Cinco libros de fotografía para inspirar la cinematografía en bruto

Puede ser difícil encontrar el lugar adecuado para buscar inspiración cinematográfica. Permítanos limitar su mirada a cinco álbumes de fotos excepcionales.

He sido un coleccionista de libros de cine durante mucho tiempo. Ya sean libros de arte o basados ​​en la teoría que documenten las etapas del concepto de preproducción, mi soporte de TV está repleto de ellos. Sin embargo, por razones desconocidas para mí, nunca me he metido en el mar de los libros de fotografía. A pesar de trabajar en el medio y navegar sin cesar por la comunidad #shotonfilm de Instagram en busca de inspiración visual, no he comprado una sola monografía. Este año, eso cambió.

A continuación se muestran cinco de mis favoritos actuales, identificados explícitamente por lo bien que encienden las llamas de la inspiración para los aspirantes a fotógrafos y directores de fotografía que buscan emular imágenes crudas y naturalistas.

Tenga en cuenta que, debido a las imágenes formateadas del blog, es posible que algunas fotos de ejemplo no reflejen la composición completa enmarcada por el fotógrafo.


1. Donde me encuentro por Joel Meyerowitz ($ 65)

Dónde me encuentro de Joel Meyerowitz
Álbum de fotos de Joel Meyerowitz Donde me encuentro.

Joel Meyerowitz es uno de los fotógrafos callejeros más emblemáticos de Estados Unidos. Por supuesto, también es conocido por su trabajo de retrato y paisaje. Donde me encuentro es en parte fotolibro y en parte biografía, ya que documenta su viaje a través de varias etapas de su carrera.

Si bien no me gustan del todo los libros ilustrativos y de fotografía acompañados de páginas y páginas de texto, las palabras de Meyerowitz ayudan a ilustrar cómo forma una imagen y, lo que es más importante, por qué.

Fotografía de Joel Meyerowitz
El trabajo de Meyerowitz no solo incluye sus esfuerzos artísticos, sino que también documenta varias etapas de su carrera. Imagen a través de Joel Meyerowitz.

Cubre todos los grandes proyectos de Joel Meyerowitz: su trabajo inspirado en el artista Morandi, su trabajo en los árboles, su cobertura exclusiva de Ground Zero, sus viajes tras los pasos de Robert Frank por los Estados Unidos, sus experimentos comparando el color con imágenes en blanco y negro y, por supuesto, su icónico trabajo de fotografía callejera.

-Laurence King Publishing

Fotografía callejera de Joel Meyerowitz
Meyerowitz también es conocido por su ejemplar fotografía callejera. Imagen a través de Joel Meyerowitz.

Para los aspirantes a cinematógrafos que buscan interactuar con imágenes crudas y personales, Donde me encuentro es la elección perfecta.


2. Puedo hacerte sentir bien por Tyler Mitchell ($ 60)

Puedo hacerte sentir bien de Tyler Mitchell
La visión de Tyler Mitchell de una utopía negra Puedo hacerte sentir bien.

A diferencia de Joel Meyerowitz Donde me encuentro, no encontrará ningún espacio en blanco en Tyler Mitchell’s Puedo hacerte sentir bien, fuera de la introducción. Cada página está llena hasta el borde con el trabajo de Mitchell que celebra su visión de una utopía negra.

Fotografía de Tyler Mitchell
Mitchell utiliza la luz natural y una rica paleta de colores, retratando a sus sujetos con una elegante belleza. Imagen a través de Tyler Mitchell.

Con 206 páginas, el libro ejemplifica el cuerpo de fotografía y cine de Mitchell. Con base en Brooklyn, Mitchell trabaja en muchos géneros para explorar y documentar una nueva estética de Blackness.

En su monografía de debut, Mitchell unifica su cuerpo de fotografía y cine de su primera exposición individual en Estados Unidos en el Centro Internacional de Fotografía (ICP) en Nueva York. Cada página de Puedo hacerte sentir bien está completamente sangrado y bañado en la paleta de colores dulces de la firma Mitchell. Sin espacios en blanco visibles, el diseño del libro refleja la visión que lo abarca todo del fotógrafo, que se caracteriza por el uso de luz natural brillante y colores intensos para retratar a los hombres y mujeres negros jóvenes que fotografía con intimidad y optimismo.

-Prestel Publishing

Este libro es un tesoro de delicias visuales para los directores de fotografía que buscan inspiración en la luz natural, la luz suave y las paletas de “colores dulces”.

Fotografía de Tyler Mitchell
La perspectiva cruda e íntima de la fotografía de Mitchell. Imagen a través de Tyler Mitchell.

3. Fotos De Chicas por Justine Kurland ($ 50)

Fotos de la chica de Justine Kurland
La serie de fotos de chicas adolescentes de Justine Kurland:Fotos de chicas.

La frontera de América del Norte es un símbolo perdurable de romance, rebelión, escape y libertad. Al mismo tiempo, es un mito profundamente masculino.

-Editores de Apertura

Con vaqueros y forajidos, es difícil no ver por qué. Sin embargo, en Fotos De Chicas, Justine Kurland le da la vuelta a ese tropo con una serie de fotos de chicas adolescentes, tomadas entre 1997 y 2002 en el camino andrajoso de la naturaleza estadounidense.

Fotografía de Justine Kurland
El tributo de Kurland a la intrépida libertad de las adolescentes en fuga. Imagen a través de Justine Kurland.

Ella [Justine Kurland] retrata a las chicas como valientes y libres, tiernas y feroces. Cazan y exploran, se trenzan el pelo unos a otros y nadan en pozos de agua salpicados de sol, sin prestar atención a la cámara (o al espectador). Su mundo es a la vez sin ley y utópico, un Edén fronterizo en los espacios salvajes a las afueras de la infraestructura y las ideas suburbanas.

-Editores de Apertura

Fotografía de Justine Kurland
Con cada imagen, se desarrolla una historia. Imagen a través de Justine Kurland.

Con un elemento de puesta en escena, a menudo parece que cada foto es una imagen extraída de una función. Deja a los lectores que siguen la composición preguntándose qué sucede después, o quizás más pesimistamente, qué sucedió antes. Con luz natural en entornos naturales, Fotos De Chicas es el libro perfecto para inspirarse en la cinematografía naturalista, al tiempo que evoca un estudio para el posicionamiento compositivo.


4. La atmósfera del crimen, 1957 de Gordon Parks ($ 40)

La atmósfera del crimen de Gordon Parks, 1957
Álbum de fotos de Gordon Parks La atmósfera del crimen, 1957.

¿El nombre Gordon Parks suena algunas campanas, pero simplemente no puede señalarlo? Es porque, además de ser una potencia en el periodismo documental, también fue un director de cine que llevó las riendas de Eje (1971), convirtiéndolo en uno de los pioneros de la Blaxploitation género.

Mi tarea: explorar el crimen en todo Estados Unidos. Un viaje por el infierno. . . Era el año 1957. Viajé con detectives a través de distritos oscuros, trepé escaleras de incendios, rompí ventanas y puertas con ellos. La brutalidad era desenfrenada. La muerte violenta apareció desde el amanecer hasta el amanecer.

-Gordon Parks

Fotografía de Gordon Parks
Parks viajó con detectives para documentar y desafiar el estereotipo criminal. Imagen vi Gordon Parks.

En 1957, Revista Life le pidió a Parks que ilustrara una serie continua de artículos que documentan el crimen de ese año. Las fotos del libro son el resultado de que Parks se embarcara en un viaje de seis semanas por Nueva York, Chicago, San Francisco y Los Ángeles.

El ensayo fotográfico de ocho páginas resultante “La atmósfera del crimen” fue notable, no solo por su atrevida sofisticación estética, sino también por cómo desafió los estereotipos sobre la criminalidad, entonces omnipresentes en los medios de comunicación. Proporcionaron una representación cinematográfica en tonos ricos de un mundo en gran parte oculto: el de la violencia, el trabajo policial y el encarcelamiento, visto con empatía y franqueza.

-Libros Steidl

Fotografía de Gordon Parks
La luz baja y natural captura la sensación arenosa de la vida real. Imagen a través de Gordon Parks.

No debería sorprender que las fotografías estén llenas de imágenes crudas con poca luz y alta clave, perfectas para los directores de fotografía que buscan emular una imagen arenosa con una luz mínima.


5. Distancia íntima de Todd Hido ($ 65)

La distancia íntima de Todd Hido
Las fotos cinematográficas de Todd Hido de la vida y los paisajes suburbanos en Distancia íntima.

Desafortunadamente, este libro está actualmente agotado y se vende a un precio significativo en el mercado secundario. Por lo tanto, esta recomendación puede ser más una burla (lo siento). Afortunadamente, pude conseguir una copia por poco más del precio de cobertura antes de las vacaciones.

Todd Hido es un artista y fotógrafo contemporáneo estadounidense, y Distancia íntima reúne la mayoría de las imágenes icónicas de Hido en un solo libro por primera vez.

Fotografía de Todd Hido
La capacidad de Hido para capturar la belleza de un momento. Imagen a través de Todd Hido.

Conocido por sus fotografías de paisajes y viviendas suburbanas en los Estados Unidos, y por su uso de colores luminosos, Todd Hido proyecta una mirada claramente cinematográfica en todo lo que fotografía, profundizando en su memoria e imaginación para inspirarse. . . También se incluyen breves entrevistas con Hido sobre la realización de cada una de sus monografías. Desde el exterior al interior, desde observaciones superficiales hasta investigaciones subconscientes, desde paisajes hasta desnudos, esta encuesta a mitad de carrera revela una visión de la práctica de Hido e ilustra cómo su enfoque único se ha desarrollado y cambiado con el tiempo.

-Editores de Apertura

Fotografía de Todd Hido
Una imagen espeluznante capturada desde el interior de un automóvil. Imagen a través de Todd Hido.

Al leer este libro en particular, a menudo me preguntaba: “¿Cómo se ve esto tan bien?” Especialmente los disparos desde el interior lluvioso de un automóvil. Se sienten casi como si lo hubieran detenido durante un thriller policial.

Para los aspirantes a cinematógrafos que buscan inspiración para aislar sujetos con luz natural o crear paletas apagadas y temperamentales, este libro es imprescindible.


Encontrar más recursos

Me encantaría decir que he podido recomendar estos libros porque mi conocimiento de los fotógrafos es vasto e infinito. En realidad, aunque tengo un banco de fotógrafos bastante aceptable al que recurro en busca de inspiración cinematográfica, estas recomendaciones fueron extraídas de una fantástica cuenta de Instagram llamada El archivo del director de fotografía.

El archivo del director de fotografía
La cuenta de Instagram: el archivo del director de fotografía.

Es una cuenta formada por Jordan Buck y James Rhodes, y actúa como una idea de lo que hay en la estantería de los directores de fotografía que trabajan. Desde anuncios publicitarios a películas, hay una amplia variedad de colecciones para explorar. Sin embargo, ¡ten cuidado! Algunos de los libros de fotografía más fascinantes están agotados y, por lo tanto, son difíciles de encontrar y costosos de comprar. Es posible que se caiga en un agujero de conejo de eBay a altas horas de la noche persiguiendo los libros.


Descubra aún más inspiración para su próximo proyecto con estas entrevistas, resúmenes y más.

El accesorio definitivo para la realización de películas en teléfonos inteligentes

Descubra por qué los gimbals para teléfonos inteligentes son el mejor accesorio para teléfonos relativamente económico que puede ayudarlo a capturar tomas profesionales y fluidas.

A medida que las cámaras de los teléfonos inteligentes continúan mejorando, agregando más sensores y mejores lentes cada año, son una opción de cámara sólida para los aspirantes a cineastas. Aunque las cámaras de los teléfonos inteligentes están lejos de ser perfectas, son increíblemente convenientes debido a su tamaño portátil y su proximidad. Incluso los teléfonos “económicos” como el iPhone SE, el Google Pixel 4a y el One Plus 7T son perfectos para vlogs, redes sociales creación de contenidoy hacer videos en Youtube. Para cineastas en un presupuesto ajustado, un teléfono inteligente puede actuar como una cámara de respaldo (o b-cam) para determinadas tomas. Sin embargo, la mayoría de los teléfonos inteligentes, incluso los de gama alta, sufren de metraje inestable, que en última instancia es inutilizable.

