de marketing. Con la popularidad del contenido visual en todas las plataformas, no hace falta decir que su contenido eventualmente podría hacerse notar, pero luego se usará para ridiculizar su marca. Este es el mayor peligro para cualquier marca de empresa que esté en línea. Esto sucede principalmente cuando utiliza aficionados para su producción. Cuando tiene un experto trabajando para usted, tiene la seguridad de un contenido de alta calidad porque el equipo necesario para filmar está disponible y se utiliza su importante experiencia técnica. Además, entienden el mejor entorno y utilizan otros equipos especializados, como micrófonos externos y estabilizadores de cámara, trípodes, dispositivos de mano para garantizar la calidad. Otras consideraciones incluyen la iluminación, que trabaja para mejorar la calidad del video y el contenido.

  3. Scripting antinatural: si no hay nadie con habilidades para escribir guiones, puede apostar que el producto final no tendrá un mensaje claro y conciso. Muchas ideas que se ven bien en papel no pueden funcionar cuando se produce contenido visual. Si alguna vez ha visto un comercial que no deseaba completar por falta de lógica, busque un experto para evitar hacer uno similar.

  4. Técnicas de edición: una mala edición puede acabar con la mejor línea argumental de una producción de vídeo.. Para los aficionados, no hay mucho que hacer una vez que se ha realizado el rodaje, pero para un profesional, la edición es la fase más importante.

Una guía completa sobre cómo obtener el efecto Bokeh

En este video tutorial, veremos todas las diferentes formas de crear efectos bokeh en su metraje de video. Veremos cómo crearlos en la cámara, agregarlos en la publicación e incluso cómo podemos crearlos con efectos y complementos.


¿Qué es el bokeh?

El término bokeh generalmente se refiere a los “orbes de luz” desenfocados que ves en fotos o videos. Una definición más formal de bokeh sería: la forma en que se procesa la luz desenfocada.

Círculos de luz bokeh
Bokeh u “orbes de luz”.

Efectos bokeh en la cámara

Sin ser demasiado técnico, si está tratando de lograr efectos bokeh en la cámara, hay cuatro cosas principales que determinan la calidad de su bokeh. Son el número f de su lente, la posición de su sujeto, el tamaño del sensor de la cámara y las lentes de zoom.

  Efectos bokeh en la cámara
Aprenda a lograr efectos bokeh en la cámara.

Objetivo F-Stop

En primer lugar, para un bokeh más grande, querrá usar una lente con un número f-stop bajo. Mucha gente se refiere a estos como lentes “rápidos”. Por lo general, serán lentes fijos, como 50 mm f / 1.4.

Cuando abres la apertura por completo af / 1.4, obtendrás una profundidad de campo increíblemente baja, lo que dará como resultado algunos efectos bokeh drásticos.

50 mm F-stop
La lente de 50 mm f / 1.4.

Posicionamiento de su sujeto

Al intentar lograr un efecto bokeh, la posición del sujeto es extremadamente importante. Deberá colocar el sujeto bastante cerca de usted, ya que esto permitirá que el fondo se desenfoque más. Esto da como resultado un bokeh más grande en el fondo distante.

Párate cerca de tu sujeto
Párese cerca de su sujeto.

Sensor de cámara

En resumen, cuanto más grande sea el sensor de la cámara, más fácil será lograr una profundidad de campo profunda y poco profunda. Esto da como resultado un mayor potencial de bokeh para su fondo. Los sensores de cámara más grandes generalmente permiten más luz, lo que brinda la posibilidad de un área de enfoque estrecha.

Sensor de cámara
Un bokeh más grande suele ser más fácil con un sensor de cámara más grande.

Lentes de zoom

Finalmente, si todo lo demás falla, puede usar lentes con zoom. Cuando hace zoom en su sujeto, está limitando efectivamente el campo de visión. Entonces, las formas pequeñas de bokeh se volverán bastante grandes. Esto se debe simplemente al hecho de que has hecho zoom. Este es un buen truco si tienes lentes “lentos” o un sensor de cámara pequeño, como Micro Four Thirds.

Utilizar lentes con zoom
Acercar un sujeto cercano aumentará el tamaño del bokeh.

Formas de Bokeh personalizadas

También puede ajustar la forma del bokeh en la cámara utilizando modificadores como filtros de lentes personalizados. los CineMorph El filtro de lente es uno de los populares que ayuda a replicar el bokeh de forma ovalada de las lentes anamórficas.

Filtro de lente CineMorph
El filtro de lente CineMorph crea un bokeh de forma ovalada.

Incluso puede crear sus propias formas de bokeh personalizadas recortando una forma en un trozo de papel de construcción y sosteniéndola frente a la lente de su cámara. Querrá hacer el orificio de la forma bastante grande y usarlo en una lente con un f-stop bajo, con la apertura bien abierta.

Formas de Bokeh personalizadas
Crea tus propias formas de bokeh personalizadas.

Si desea saber aún más sobre la personalización de lentes, consulte Todd BlankenshipTutorial sobre el Blog de Shutterstock en Cómo modificar sus propias lentes.


Agregar efectos Bokeh en la publicación

Agregar efectos bokeh a las secuencias de video en la publicación es una buena manera de acentuar una toma. La forma más sencilla es utilizar un metraje de superposición de bokeh. Y, por suerte para nosotros, RocketStock tiene un Paquete gratuito de superposiciones de prisma Bokeh ¡nosotros podemos usar!

Para aplicar estos, agregue un clip de superposición de bokeh por encima de su metraje existente, luego configure el metraje de superposición de bokeh a un Modo de fusión de pantalla o agregar. Consulte nuestro tutorial sobre Usos creativos de las superposiciones de bokeh para conocer aún más casos de uso.


Creación de Bokeh con efectos

También podemos crear nuestro propio “bokeh digital” utilizando efectos y complementos. Comenzaremos con un vistazo al mejor efecto bokeh incluido con Despues de los efectos y Premiere Pro. También veremos un complemento de terceros y un ajuste preestablecido gratuito de After Effects.

Desenfoque de la lente de la cámara

El efecto Desenfoque del objetivo de la cámara es un efecto fantástico para crear un bokeh realista y está integrado en Premiere Pro y After Effects. Simplemente aplíquelo a su metraje y aumente el radio de desenfoque. Luego puede personalizar las opciones de bokeh desde allí. Una cosa a tener en cuenta es que el efecto Desenfoque de la lente de la cámara se procesa con bastante lentitud. Tenga esto en cuenta si se ralentiza mientras lo usa.

Efecto de desenfoque de la lente de la cámara
Bokeh creado con el efecto Desenfoque de lente de cámara.

Bokeh de esferas cruzadas

Bokeh de esfera cruzada es un complemento para After Effects que crea efectos bokeh similares a Camera Lens Blur. Sin embargo, creo que Crossphere Bokeh hace un trabajo mucho mejor y ofrece a los usuarios aún más opciones de bokeh. También se procesa extremadamente rápido. Una de las características interesantes que ofrece Crossphere Bokeh es la capacidad de personalizar la forma del bokeh.

Mejor preajuste de Bokeh

Finalmente, Complementar todo ha creado un ajuste preestablecido gratuito de After Effects llamado Mejor Bokeh. Corrige la gamma nativa en After Effects para hacer que los efectos de desenfoque parezcan más realistas y le brinda un efecto bokeh aún mejor.


Adición de efectos bokeh a las fotos

¿También se pregunta cómo agregar efectos bokeh a las fotografías? Bueno, el proceso es similar a agregarlos al metraje de video. Echa un vistazo Jessica SafkoTutorial sobre Shutterstock para Cómo agregar superposiciones de bokeh a las fotos. Además, puedes descargar el bokeh y superposiciones ligeras que usa del artículo, ¿y mencionamos que también son gratuitas?

Si desea mejorar las luces de fondo que ya están en su foto en lugar de agregar una superposición, no hay problema. Simplemente usar la herramienta Desenfoque de campo en Photoshop para crear ese efecto bokeh.


¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

Para obtener artículos adicionales sobre consejos y trucos en vídeo, consulte estos:

Imagen de portada de GRSI.

Las 6 mejores cámaras cinematográficas por menos de $ 1,000

Desde cámaras de acción hasta cámaras sin espejo y todo lo que hay en el medio, exploremos las mejores cámaras de video y cinematografía en un gran.

Si escuchas hablar a cualquier gran cineasta independiente o director de autor, te hablará de una innegable pasión por el cine. Probablemente también escuche anécdotas de haber crecido con una cámara barata en la mano, así como historias de guerra de filmar sus primeros cortos o largometrajes con un presupuesto reducido con la cámara más barata que pudieron encontrar.

