Cinco películas de anime para inspirar tu próximo proyecto cinematográfico

Veamos cinco películas de anime, tanto nuevas como clásicas, que debes ver para inspirar tu narración visual.

Dependiendo de qué tan cinéfilo sea alguien, puede haber una ligera desconexión en su relación con el anime, o al menos en sus nociones preconcebidas de lo que es el anime. Estoy seguro de que aquellos que se alejan de la lista de reproducción de anime en Netflix piensan en el anime como algo como esto, de la serie de televisión. Dragon Ball Z:

Hombres atléticos que realizan acrobacias acrobáticas a la velocidad del rayo con grandes explosiones de energía. Quiero decir, no te equivocarías, pero esa es solo una parte de un género específico de anime, en su conjunto. La palabra anime en sí es solo una forma abreviada de animación, definida como proveniente de Japón, y todos sabemos que la animación es más que solo Disney.

Sin embargo, más allá de los alcances del típico anime de lucha al estilo Shōnen, también encontrarás una variedad de películas de anime que presentan historias como un delicado equilibrio entre arte y entretenimiento. Por ejemplo, Fantasma en la concha, la película de 1995 de Mamoru Oshii, presenta una secuencia de tres minutos que únicamente documenta el paisaje urbano distópico. Es poco probable que veamos una secuencia así fuera del cine Art-House.

Con eso en mente, veamos cinco animes que debes mirar para obtener inspiración visual y qué tipo de inspiración se jactan. Como hay innumerables programas de televisión de anime, lo limitaré solo a las películas.


1. Pimenton – Encuadre y edición simbólicos

Mientras he enumerado Pimenton en el encabezado, toda esta sección es para todos Satoshi KonLargometrajes, ya que lamentablemente hay solo unos pocos. El primer debut como director de Kon fue en 1997, y el cineasta solo nos regalaría cuatro largometrajes durante los próximos diez años antes de su prematura muerte en 2010.

Si ha creado algún tipo de contenido narrativo, sabrá que con toda la planificación y preparación posibles, a veces los mejores resultados se reducen a la suerte. Quizás el cielo tenía un tono extra de rosa la noche de la filmación. O, para tu horror En resumen, ese día hacía mucho viento, lo que hizo que los árboles temblaran violentamente fuera de la ventana. En la animación, cada fotograma está cuidadosamente compuesto y cada elemento se ha colocado de manera intrincada, a diferencia de cualquier forma de azar. El trabajo de Kon es la encarnación de eso.

Cada disparo, corte y movimiento se planifica meticulosamente para adaptarse a su visión. Descubrirás que con su edición de transición que se encuentra en todo su catálogo, cada escena es visualmente conectado a las escenas anteriores y posteriores. Él dice,

Creo que la edición para la acción en vivo y la animación comparten algunas similitudes, pero son fundamentalmente diferentes. En la animación, solo está lo que se pretende comunicar. Si tuviera la oportunidad de editar la acción en vivo, sería demasiado rápido para que el público lo siguiera.

-Satoshi Kon

El trabajo de Kon tiene una presentación visual consistente. Su uso de cortes, color y diseño general tanto para el simbolismo como para la estética es genial. Incluso si no está familiarizado con su trabajo, estoy seguro de que lo encontrará filtrando a otros.

Películas para ver:


2. Fantasma en la concha – Espacio visual

Incluso aquellos que no están particularmente versados ​​en anime probablemente estarán familiarizados con la película. Fantasma en la concha, ya sea a través de la reciente adaptación de acción en vivo o simplemente por su pura presencia en la historia de la animación. GiTS, como se le conoce comúnmente, es una obra maestra en la visualización del espacio conceptual entre las personas y su entorno. En el caso de la película, el paisaje urbano abarrotado del futuro.

Con el cine moderno, especialmente los éxitos de taquilla, parece que siempre se nos presenta más cuando se trata del volumen de Elementos CGI. Las ciudades son infinitamente altas, las multitudes están densamente pobladas, los ejércitos son ilimitados, etc.

¿Cómo se muestra una gran ciudad en un futuro cyberpunk? Bueno, en el caso del anime de 1995, en lugar de mostrar una ciudad en expansión desde una perspectiva aérea, fueron tres minutos de una secuencia de ciudad meditativa desde el nivel del suelo. El canal de ensayos de YouTube NerdWriter habló sobre esto profundamente, así como también sobre cómo la adaptación de 2017 hizo un flaco favor a la versión original.

La manera Fantasma en la concha 2017 quiere que veamos la ciudad en estas elaboradas tomas elevadas que se mueven y se deslizan a través de los edificios holográficos. Pero, la gente real no ve la ciudad de esa manera. Una de las cosas que 2017 me ayudó a darme cuenta es que cada toma del montaje del anime es desde la perspectiva de los seres humanos. La cámara se coloca solo donde las personas puedan pararse, sentarse o mirar por la ventana. Así es como construyes un sentido de lugar, no así.

NerdWriter

Cuando las películas de acción en vivo siempre intentan parecer más grandes que la vida, a veces es posible que tenga que volver a otro medio para apreciar los elementos de la vida pequeña.


3. Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin – perspectiva

Bueno, técnicamente se trata de varios animes. Los que son Akira, Fantasma en la concha, Patlabor, Neon Genesis Evangelion, y Tekkonkinkreet.

Escrito por Stefan Riekeles y publicado por Thames y Hudson, Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin es un libro que trata acertadamente sobre arquitectura en el anime. ¿Quién lo hubiera adivinado por el título del libro?

Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin
Un extracto de Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin por Stefan Riekeles. Imagen vía Thames y Hudson.

Aunque inicialmente, parece evidente que este libro es para diseño estudiantes y amantes de arquitectura, también tiene un propósito secundario para alimentar la inspiración en la construcción de edificios y ciudades. En muchos animes, el paisaje urbano y, en particular, las megaciudades de escenarios cyberpunk distópicos, son casi siempre un personaje dentro de sí mismos (como se indica en el GiTS secuencia).

Personalmente, a menudo lucho con el aspecto de fotografiar correctamente paisajes urbanos (fijos y en video) para acentuar sus características. A medida que el libro analiza cómo se construyen físicamente los edificios y luego se animan, estimula la mente para obtener jugo creativo sobre cómo puede abordar la captura de su próximo paisaje urbano de una manera que se sienta cinematográfica.

Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin
Un extracto de Arquitectura de anime: mundos imaginados y megaciudades sin fin por Stefan Riekeles. Imagen a través de Thames & Hudson.

4. Tu nombre – Belleza en cada cuadro

A menudo hay un debate, un acalorado debate sobre si Makoto Shinkai está en la carrera para ser el próximo Hayao Miyazaki. Estés o no de acuerdo o en desacuerdo con el sentimiento, hay una verdad que no se puede negar: las películas de Shinkai son visualmente hermosas.

Lanzado en 2016, Tu nombre fue un éxito comercial y de crítica que no se había visto en un anime independiente original durante bastante tiempo (no una película basada en una serie de anime preexistente). A partir de 2021, es la tercera película de anime y película japonesa más taquillera de todos los tiempos en todo el mundo.

Fuera de la trama bellamente tejida y la música encantadora, los elementos visuales no son de este mundo. Shinkai usa muchas características que solo se encuentran en la acción en vivo, como destello de lente, profundidad de campo, reflejos especulares, etcétera. Y una característica que se siente prominente en la mayor parte del trabajo de Shinkai es que la mayoría de los fotogramas de la película se pueden recuperar fácilmente y utilizar como impresión para la pared de su hogar.

En Tu nombre, ya sea mostrando la belleza natural de Itomori o estudiantes almorzando en la cancha de baloncesto, todo está enmarcado y animado de manera hermosa. El estilo de Shinkai presenta un caso sólido para darle todo a tu toma para que sea hermosa, incluso si es algo tan mundano como una sola toma de alguien pidiendo direcciones.

Escena de tu nombre
Incluso algo tan mundano como pedir direcciones puede parecer hermoso. Imagen vía HBO Max.

Como nota secundaria, en 2015 se publicó un libro titulado Sky Longing for Memories: El arte de Makoto Shinkai, que muestra algunas de sus mejores composiciones, así como desgloses sobre cómo el equipo compuso los tiros. Como se publicó en 2015, no cubre Tu nombre o el recientemente lanzado Envejeciendo contigo, pero encontrará su estilo característico en su trabajo anterior.


5. La tortuga roja – Longitud focal y minimalismo

Asi que, La tortuga roja no es una verdadera definición de anime. El director, Michaël Dudok de Wit, es holandés y la película está coproducida por la productora francesa Wild Bunch.

Sin embargo, la otra parte de los créditos de coproducción pertenece a la famosa potencia del anime Studio Ghibli. También tiene nombres Ghibli de larga data, como Toshio Suzuki y Isao Takahata sirviendo como productor y productor artístico (respectivamente). Asimismo, antes de su jubilación, quizás el director de Studio Ghibli más famoso de todos los tiempos, Hayao Miyazaki, solicitó hablar y colaborar con Dudok de Wit. Entonces, ¿mitad anime? ¿Animación japonesa-francesa?

De cualquier manera, es mejor que recomendar el anime obvio para ver (Akira) y la película tiene los temas ecológicos familiares de Ghibli, con características típicas de Ghibli que aparecen a lo largo de la película. Pero, en particular, las imágenes no son tan reconocibles como las típicas películas producidas por Ghibli. La tortuga roja te lleva a una isla tropical en medio del océano y, a diferencia de otras películas de la biblioteca de Ghibli, lo hace sin pedirte que te concentres en la narrativa o el desarrollo del personaje.

En cambio, se nos pide que nos enamoremos de un entorno, específicamente una pequeña isla tropical en la que un náufrago mudo se encuentra naufragado.

Escena de La tortuga roja
Con una técnica de narración lenta, La tortuga roja desafía al público a participar con el encanto escénico. Imagen vía Sony Pictures Classics.

Sin diálogo y solo con un enfoque en las imágenes, se esperaría que las imágenes fueran deslumbrantes y llenas de movimiento cinematográfico para mantener a la audiencia comprometida. Sin embargo, es todo lo contrario. A menudo, la cámara está bloqueada y encuadrada con una distancia focal de telefoto a bastante distancia. Esto da como resultado que el personaje sea lavado en escala por los alrededores de la isla tropical.

Escena de La tortuga roja
En la narración visual, a veces la simplicidad supera la complejidad. Imagen a través de Sony Pictures Classics.

Hasta cierto punto, es casi teatral. Es un buen ejemplo en la narración visual para recordarnos que no siempre necesitamos realizar movimientos de cámara extravagantes cuando un enfoque simplista también funciona.


Imagen de portada vía Entretenimiento de FUNimation.

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