Los teléfonos inteligentes no son la mejor opción para capturar imágenes cuando el usuario o el sujeto se están moviendo. Algunos teléfonos tienen estabilización de imagen incorporada, pero se logra recortando el metraje y, a veces, no es tan atractivo. Para obtener imágenes estables de un teléfono inteligente de manera consistente, incluso cuando se realizan movimientos bruscos y repentinos, necesita un cardán de teléfono inteligente. Lo bueno es que los gimbals para teléfonos inteligentes son relativamente asequibles en estos días. Y, a diferencia de otros accesorios para teléfonos inteligentes, no son específicos del fabricante.


¿Qué es un cardán?

Estabilizador de teléfono
Los cardanes son excelentes para capturar acciones rápidas, pero también son útiles para lapsos de tiempo asombrosos cuando se conectan a un trípode. Imagen vía Julio Prokopiv.

Los cardanes han existido desde el 3ro siglo A.C., que precede a la invención del Daguerrotipo por más de una docena de siglos. Por lo tanto, es seguro decir que los cardanes no son una tecnología nueva. Sin embargo, lo que es nuevo es la invención y la disponibilidad masiva de Cardanes motorizados de 3 ejes, que puede mantener las cámaras estables a pesar del movimiento del usuario.

Un cardán de 3 ejes estabiliza la inclinación, la panorámica y el giro de la cámara. La inclinación controla el movimiento hacia arriba y hacia abajo, la panorámica controla el movimiento de lado a lado y el rodillo controla el movimiento hacia adelante y hacia atrás. Hay dos tipos de cardanes, pero los cardanes para teléfonos inteligentes de 3 ejes son del tipo motorizado, que usan un motor pequeño en cada eje para mantener la cámara estable. Hay cardanes de 2 ejes más asequibles, pero en última instancia, no vale la pena el ahorro si se considera la estabilidad que proporciona un cardán de 3 ejes.

Los cardanes para teléfonos inteligentes en estos días tienen una gran cantidad de funciones, como un joystick para girar e inclinar, lapso de tiempo e hiper-lapso, seguimiento de sujetos y más. Más nuevo cardanes para teléfonos inteligentes son más asequibles y también tienen una mayor duración de la batería. Si ya tienes un teléfono inteligente con una cámara decente, un cardán para teléfonos inteligentes es el siguiente paso lógico si planeas crear videos, por lo que es el mejor accesorio para filmar en teléfonos inteligentes.

Para los vloggers, el cardán es un accesorio imprescindible para caminar y hablar simultáneamente. El cardán actúa como un palo para selfies y también como un estabilizador, brindándote tomas estables y perfectamente encuadradas. Si está a punto de empezar vlogs, Recomiendo esta como una de sus primeras actualizaciones, solo después de una difusión Luz LED.


Qué cardanes comprar

DJI Osmo Mobile 4

DJI, conocido por su consumidor omnipresente drones, son sin duda un gigante en el espacio del cardán de la cámara. Esta empresa fabrica cardanes para teléfonos, teléfonos inteligentes y Osmo Pocket, un pequeño cardán con cámara incorporada. El original Osmo era un cardán de cámara muy caro, que requería un teléfono para operarlo. El Osmo Mobile recortó la grasa, bajó el precio y trajo imágenes estabilizadas a cualquier persona con un teléfono inteligente. Desde entonces, DJI no ha dejado de perfeccionar el Osmo Mobile. Han agregado aún más funciones, han mejorado la duración de la batería y la han hecho más compacta y fácil de transportar.

Todavía tengo el Osmo Mobile original y funciona bien hasta el día de hoy. Sin embargo, el Osmo Mobile 4 es un caso sólido de por qué debería actualizarme. los Osmo Mobile 4 se pliega sobre sí mismo cuando no está en uso, por lo que es una obviedad para llevar a cabo cada salida. Me gusta especialmente lo rápido que es conectar el teléfono mediante el uso de imanes. Puede colocar el teléfono en el cardán y comenzar a grabar sin tener que ajustar ninguna perilla. Puede colocar un soporte de anillo magnético en su teléfono, algo así como un PopSocket, o una abrazadera magnética extraíble.

Hay casi demasiadas funciones para enumerar. Pero, puede esperar pilares como ActiveTrack 3.0, control de gestos, hyper-lapse y time-lapse, cámara lentay tantos otros. Con una batería de quince horas de duración, este cardán puede funcionar todo el día. Cuesta $ 150, pero está muy lejos del precio deslumbrante del Osmo Mobile original, que era de $ 300. Si bien el Osmo Mobile es más caro que la competencia, DJI lleva más tiempo trabajando y se ha ganado la confianza de los consumidores.

Zhiyun Smooth 4

El Zhiyun Smooth 4 es similar al Osmo Mobile 4 en muchos aspectos, pero se diferencia en un gran aspecto: solo cuesta $ 89. No es tan compacto como el anterior, pero puede esperar la mayoría de las mismas funciones con un descuento. El Smooth 4 presenta seguimiento, cámara lenta, hiperlapso y lapso de tiempo, además de una batería de larga duración. Pero también agrega algunas características nuevas.

El modo PhoneGo, que puede activar con solo presionar un botón en el cardán, desbloquea todo el potencial de los motores para rastrear incluso a los sujetos más rápidos. Vertigo Shot es otra característica excelente que cambia el tamaño de los objetos en el fondo. Esto crea una toma conocida como efecto de vértigo, que les encantará a los fanáticos del cine.

El Smooth 4 también tiene una rueda para tirando del foco y zoom, que no es algo que haya visto en ningún otro cardán. La rueda de ajuste es un buen toque y algo camarógrafos apreciarán, ya que podrán enfocarse correctamente en todo momento.

Zhiyun puede ser un nombre más nuevo, pero llevan años sacando equipos de cámara asequibles. Aunque carecen del reconocimiento de nombre de DJI, sus productos son asequibles, lo que los convierte en opciones valiosas para quienes buscan un trato. El Smooth 4 tiene una calificación de 4.3 de casi 4,000 revisores solo en Amazon.

En una nota rápida, es posible que desee aprende a pronunciar esta marca.

Zhiyun Smooth-X

A diferencia de los otros dos cardanes de esta lista, el Suave-X es un cardán de 2 ejes que solo controla el balanceo y la panorámica. Entonces, no es tan impresionante mecánicamente, pero el precio es inmejorable. Si bien los cardanes para teléfonos inteligentes han bajado de precio en los últimos años, el precio de $ 50 del Zhiyun Smooth-X es impactante. Con un precio tan bajo, es fácil confundirlo con un gadget mal hecho, pero tiene toneladas de críticas entusiastas. Sin embargo, las malas críticas en Amazon parecen deberse a un problema de compatibilidad. Por lo tanto, asegúrese de verificar si su teléfono es compatible con el cardán antes de comprando: aquí hay un lista útil.

El cardán de $ 50 está diseñado pensando en los vloggers, ya que puede cambiar de paisaje a retrato modo de disparo con un clic de un botón. Cuando no está en uso, el cardán se puede plegar en una bonita forma compacta para un fácil almacenamiento, y no es mucho más grande cuando está en uso. El cardán también tiene un agarre telescópico que se extiende para clavar esos vlogs de gran angular disparos. Para aprovechar al máximo este cardán, sugiero que también obtenga los pies del trípode para grabar videos de cabezas parlantes.

Me alegraría si eso fuera todo lo que hizo este cardán, pero la aplicación también agrega algunas características sorprendentes. Además del seguimiento de sujetos, que es prácticamente un hecho en estos días, puede esperar control de gestos, edición incorporada en la aplicación y lapso de tiempo. También incluye algo llamado cine inteligente, que ofrece plantillas con música y efectos especiales. Hay una cámara lenta modo de disparo, pero solo está disponible para iPhone usuarios en este momento.

La combinación de bajo precio, marco compacto y excelentes funciones lo convierte en una opción confiable para vloggers, viajeros y cualquier persona que quiera llevar el video de su teléfono inteligente a un nivel superior. Aunque le falta ese tercer eje, sigue siendo bastante estable para la mayoría de las tomas. No sé qué más decir, excepto que cuesta lo mismo que algunas fundas de iPhone, lo que me está jugando con el cerebro.


Por qué creo que los cardanes son increíbles

Compré mi primer cardán para teléfonos inteligentes hace años, cuando comenzaron a aparecer en Best Buy. Compré el primer Osmo Mobile por $ 300, y ha estado conmigo desde entonces, sobreviviendo a múltiples actualizaciones de teléfonos. El Osmo Mobile original mostró muchas promesas, pero, como la mayoría de las nuevas piezas tecnológicas para el consumidor, fue solo el primero de muchos en el camino hacia la perfección.

A $ 300, no era barato, la duración de la batería era terrible, todavía lo es y tarda tres horas en cargarse, además de que era difícil de transportar. El uso del cardán requería descargar y usar una aplicación, que no era muy buena, especialmente para los usuarios de Android. Independientemente de todos los inconvenientes, todavía lo uso con regularidad.

Originalmente compré el Osmo Mobile porque un cliente me preguntó si podía grabar el partido de fútbol de su hijo. Sabía que tendría que hacerlo desde las gradas ya que no permitían que nadie se quedara al margen, por lo que se habría visto terrible con solo un teléfono inteligente. Fue mi primer concierto de video pago, así que invertí en el cardán y funcionó.

Normalmente, con un teléfono inteligente, acercar un sujeto desde lejos crea tomas muy inestables. Sin embargo, el cardán lo solucionó, por lo que pude capturar todos los aspectos más destacados en 1080p sin problemas. Como solo tenía el teléfono en ese momento, también usé la aplicación DJI GO para cortar el metraje. Estaba contento con él y el cliente obtuvo un buen video de su hijo jugando al fútbol. Estoy seguro de que podría haberse visto mejor, pero todavía estoy feliz de haberlo hecho solo con un iPhone y un cardán de teléfono inteligente.

Es cierto que mi Osmo Mobile original se está volviendo largo. Pero sigue siendo relevante hasta el día de hoy y continuará funcionando con cualquier teléfono inteligente que tenga en el futuro.


Gimbals y teléfonos inteligentes: el par perfecto

Ya sea que esté pasando el día en la playa, patinando con sus amigos o aventurándose en un viaje, siempre es una buena idea llevar un cardán. Con una batería de mayor duración y un tamaño cada vez más pequeño, no es muy complicado llevar una. Los cardanes para teléfonos inteligentes agregan calidad a cualquier toma, y ​​valen la pena especialmente cuando la cámara de un teléfono inteligente no puede manejar los temblores y los movimientos repentinos de la vida cotidiana.

Aunque las cámaras de los teléfonos inteligentes han recorrido un largo camino, todavía no pueden competir con la suavidad de un cardán y ahora son muy asequibles. Si te tomas en serio rodaje y videografia, un cardán para teléfono inteligente es una primera compra inteligente que lo ayudará a seguir su camino. El equipo sólido no te hará exitoso por sí solo, pero complementará tu habilidad y sacará a relucir tu mejor creatividad.


Para obtener sugerencias, trucos y consejos de equipo adicionales, consulte estos artículos:

Imagen de portada vía Julio Prokopiv.

Cree un efecto de tarjeta 3D en After Effects con este archivo de proyecto GRATUITO

Aprenda a crear una tarjeta de comercio 3D completamente en After Effects. ¡El tutorial incluye un archivo de proyecto descargable gratuito!

Las tarjetas virtuales 3D se han disparado en popularidad durante el año pasado. Visualmente, son bastante intrigantes. Estas cartas combinan la naturaleza de una carta plana con imágenes o animaciones que tienen profundidad y paralaje. Diseñador Robbie Tilton crea algunos ejemplos impresionantes de tarjetas en 3D.

En este video tutorial, aprenderemos cómo crear nuestra propia tarjeta 3D completamente en After Effects. Recomiendo descargar el archivo de proyecto gratuito, que incluye una gran cantidad de activos para ayudarlo a construir su propia tarjeta a medida que avanza.

Listo? ¡Empecemos!

DESCARGA GRATIS LOS ARCHIVOS DE PROYECTO DE TARJETA 3D AFTER EFFECTS

Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos.