Y sí, hay muchas cámaras increíbles actualmente en el mercado, y casi todos los días llegan nuevos avances tecnológicos. (Caso en punto, Sony acaba de anunciar el Alpha 1, un gigante de video de 50MP 8K). Pero el objetivo de la videografía y la realización de películas no es solo perseguir la mayor cantidad de píxeles o tecnología. Es hacer contenido sólido y películas increíbles.

Por lo tanto, sean cuales sean sus necesidades de película y video, en lugar de romper el banco con una nueva cámara de cine de más de $ 5,000, aquí hay seis opciones para cámaras de video de alta calidad y bastante capaces que cuestan menos de $ 1,000.


1. Mejor cámara de acción: GoPro Hero9 Black

Desglosando nuestras selecciones por diferentes tipos de cámaras, comenzaremos con una de las más confiables y posiblemente la más fácil de usar. Las cámaras de acción (también conocidas como “cámaras de acción”) pueden hacerte pensar en contenido de vlogs de ciclismo de montaña, pero, en realidad, pueden ser algunas de las opciones más poderosas y capaces del mercado. Además, están diseñados para brindar durabilidad, flexibilidad y trabajar en las situaciones más salvajes.

Actualmente en el mercado, no encontrarás nada mejor o más asequible que la última oferta de GoPro con GoPro Hero9 Black. Solo desde una perspectiva cinematográfica pura, esta cámara es impresionante. Como una actualización de la versión anterior de Hero8, la Hero9 Black ha aumentado aún más su sensor a 23.6MP para ofrecer grabación de video de 5K a hasta 30 fps.

También hay toneladas de las características habituales que encontrará con una cámara de acción GoPro, además de una estabilización de imagen mejorada que puede rivalizar con la suavidad de muchas configuraciones de cardán del mercado. Obviamente, no obtendrá lentes intercambiables o un efecto cinematográfico puro para muchas de sus tomas, pero para una opción fácil de usar que literalmente puede llevar a cualquier lugar, es la cámara perfecta para considerar desde el principio.

mejores características:

  • Sensor de 23.6MP
  • Vídeo de 5K a hasta 30 fps
  • 8 veces en cámara lenta
  • Pantalla frontal de visualización en vivo / pantalla táctil trasera
  • Estabilización de imagen HyperSmooth 3.0
  • 33 ′ resistente al agua sin carcasa externa
  • Modos de lapso de tiempo y lapso de noche
  • Batería con una capacidad de 1720mAh un 30% más larga

Precio: $ 449


2. Mejor cámara móvil: iPhone 12 Pro

Después de considerar una cámara de acción como la GoPro Hero9, es posible que también desee examinar detenidamente el teléfono inteligente en su bolsillo para sus necesidades cinematográficas. Como hemos visto con el auge de la tecnología de cámaras de teléfonos inteligentes, así como la rápida adopción de iPhones que se utilizan para las principales películas, estos últimos teléfonos móviles con cámara se están volviendo bastante impresionantes y poderosos.

Si bien la verdadera opción de primera línea para la cámara de un teléfono inteligente podría ser el iPhone 12 Pro Max, en realidad vamos a recomendar el iPhone 12 Pro aquí, ya que actualmente se encuentra justo en nuestro umbral de $ 1,000 (precio / tarifas sujeto para cambiar a través de proveedores). Ambas cámaras ofrecen un sistema de cámara de 12 megapíxeles, que incluye una combinación de tres lentes (telefoto, gran angular y ultra gran angular) con algunas ligeras variaciones en la apertura y los rangos de zoom óptico entre los dos.

Sin embargo, los verdaderos puntos de venta de usar un iPhone 12 Pro para sus proyectos de películas y videos provienen del video 4K a hasta 60 fps. En 4K, obtendrá mucha estabilización junto con zoom óptico (hasta 4x) y zoom digital (hasta 10x). También obtendrá video en cámara lenta a 1080p hasta 240 fps, además de otras aplicaciones como funciones de modo de lapso de tiempo y noche.

mejores características:

  • Sistema de cámara profesional de 12 MP: cámaras ultra gran angular, gran angular y telefoto
  • Grabación de video HDR con Dolby Vision hasta 60 fps
  • Grabación de video 4K hasta 60 fps
  • Rango de zoom óptico 4x
  • Zoom digital hasta 6x
  • Soporte de video en cámara lenta para 1080p hasta 240 fps
  • Estabilización de video cinematográfica (4K, 1080p y 720p)
  • Video de enfoque automático continuo
  • Puede tomar fotos fijas de 8MP mientras graba videos 4K

Precio: $ 999


3. Mejor apuntar y disparar: Panasonic Lumix DMC-LX10

Pasando de las cámaras de acción y los teléfonos inteligentes, todavía hay muchas otras opciones de cámara que son baratas y asequibles fuera de las DSLR y sin espejo (llegaremos a ellas en un momento). Para muchos, la noción de usar una cámara de apuntar y disparar para cualquier cosa fotografía de viajes puede ser un poco tonto, pero escúchanos. Hay algunas opciones de calidad de apuntar y disparar que en realidad son bastante impresionantes en estos días. El caso en cuestión sería la Panasonic Lumix LX10.

Con una cámara de apuntar y disparar como la Lumix LX10, realmente está invirtiendo en compacidad, sin perder la calidad de tener una lente mucho mejor a su disposición, que una cámara de acción o un teléfono inteligente no pueden ofrecer. El LX10 es extremadamente asequible (probablemente más barato que su teléfono inteligente) y toma excelentes fotos y videos. Con un sensor de 20,1 megapíxeles, el LX10 puede grabar video UHD 4K a hasta 30 fps. También obtendrá una lente Leica DC Vario-Summilux f / 1.4-2.8 incorporada, que debería cubrir prácticamente todas las tomas que necesita con su rango de zoom 3x (que ofrece el equivalente a una cobertura de 24-72 mm).

Hemos enumerado el precio en $ 699, pero generalmente puede encontrar esta cámara a la venta por mucho más barato. Ya sea como una opción fácil de usar para correr y disparar, o como respaldo para servir en un apuro, el LX10 es otra opción asequible por debajo de los $ 1,000.

mejores características:

  • Sensor MOS de 20.1MP
  • Objetivo Leica DC Vario-Summilux f / 1.4-2.8
  • 24-72 mm (equivalente a 35 mm)
  • LCD de pantalla táctil inclinable 180 ° de 3.0 ″
  • Vídeo UHD 4K a hasta 30 fps
  • HYBRID O.I.S. + de 5 ejes, sistema AF de 49 áreas
  • Conectividad Wi-Fi incorporada

Precio: $ 699


4. Mejor sin espejo económico: Fujifilm X-T30

Aunque quizás sea más conocido por sus cámaras fotográficas en el pasado, Fujifilm se ha convertido rápidamente en uno de los mejores fabricantes de cámaras multipropósito que ofrecen mucho a su camarógrafo y cineasta cotidianos por igual. La Fujifilm X-T30 continúa esta tendencia con un sensor CMOS de formato APS-C de doble enfoque de 26,1 megapíxeles que ofrece un video 4K respetable a hasta 30 fps, pero con una gama de tecnología y características altamente profesional que proporciona hermosas imágenes de video.

Como nuestra mejor opción sin espejo para una cámara muy por debajo del umbral de $ 1,000, la X-T30 incluye algunas de las mejores tecnologías de enfoque automático para su precio, lo que abre todo un mundo de grabación estilo vlog, además de permitir que los principiantes se sientan cómodos detrás de la cámara. Por supuesto, con esta cámara sin espejo, también puede elegir sus propios lentes para una amplia variedad de cobertura. El X-T30 también cuenta con su Fujifilm F-Log Gamma para ayudar a quienes se adentran más en el rico mundo de escala de colores. Esta es una cámara perfecta para aquellos que comienzan con la videografía sin espejo que no lo hará retroceder demasiado y puede permanecer en su arsenal durante años a medida que se actualiza más tarde.

mejores características:

  • Sensor CMOS 4 APS-C de 26.1MP
  • Grabación de video DCI y UHD 4K a hasta 30 fps
  • F-Log Gamma
  • Visor electrónico OLED de 2,36 m de puntos
  • Pantalla táctil LCD inclinable de 3,0 ″ y 1,04 m de puntos
  • Enfoque automático con detección de fase de 425 puntos
  • ISO ampliado 80-51200
  • Bluetooth y Wi-Fi

Precio: $ 899


5. Mejor DSLR económico: Nikon D5600

Al observar las opciones de cámaras de primera línea en el mercado, uno podría argumentar fácilmente que las DSLR ahora son cosa del pasado, y que las cámaras sin espejo se están convirtiendo en el nuevo estándar. Sin embargo, para aquellos cineastas y videógrafos ahorrativos, las DSLR se han convertido ahora en una opción mucho más asequible a medida que las cámaras más antiguas tienen caídas de precios y las reventas llegan al mercado. Una cámara réflex digital fantástica que sigue siendo relevante es la Nikon D5600, que ha demostrado ser una opción de caballo de batalla en demanda para cualquiera que busque grabar videos y fotografías digitales.