El aspecto de las tarjetas 3D

Lo que hace que las tarjetas 3D se vean tan únicas es que podemos ver que la tarjeta es plana, pero la imagen de la tarjeta tiene una profundidad que supera con creces la de la tarjeta.

Tarjeta 3D giratoria
Tarjeta 3D en After Effects.

Esto es posible a través de algunos trucos de composición (los mates de seguimiento para ser específicos, más sobre eso más adelante). Puede crear versiones en 3D de tarjetas reales que escanee usted mismo, o puede crear una original desde cero. La imagen de la tarjeta puede ser cualquier cosa que desee, desde capas planas hasta imágenes o modelos 3D.


Cómo crear una tarjeta 3D

Primero, necesitará crear la forma de su tarjeta usando Sólido o Capas de forma. También deberá crear una capa que actuará como su “Ventana de imagen”Para la parte 3D de su tarjeta.

Diseño de tarjetas
Creando el diseño de la tarjeta usando capas sólidas y máscaras.

Asegúrese de que todas las capas de su tarjeta estén Capas 3D en After Effects. Siéntase libre de agregar cualquier texto personalizado o descripciones a su tarjeta.

Crear capas 3D
Hacer las capas de la tarjeta en 3D y agregar descripciones de texto en la tarjeta.

Luego, en otra composición, necesitará construir su escena 3D o 2.5D. (En el tutorial, titulé mi composición 3D Ventana de imagen comp.) Puede hacer esto con capas o imágenes 3D, o puede usar 3D complementos hecho para After Effects, como Elemento 3D o Stardust.

Construyendo la escena 3D
Construyendo la escena 3D en Image Window Comp.

Una vez que haya creado su escena 3D, agregue el Comp de ventana de imagen debajo de tu Capa de ventana de imagen en la composición original con su tarjeta 3D. Selecciona el Track Matte para que Image Window Comp Mate Alfa.

Establecer como mate alfa
Agregue la composición de ventana de imagen debajo de la capa de ventana de imagen. Configúrelo en Alpha Matte.

A continuación, deberá activar Colapsar transformaciones para Image Window Comp para que aparezca correctamente en el espacio 3D. El icono Contraer transformaciones parece un pequeño sol cuando está encendido.

Colapsar transformaciones
Active Colapsar transformaciones para la composición de la ventana de imagen.

Finalmente, crea un Cámara 3D y orbita alrededor de tu tarjeta para ver el efecto 3D.

Órbita de cámara 3D
Orbitando alrededor de la tarjeta con una cámara 3D en After Effects.

Consejos para perfeccionar la apariencia

Una vez que haya creado su tarjeta 3D, puede pulir el aspecto con otros efectos. Me gusta agregar un Capa de ajuste encima de las “áreas de hologramas” de mi tarjeta y agregue un Resplandor efecto.

Añadiendo efecto de resplandor
Añadiendo el efecto Resplandor a las capas de la tarjeta.

También puede simular algunos reflejos sutiles usando el Barrido de luz CC efecto en su ventana de imagen Comp. Simplemente haga un fotograma clave de la animación del barrido de luz.

Barrido de luz CC
Reflexiones de fotogramas clave usando CC Light Sweep.

Añadiendo un imagen de fondo a su escena 3D también es un buen toque, que puede agregar más paralaje 3D.

Efecto de tarjeta 3D con fondo de imagen
Tarjeta 3D con imagen de fondo.

Usar complementos 3D

Por último, si está utilizando complementos 3D en su escena 3D, el uso de Colapsar Transformaciones no funcionará (así que déjelo marcado en su Ventana de composición de imagen). En realidad tendrás que copiar y pegar la cámara 3D con fotogramas clave de su escena principal a su escena 3D con su complemento 3D.

Usando Element 3D
Tarjeta 3D con Element 3D.

Dado que ambas cámaras 3D tienen el mismo movimiento, esto permitirá que todo se vea correcto en la escena principal con la tarjeta 3D.


¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:


Descubra aún más sobre la animación en After Effects:

Anime su logotipo con este efecto dominó de After Effects

¿Quieres darle más fuerza a la animación de tu logo? ¡Consulta este tutorial de After Effects que te muestra cómo crear un efecto dominó genial!

Aprenda a simular un efecto dominó con las herramientas de Adobe After Effects. En los tutoriales a continuación, aprenderemos cómo trabajar con la animación de logotipos (en general), luego profundizaremos en cómo esta animación da la impresión de que el logotipo volador hace que el fondo cree ondas, muy parecido a lo que sucedería si arrojara algo en un charco de agua.


Ahora que ha cubierto todas las bases para el movimiento dentro de su logotipo, ya sean vectores individuales o el logotipo en su conjunto, podemos pasar a aprender a crear y personalizar un efecto ondulado / similar al agua.


Personalizar un efecto dominó

Este video tutorial describe claramente los pasos para crear este efecto. Sin embargo, la familiaridad (obviamente) con After Effects es una gran ventaja, ya que avanza rápidamente en cada paso.

Como puede ver, todo lo que necesita son unos simples pasos para usar los efectos de Ondas de radio integrados en After Effects. Al jugar con el efecto Trazo y agua, puede crear sin problemas el efecto dominó como si el título estuviera sobre la superficie de un líquido.


Creación de títulos y pistas mate

Ahora, si desea profundizar en cómo puede manipular sus títulos y logotipos a través de mates de pista y otros elementos (como imágenes de archivo), consulte la inmersión profunda de Charles Yeager en todo lo que puede hacer con Títulos y mates de pista.


Asegúrese de revisar el Archivo de After Effects de PremiumBeat para muchos consejos, trucos y técnicas de AE. Si está buscando elementos como filtraciones de luz, destellos de lente, superposiciones de polvoo iluminación volumétrica, consulte nuestra biblioteca apilada de activos en Elementos de Shutterstock.


Para obtener información adicional sobre la creación de gráficos y animaciones, consulte estos artículos:

Imagen de portada vía YJ.K.

¿Qué es Mumblecore? Una guía para este género de cine independiente

El atractivo de Mumblecore: una mirada a los estilos naturalistas y de bricolaje de este influyente subgénero del cine independiente.

En lo que supondría que había sido un bar ruidoso y abarrotado en Austin, Texas durante el Festival de Cine SXSW 2005, un editor de sonido que trabajó con el cineasta independiente Andrew Bujalski acuñó un término para describir un nuevo subgénero del cine. Este término, “mumblecore”, sería apropiado para los estilos naturales, auténticos y de bricolaje de la película de Bujalski. Apreciación mutua, que se estrenó junto con películas como La silla hinchada por Mark Duplass y Jay Duplass y Besos en la boca por Joe Swanberg.

Estas figuras pasarían a ser conocidas como algunos de los primeros fundadores clave de este género cinematográfico independiente y en ciernes, conocido por sus representaciones realistas de personajes y relaciones, producciones de bajo presupuesto y enfoque de diálogo intenso. A lo largo de los años, el estilo mumblecore se ha ampliado para incluir nuevos nombres, grandes y pequeños, además de atribuirse retroactivamente a cineastas anteriores de otros estilos como el cine de observación y la Nueva Ola francesa.

Pero, ¿qué es mumblecore? ¿Cómo lo definimos hoy? Y, lo que es más importante, ¿cómo los cineastas cuentan con su repentino aumento a mediados de la década de 2000 en el cine independiente y las comunidades de festivales de cine hasta donde está ahora? Y finalmente, para aquellos interesados ​​en aprender la forma del subgénero, exploremos cómo puede usarlo para sus proyectos futuros.


Los orígenes del cine Mumblecore

Es importante señalar que, si bien muchos en la industria cinematográfica reconocen “mumblecore” como un género y un término, muchos de los cineastas que trabajan con el término lo rechazan como una etiqueta que lo abarca todo para sus películas. Y, en realidad, muchos de los principios básicos del mumblecore se pueden encontrar a lo largo de la película, que se remonta a los primeros días del cine independiente. A los cineastas les gusta Woody Allen, Claudia Weilly Jim Jarmusch, todos empleando elementos como presupuestos de producción reducidos, narrativas con mucho diálogo y representaciones auténticas de las relaciones de la vida real.

Mumblecore realmente puede verse simplemente como una representación de cómo el medio cinematográfico ha evolucionado a lo largo de los años para volverse mucho más accesible y abierto a los artistas para contar historias que no tienen que ser producidas, controladas y comercializadas por los principales estudios de Hollywood. Si bien no todas las películas mumblecore se filman digitalmente, el auge del subgénero coincide estrechamente con el rápido ascenso de cámaras digitales asequibles y la capacidad de los aspirantes a cineastas de hacer películas con presupuestos mínimos y con sus amigos como actores principales, como puede ver en el tráiler de arriba de Bujalski’s Gracioso ja ja, que ha sido acreditada como una de las primeras películas de “mumblecore”.


Producciones de bajo presupuesto y bricolaje

Desde esta perspectiva cinematográfica, mumblecore siempre ha sido visto como un bajo presupuesto (o a menudo sin presupuesto) estilo de producción. Y, para aquellos que recién comienzan en la industria o toman cursos de escuelas de cine por primera vez, el atractivo es comprensible. Realmente no se necesitan muchos equipos o conocimientos de producción para comenzar en este subgénero.

Un gran ejemplo de esto Producción de bricolaje el estilo es una película La silla hinchada, uno de los primeros proyectos mumblecore de los hermanos Duplass. Los hermanos Duplass filmaron la película con una videocámara digital Panasonic AG-DVX100 y con un uso mínimo de luces u otro equipo de filmación profesional.

Lo interesante de los hermanos Duplass y su película es que llega inmediatamente después de su intento, en su mayoría fallido, de entrar en el cine con una producción mucho más tradicional y de mayor presupuesto. Mark Duplass en realidad habla sobre cómo su falla inicial los llevó hacia el enfoque mumblecore en este inspirador discurso sobre su carrera y el surgimiento de la realización de películas auténticas y caseras de SXSW 2015, que puede ver a continuación.


Actuación y diálogo naturalista

Aparte de la producción de bricolaje y los presupuestos mínimos, otro sello principal de las películas mumblecore es su enfoque naturalista de la actuación y el diálogo. Se podría argumentar que esto es en parte por necesidad, ya que un enfoque de la realización de películas con mucho diálogo puede prestarse a una menor experiencia y una producción más barata en general. Sin embargo, también significa que la actuación y la narración tienen que soportar el peso de la película para que sea interesante y, en última instancia, exitosa.

Por ejemplo, tome Noches y fines de semana, codirigido, coescrito, coproducido y coprotagonizado por Joe Swanberg y Greta Gerwig. La película fue filmada en el estilo más minimalista, con cámara de mano, con luz natural y, a veces, desenfocada con una cámara subjetiva que lucha por mantenerse al día. No te atrae la historia visualmente, sino más bien, por lo que estás escuchando y cómo los personajes se sienten y se comunican.


Mumblegore y otros subgéneros

Junto con el creciente movimiento del mumblecore que se desarrolló en el cine independiente a principios y finales de la década de 2000, el estilo se prestó rápidamente a otros géneros cinematográficos y subgéneros como el horror. La estética del bricolaje no es nada nuevo para el terror. Uno de los mejores ejemplos de realización cinematográfica de bajo presupuesto es quizás la película de metraje encontrado El proyecto de la bruja de Blair, que en realidad es anterior al mumblecore por varios años. Sin embargo, con los principios del mumblecore de producción de bajo presupuesto y narración de diálogos intensos, se adoptó rápidamente en un subgénero de terror propio, que desde entonces ha sido etiquetado como “mumblegore”.

Una de las películas más exitosas de este estilo podría ser Patrick BriceEs Arrastrarse, que coprotagoniza él mismo junto con el incondicional del mumblecore Mark Duplass. Este thriller psicológico toma el género mumblecore, con muchos de los tropos y sustos que se encuentran en las películas de metraje encontrado o en el terror tradicional. Además, la estética mumblecore también se presta a la posibilidad de uso en otros géneros como romance, ciencia ficción, o incluso acción.