Con un formato CMOS de 24,2 megapíxeles y el procesador de imagen EXPEED 4 de Nikon, la D5600 ha perfeccionado la grabación de video Full HD 1080p a hasta 60 fps. Sí, no es 4K (u 8K), pero si está grabando secuencias de video simplemente para cargas en línea y redes sociales, estará encantado con los tamaños de archivo pequeños, los tiempos de carga cortos y la calidad de reproducción.

Para la D5600, que actualmente cuesta $ 699 (mucho menos de $ 1,000) solo para el cuerpo, recomiendo mirar varias de las opciones de lentes del kit, como 18-55 mm o 18-140 mm, para brindarle una gama completa de cobertura. desde el salto. Sin embargo, con su sistema de lentes intercambiables, ciertamente puede mezclar y combinar mientras crea su compilación favorita de lentes, nuevas y antiguas.

mejores características:

  • Sensor CMOS de 24.2MP
  • Procesador de imagen EXPEED 4
  • Pantalla táctil de ángulo variable de 3,2 ″ y 1,037 m de puntos
  • Grabación de video Full HD 1080p a hasta 60 fps
  • Sensor AF Multi-CAM 4800DX de 39 puntos
  • SnapBridge Bluetooth y Wi-Fi con NFC
  • Grabación de películas a intervalos

Precio: $ 699


6. Mejor All-Around: Canon EOS RP

Finalmente, una línea de cámaras que siempre causará controversia, el sistema R de cámaras sin espejo de Canon ha polarizado a la comunidad de video, ya que el fabricante finalmente se alejó de las DSLR y adoptó un futuro sin espejo. Sin embargo, aunque algunos podrían haberse burlado de la oferta inicial de Canon EOS R, no permita que esas malas críticas lo alejen de la Canon EOS RP, que corrigió muchos de los problemas y en realidad ha demostrado ser una herramienta poderosa, pero igualmente asequible. Opción de cámara sin espejo.

Además, solo para el cuerpo, la EOS RP acaba de superar el umbral de poco menos de $ 1,000, lo que es una ganga para lo que esta cámara tiene para ofrecer a los aspirantes a camarógrafos. Si bien es posible que no impulse videos de 8K como el Canon EOS R5 puede, el RP cuenta con una espectacular grabación de video UHD 4K de fotograma completo. El RP es una versión para principiantes más liviana del ahora insignia R5 y presenta casi todas las mismas grandes ventajas con su pantalla táctil LCD, tecnología avanzada de enfoque automático y conectividad Wi-Fi y Bluetooth.

Si está buscando una cámara asequible hoy en día, la RP es el camino a seguir. Además, si actualiza a una Canon más cara en el sistema R, la RP servirá como una cámara B fenomenal para tomas más avanzadas.

mejores características:

  • Sensor CMOS de fotograma completo de 26.2MP
  • Procesador de imagen DIGIC 8
  • Grabación de video UHD 4K hasta 24 fps
  • Vídeo Full HD 1080 hasta 60 fps
  • Visor electrónico OLED de 2,36 m de puntos
  • Pantalla LCD táctil de ángulo variable de 3 ″ y 1,04 m de puntos
  • CMOS AF de doble píxel
  • Conectividad Wi-Fi y Bluetooth

Precio: $ 999


Imagen de portada de la Fujifilm X-T30 (vía Fujifilm). Esta publicación apareció originalmente en marzo de 2020 y se ha actualizado para reflejar el mercado actual.

Para obtener más guías de compra e información sobre la cámara, consulte estos resúmenes a continuación.

¿Son los filtros UV transparentes una ventaja o una desventaja para lentes costosos?

A UV o no a UV. Exploremos los pros y los contras de los filtros UV y cuándo y cómo puede ser su mejor amigo.

Si pensó que el debate entre Sony y Canon fue ruidoso, es posible que lo encuentre tranquilo en comparación con la discusión sobre los filtros UV. Hay fotógrafos que creen que colocar un filtro UV / Clear en una lente costosa como medida de seguridad es una necesidad, y quienes argumentan que los filtros UV son una pérdida de tiempo y un impedimento para la calidad de la imagen, por mínimo que sea.


¿Por qué utilizar un filtro UV?

Al disparar con película de 35 mm, el celuloide es susceptible a la luz ultravioleta. Como resultado, al fotografiar en condiciones de mucha luz solar, digamos la playa o una reserva natural abierta, encontrará que las fotografías reciben un ligero tinte azul en los colores, o tal vez otros tonos ligeramente descoloridos. Para contrarrestar esto, se podría usar un filtro UV para minimizar la luz UV, lo que da como resultado una fotografía con colores más precisos. Los filtros UV también fueron ligeramente útiles al comienzo de la era de introducción de las cámaras digitales, cuando los sensores no eran capaces de anular por completo la luz ultravioleta.

Fuji Pro 400H
Esta foto mía tomada con Fuji Pro 400H se habría beneficiado enormemente de un filtro UV.

Sin embargo, en 2021, simplemente no será un problema con los sensores digitales modernos y el procesamiento RAW. Los sensores de corriente filtrarán agresivamente la luz ultravioleta mejor que cualquier filtro conectado al frente de la lente. Como tal, al colocar un filtro UV en una lente conectada a una DSLR moderna o una cámara sin espejo, se convierte en nada más que una pieza adicional de vidrio en su lente. Y, a diferencia de un filtro ND o un filtro polarizador, el vidrio UV no ajusta ópticamente sus fotos.

Entonces, ¿por qué usar uno?


El argumento a favor. . .

Sabiendo que un filtro UV no hace mucho en el camino de la tecnología moderna, puede parecer un punto discutible incluso usar uno. Sin embargo, a los fotógrafos les gusta usar el filtro, no para protegerse de los rayos UV, sino para proteger su lente.

Filtro UV en telefoto
Proteja su lente con un filtro UV. Imagen vía Jirayut Noramas.

No tanto en la forma de manejo pesado y caídas accidentales, sino como un medio para proteger el elemento frontal de una lente de arañazos, suciedad, líquidos y polvo. Después de comprar una lente tan cara, lo último que desea encontrar es que, cuando esté en el bosque, haya rayado accidentalmente el elemento frontal y tenga que enviarlo para una reparación costosa. Sin embargo, un filtro UV transparente, que solo será una fracción del costo de la lente, se puede reemplazar fácilmente si se daña.

Además, como Phil Steele señala en el video a continuación, cada vez que limpia su lente, está creando microabrasiones. Si bien los recubrimientos de lentes modernos son increíblemente resistentes, a largo plazo es posible que vea una degradación de la calidad de la lente si la limpia constantemente. Sin embargo, esto tendría que ser durante un período de tiempo significativo, con una limpieza continua en cada uso.

Como Phil también señala en su video, su filtro recibió una gota de alguna cosay cada vez que lo limpiaba, se manchaba aún más en la superficie del filtro; ni siquiera su tienda de cámaras local podía eliminar completamente la sustancia. Al final, simplemente tiró el filtro de $ 100. Si esta fuera la parte frontal de una lente, estaría esperando una reparación costosa.

Yo también puedo relacionarme un poco con este tema. Vivo en una región costera y siempre estoy fotografiando y filmando cerca de la costa. En los días con viento fuerte, hay una fina capa de niebla de agua salada cerca de la orilla del agua (anteriormente escrito un tutorial sobre cómo puede eliminar la neblina que crea). Todos sabemos lo traicionera que puede ser el agua salada para nuestros dispositivos electrónicos. Como tal, francamente prefiero limpiar la niebla de agua salada del vidrio de un filtro de $ 125 que una lente de $ 1799.

El Tl; dr: Los filtros UV son más fáciles de limpiar y más baratos de reemplazar que una lente nueva o el costo de reparación.


El argumento en contra. . .