El futuro del cine mumblecore

Si está interesado en la realización cinematográfica y en la industria del cine independiente, mumblecore ciertamente representa un cambio dramático en la industria que se aleja de las películas de gran presupuesto a las de mediano presupuesto y hacia un estilo mucho más inclusivo, naturalista y auténtico para una nueva generación de cineastas. Sin embargo, no significa que todas las películas deban filmarse exactamente con los mismos estilos y explorar los mismos temas. Los cineastas ya han encontrado formas nuevas y creativas de acercarse al género mumblecore en los últimos años.

De hecho, los estilos del cine mumblecore todavía están muy vivos hoy. Uno de los ejemplos más recientes es la última función ganadora del premio SXSW Grand Jury S #!% Casa. La película se estrenó en 2020 y combina muchos de los elementos narrativos del mumblecore con una historia de mayoría de edad más aventurera y estilos más cinematográficos.

Con el tiempo, me imagino que, si bien el término mumblecore podría permanecer, el estilo de la realización cinematográfica de bricolaje y la narración sincera se volverá mucho más común. Así como la escena cinematográfica cambió en la década de 2000 para volverse más accesible para todos, el cine independiente seguirá buscando nuevas voces que estén listas para aprovechar al máximo las cámaras digitales y las tecnologías cinematográficas para contar historias nuevas e importantes.


Para obtener más ideas e inspiraciones cinematográficas, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de Hannah toma las escaleras vía Películas IFC.

Por qué Luminar AI cambiará la edición de fotos para mejor

Luminar AI es el software de edición de fotografías para todos: accesible, asequible y eficaz para convertir a los aficionados en profesionales.

Después de meses de burlarse de su nuevo software asistido por IA, Skylum finalmente ha lanzado Luminar AI, un seguimiento repleto de funciones de Luminar 4 que está disponible para macOS y Windows. El último software de edición de fotos mantiene las mejores características de Luminar 4 al tiempo que agrega características más avanzadas de fotografía de retrato y paisaje. A 79 dólares, que es una tarifa única, por una sola licencia, Luminar AI hace mucho más de lo que esperaba. Y aunque es fácil de aprender y usar, todavía hay funciones avanzadas para aquellos con los conocimientos técnicos.

Adobe los entusiastas no tienen que interrumpir su flujo de trabajo de edición, ya que Luminar AI también puede funcionar como un complemento para Photoshop y Lightroom. Para cineastas y YouTubers, Luminar es una gran herramienta para usar al crear miniaturas, que se ha convertido en un arte en sí mismo. Si bien Luminar AI no tiene ninguna función de texto para crear títulos, usarlo como complemento para Lightroom o Photoshop es perfecto. Puede usar el complemento Luminar AI para editar rápidamente la imagen y usar las herramientas en su editor de fotos para crear un título. Después de pasar horas editando un video, esta es una forma fácil de que los cineastas y YouTubers puedan ahorrar tiempo.

Aunque los profesionales pueden llegar a adoptar la edición de fotos con IA, Luminar AI elimina muchas de las barreras que conlleva la edición de fotos (software de edición costoso y habilidades avanzadas), lo que facilita que casi cualquier persona pueda aprender lo básico y crear imágenes memorables sin años de experiencia.

Nuevas funciones de Luminar AI
Estas son solo algunas de las nuevas funciones de Luminar AI.

Yo era fan de Luminar 4, y Luminar AI continúa donde lo dejó el otro. Agrega solo las características suficientes para que se destaque, sin abrumar a los nuevos usuarios. Si bien las plantillas ofrecen una alternativa a la edición de configurar y olvidar, Luminar AI es lo suficientemente robusto para los profesionales, lo que lo convierte en una opción adecuada para principiantes, así como para fotógrafos con años de experiencia en edición de fotos. Software como Photoshop y Lightroom puede ser el estándar de oro para los profesionales, pero Luminar AI reduce la barrera de entrada para cualquier persona interesada en el oficio.


Para principiantes: plantillas

Luminar AI se divide en dos. los Modelo La pestaña aplica estilos personalizados a su imagen. Y luego está el Editar pestaña, donde puede acceder a los aspectos más detallados de la edición de fotografías. Para los principiantes o aquellos que necesitan una edición rápida, las plantillas de Luminar AI son una buena opción. Luminar tiene docenas de plantillas anidadas en colecciones, que a su vez están anidadas dentro de categorías. Suena complicado, pero no lo es. Por ejemplo, hay cuatro colecciones de plantillas en la categoría de retrato: el Retratos fáciles La colección tiene cinco plantillas de retratos simples.

Imagen sin editar
Luminar AI sugiere colecciones de plantillas en la esquina superior derecha del software en Para esta foto. Esta imagen no está editada.

Hay docenas de plantillas para elegir, pero pude ver cómo los usuarios que confiarán en este software pueden cansarse de usar las mismas plantillas. Un tienda de activos vende colecciones de plantillas, cielos, para el AI de reemplazo del cielo característica y otros activos para solucionar este problema. Las colecciones se venden por alrededor de $ 20, pero también hay un servicio de suscripcion que ofrece a los suscriptores nuevas plantillas y otros activos cada mes, así como un descuento del 15% en Luminar Marketplace.

Las plantillas pueden parecer Filtros de Instagram, pero son mucho más avanzados. En lugar de aplicar un rápido LUT, la plantilla ejecuta la imagen en toda la gama, utilizando AI para modificar la foto hasta que se vea bien. Luminar AI facilita la búsqueda de la plantilla adecuada, ya que sugiere colecciones en la parte superior derecha del software. Si una plantilla en particular es demasiado fuerte, hay un práctico control deslizante en la esquina inferior derecha de la Modelo pestaña que puede suavizar los efectos. Aquellos que quieran una edición rápida pueden usar el control deslizante para ajustar sobre la marcha, pero cualquier otra cosa requiere ingresar al Editar lengüeta.

Plantilla de refugio de invierno
Apliqué la plantilla Winter Refuge a esta imagen y es lo suficientemente buena como para exportarla como está. Cambié la función Antes y Después para ver la diferencia.

Los usuarios que tienen poca o ninguna experiencia con el software de edición de imágenes pueden confiar en las plantillas, que producen algunas imágenes agradables. Sin embargo, aprender a trabajar en el Editar La pestaña es la única forma de aprovechar al máximo el software. La forma más eficaz de utilizar este software, en mi opinión, es aplicar una plantilla a una imagen primero y luego editarla hasta que quede bien. Sin usar el Editar pestaña, los usuarios se perderán las funciones más innovadoras de Luminar AI.

En mi experiencia, la aplicación de plantillas ha sido increíblemente rápida en comparación con Luminar 4, lo que me permite hacer clic rápidamente en tantas plantillas como quiera antes de elegir la correcta. Después de usar Luminar 4 y Luminar AI en la misma computadora, esta última parece la que menos recursos necesita de las dos y la más rápida.


Deslice hacia la derecha para obtener más inteligencia artificial

los Editar La pestaña es donde ocurre la magia, donde puedes descubrir cómo se hace la salchicha. Los usuarios que han tratado con Luminar 4 estarán como en casa en Luminar AI Editar pestaña, y aquellos con experiencia en edición de imágenes tampoco se perderán demasiado. El menú de edición no es tan sólido como Lightroom, pero tiene una editor de curvas por el color, que sé que a muchos les gusta.

Para ver su progreso, puede hacer clic en el icono del globo ocular en la parte superior derecha del software, que le muestra la imagen original sin editar. La función de antes y después, ubicada a la izquierda del globo ocular, divide la imagen en dos para mostrarle cómo se veía antes y después de las ediciones. Si tiene miedo de haber ido demasiado lejos con una edición, estas dos funciones son útiles.

Pestaña de herramientas esenciales
Con la pestaña de la herramienta Esencial abierta, puede detectar los puntos blancos junto a cada configuración. Estos son los ajustes que aplicó la plantilla, que puede cambiar.

Luminar AI’s Editar La pestaña está bien diseñada y agrupa correctamente los menús y la configuración de una manera que tenga sentido. Después de algunos usos, navegar por la interfaz de usuario se siente como algo natural. Hay cuatro pestañas de herramientas colocadas verticalmente en el lado derecho de la pantalla en la Editar lengüeta. Cada pestaña de herramientas está marcada con un icono en el lado derecho del software.

los Esencial La pestaña es, bueno, la más esencial, y es la que querrás usar en cada imagen. los Creativo pestaña es el hogar de todas las características del paisaje y otras configuraciones como Estado animico, que aplica LUT y Grano de la película. La pestaña de la herramienta Retrato tiene la menor cantidad de funciones, pero son las más efectivas e innovadoras para fotografía de retrato. Finalmente, el Profesional La pestaña de herramientas tiene configuraciones como Esquivar y Quemar y Clon y Sello, tanto como Supercontraste y Armonía de color.

Si aplicó una plantilla antes de editar, notará pequeños puntos blancos junto a cada configuración que se ha aplicado. Aunque es algo pequeño, es genial porque puede visualizar con precisión lo que hizo la plantilla y ajustarlo usted mismo. A medida que aplique sus ediciones, también verá los mismos puntos blancos junto a la configuración que ha utilizado; este es un gran recordatorio de lo que ha hecho hasta ahora, en caso de que desee revertir una configuración anterior.


Las mejores funciones de Luminar AI

No entraré en grandes detalles sobre cada configuración en Luminar AI, pero quiero resaltar las que más se destacan, especialmente aquellas que usan AI para mejorar las imágenes. A continuación se muestran mis favoritos de cada pestaña de herramientas y breves explicaciones sobre cada una.

Esenciales

Composición AI

Composición AI
Después de hacer clic en Composición AI, cortó un poco de mi cabello, pero me gusta el resultado. Si no está satisfecho con Composition AI, puede eliminarlo o ajustarlo mediante los controles deslizantes.

Esta es mi nueva herramienta favorita con diferencia y una que usaré en todas las imágenes en el futuro. Debido a que no soy un fotógrafo capacitado, me falta el “ojo” de quienes lo hacen para ganarse la vida, por lo que mis fotos a menudo parecen poco inspiradoras. Composición AI extrae de su biblioteca de fotos de calidad y ajusta la composición, el recorte y la perspectiva de su imagen para enmarcarla perfectamente. Para activarlo, seleccione el menú Composition AI y haga clic en el botón rectangular Composition AI; Luminar AI hace el resto. Aún puede ajustar todas esas configuraciones después de usar Composition AI, así que tómelo como una sugerencia.

Mejora la IA

Este menú contiene dos configuraciones:Acento AI y Sky Enhancer AI, Lo que elimina el ajetreado trabajo de editar la imagen Encendiendo. En lugar de ajustar el contraste, las luces, las sombras y la saturación, el control deslizante de Accent AI lo hace todo. Todo lo que tiene que hacer es mover el control deslizante hacia la derecha. Es simple y efectivo.

Sky Enhancer AI hace lo mismo, excepto por los cielos en lugar de la imagen completa. Sky Enhancer AI es lo suficientemente inteligente como para saber la diferencia entre el cielo y una masa de agua, mejorando el aspecto y el color general del cielo. Para los que disparan fotografía de paisaje, esta es una característica esencial que hace que el cielo resalte sin parecer falso.

Estructura AI

La AI de estructura es la más sutil de las configuraciones de AI en el Esenciales pestaña de herramientas, pero no es menos útil. Los dos escenarios, Cantidad y Aumentar, trabaje para enfocar o aplanar el detalle de una imagen. Moviendo el Cantidad El control deslizante de la izquierda aplana el detalle, haciendo que la imagen parezca casi borrosa o borrosa, mientras que al moverlo hacia la izquierda se agudizan los detalles. Ajustando Aumentar se supone que mejora los detalles y agrega un HDR-como mirada, según Luminar, pero sentí que no era tan útil.

Creativo

Sky AI

Ejemplo 1 de imagen de cielo
Este cielo original en esta imagen se ve perfecto, en mi opinión.
Ejemplo 2 de imagen de cielo
Agregué un cielo dramático que parece muy creíble. Cambia completamente la imagen, pero se ve bien.

En todos los materiales de marketing de Luminar AI, Sky AI es el entorno más utilizado para mostrar qué tan avanzado es el software. Sky AI también está disponible en Luminar 4, y funciona de la misma manera, aunque Skylum afirma que Luminar AI es un 30% más rápido en implementar esta configuración que Luminar 4. Estoy de acuerdo en que se siente más rápido.

Sky AI reemplaza el cielo en su imagen con uno del software. Reemplazar el cielo parece natural, y creo que puede engañar a la mayoría de la gente, así que recomiendo usarlo. Puede que no lo use para todas las tomas al aire libre, pero es genial tenerlo como respaldo. Otras configuraciones ajustan la posición del horizonte y la combinación del horizonte para que se vea aún más natural. Además, puede agregar sus cielos o comprarlos en Skylum.

IA aumentada del cielo

IA aumentada del cielo
Por mucho que quiera que las montañas de esta imagen sean reales, no lo son. Y no parece muy creíble. Sin embargo, es increíble que puedas aplicar esto con solo hacer clic en un botón.

Esta función, que agrega objetos al fondo de una imagen, es una de las más interesantes de Luminar AI. Tiene un factor sorpresa, pero en su mayoría es inútil. Agrega un conjunto de objetos curados al fondo, lo cual es genial, especialmente para aquellos que no son expertos en Photoshop, pero parece falso. No importa qué objeto coloque o cómo lo ajuste, siempre parece obvio y artificial.

Si quieres hacer una imagen tonta para tus amigos, hazlo, pero no parece profesional en absoluto, y seguramente no enviaría una foto con esta función a un cliente. El software merece algo de crédito por lograrlo, pero aún no se encuentra en una etapa en la que sea utilizable por profesionales. Dicho esto, definitivamente agregaré montañas a cada foto al aire libre que tome como broma.

Atmósfera AI

Puedo ver por qué esto sería útil para la fotografía de paisajes, pero la mayoría de los usuarios no le darán mucho millaje. Atmosphere AI agrega niebla, neblina o neblina al primer plano de la imagen para darle un aspecto más dramático, y puede verse genial con la imagen correcta. Puede ajustar la densidad y la profundidad del efecto elegido con los controles deslizantes. Atmosphere AI podría ser fantástica con la imagen exterior correcta, pero puede ser demasiado circunstancial para muchos.

Estado animico

Aquellos familiarizados con el software de edición de video probablemente habrán oído hablar LUT, y esta función aplica una LUT a su imagen. Los LUT cambian el color de la imagen, lo que le da a su imagen un aspecto de color personalizado que puede aplicar a otras imágenes para mantener la coherencia. Luminar AI ya tiene muchas LUT para elegir, pero puede selecciona el tuyo. los Cantidad El ajuste ajusta el efecto de la LUT.

Grano de la película

No hay mucho que decir sobre esto aparte de estético. Como el crujido del vinilo en las canciones de hip-hop de baja fidelidad grano de la película agrega una capa de nostalgia a tu imagen. A algunos les gusta. Algunos no lo hacen. Si forma parte del grupo anterior, puede cambiar la cantidad, el tamaño y la rugosidad del grano de la película. Me gusta, pero trato de usarlo con criterio. Usarlo demasiado se siente como una muleta.

Retrato

Enfrentar la IA

Como su nombre lo indica, Face AI se ocupa de la cara de un sujeto y los resultados son bastante efectivos. El menú de Face AI es uno de los más grandes y ajusta la iluminación de la cara, los ojos y la boca. Hay toneladas de configuraciones para jugar aquí. Cara delgada adelgaza la cara de un sujeto (¡sorpresa!), y aunque puede ser útil para algunos, no estoy convencido. Usarlo en mí mismo está bien, aunque probablemente no lo haría. Usarlo en otra persona se siente como si estuvieras cambiando su apariencia de una manera poco natural. Se supone que la edición de imágenes mejora las funciones existentes de una persona, no cambia completamente su apariencia.

Enfrentar la IA
Apliqué Face Light, Iris Visibility y Teeth Whitening. La diferencia se nota sin exagerar.

En el Ojos sección, puede blanquear los ojos, agrandarlos y eliminar los ojos rojos y las ojeras. Incluso puede reemplazar los ojos del sujeto con otros ojos, incluso ojos de gato o búho, por alguna razón. los Boca La sección no es tan impactante, pero puede blanquear los dientes. En general, Face AI tiene un impacto, pero su abundancia de configuraciones puede ser confusa al principio. los Luz facial La función es la mejor del grupo, y recomiendo usarla en todas las imágenes con la cara de una persona.

IA de la piel

En lugar de pintar con aerógrafo la cara de alguien, Skin AI lo hace por ti. Solo ajusta el Cantidad deslizador para suavizar la piel, teniendo cuidado de no ir demasiado lejos, ya que la piel puede empezar a tener un aspecto ceroso. los Eliminación de brillo El control deslizante elimina los brillos no deseados de la piel. Finalmente, el Casilla de verificación AI de eliminación de defectos de la piel Hace lo que dice que hace. Intenté usarlo en una imagen y eliminó algunas imperfecciones, pero también dejó algunos artefactos de imagen que parecían extraños. Úselo según sea necesario, pero inspeccione la imagen antes de continuar.

IA corporal

De manera similar a la función Slim Face, esta configuración adelgaza el cuerpo y el abdomen del sujeto. Se siente extraño hacer a una persona más delgada, especialmente si no lo pidió. Dudo que le dé mucho uso, pero si tú o tu cliente quieren un look más favorecedor, este es el escenario para ajustar.

Profesional

Supercontraste

Según el manual de Luminar AI, la herramienta Supercontrast “ajusta con precisión el contraste tonal con seis controles distintos, que abarcan reflejos, medios tonos y sombras, lo que permite obtener resultados con precisión”. Esta configuración le brinda más control sobre el contraste y puede hacer que una imagen resalte.

Armonía de color

Similar a lo que hace Supercontrast para el contraste, Color Harmony le brinda más control sobre el color. Esta es la mejor función para ajustar el color y es probable que visite con cada imagen que edito en Luminar AI. los Brillantez El control deslizante hace que todo resalte, y puede ajustar fácilmente la sensación general de la imagen utilizando el Calor deslizador.


Por qué cambia las reglas del juego

Cuando se trata de experiencia detrás de una cámara, soy más un camarógrafo que un fotógrafo. No soy muy bueno componiendo excelentes imágenes fijas y me cuesta encontrar el equilibrio adecuado al editar imágenes. Luminar 4 solucionó eso para mí, y Luminar AI va un paso más allá. El software se siente más rápido que su predecesor y no consume tantos recursos informáticos. Todo eso es bueno, pero eso no es lo innovador. Lo que es verdaderamente innovador es que Luminar AI democratiza el oficio de la edición de fotos hasta el punto en que cualquiera con una cámara digital puede editar tomas increíbles.

No necesitas ser un profesional

He visto varios artículos de opinión que sostienen que la IA arruinará la fotografía porque homogeneizará la fotografía, eliminando la creatividad y la singularidad del oficio. Pero no lo creo. No creo que las grandes imágenes pertenezcan solo a quienes tienen el mejor equipo y la mayor habilidad, especialmente cuando la mayoría de las personas llevan teléfonos inteligentes con cámaras. Si bien los profesionales tienen los recursos para producir imágenes de alta calidad de manera constante, todos deben tener acceso a herramientas que permitan obtener mejores fotos.

Retrato de prueba de IA de Luminar
Esta es una imagen diferente que edité y me encanta cómo quedó. No creo que pudiera haber hecho esto con otro software de edición de imágenes, y esa es la belleza de Luminar AI.

Aunque Luminar AI recibe la peor parte del ataque debido a su gran dependencia de la inteligencia artificial, incluso Adobe ha introducido recientemente funciones de inteligencia artificial. Adobe Sensei AI, a Photoshop. Algunos teléfonos, como el Google Pixel, usa IA para su cámara, activando Cielo nocturno El modo mágicamente renderiza imágenes con poca luz como si estuvieran completamente iluminadas. Lo queramos o no, el futuro de la fotografía incluye la IA, por lo que es mejor adoptarla. Todavía habrá espacio para los profesionales que prefieren disparar y editar de manera más tradicional, pero aquellos que usan IA complementarán sus habilidades, aumentando la calidad del trabajo en todos los ámbitos.

Edición de imágenes para todos

Como alguien que ocasionalmente coquetea con la fotografía, no soy un experto en Photoshop, y aunque Lightroom es genial, la suscripción mensual no lo es. Prefiero pagar una sola vez por un software que uso ocasionalmente, lo que me ayuda a aprovechar al máximo mis imágenes, aunque con la ayuda de las funciones de inteligencia artificial. No voy a participar en un concurso de National Geographic, por lo que solo necesito algo simple para editar imágenes para artículos, redes sociales o proyectos personales. Creo que Luminar AI hace exactamente eso, pero sigue siendo lo suficientemente robusto para crecer y expandirse.

Para los principiantes, Luminar AI proporciona una experiencia de edición reducida donde los usuarios pueden perfeccionar sus habilidades. El enfoque sencillo de Luminar AI para la edición de imágenes es igualitario, un software simple que da la bienvenida a todos y aparentemente hace que la fotografía aficionada tenga un aspecto profesional. Para cualquiera que obtenga su primera DSLR o cámara sin espejo, Luminar AI es una pieza de software imprescindible.

Lanzamiento falso del transbordador usando IA
Los dejo con esta imagen del lanzamiento de un transbordador espacial que seguramente vi en persona.

Descubra aún más consejos y técnicas de edición (así como algunos obsequios):

Cree texto ondulado y animaciones con el efecto de hervir de línea

Aprenda a crear un efecto de ebullición de línea en texto y animaciones en After Effects. ¡El tutorial incluye ajustes preestablecidos gratuitos!

En este tutorial, veremos cómo crear un efecto de ebullición de línea en After Effects. También exploraremos algunos de los usos útiles de este efecto y cómo crear su propio ajuste preestablecido de hervor de línea.

¿Listo para el tutorial? ¡Vamonos! ¡Asegúrese de descargar el archivo de proyecto gratuito y el ajuste preestablecido también!

DESCARGUE EL ARCHIVO DE PERFECTO AE Y EL PRESET

Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos.


¿Qué es una animación Line Boil?

Una línea de ebullición es un efecto visible que se produce cuando los fotogramas de una animación no se alinean perfectamente. Da a la animación una calidad casi “burbujeante”, de ahí el término “hervir”. Es un hecho común con animaciones pintadas o dibujadas a mano. Sin embargo, podemos agregar nuestro propio efecto de ebullición de línea a las animaciones y el texto existentes en After Effects, para darles una sensación más artesanal.

Efecto Line Boil: Ejemplo
Ejemplos visuales con y sin efecto de ebullición de línea.

Consulte el tutorial de Jason Boone sobre Creación de animaciones de ebullición de líneas dibujadas a mano, si desea obtener más información sobre cómo crear este efecto a mano.


Creación de una línea de ebullición en After Effects

Primero, cree un nuevo Capa de ajuste encima de tu animación. A continuación, aplica el efecto Desplazamiento turbulento. Este es el efecto central que usaremos para crear nuestra línea de ebullición. Los dos ajustes de efectos que tendremos que ajustar son los Cantidad y Talla del desplazamiento.

Efecto de ebullición de línea: desplazamiento turbulento
Aplica el efecto de desplazamiento turbulento.

Para el Cantidad, Recomiendo configurar esto entre 5 y 10. Para el Talla, Sugiero entre 20 y 60. (Para las animaciones, los valores más bajos generalmente se ven mejor. Por lo general, solo uso valores más altos con texto, para movimientos exagerados).


Animando la línea de ebullición

Ahora, necesitamos animar la línea de ebullición. Para esto, necesitamos el Desplazamiento turbulento efecto para cambiar aleatoriamente a una velocidad de fotogramas que establezcamos. Estos cambios aleatorios crearán la apariencia de una línea en ebullición en nuestra animación. Cambie hacia abajo al Opciones de evolución para el efecto de desplazamiento turbulento. Luego, mantener Alt y hacer clic sobre el cronógrafo icono para Semilla aleatoria. (Mantenga presionada la tecla Opción y haga clic en una Mac).

Efecto de ebullición de línea: semilla aleatoria
Mantenga presionada la tecla Alt y haga clic en el ícono del cronómetro para la semilla aleatoria.