Algunos ven la colocación de un filtro ineficaz como un impedimento para obtener la fotografía de la más pura calidad. Por tecnicismo, colocar cualquier vidrio o filtro adicional en la parte superior de la lente es solo otro elemento por el que debe pasar la luz. Los filtros más caros del mercado pregonan esto con una reducción del 0,5% en la luz, que, en realidad, no es prácticamente nada en general. Pero, es una reduccion.

El grado en que la fotografía puede verse obstaculizada depende completamente de la calidad del filtro. En la imagen de abajo (disculpe la calidad, la saqué de un archivo de historias de Instagram de enero de 2020), podemos ver la diferencia entre un filtro caro y un filtro económico. El vidrio no es transparente y hay una ligera tonalidad de color en el filtro, que se reflejará en sus fotografías y dará como resultado una mayor corrección de la publicación.

Filtro UV: económico vs. económico

Esto pinta otro detrimento si tiene la intención de utilizar un filtro UV. Comprar una lente de la serie Pro es costoso, y mucho menos otro 10% para un accesorio adicional.

Sin embargo, cuando se utiliza un filtro costoso que se ha diseñado correctamente para minimizar todos los posibles defectos de la imagen, la probabilidad de encontrar posibles problemas de color, nitidez o calidad debería estar en el nivel de la observación de píxeles. Eche un vistazo a esta imagen del 5D MK IV en un 24-70 mm 2.8 II.

Imagen original
Imagen original.

Esta es la imagen sin filtro.

Sin filtro
A continuación, se muestra un primer plano de la imagen sin filtro.

Esta es la imagen con un filtro de neblina ultravioleta con recubrimiento nano B + W de $ 130.

Filtro de neblina UV con revestimiento nano B + W
Aquí está la imagen con un filtro de neblina UV con recubrimiento nano B + W.

Estas son ambas imágenes una al lado de la otra con un recorte del 400%.

UV comparado
Las imágenes comparadas una al lado de la otra con un recorte del 400%.

¿Ves alguna diferencia? Yo tampoco.

Otro argumento en contra de los filtros UV es la posible inclusión de imágenes fantasma y destellos en circunstancias brillantes. Este es, en última instancia, el argumento más fuerte en contra del uso de un filtro UV para proteger la lente, ya que incluso los filtros multicapa pueden sufrir quemaduras en el ángulo correcto. En estas situaciones, si no tiene un parasol a mano, la única opción es quitar el filtro para detener el efecto fantasma.

Filtro UV económico
El resultado de un filtro UV económico.

El Tl; dr: Los buenos filtros UV son caros, pero aún pueden causar llamaradas.


A UV o no a UV

Este debate no va a desaparecer y, una vez que han elegido un bando, la gente parece reacia a cambiar de posición. En última instancia, al igual que las precauciones de seguridad, todo se reduce a la necesidad de estar preparado en caso de que ocurra un accidente, y si desea pagar por esa preparación, por muy improbable que sea un accidente.

Filtro en lente
Esté siempre preparado para los accidentes. Imagen vía Lost_in_the_Midwest.

Los lentes modernos son increíblemente resistentes y, de manera realista, la probabilidad de rayar severamente su elemento frontal es baja. Pero, es ese elemento de: “Bueno, ¿y si lo hiciera?” Los accidentes ocurren.

Desde 2008, he tenido alrededor de veintiocho lentes. Podríamos acercarnos a los años treinta si incluyéramos cámaras con lentes fijos como la serie Fuji X100. Si también tenemos en cuenta los objetivos que he recibido para revisar o los que han llegado con una cámara para revisar, estoy seguro de que podríamos llevar mi historial de objetivos hasta el margen de los cincuenta.

De los cincuenta lentes estimados que he tenido en mi poder, ¿cuántos he dañado? Cero. Cuido meticulosamente mis lentes. Y, por lo general, cuando me separo de ellos, están en tan excelentes condiciones que puedo enumerarlos y venderlos como “como nuevos”.

Sin embargo, durante dos años tuve un Cámara Blackmagic Pocket Cinema 4K, y en el objetivo, un Voigtlander de 17,5 mm, tenía un filtro ND variable conectado de forma permanente. No había necesidad de quitarlo y siempre fue necesario. Y, ¿qué tiene ese filtro en el centro? Un rasguño.

Rayar en el filtro

Sigue siendo un misterio si el Voigtlander también habría recibido un rasguño si el filtro no estuviera conectado, pero afortunadamente no tengo que saberlo.

Personalmente, estoy en el campo de usar filtros UV, ya que los lentes que tengo tienen un costo de $ 1500 hacia arriba. Yo uso el filtro de neblina UV con recubrimiento nano B + W, que tiene una transmisión de luz del 99,8%. Cada superficie de vidrio incluye varias capas de revestimiento antirreflejos para evitar el efecto fantasma interno. Para mí, estoy feliz de perder el 0.2% de luz para la tranquilidad de saber que la lente tiene esa capa adicional de protección si alguna vez ocurre un accidente.


Imagen de portada vía Koldunov Alexey.

Para obtener más información sobre filtros y lentes, consulte los artículos a continuación:

Una mirada a las cámaras utilizadas en el Festival de cine de Sundance 2021

Charlamos con los realizadores de Sundance 2021 para explorar qué cámaras, lentes y equipo usaron y por qué. Vamos a sumergirnos.

En un año típico, las calles de Park City, Utah, estarían llenas de actividad. Los ejecutivos de los estudios se mezclaban con estrellas de renombre y cineastas independientes emergentes por igual, mientras hordas de prensa y fanáticos llegaban a la tranquila ciudad montañosa. Sin embargo, como muchos aspectos de la vida, este año será bastante diferente.

Sin embargo, mientras Festival de Cine de Sundance 2021 puede que no esté volando con toda su fuerza en las calles nevadas de Utah, todavía hay un festival en marcha y en el corazón habrá muchas películas impresionantes. Nos comunicamos con los realizadores de Sundance 2021 para hablar sobre sus películas y explorar las cámaras, lentes y equipo que usaron para crear sus fantásticos cortometrajes, documentos y largometrajes.

Echemos un vistazo a algunas de las especificaciones técnicas detrás de algunas de las características más importantes, así como exploremos las cámaras detrás de algunos de los principiantes, para saber qué cámaras, equipo e información ayudaron a que estas películas se destaquen en Sundance 2021. .


ALEXA Mini: Prisioneros del país fantasma (Característica narrativa)

Nick Cassavetes y Nic Cage en Prisoners of the Ghostland
Nick Cassavetes y Nic Cage aparecer en Prisioneros del país fantasma por Sion Sono, una selección oficial de la sección Estrenos del Festival de Cine de Sundance de 2021. Imagen vía Instituto Sundance.

La ALEXA Mini es compacta y fácil de manejar, y realmente me gusta cómo el sensor ARRI captura tonos orgánicos de color. Además, el Ultra Prime es compacto y lo suficientemente nítido, por lo que encaja bien con nuestro estilo de disparo. Esta combinación es muy útil y efectiva para capturar la actuación libre de los actores desde un buen ángulo. Usamos marrón tabaco como tono de color para escenas en los páramos. Para las escenas de flashback, utilizamos la LUT basada en el tono obtenido a partir del procesamiento cruzado de las películas de inversión de color.

Sôhei Tanikawa, Director de fotografía

No es sorprendente escuchar que muchas de las películas que se estrenaron en el Festival de Cine de Sundance este año se rodaron con cámaras de cine ARRI. Sin embargo, lo que podría ser un poco sorprendente es escuchar que una de las opciones de cine digital más populares en la línea abovedada de ARRI es la ARRI ALEXA Mini. Como una opción más liviana y delgada en comparación con otras cámaras ARRI (de las que escucharemos a continuación), la ALEXA Mini realmente se ajusta al estilo y las necesidades de muchas de las indies de bajo presupuesto, así como a la naturaleza de correr y disparar de varias de las características de Sundance.

Sôhei Tanikawa
Imagen de Sôhei Tanikawa usando el ARRI ALEXA Mini en el set de la función Prisioneros del país fantasma. Imagen vía Instituto Sundance.

Sion Sono Prisioneros del país fantasma se convirtió en uno de los estrenos más esperados en Sundance este año desde el momento en que contrató a Nicolas Cage como su estrella. Esta función independiente combina acción, novela de suspensoy horror elementos con nostalgia con su cinematografía dirigida por Sôhei Tanikawa, quien crea una paleta de colores y efectos visuales verdaderamente hermosa con su configuración de lentes ALEXA Mini y Ultra Prime.


ARRI Amira: Bambirak (Narrativa corta)

Cortometraje Bambirak
Lara Cengiz aparece en Bambirak por Zamarin Wahdat, una selección oficial del Programa de Cortometrajes del Festival de Cine de Sundance de 2021. Imagen vía Instituto Sundance | Foto por Lorena Duran.

Estábamos filmando en un ARRI Amira que posee mi directora de fotografía Lorena Duran. Sin embargo, las lentes que obtuvimos de nuestra casa de alquiler en Hamburgo, Alemania (por un precio muy bajo) eran demasiado digitales para mi gusto. Inicialmente estaba planeando filmar en película, ¡pero eso no estaba en el presupuesto! Además, no podíamos permitirnos alquilar un buen par de lentes. Mi director de fotografía, sin embargo, vio un objetivo zoom Angenieux muy antiguo que era un objetivo Super 16. Primero pensamos que no podríamos usar la lente porque podíamos ver los bordes en 2K. A Lorena se le ocurrió la idea de filmar todo el proyecto en HD y eso nos permitiría usar la lente y crear un look de 2002.

– Zamarin Wahdat, director

Junto con la ALEXA Mini, otra cámara muy popular tanto para las funciones de Sundance como para los pantalones cortos fue la ARRI Amira. Este fue el caso de las voces emergentes detrás del corto de Sundance Bambirak, escrito y dirigido por Zamarin Wahdat. Nacida en Afganistán y criada en Alemania, Wahdat ha perfeccionado sus habilidades cinematográficas como camarógrafo a lo largo de los años. Junto con su directora de fotografía Lorena Duran, el dúo decidió ir con Amira como la mejor opción para obtener ese verdadero aspecto cinematográfico, sin tener que filmar en película, lo que puede ser bastante caro para los cineastas emergentes.

Zamarin Wahdat
Zamarin Wahdat con ARRI Amira en el set de su cortometraje Bambirak. Imagen a través del Instituto Sundance.

El Amira también demostró ser bastante flexible, ya que Wahdat decidió filmar el proyecto a escala reducida y en HD como un trabajo intermedio con sus lentes deseados. En general, el efecto funcionó a la perfección para crear “un aspecto muy único para nuestra película y una sensación nostálgica”, que según Wahdat parece a muchos como si “rodamos en Super 16”.


Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K: R # J (Característica narrativa)

Camaron Engels y Francesca Noel en R # J
Camaron Engels y Francesca Noel aparecer en R # J por Carey Williams, una selección oficial de la sección NEXT en el Festival de Cine de Sundance 2021. Imagen vía Instituto Sundance | Foto de Charles Murphy.

Filmamos nuestra película R # J con dos Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K, modificadas con monturas PL, usando un juego de 18 mm, 25 mm, Zeiss Super Speed ​​sin recubrimiento, 32 mm Cooke anamórfico y un zoom Angeniuex 28-76. Debido a que nuestra película se cuenta desde la perspectiva de los teléfonos de nuestros personajes principales y no queríamos usar teléfonos celulares, necesitábamos una forma de mantener nuestras cámaras lo suficientemente livianas para crear una sensación orgánica de mano en nuestras imágenes sin que se sintiera. mano dura.

Diego Madrigal, Director de fotografía.

Uno de los temas del Festival de Cine de Sundance de este año fue una refrescante cantidad de ingenio creativo por parte de los diversos y talentosos realizadores. Debido a que muchas de las películas tuvieron que abordar muchos problemas logísticos para incluso filmar durante una pandemia global, mientras navegaban los desafíos de la producción con equipos más pequeños y nuevos procedimientos de seguridad, muchas de las historias y estilos de realización de películas tuvieron que encontrar formas creativas de adaptarse.

Carey Williams y Diego Madrigal
El director Carey Williams y el director de fotografía Diego Madrigal en el set de su película R # J con la Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K. Imagen a través del Instituto Sundance.

Un ejemplo perfecto de esto proviene del largometraje debut de la alumna de cortos de Sundance Carey Williams R # J, que se cuenta desde la perspectiva de los diferentes teléfonos inteligentes de los personajes principales. Y mientras el cine con teléfonos inteligentes se está convirtiendo en algo, Williams y el director de fotografía Diego Madrigal optaron por los dos más fiables y potentes (pero ligeros, asequibles y ágiles) Cámara Blackmagic Pocket Cinema 6K cámaras. Los resultados son fascinantes, ya que puedes ver una verdadera mezcla de cinematografía independiente mezclada de manera experta con un estilo que te hace sentir que tienes el poder de contar narrativas atemporales desde la palma de tu mano.


Sony FS5: Espíritus y rocas: un mito de las Azores (Documento corto)

Lo compré en 2016, al comienzo de mis estudios de realización de documentales. Sabía que tendría que viajar y filmar mucho sola, y estaba buscando una cámara que me permitiera trabajar como un equipo de una sola mujer. El kit Sony FS5 fue perfecto para este propósito: es compacto, liviano y tiene muchas funciones integradas. A menudo tenía una cantidad limitada de tiempo para disparar y editar, por lo que los perfiles de imagen me ahorraron mucho tiempo, al tiempo que me ayudaron a obtener looks cinematográficos. Lo uso principalmente con el zoom del kit de 18-105 mm f / 4 y lentes Canon de primera calidad. El resto de mi equipo incluye: un trípode Manfrotto, un micrófono tipo escopeta RØDE y corbatas Sennheiser. Realicé varios cortometrajes con este equipo que fueron seleccionados en festivales y retransmitidos.

Aylin Gökmen, Director

Sundance no se trata solo de narrativa, cortos y largometrajes. Cada año, el festival presenta algunos documentales innovadores que entretienen a la audiencia y provocan un cambio real en el mundo. Una de las películas destacadas en la categoría de cortometrajes fue la de la cineasta suizo-turca Aylin Gökmen con su película Espíritus y rocas: un mito de las Azores, que ella disparó en el Sony FS5.

Hablando sobre su elección de cámara, así como los lentes y el equipo que la acompañan, Gökmen, junto con su director de fotografía Marianna Vas– tenían la tarea de contar las peligrosas, pero importantes, historias de los habitantes de una tumultuosa isla volcánica. Esto significó mucho rodaje de documentales al estilo guerrilla, lo que significó que tuvieron que aceptar todos los desafíos de la videografía en solitario y trabajar en situaciones difíciles. Afortunadamente, la Sony FS5 está especialmente cualificada para la realización de documentales de carrera y disparos sin comprometer la calidad cinematográfica, y le ha servido a Gökmen en varios proyectos a lo largo de los años.


Canon C300 Mark II: Mi nombre es Pauli Murray (Largometraje documental)

Activista Pauli Murray
Imágenes de archivo del famoso activista Pauli Murray, una selección oficial en el Festival de Cine de Sundance 2021. Imagen vía Instituto Sundance.

La Canon C300 Mark II con los cinema primes de Canon son una combinación fantástica para crear hermosos colores, tonos de piel brillantes y mantener un amplio rango dinámico, con profundos detalles de sombras y exquisitos reflejos. La tecnología de sensores de Canon me permite ser un artista, especialmente cuando tengo que adaptarme a escenas de documentales desafiantes en condiciones de poca luz o con situaciones de contraste extremo. Sin la latitud del sensor y la configuración de la cámara fácil de modificar, no podría capturar instantáneamente y reaccionar ante un momento impredecible siguiendo a mis personajes principales a lo largo de la vida. Es importante permanecer ágil y reactivo con una plataforma de cámara para aprovechar el momento con gracia. Por lo tanto, la Canon C300 Mark II es mi primera opción para la realización de documentales.

Claudia Raschke, Director de fotografía

Otra de las cámaras más populares que se encuentran detrás de los cortos y las características de los documentales de Sundance fue la siempre confiable Canon C300 Mark II. Utilizado por Claudia Raschke para rodar el largometraje documental Mi nombre es Pauli Murray, la película es una hermosa carta de amor que analiza la vida y la carrera de la activista estadounidense por los derechos civiles y de las mujeres Pauli Murray, quien fue la primera mujer afroamericana en ser ordenada sacerdote episcopal.

Directora de fotografía Claudia Raschke
DP Claudia Raschke filmando imágenes para el documental de Sundance Mi nombre es Pauli Murray. Crédito de la foto de Casey Joseph.

Dirigido por Julie Cohen y Betsy West (quien también produjo / dirigió el documental nominado al Oscar RBG), El último documental de Cohen and West es otro clase maestra en cómo arrojar luz sobre un líder civil importante entrelazando escritos, fotografías y grabaciones de audio, junto con entrevistas e imágenes nuevas y recientemente descubiertas. Filmada con la Canon C300, Raschke pudo equilibrar esta mezcla diversa de estilos y estilos de medios para ayudar a tejer una historia perfecta de principio a fin.