Esto abrirá las opciones de expresión para el efecto Random Seed. Vamos a ingresar una expresión que cambiará el efecto Random Seed a un valor aleatorio a una velocidad de fotogramas establecida. Digamos que queremos que nuestra línea de ebullición cambie cuatro veces por segundo. Además, queremos que Random Seed sea un valor aleatorio entre 0 y 100. Para ello, ingresaremos esta expresión para la configuración Random Seed:

posterizeTime (4); aleatorio (100)

Ahora, el efecto de desplazamiento turbulento cambia aleatoriamente cuatro veces por segundo, dando la ilusión de un efecto de ebullición de línea en nuestra animación.

Efecto Line Boil: Line Boil a 4 fps
Efecto de ebullición de línea que se anima a 4 fotogramas por segundo.

Podemos cambiar fácilmente la velocidad de fotogramas del efecto de ebullición de la línea cambiando el valor numérico de Posterizar el tiempo en nuestra expresión. Digamos que queremos un Line Boil más rápido a doce fotogramas por segundo. Para hacer esto, solo necesitamos ingresar un valor de 12 en vez de 4 en nuestra expresión, así:

posterizeTime (12); aleatorio (100)

El resultado será un efecto de ebullición de línea mucho más rápido en nuestra animación.

Efecto Line Boil: Line Boil a 4 fps
Efecto de ebullición de línea que se anima a 12 fotogramas por segundo.

Hacer que la línea hierva más fácil de usar

Podemos hacer que la línea hierva más fácil de animar agregando un controlador para la velocidad de fotogramas de la línea de ebullición. Para hacer esto, aplique un Control deslizante al Ajustamiento capa. Selecciona el Control deslizante y presione Entrar para cambiarle el nombre Frecuencia de cuadro de ebullición de línea. Luego, use su mouse para resaltar el valor numérico después Posterizar el tiempo en la expresión.

Efecto Line Boil: Posterizar el tiempo
Resalte el valor numérico entre paréntesis después de posterizeTime.

A continuación, haga clic y arrastre el Escoger látigo Para el Semilla aleatoria ajuste a la Control deslizante. Esto vinculará los dos.

Efecto de ebullición de línea: vinculación del control deslizante
Use el Pick Whip para vincular la expresión al control deslizante.

Ahora puede configurar la frecuencia de fotogramas de ebullición de línea usando el control deslizante, en lugar de tener que ingresarla manualmente en la expresión.


Creación del ajuste preestablecido de hervir en línea

Ahora que la expresión y el control deslizante están configurados, podemos guardar todo como un ajuste preestablecido. (Esto hará que sea más fácil arrastrar y soltar el efecto en cualquier cosa que necesitemos en el futuro). Primero, mantenga presionado CTRL y seleccione el Frecuencia de cuadro de ebullición de línea y el Desplazamiento turbulento efectos.

Efecto Line Boil: selección de ambos efectos
Mantenga presionada la tecla CTRL y seleccione los efectos Turbulent Displace y Line Boil Frame Rate.

Con ambos efectos aún seleccionados, asegúrese de tener el Efectos y preajustes panel abierto. Luego, haga clic en el pequeño icono de nota post-it en la esquina inferior. Esto le permitirá nombrar y guardar el preset.

Efecto Line Boil: Creación del preset
Con ambos efectos seleccionados, haga clic en el pequeño icono de nota post-it en la esquina de Efectos y ajustes preestablecidos.

Ahora puede buscar el ajuste preestablecido de ebullición de línea en el panel Efectos y ajustes preestablecidos.

Efecto Line Boil: Line Boil Preset
Busque el ajuste preestablecido de ebullición de línea en el panel Efectos y ajustes preestablecidos después de guardarlo.

Arrastre y suelte el ajuste preestablecido directamente sobre los gráficos o las capas de ajuste para crear inmediatamente una apariencia de ebullición de líneas.

Efecto de ebullición de línea: uso del ajuste preestablecido
Arrastre y suelte el ajuste preestablecido en texto y gráficos para crear una apariencia de ebullición de línea.

¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:

Además, para obtener información adicional sobre la creación de gráficos y animaciones, consulte estos artículos:

5 secretos para evitar que sus proyectos se vuelvan obsoletos

Obtenga más información sobre el ritmo de su historia en cada etapa de la producción y cómo puede usarlo para mantener los proyectos de películas y videos en el ritmo correcto.

El ritmo es algo que puede ser difícil de identificar. ¿Qué hace que una película se sienta rápida y divertida y otra lenta y laboriosa? Es más que simplemente el número de cortes o el tiempo entre ellos. El ritmo es algo práctico, así como algo intangible, que informa cómo el público ve una película y se mantiene al día con la historia en la pantalla.

Y tampoco se trata solo de las películas. Cada video, desde un anuncio de televisión hasta un Youtube revisión de producto a un Tik Tok—Realmente debería preocuparse por su ritmo. La pregunta es: ¿Cómo define el ritmo y cómo lo controla en sus proyectos? Si bien la respuesta puede ser un poco complicada, comienza a tener sentido una vez que comienzas a combinar todas las elementos de la cinematografía juntos — de la guión al disparo al editar.

Por lo tanto, exploremos los cinco secretos del ritmo y cómo puede evitar que sus proyectos se vuelvan obsoletos.


1. Guión y guión gráfico

El ritmo real y verdaderamente comienza mucho antes de comenzar a armar su edición. El ritmo de un proyecto se define en las primeras etapas de su esquema y guión. Tienes el poder de empezar a definir tu ritmo en preproducción a medida que planifica su flujo de trabajo de grabación y edición. Los diferentes proyectos deben tener un ritmo diferente.

Un proyecto o escena que se supone que transmita intensidad o confusión se planificará y construirá para que tenga muchas tomas, muchas cortesy mucho movimiento. Mientras que un proyecto o escena que se supone que es más reflexivo y emocional podría prestarse a tener tiros largos, movimientos lentosy pocos cortes. Es importante preguntarse acerca de su ritmo y luego concentrarse en él temprano y con frecuencia mientras describe sus proyectos.

Una vez que ingrese a su guión, puede crear un ritmo en su propio estilo de escritura, así como en su notas de la escena (es decir, “la acción aumenta”, “el ritmo se acelera”). También puede comenzar a crear ritmo en su guiones gráficos, que son fundamentales para definir cómo se entrará y saldrá de cada escena. Esto también te ayudará a definir qué movimientos de cámara y movimientos necesitas para crear ritmo y velocidad.


2. Dispara con intencionalidad

Además de crear un guión gráfico teniendo en cuenta el ritmo, es importante abordar la producción real con el ritmo al frente de sus pensamientos. Hacer un buen cine no se trata solo de habilidades o composición. Realmente se trata de intencionalidad. ¿Cuánto pensamiento y concentración puedes aportar a cada escena y cada toma? El ritmo se desarrolla a través de un intrincado equilibrio de todos los elementos de la cinematografía combinados juntos.

Una sola toma es un componente básico del ritmo general de su proyecto. ¿Cómo encaja en el plano anterior y posterior? ¿Los actores o sujetos se mueven con la misma velocidad e intenciones? ¿Su cámara se mueve junto con ellos o permanece estacionaria? ¿Cómo alimenta esta toma las emociones del caracteres y la narrativa general? Si puede hacerse estas preguntas y tiene respuestas sólidas para cada una, puede controlar el ritmo con intencionalidad.


3. Crea impulso a través del movimiento

Una vez que sienta que tiene una sólida comprensión de cómo funcionará el ritmo en su proyecto toma a toma, realmente puede sumergirse en el desarrollo de este ritmo utilizando todas las herramientas de su arsenal cinematográfico. Una de las mejores herramientas para definir el ritmo general de un proyecto es movimiento. El movimiento, ya sea con sus personajes, sujetos o la propia cámara, puede generar impulso de una toma a otra y de una escena a otra.

Es difícil creer que hubo una época en la que el simple hecho de mover una cámara de izquierda a derecha se consideraba revolucionario. Pero desde entonces El gran robo del trenTanto los cineastas como los cineastas han estado encontrando formas nuevas y creativas de generar impulso al poner la cámara en movimiento. Junto con Video de Youtube arriba, lea más sobre la importancia del movimiento de la cámara.


4. No se limite a editar secuencia por secuencia

Un problema general con el ritmo en la mayoría de los proyectos cinematográficos es la inconsistencia de una escena a otra y de una secuencia a otra. Solo porque tienes uno a buen ritmo secuencia de acción que sea visualmente impresionante y se entregue de manera satisfactoria, no significa que siempre coincidirá bien con el relación emocional secuencia en la siguiente escena. El ritmo tiene que ver con la coherencia y encontrar el equilibrio adecuado entre diferentes estilos y velocidades.

Un gran ejemplo de ritmo bien hecho se demuestra más arriba revisando las películas de Christopher Nolan. Nolan, conocido por sus mega éxitos de taquilla y franquicias, es un maestro en el ritmo y en encontrar el equilibrio entre lo rápido y lo lento. Además, puede ver algunos ejemplos excelentes de cómo Nolan utiliza diferentes técnicas de tiro, el encuadre compositivo y la banda sonora para desarrollar el ritmo. Sin embargo, la clave es que, si bien emplea muchos estilos y velocidades diferentes, siempre encuentra la manera de unir cada secuencia y escena con la siguiente para que no sensación como si estuvieras viendo varias viñetas pequeñas. En cambio, todo es parte sin problemas de un todo completamente realizado.


5. Agregue gráficos, efectos y movimiento

Finalmente, como último paso, una excelente manera de modificar y adaptar el ritmo de su proyecto llega en las etapas finales de su edición cuando agrega gráficos, efectosy movimiento digital. Puede ver algunos buenos ejemplos de elementos como movimientos de la cámara en muchas de las películas mencionadas anteriormente por Christopher Nolan. Sin embargo, aunque muchos de ellos están en la cámara y en la vida real, agregando un poco de batido dinámico después del hecho puede ser una herramienta útil. Las sacudidas crean tensión e inquietud y aceleran el ritmo de las escenas que pueden arrastrarse un poco cuando se toman con una cámara estática.

Hemos repasado cómo puede aumentar el ritmo con el movimiento. También puede crear este movimiento después del hecho, cuando sea necesario. Añadiendo diferentes transiciones, gráficoso efectos, puede hacer que sus escenas se sientan mucho más vivas y vibrantes, especialmente si la información que está agregando es muy necesaria para su proyecto, como títulos o tercios inferiores. Puedes ver mucho más sobre cómo crear títulos, texto y movimiento en este resumen de tutoriales.


Para obtener más consejos, trucos y recursos cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de Comienzo (vía Warner Bros).

Encontrar comedia en el mundo real con “Cómo hacer con John Wilson”

En caso de que alguien aún no lo haya descubierto, hay un gran documental en HBO llamado Cómo con John Wilson. Es producido por Nathan Fielder (conocido por su sardónico programa Comedy Central Nathan para ti), y es una mirada absolutamente fascinante al mundo de la narración documental de correr y disparar. Como caso de estudio, muestra cuánto de la producción de un documental puede hacer un hombre con una cámara. Además de eso, también es un gran ejemplo de cómo incluso con una producción de bricolaje de un solo hombre, el género documental puede sacar la comedia de los lugares más improbables.

Entonces, usando Cómo con John Wilson como nuestro punto focal, veamos cómo este documentalista convirtió su Canal de Vimeo en quizás uno de los mejores programas de comedia y documentales híbridos de todos los tiempos.


Dispara a lo que ves

El quid de Cómo con John Wilson se reduce a un elemento crucial sobre John Wilson el cineasta, lo filma todo. Similar al protagonista de otro famoso metadocumental. Salida a través de la tienda de regalos, pero sin desconectarse de la realidad de su importancia, Wilson ha construido un estilo y una marca basados ​​en su estilo de “estar siempre disparando”. Cómo con John Wilson es realmente una mirada a la vida de un hombre mientras deambula por Nueva York, explorando tanto la ciudad como a sí mismo en el proceso.

Como puede ver en el tráiler, Wilson realmente graba todo lo que ve. Y, para aquellos que están comenzando en el cine y el documental, esta es absolutamente 100% la mejor mentalidad que pueden adoptar mientras buscan aprender su oficio. Literalmente, puedes ver cómo trabaja la mente de Wilson en tiempo real mientras mueve su cámara, acercando diferentes elementos, cambiando el encuadre para crear composiciones divertidas y, en general, manteniendo la cabeza giratoria, siempre listo para disparar cualquier rareza que encuentre.