S16mm en el ARRI 416: Superior (Característica narrativa)

Ani Mesa en Superior
Ani Mesa aparece en Superior por Erin Vassilopoulos, una selección oficial de la Competencia Dramática de Estados Unidos en el Festival de Cine de Sundance de 2021. Imagen vía Instituto Sundance | Foto de Mia Cioffi Henry.

Nuestra película Superior, se basa en el corto del mismo nombre que se estrenó en Sundance en 2015. Entramos en la función seis años después de que se haya realizado el cortometraje y se encuentra en gran parte en el mismo mundo. El corto fue filmado en un ARRI 416 S16mm, y la directora Erin Vassilopoulos y yo sabíamos que era una parte importante del mundo que habíamos construido. Para la función, usamos lentes Cooke S4i de 35 mm, 12, 14, 16, 18 y 27 mm, y un zoom Canon S16 de 6.6-66 mm. Después de probar los formatos de película y las lentes, nos decidimos por nuestra configuración por su inherente calidez neutra y su sensación nostálgica, pero no exagerada, de nuestro thriller de 1987. Nos gustó la cantidad de grano, la profundidad del color en los tonos de piel y la forma en que el rojo se muestra en nuestras existencias Kodak Vision3: 7207 y 7219. El objetivo del estilo nunca fue ser retro o cursi, sino volver nuestros propios recuerdos de la infancia y fotografías de los años ochenta.

Mia Cioffi Henry, Director de fotografía

Si bien muchas de las películas en Sundance se filman con cámaras digitales por razones estéticas, prácticas y de presupuesto, el aspecto de la película fue tan prevalente y dominante como siempre este año. Y, para los cineastas que pueden evitar a sus señores digitales y adoptar el medio cinematográfico analógico, los resultados pueden ser bastante fantásticos. Este año, una de las selecciones de U.S. Dramatic Sundance fue una película llamada Superior, dirigida por Erin Vassilopoulos y filmada por Mia Cioffi Henry en el ARRI 416 con papeles Kodak Vision3 (específicamente 7207 y 7219). Leer más sobre elegir el material cinematográfico de Kodak para sus proyectos.

La cámara ARRI 416
El ARRI 416 con su plataforma y configuración de visor en el set de Superior. Imagen a través del Instituto Sundance.

Usando una cámara de película como la ARRI 416 puede, por supuesto, ser un desafío. Pero, como le dirán Vassilopoulos o Henry, vale la pena el riesgo y la inversión, ya que el dúo pudo sacar realmente algunas imágenes deliciosas, remontándose a las mejores imágenes del cine de la década de 1980. Contando la historia de dos gemelos idénticos con caminos de vida muy diferentes, Superior continúa muchos de los temas y narrativas de su cortometraje original, confirmando que si quieres ese aspecto verdaderamente cinematográfico, el riesgo siempre valdrá la pena la recompensa.


Imagen de portada de Mia Cioffi Henry a través del Sundance Institute.

Para obtener más información sobre cámaras y entrevistas y cobertura de festivales de cine, consulte estos artículos a continuación.

5 formas de utilizar el arranque bajo en su próximo proyecto

Para acelerar las cosas, primero debes ralentizar las cosas. Echemos un vistazo al antiguo arte del subarranque.

En su forma más básica, el undercranking es simplemente capturar a una velocidad de fotogramas más baja que la velocidad de fotogramas de su proyecto. El nombre proviene de los primeros días del cine, cuando las cámaras se accionaban mediante manivela. En aquel entonces, el subarranque se realizaba simplemente girando más lento que el promedio. Esta técnica crea un movimiento de salto y nerviosismo.


Cómo subarrancar

Cámara de película vintage
Un ejemplo de una cámara de cine de estilo antiguo con manivela. Imagen vía Colección Everett.

Para lograr este aspecto hoy, necesitará un temporizador de intervalos o la capacidad de cambiar manualmente las velocidades de fotogramas. Algunas cámaras (como mi BMPCC 6K) tienen ambas funciones integradas en la cámara. Para reducir la velocidad mediante el cambio de fps en la cámara, simplemente puedo sumergirme en el menú y reducir manualmente la velocidad de fotogramas a la velocidad deseada.

Si estoy buscando disparar algo a una velocidad de fotogramas extremadamente lenta, puedo dirigirme al temporizador de intervalos y reducir aún más las cosas. La grabación a intervalos permite una captura extremadamente lenta, como disparar un fotograma cada diez minutos. Muchos fotógrafos utilizan este método para disparar lapso de tiempo material. Si posee una DSLR y no tiene un temporizador de intervalos incorporado, siempre puede comprar un intervalómetro externo.

Temporizador de intervalo
Un ejemplo de temporizador de intervalos.

Si bien no todas las cámaras tienen capacidades de disparo con temporizador de intervalo y velocidad de fotogramas variable, puede lograr el mismo efecto en la publicación. Con Adobe After Effects, simplemente puede cambiar la velocidad de fotogramas de una composición anidada. O puede aplicar un efecto de Posterizar el tiempo a una capa y escribir manualmente la velocidad de fotogramas deseada. A continuación, se muestra más de cerca cómo usar este efecto tanto en After Effects como en Premiere Pro.

Entonces, si el arranque bajo produce un movimiento de salto y nerviosismo, ¿por qué querrías emular este aspecto? A continuación, presentamos cinco casos específicos en los que es posible que desee utilizar esta técnica la próxima vez que esté en el set.


1. Muestre el paso del tiempo

El uso más común de subarranque es capturar secuencias de lapso de tiempo. Las tomas comunes de multitudes, tráfico y cielos casi siempre son más interesantes visualmente cuando se capturan como un lapso de tiempo. Algunas cámaras le permiten reducir la velocidad de fotogramas manualmente, mientras que otras usan temporizadores de intervalo. El método de grabación que seleccione determinará cómo maneja el metraje en la publicación.


2. Cubra distancias rápidamente

Si bien puede hacer un giro bajo para ayudar a mostrar el paso del tiempo, también puede usarlo para cubrir distancias rápidamente. Esto se puede lograr mediante una técnica llamada hiperlapso, que es esencialmente un lapso de tiempo en movimiento. Para capturar un hiperlapso, simplemente mueva su cámara en cada intervalo. Cuando se reproduce, puede hacer que su disparo se mueva suavemente a través de grandes distancias en cuestión de segundos. Aquí hay un ejemplo de mí realizando mi primer hiperlapso, que resultó sorprendentemente bien.


3. Mejora las escenas de lucha

Una forma rápida y fácil de mejorar una escena de pelea es simplemente cortar vigorosamente entre tomas. Sin embargo, si está buscando crear algo un poco más atractivo visualmente, puede hacer un poco de esfuerzo durante la filmación. Algo tan simple como disparar a 22 fps acelerará tu disparo, permitiendo que tus personajes tengan un mejor impacto.

Reloj Niko Pueringer de Corridor Crew explican cómo aprovechar el poder del subarranque (y del overcranking) para mejorar las escenas de lucha en este entretenido episodio de Los especialistas reaccionan.


4. Agregue tensión y caos

Si bien puedes reducir la velocidad para mejorar la escena de una pelea, también ayuda a agregar una sensación frenética de tensión. Sólo mira Mad Max: Furia en la carretera y encontrará múltiples casos de subarranque en el trabajo. Es especialmente notable en la escena que precede al gráfico del título, donde Tom Hardy intenta escapar de los “muchachos de guerra” de Immortan Joe. La técnica también se utiliza bien para mejorar Nicholas HoultMovimientos frenéticos.


5. Emule el look vintage

Muchos cineastas o creadores de contenido harán lo imposible para intentar igualar el aspecto de las cámaras de cine más antiguas. Esto tiene sentido, ya que muchas de estas cámaras funcionan a velocidades de cuadro más bajas. Por ejemplo, la película de 8 mm se captura normalmente a 16 fps, mientras que la película Super 8 mm se ejecuta a 18 fps. Nuevamente, si bien puede aplicar rápidamente este aspecto mediante la aplicación de un efecto de posterización del tiempo, el giro bajo de forma nativa en la cámara le dará un aspecto ligeramente diferente.


Imagen de portada vía maradon 333.

Si desea aprender más técnicas de realización de películas, consulte estos artículos:

¿Cual de estos es correcto para ti?

Eche un vistazo a las diferencias entre Fusion y After Effects, para que pueda decidir cuál es el adecuado para usted. ¡Vamonos!

Ya sea RED contra Blackmagic, Sennheiser contra RØDE o Fusion contra After Effects, rara vez hay una sola aplicación para hacer el trabajo, cualquiera que sea ese trabajo. Del mismo modo, si bien encontrará que el proceso de transferir sus ideas a la realidad es el mismo, la ejecución diferirá ligeramente de una herramienta a otra. Es posible que se encuentre usando una ciencia de color de cámara diferente, acomodándose a un patrón polar diferente con el micrófono, o en el caso de Fusion vs. After Effects, usando capas en lugar de nodos.

Con eso, veamos las diferencias entre los dos software, para que pueda decidir cuál es el adecuado para usted.


¿Qué es exactamente After Effects y Fusion?

Tanto Blackmagic Fusion como Adobe After Effects son software de posproducción que se centran en la composición de imágenes y los gráficos en movimiento. En principio, puede hacer el 95% de todo en Fusion y viceversa. Sin embargo, puede ser justo decir que Fusion ofrece una mayor fuerza en la composición 3D, mientras que After Effects tiene una mayor participación de componentes de animación y diseñador de movimiento. Del mismo modo, es importante tener en cuenta que no estamos comparando software muy diferente, como Photoshop y After Effects. En su mayor parte, la elección que haga dependerá del tipo de trabajo posterior que esté creando y del flujo de trabajo en el que ya esté integrado.

Tenga en cuenta que a lo largo del artículo incorporaré varios tutoriales básicos que vale la pena ver si no está familiarizado con la terminología que se está discutiendo.


Fusión frente a resolución de fusión

Antes de analizar las diferencias fundamentales entre Fusion y After Effects, debemos distinguir que hay dos variaciones de Fusion. Fusion Studio, el software independiente y la página de Fusion que se encuentra dentro de DaVinci Resolve (tanto la versión gratuita como la de estudio de Resolve). En su mayor parte, ambas versiones tienen el mismo aspecto y operan de la misma manera con solo ligeras variaciones. Blackmagic ya ha creado un lista que compara los dos programas, y dada la longitud de la lista, le aconsejo que consulte esa página.

Resolución vs Fusión
Imagen vía Diseño Blackmagic.

Como puede ver en la captura de pantalla, en su mayor parte, las funciones del software Resolve tienen muchas de las mismas funciones que se encuentran en la versión independiente, pero hay varias omisiones en Resolve.

Además, debido a que Resolve aloja la plataforma de edición, audio y gradación de color, es posible que Resolve Studio sea un poco más lento en el tiempo de respuesta que el software independiente en el tiempo de arranque. Sin embargo, tenga en cuenta que si posee una licencia para la versión Studio de Resolve, también puede descargar y usar la versión Studio de Fusion sin costo adicional.


Composición basada en capas de After Effects

No es ningún secreto que After Effects y Fusion comparten muchas similitudes. Sin embargo, quizás no exista una diferencia más significativa que la forma en que se compone en cada software.

After Effects funciona en un sistema basado en capas. Esto significa que cada elemento de la imagen se apila uno encima del otro y se muestra en orden descendente. Esto, tanto en el espacio físico como en el literal, tiene más sentido de mirar.

Capas de After Effects
Una representación típica de After Effects Layers.

Como se ve en el ejemplo anterior, podemos ver que YES.png se encuentra en la parte superior de la pila de capas y es visible primero. La capa de montañas de fondo se encuentra en la parte inferior de la pila de capas. Hasta cierto punto, la composición basada en capas se puede comparar con las películas clásicas animadas con cel creadas antes de que la animación se volviera digital. Aquí es donde los personajes fueron dibujados en película transparente y colocados sobre un fondo pintado.

La estructura de capas es perfecta para el diseño de movimiento y la animación, ya que le permite evaluar visualmente los elementos gráficos de una manera que recuerda a la animación de la vieja escuela. Y a menudo, debido a la naturaleza visual de las capas, encontrará que funciona a su favor, como los animadores que se mueven hacia adelante y hacia atrás entre las celdas de animación.


Aplicar efectos en After Effects

En After Effects, cuando aplica un efecto o transforma una propiedad a una capa, no se muestra visualmente en la interfaz de usuario hasta que selecciona la capa afectada. A partir de ahí, el efecto se puede manipular.

Esto a menudo puede resultar confuso cuando tiene varias capas con varios efectos, ya que puede resultar complicado encontrar qué capa está haciendo qué. Por ejemplo, en la imagen de abajo, cada capa tiene un generador de números y cada generador es impulsado por sus propias propiedades individuales. Encontrar el efecto correcto de esta manera puede resultar tedioso.

Generador de números
Un generador de números en el panel Efectos.

Composición basada en nodos de Fusion

Fusion, sin embargo, funciona con un sistema de composición basado en nodos (NBC). Su primer vistazo a un diagrama de flujo completo puede enviarlo fácilmente a las capas más primitivas que se encuentran en After Effects. Es fácil leer lo que hay en su línea de tiempo y dónde se aplica esa capa dentro de la composición con capas. Sin embargo, en el momento en que aprenda a leer un diagrama de flujo de un nodo, que estará en unas pocas oraciones, lo hará todo más claro y quizás más favorable que After Effects.

Diagrama de flujo de nodo
Un diagrama de flujo de nodos.

Si bien After Effects se presenta visualmente en una presentación apilada, usted lee un NBC horizontalmente de izquierda a derecha, desde su nodo de entrada hasta el nodo de salida. Si tuviera que aplicar nada más que un único efecto a sus medios, el diagrama de flujo sigue siendo relativamente simple y fácil de entender. Pero, tan pronto como aplica efectos y transforma propiedades, comienza a verse como un diagrama de mecánica, que rápidamente pierde personas. Sin embargo, todo lo que tiene que reconocer es que cada nodo tiene su propia operación de procesamiento.

Un nodo puede ser varias cosas. Podría ser una miniatura que representa el clip en la página de edición, una operación de composición o una herramienta individual como un efecto de brillo.

Sin embargo, a diferencia de After Effects, donde coloca cada capa una encima de la otra, en Fusion dibuja conexiones entre la entrada y la salida de los nodos. El orden en el que conecte los nodos afectará las operaciones de procesamiento.


Entendiendo los nodos

Si bien parece que la composición basada en nodos está apilada con muchos elementos en movimiento, solo cada elemento de la composición tiene una operación de nodo específica que fluye a través de toda la composición.

Esta es la principal disuasión de After Effects. En el software de Adobe, normalmente agregarías cada efecto a la capa en lugar de darle al efecto su propia capa. Entonces, ¿qué hace esto? ¿Es un detrimento o un beneficio?

Bueno, por ejemplo, si tuviéramos que agregar texto a la composición y luego decidimos que también necesitamos agregar una sombra paralela al texto, el gráfico de nodo se vería así.

Gráfico de nodo

Ahora, podría decir: “Sería igual de fácil aplicar un único efecto de sombra paralela a una capa de texto”. Bueno, no te equivocarías.

Pero, digamos que ahora desea agregar un nodo de texto secundario y asegurarse de que tenga el mismo efecto de sombra. En After Effects, a menos que las dos capas de texto estuvieran compuestas previamente (lo que sería una pérdida de composición), tendría que aplicar el efecto de sombra dos veces al texto. Si luego decidió disminuir la sombra, tendría que volver a cada capa de texto para ajustar las propiedades de la sombra. Mientras que en Fusion, puede vincular el texto secundario al nodo de sombra, por lo que todo el efecto de sombra para ambas propiedades está bajo una sola operación. Ahora, imagine la eficiencia cuando esto debe hacerse con varias operaciones, no más cambios entre capas.

Como dice Blackmagic,

Los nodos son increíblemente fáciles de usar, especialmente a medida que las escenas se vuelven más complejas. Los nodos de Fusion son pequeños iconos que representan efectos, filtros y otras operaciones de procesamiento de imágenes. Los nodos se pueden conectar fácilmente entre sí para crear efectos visuales más grandes y complejos. Las herramientas, imágenes y objetos se pueden combinar en cualquier orden para crear efectos visuales ilimitados. Simplemente haga clic en un nodo para ajustar rápidamente cualquier parte de su proyecto. ¡Eso es mucho más rápido que una herramienta basada en línea de tiempo porque no necesita buscar entre pilas anidadas de capas y filtros confusos!

Sin embargo, aunque los nodos pueden ser más rápidos, existe una mayor curva de aprendizaje con un NBC.