No obtienes muchas tomas de la cámara o el equipo que Wilson usa en el programa. Sin embargo, hay suficientes destellos para ayudarnos a identificar que está trabajando con un Cámara de cine Sony, que es lo suficientemente liviano para usar como una computadora de mano, así como lo suficientemente flexible para disparar en una amplia variedad de configuraciones, desde brillantes calles iluminadas por el sol a las oscuras plataformas del metro Por la noche.


Agregar contexto y voz

Afortunadamente para Wilson y su producción, el formato de su programa no requiere mucha grabación de audio, al menos mientras está en el campo. En cambio, Wilson transmite gran parte de la narrativa del programa mediante el uso de la voz en off. No obtenemos ninguna presentación o exposición de Wilson frente a la cámara, pero obtenemos mucha información de fondo sobre él a medida que se sumerge en sus narrativas al principio y con frecuencia.

Por no decir que Wilson no graba audio mientras está en el campo. Por lo que parece, tiene al menos algún tipo de micrófono de escopeta con un parabrisas fuerte y algunos de los destellos de su configuración de correr y disparar. El audio se incluirá en la historia siempre que sea necesario, pero como puedes adivinar para un programa principalmente filmado en las concurridas calles de la ciudad de Nueva York, a menudo es para recalcar los ruidos fuertes y caóticos que uno podría escuchar en las situaciones más locas.


Deja que la gente cuente sus historias

Entrevista a John Wilson
Un ejemplo del estilo de entrevista de John Wilson con composición cómica y montaje de bricolaje. Imagen vía HBO.

Dicho esto, hay muchas entrevistas en el programa, así como audio sólido de los diversos personajes que Wilson encuentra. Esto me lleva a creer que para las situaciones más “preparadas”, Wilson (o un equipo pequeño) ha colocado al menos micrófonos de solapa u otros métodos de audio adicionales para ciertas escenas. Pero, con la tecnología de audio moderna, es muy probable que Wilson pueda arreglárselas bien con su cámara, un micrófono acoplable y sus propias soluciones creativas para crear un sonido orgánico con su narración en off.

Sin embargo, el objetivo del programa, así como cualquier buena producción documental, no es preparar el escenario para una iluminación, un audio y unas actuaciones perfectas. En cambio, está ahí para permitir que las situaciones se desarrollen por sí mismas. Y Wilson también hace un gran trabajo con sus entrevistas. Como alguien que ha filmado muchas entrevistas mientras está simultáneamente detrás de la cámara y realizar la entrevista en sí, puede ser una tarea complicada.

Puedes ver en muchos ejemplos que algunos sujetos están un poco desarmados, al principio, para estar hablando más con una cámara que con una persona. Wilson sabiamente usa esto para una ventaja y, con su comportamiento de voz suave, rápidamente puede convencer a un sujeto para que se abra sobre sí mismo, así como sobre su incomodidad en su grabación.


Documentar y registrar todo

En una entrevista con Indiewire, Wilson se abre un poco más sobre su obsesión por documentar y registrar todo.

Creo que eso es lo que mejor pueden hacer los videos y las películas es crear un archivo, un documento de un momento y lugar muy específicos. Y siempre me preocupa perder cosas. Me gusta incluir tanto y conservar tanto como pueda.

-John Wilson

Vemos ejemplos de esto en el programa. Además, Wilson muestra una gran cantidad de cintas antiguas de sus grabaciones de cámara anteriores, así como diarios detallados que documentan sus horarios y actividades diarias a lo largo de los años.

Para algunos, puede parecer un poco extremo, y ciertamente podría ser el único enfoque para cierto tipo de personalidad. Sin embargo, si miramos más de cerca este enfoque de “grabar siempre”, podemos aprender mucho sobre cómo los documentalistas desarrollan su oficio y su visión del mundo. Es asombroso que, incluso mientras se convierte a sí mismo en el tema del programa, Wilson puede verse tan objetivamente a sí mismo y a los diversos temas que encuentra. Y, si miras algunos episodios del programa, verás que Wilson se encuentra con temas y situaciones muy locos. Sin embargo, con su enfoque experimentado, se mantiene objetivo y en el momento.


Encuentra la comedia, no la crees

Finalmente, al final del día, Cómo con John Wilson es una comedia. Como puede ver en uno de sus videos anteriores que documenta un viaje al Festival de Cine de Sundance con Vimeo, su habilidad única para mezclar documental y comedia siempre ha ofrecido una mirada divertida y fascinante al mundo que lo rodea.

Sin embargo, incluso con grandes nombres cómicos como Nathan Fielder y HBO adjuntos, el enfoque de Wilson ha permanecido claramente igual que él. encuentra la comedia en lugar de crea eso. Claro, hay algunos temas muy extraños y cómicos que Wilson explora. Sin embargo, las bromas nunca son para ellos, ya que Wilson permite que su cámara simplemente encuentre lo más divertido y lo mejor de cualquier situación.

Si está interesado en el documental y tiene buen ojo para la comedia, es un programa perfecto para estudiar simplemente cómo Wilson usa su cámara. Su enfoque en las composiciones y encuadres cómicos, sus entrevistas y narraciones de corazón abierto, y el estilo general del programa, de hecho, les enseña a los espectadores “cómo” con John Wilson en lo que respecta a su oficio de hacer documentales.


Imagen de portada vía HBO.

Para obtener más consejos y recursos sobre la realización de documentales, consulte estos artículos a continuación.

Por qué toda buena película de acción es en realidad una historia de amor

Desde el amor platónico hasta el romance, Raiders to Terminators, descubre por qué nuestras películas de acción favoritas son realmente historias de amor.

Todas tus películas de acción favoritas tratan sobre el amor y el romance. En otras palabras, puede que hayas venido por la trama, pero te quedas por el tema y los personajes. Es la razón por la que, como fanático del cine, serías apocalíptico si alguien te dijera que nunca ha oído hablar del original. En busca del arca perdida, pero no sudaría si Minas del Rey Salomón perdieron su radar.

Ambas películas salieron a principios de los 80. Ambas películas eran historias de acción y aventuras ambientadas en partes exóticas del mundo durante tiempos hostiles e involucraban a rivales alemanes. Pero Asaltantes solidificado Harrison FordMayor estrellato, generó tres secuelas e incluso juegos de Lego. Entonces, ¿por qué se mantuvo cuando Minas del Rey Salomón fue regulado al estado de parodia? Desarrollo del personaje y tema.


Presentando a tus personajes

Desarrollo de personaje
La escena de diálogo de ocho páginas entre Erica y Zuckerberg en La red social. Imagen vía Sony Pictures.

Si te dijera Aaron Sorkin tuvo las agallas de escribir una escena de diálogo de ocho páginas para abrir La red social, eso no sería inesperado. ¿Adivina qué? Así lo hizo Lawrence Kasdan en Asaltantes. Es la presentación de Marian. Y, justo cuando Sorkin prepara esa escena con Erica al comienzo de Red social para que realmente consigas lo que impulsa a Zuckerberg, alimenta sus deseos y expone sus defectos, Kasdan lo hace con Indiana Jones. Marian expone sus defectos, establece sus metas y se burla de su deseo. Indiana Jones y el arca perdida se atreve a tener una escena de diálogo de ocho páginas que no solo logra darnos una historia de fondo de una manera orientada a objetivos, sino que también comienza con un puñetazo en la mandíbula (literalmente). Qué manera de mostrarnos que estas dos personas tienen una historia complicada y una relación apasionada.

Puedes pensar en la roca que se precipita hacia él, los nazis perdiendo su carne o el sombrero y el látigo, pero es la conexión personal, la responsabilidad y el amor que Indy siente por Marian lo que hace que nos preocupemos. Se muestra en el guión una y otra vez en pequeñas y grandes formas. Configuración: ¿Indy odia las serpientes? Pon a Marian en un pozo de serpientes y descubre que él se preocupa más por ella que por su miedo a las serpientes. Configurar: ¿Indy como patriota y arqueólogo de renombre? Haz que esté dispuesto a sacrificar la posesión del arca para ganar su seguridad. El hombre que sedujo a la joven hija de su mentor y la abandonó en busca de descubrimientos científicos evoluciona hacia asuntos del corazón, en lugar de cosas materiales o físicas, y encuentra una forma de espiritualidad.


Subvertir las expectativas

Subvertir las expectativas
Reese atraviesa el tiempo para conocer y proteger a Sarah Connor en El terminador. Imagen vía Fotos de Orion.

¿Listo para tu próxima película para chicas? ¿Qué podría ser más romántico que cruzar el tiempo para reunirse con la mujer que nunca conoció y que solo vio en una foto? No, no Algún lugar en el tiempo. Yo estoy hablando El terminador!

Arnold puede tener la frase “Volveré”, pero el público no ha vuelto a ver seis películas y una serie de televisión debido a una máquina asesina. Todo se debe a que Sarah Connor es un personaje con el que podemos relacionarnos, alguien común que se ve empujado a una situación imposible de asombro y responsabilidad y está a la altura de las circunstancias. La amamos, así como Reese la ama y viaja en el tiempo para protegerla. ¿Cuántos de nosotros desearíamos que alguien que conoce nuestro yo futuro pudiera regresar en el tiempo para advertir a nuestro yo actual de las dificultades inminentes con un recordatorio, “No hay destino, sino lo que hacemos por nosotros mismos. Debes ser más fuerte de lo que imaginas que puedes ser “.

Gracias, James Cameron, por darnos literalmente el tema del mensaje que John hace que Reese memorice para decirle a Sarah. Y no me digas que esa nota no puede ser la voz en off y el chasquido de Angela Bassett alejarse de la hoguera en Esperando para exhalar!


El estilo de John McClane

El héroe de John McClane
El objetivo inicial de John McClane de reunirse con su esposa se convierte en una situación potencialmente mortal en Morir duro. Imagen vía 20th Century Fox.

Una cosa es luchar contra los nazis y viajar en el tiempo por amor, pero nada dice Hallmark Christmas como subirse a un avión en Nochebuena con un osito de peluche gigante para salvar su matrimonio como Morir duro. ¡Lo entiendo! Está Hans Gruber (Alan Rickman como uno de los malos más deliciosos de todos los tiempos), hay ametralladoras y detonadores y helicópteros explotando, y cuerpos arrojados desde rascacielos y agentes del FBI y fragmentos de vidrio.

Pero, rompamos cuando John McClane finalmente pueda idear un plan ganador para derrotar a Gruber y su alegre banda de ladrones. Después de su punto bajo. Después de que no pudo detener la matanza del amable Sr. Takagi o el zalamero, Ellis. Después no pudo convencer al FBI de que lo ayudara. Después de que Gruber demostró lo inteligente que era disparando el cristal debajo de los pies de McClane. Su punto más bajo. Cree que está perdido. Está arrancando fragmentos de vidrio de sus pies ensangrentados y hablando por teléfono con su único aliado, un policía de Los Ángeles con una historia de fondo traumática. Y McClane dice esto: “Le he dicho a mi esposa un millón de veces que la amaba, pero nunca le he dicho que lo siento”.

Solo cuando puede admitirlo, tener ese avance emocional, tiene la claridad mental para darse cuenta de algo acerca de las verdaderas intenciones de Gruber y evitar que la gente de la fiesta vuele por los aires. Cada acción que realiza es en apoyo de su objetivo: reunirse con su esposa.


Vínculos significativos

La conexión platónica
El amor platónico entre Dom y Brian se convirtió en una plétora de Rápido y Furioso Película (s. Imagen vía Fotos universales.

Aquí está la comida para llevar. La gran narración se trata de personajes complejos que tienen defectos, pero que pueden redimirse. Quieren algo significativo. Y, aunque enfrentados a obstáculos y complicaciones, superan el conflicto transformándose en una versión más capaz de sí mismos. Pueden ganar, pueden perder, pero si le das a la audiencia una razón significativa para la motivación de tu personaje principal (y realmente lo que es más significativo que el amor), nunca los aburrirás. Tendrás un final sincero y satisfactorio.