Al realizar la composición, la estructura de nodo individual ofrece un flujo de trabajo mucho más eficiente, ya que permite al usuario evaluar individualmente cada elemento de la composición en un proceso paso a paso, refinando adecuadamente el compuesto a medida que avanza. Si esto se hiciera en una sola capa en After Effects, tendría que examinar el panel de efectos para tratar de averiguar qué efecto está causando el hipo.


Complementos de terceros

Quizás uno de los componentes más importantes que puede llevar a la gente a After Effects y mantener a la gente firmemente en su asiento de Adobe, es la amplia gama de complementos, ajustes preestablecidos y scripts disponibles para After Effects. Hay tantos complementos de terceros para After Effects que existen mercados dedicados y centros de soporte para el complementos y scripts. Si bien la instalación predeterminada tiene herramientas más que suficientes y efectos prediseñados para durar toda la vida, la posibilidad de agregar más herramientas con funciones específicas y avanzadas lleva el software a un nivel diferente.

Desde simuladores de partículas avanzados, simuladores físicos y aplicaciones de animación 3D, la adición de complementos de terceros puede permitir al usuario transformar After Effects en una herramienta potente capaz de muchas aplicaciones diferentes. Además, debido a la extrema popularidad de After Effects durante tantos años, el mercado está inundado de plantillas gratuitas y ajustes preestablecidos ofrecidos por muchos creadores talentosos (nos incluido).

Sin embargo, Fusion no tiene el mismo mercado abundante en complementos, desde lo necesario hasta lo absurdo. Si bien puede agregar complementos OFX a Fusion, ciertamente no hay la misma cantidad de complementos disponibles. Aunque, por el contrario, Fusion tiene una cantidad bastante significativa de herramientas integradas que pueden eliminar la necesidad de herramientas adicionales.

Amplia gama de herramientas Fusion
Un ejemplo de los muchos, muchos menús de herramientas en Fusion.

Comparación de la interfaz de usuario

Junto con la amplia gama de complementos y scripts que puede importar a After Effects, la interfaz de usuario (UI) también es muy personalizable. Desde poder reorganizar completamente todo el espacio de trabajo, instalar paneles de guiones de uso frecuente en una posición a su gusto e incluso cambiar el color de fondo, After Effects es completamente personalizable hasta el punto en que no hay dos artistas que compartan la misma interfaz fuera de la predeterminada. diseño.

Con un espacio de trabajo tan altamente personalizable y la posibilidad de colocar paneles de guiones y herramientas específicas donde sea necesario, permite al usuario ajustar el espacio de trabajo para su uso preferido del diseño. Los gráficos en movimiento pueden preferir un acceso más amplio a los paneles de diseño y al panel de texto. Por el contrario, un compositor puede querer mostrar un gran énfasis en los controles de seguimiento o en un complemento de cámara 3D.

After Effects personalizado
Mi diseño personalizado.

En Fusion, al igual que las otras interfaces dentro de DaVinci Resolve, no hay mucho espacio en la forma de personalización. Puede abrir y cerrar paneles, además de ampliar las áreas de trabajo, pero no puede desacoplar paneles ni reorganizar el espacio de trabajo como mejor le parezca. Sin embargo, esto no siempre es perjudicial, ya que el espacio de trabajo personalizable de After Effects a menudo puede estar abarrotado.

En lo que respecta a las funciones integradas, entre ambos software en 2021, encontrará los conceptos básicos básicos disponibles en cada software. Desde simulaciones de partículas hasta texto animado, ambos programas cuentan con fantásticos motores prediseñados. Pero, al igual que el debate de nodo contra capa, existen ligeras variaciones en la forma en que funcionan. Aunque Fusion tiene un mejor manejo de elementos 3D reales con un espacio de trabajo 3D infinito.


Comparación de precios

Hablemos del elefante en la habitación. Precio. Si esto fuera 2010, podría esperar pagar por las nubes por el software de efectos visuales. Sin embargo, el auge del modelo de suscripción ha obligado a muchas empresas a explorar diferentes vías. Blackmagic ha tomado la graciosa avenida de ofrecerle una versión de Resolve GRATIS, que tiene Fusion Studio incluido con solo algunas características redactadas. Si es completamente nuevo en la composición, es dudoso que necesite las funciones avanzadas bloqueadas detrás del muro de pago.

Además, varias herramientas de Blackmagic se envían con una licencia de estudio Resolve, desde Blackmagic Pocket 4K hasta Resolve Keyboard. Si está buscando hacer una inversión en cámara, puede ahorrar dinero en la licencia de Studio si permanece dentro del ecosistema de Blackmagic. Si necesita el paquete de estudio de Fusion, tiene un precio base de $ 298 y no tendrá que pagar ni un centavo más por más reiteraciones del software. Eso es todo.

Plan de pago de After Effects

After Effects, por otro lado, tiene un precio bastante elevado en el transcurso de algunos años. Por el momento, hay tres opciones disponibles:

  • $ 20.99 / mes: plan anual pagado mensualmente, a un costo total de $ 251.88
  • $ 239.88 / año – Plan anual pagado por adelantado
  • $ 31.49 / mes – Plan mensual que se puede cancelar cuando sea necesario – Costo anual de $ 377.88

Sin embargo, es importante tener en cuenta que Adobe ejecutará ofertas frecuentes durante todo el año, en las que podrá obtener planes anuales a una tarifa con descuento. Estos suelen aparecer hacia finales de año durante el Black Friday y Navidad.


Recursos

Si bien esto no tiene un impacto directo en el software y su rendimiento, quizás sea un componente crítico a considerar al considerar qué software elegir si está comenzando desde cero. Si bien Fusion ha existido técnicamente por más tiempo que After Effects, la accesibilidad del software de Adobe a nivel de consumidor tiene mucha más historia. A finales de la década de 2000, como un adolescente deshonesto que navega por sitios web de piratería, After Effects siempre ocupaba un lugar destacado. Como tal, muchas personas han crecido con el software durante un período significativo, lo que ha dado como resultado que muchos profesionales versados ​​compartan sus conocimientos en el camino en forma de Tutoriales de YouTube, artículosy libros.

Yo diría que podría YouTube prácticamente cualquier forma de idea de diseño de After Effects, y habría un tutorial para ello. Para Fusion, no tanto. Dado su costo inicial y el hardware necesario para los conceptos básicos de Fusion, la adopción temprana no fue tan importante entre los adolescentes de la época. Como resultado, apenas estamos comenzando a estar inundados de tutoriales que existen para After Effects desde los albores de YouTube.


¿Para quién?

Como uno de los primeros en adoptar editar en DaVinci Resolve y como formador de edición certificado, a menudo me encuentro en desacuerdo con el aspecto de que soy estrictamente un tipo de After Effects cuando se trata de composición. After Effects, quizás más que la compra inicial de un 550D cuando tenía diecinueve años, es una de las principales razones por las que estoy aquí hoy en las industrias creativas. Siguiendo los tutoriales de Andrew Kramer, la mayoría de mis primeros videos eran simplemente escenas llenas de efectos especiales que cautivaron tanto a mis compañeros de clase como a mis padres, y dada la cantidad de dinero que he invertido en complementos de terceros, no creo que lo haga nunca. deje de usar After Effects.

Sin embargo, eso no es malo, ya que no soy del todo el usuario previsto para Fusion. Si bien Fusion puede emplear gráficos en movimiento, realmente es mejor para efectos visuales, composición y clave. Además, lo que se basa en nodos es lo que encontrará al pasar a otras plataformas de efectos visuales o al avanzar en el ecosistema hacia un software 3D avanzado. Por lo tanto, si tenía la intención de seguir ese camino, ya estaría versado en el flujo de trabajo basado en nodos.

Además, valdría la pena evaluar su flujo de trabajo actual. ¿Te encuentras cambiando constantemente entre Adobe Photoshop y Efectos de Premiere Pro para su trabajo cinematográfico y luego vincular a After Effects para componer? ¿O está trayendo imágenes de su Pocket 4K, y luego editando y calificación dentro de DaVinci Resolve?

Ambas empresas se han basado en la adopción de un flujo de trabajo en el que los creadores pueden cambiar sin problemas entre el software, según la etapa de producción en la que se encuentren. Si descubre que ya está arraigado en un flujo de trabajo específico, es mejor quedarse con la empresa con la que ya está familiarizado.


El Tl; dr

  • Diseñadores de movimiento, animadores y artistas de efectos visuales a tiempo parcial: Gun for After Effects.
  • Compositores de la serie que buscan avanzar con una trayectoria profesional en efectos visuales: elija Fusion.

Imagen de portada vía nitin mendekar.

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