Ah, y también se aplica al amor platónico. Aquí los está mirando Dom y Brian. Creo que hay catorce Rápido y Furioso películas que ahora demuestran el poder eterno del amor.


Imagen de portada vía Imágenes Paramount.

Una entrevista con Michael Pessah, ASC, sobre la filmación de un exterior de noche en la playa

El director de fotografía Michael Pessah habla sobre la iluminación, la cámara y la planificación general que se necesitaron para realizar el rodaje de un exterior nocturno en la playa.

Asesinos de caras sonrientes es un tratado de terror oscuro sobre un estudiante universitario con problemas cuya vida se hunde más en la paranoia cuando se convierte en el objetivo de un misterioso asesino en serie.

Ubicado en Santa Cruz, California, el paisaje de la playa es una parte importante de la acción. Es el lugar más emblemático del sur de California y gran parte del escritor Bret Easton Ellis, director Tim Hunter, y director de fotografía, Michael Pessah que quería hacer en la película era convertir lentamente un sueño de Cali en su peor pesadilla.

Para una escena fundamental en la playa, la visión era regresar a las clásicas películas de playa de California, como Punto de ruptura, o incluso Gidgety luego saque la alfombra de debajo de las cosas. Eso significó lograr un desafío físico difícil: filmar el exterior de una playa por la noche.

Escuchemos lo que el director de fotografía Michael Pessah, ASC tiene que decir sobre la planificación general que se necesitó para realizar el rodaje de un exterior nocturno en la playa.

Iluminación nocturna: asesinos de caras sonrientes en el set
El tiroteo de Asesinos de caras sonrientes. Imagen de Melanie Pullen.

Encendiendo

Iluminar la playa por la noche es una de las cosas más difíciles de hacer en cinematografía. Es por eso que muchas películas como Mandíbulas (Muerte de Chrissie), Desechar (la dramática secuencia de remo), y Periscopio abajo (secuencias oceánicas nocturnas con submarinos) hicieron sus escenas oceánicas día por noche.

Hay muchas razones para esto. El agua es muy difícil de ver por la noche, es grande y oscura. Llevar equipo y energía a la playa no es fácil. Además, no hay muchos árboles o estructuras para enmascarar luces y equipos. Entonces, ¿cómo lo abordaron Hunter y Pessah?

Iluminación de noche: luz natural
Con la ayuda del Efectos visuales departamento, se utilizaban verdaderas hogueras para iluminar la playa por la noche. Imagen de Melanie Pullen.

Una de mis soluciones fue usar un camión Beebee Nightlights en la playa. Nos permitió rodar nuestra iluminación directamente hacia la playa y establecer nuestra luz de luna sin tener que pasar muchos cables de alimentación por la arena. Gelificamos el Beebee con 1/2 CTS para que no se leyera demasiado azul contra los incendios. Realmente queríamos usar fuegos reales para las fogatas de la playa (simplemente se ve mejor que cuando lo finges con una luz), por lo que nuestro departamento de efectos visuales tenía espitas ajustables en los fuegos para que podamos establecer la intensidad en diferentes niveles para tomas amplias y primeros planos. Diseñé la iluminación para que funcionara con los niveles de las hogueras; es más fácil ajustar una luz que cambiar el brillo del fuego para que podamos obtener un agradable y rico naranja. Expuse el fuego a unas dos paradas sobre la llave.

Iluminación nocturna: los asesinos naturales frente a las caras sonrientes
La escena de amor en la playa es un homenaje a una escena similar en Lo natural. Imagen vía TriStar Pictures vía Sony Pictures y Entretenimiento en el hogar Lionsgate, respectivamente.

Para la escena de amor en la playa, homenajeé una de mis escenas favoritas, la escena de amor en la playa en Lo natural, dónde Robert Redford juega en silueta contra el agua. Caleb Deschanel, ASC, ilumina brillantemente el agua allí, y quería probar algo similar. Es realmente bastante mágico cuando ves las olas jugar detrás de ellos.

En el muelle, para darle al agua una luz de fondo para dar forma a nuestras estrellas durante su romántico paseo, coloqué pequeñas HMI con un generador de putt-putt 6500. Siempre es bueno tener un generador pequeño y un 2.5 o 1.8 a mano para colocarlo fácilmente en lugares sin tener que tender mucho cable. Esto también es muy útil si está filmando en el bosque y necesita colocar una luz en un fondo profundo.

Inspirándose en el guión, Pessah utilizó importantes accesorios para proporcionar un fuente de luz natural.

Iluminación nocturna: el teléfono celular
Los teléfonos móviles se utilizaron como fuentes de luz reales a lo largo de la película. Imagen de Melanie Pullen.

Quería tener una fuente de luz más allá de la luz de la luna y la capacidad de empujar la rueda de colores en direcciones opuestas; al equipo se le ocurrió la idea de las hogueras en la playa como elemento visual. Los teléfonos móviles juegan un papel importante en la película, y los usamos como fuentes de luz reales en la escena. Tomó algo de trabajo conseguir el color y el brillo correctos, pero funcionaron muy bien con el fuego y la luz de fondo.


Cámara y planificación general

El director Tim Hunter estaba especialmente interesado en bloqueo la cámara en tres dimensiones, utilizando la profundidad dentro del encuadre y aprovechando el gran lienzo provisto por Will Rodger Beach. Pessah estaba encantado con el enfoque, pero sabía que se necesitaría planificación y creatividad para hacer realidad su visión.

Después de hacer nuestro primer recorrido con nuestro AD, supe que traer un camión Beebee sería la forma más eficiente de crear nuestra luz de luna. Fue una escena filmada durante varias noches, y hubiéramos perdido mucho tiempo pasando un cable pesado por la arena y luego envolverlo todas las mañanas. . . solo para repetirlo de nuevo unas horas después.

Le expliqué esto a producción e inmediatamente estuvieron de acuerdo en que era el camino a seguir. El camión se podía enrollar y teníamos luz muy rápidamente, y era muy fácil de colocar cuando cambiaban los ángulos.

Además, en el explorador, vimos dónde salía el sol por la mañana. Nos aseguramos de no apuntar en esa dirección al final de la noche para poder tener unos minutos más de rodaje. También determinamos en qué dirección se revelarían las luces parpadeantes de Los Ángeles de fondo. Intentamos bloquear las escenas, por lo que los primeros planos más importantes apuntaban en esa dirección.

Iluminación nocturna: iluminación de fondo
La iluminación de esta escena resalta las luces parpadeantes de la playa de fondo. Imagen de Melanie Pullen.

Pessah brindó un maravilloso punto de vista de su enfoque para planificar la iluminación. Al igual que cuando los artistas se enfocan en el espacio negativo (el espacio alrededor y entre los sujetos), él sabía que iban a ser fundamentales hipocresía control, y desea establecer sus niveles de luz alrededor de esos elementos. En este caso, se encendió a un nivel donde las luces parpadeantes y los fuegos se veían mejor en la playa.

Solo teníamos un camión de iluminación grande, por lo que algunos de los ángulos fueron engañados para que los actores estuvieran a contraluz en ambas direcciones. Eran tomas con lentes largos y no hay mucha geografía para revelarlo. Es muy útil para los cineastas recordar que si está usando una lente larga, a menudo solo necesita mover la cámara un poco y parece que ha invertido completamente el eje 180 grados. Siempre que pueda realizar un seguimiento de sus líneas de ojos, es mucho más rápido que mover una enorme luz de fondo al otro lado del televisor.

Por supuesto, si tiene recursos para mantener dos fuentes grandes en lados opuestos del exterior nocturno y alternar entre las dos cuando gira la cámara, es aún mejor. Pero no teníamos el presupuesto para eso y esta solución funcionó muy bien.

Iluminación nocturna: primeros planos
La iluminación de primeros planos se convirtió en una prioridad. Imagen de Melanie Pullen.

Parte de la planificación con un presupuesto es saber dónde editar será y tomándose el tiempo para las tomas más útiles.

A veces, filmamos nuestros primeros planos primero y luego retrocedimos para los planos generales. Existe una convención de que siempre debes comenzar con lo ancho, pero a menudo la escena vive en los primeros planos y es bueno darles todo el tiempo que necesitan y luego ir hacia atrás.

Otro factor al disparar al aire libre y cerca del agua Así es como los elementos físicos afectarán la filmación.

Steadicam en la playa puede ser complicado debido al viento. Nuestras empuñaduras a menudo necesitarían sostener una red doble 4 × 4 junto a Twojay para evitar que el viento afecte la composición. Hay algunas tomas steadicam en la playa que hicimos con una lente de 75 mm y son sólidas como una roca.

Con todas las consideraciones prácticas, todavía se reduce a la historia.

En general, planificamos el arco de color de la escena para que pasara de cálido a frío a cálido. Es realmente genial cambiar el tono durante un movimiento de cámara o en el transcurso de una escena larga. Ayuda a acentuar el movimiento y le da peso al viaje de los personajes.

Si esta entrevista mojó su silbato para obtener más consejos prácticos para filmar en la playa, consulte este informativo Tutorial de Shutterstock sobre la mejor manera de capturar el sol y surfear en una película.


Para obtener más consejos, trucos y entrevistas cinematográficas, consulte estos artículos:

Imagen de portada a través de Melanie Pullen.

Aspectos destacados del equipo cinematográfico de 2020

Como la mayoría de las industrias, el mercado de equipos de video se vio inundado con equipos nuevos este año. Aquí hay algunos aspectos destacados seleccionados para considerar.

No diría que me gusta abrir este artículo comentando la naturaleza agotadora de 2020, ya que estoy seguro de que ya lo ha leído cien veces para otras listas de “fin de año”. Sin embargo, sería difícil negar los efectos que la pandemia ha tenido en las industrias creativas. Ha sido un año turbulento, desde la paralización de las producciones hasta la fabricación de equipos que presionó el botón de pausa.

Sin embargo, a medida que pasamos la tormenta, comenzamos a ver que las empresas anunciaban nuevos artículos cuando era el momento adecuado. Algunos muy esperados, otros una gran sorpresa.

Esta no es de ninguna manera una lista de “lo mejor de” ni ninguna forma de lista de clasificación escalonada. Es simplemente un catálogo de artículos que han despertado mi interés durante todo el año. Lidiando con el nivel medio de alrededor de $ 5,000, echemos un vistazo a algunos de mis anuncios favoritos de 2020.


Sony A7S III – $ 3,498

los Sony A7S II fue lanzado en 2015, que según los estándares de la cámara es hace un milenio. Amado por su capacidad con poca luz y características mejoradas de realización de películas, que se vieron favorecidas por las características que se encuentran en el A7 II y A7 III, cinco años después, la tecnología se estaba quedando obsoleta rápidamente. Sin embargo, para cada evento de transmisión después de 2015, los usuarios esperaban ansiosos la próxima versión de la variante cinematográfica de la línea A7. Pero nunca llegó, año tras año. Incluso se especuló que el A7S III nunca sucedió.

Sony a7S III
Lanzado a principios de este año, el a7S III fue una adición bienvenida a los contendientes de este año. Imagen vía Sony.

Sin embargo, después de varios avances, el A7S III finalmente se anunció y se lanzó a principios de este año. Las especificaciones principales son:

  • 12.1 Sensor CMOS Exmor R
  • 4K a 120p
  • 120p y 240p en Full HD
  • Grabación interna de 10 bits
  • Muestreo de color 4: 2: 2
  • 409,600 ISO
  • 15+ pasos de rango dinámico

Como era de esperar, y algo perfectamente sincronizado con EOS R5 de Canon problemas de calefacción, el a7S III fue recibido con fanfarria alegre por parte de los usuarios.


DJI RS2 – $ 849

El DJI RS 2 es el sucesor del Ronin-S. Es más liviano por diseño, pesa solo 2.36 libras, pero puede transportar hasta una plataforma de diez libras.

Había una especie de brecha entre el Ronin-S y el Ronin-M. Si bien el modelo M puede llevar cámaras más grandes, tiene un precio más alto de $ 1,119. El S está dirigido al usuario sin espejo a $ 749. Aún así, en los últimos años, hemos visto cámaras más pequeñas que se vuelven más pesadas y más anchas, dejando al Ronin-S obsoleto para algunos modelos o simplemente difícil de usar (como el BMPCC6K).

DJI RS2
Si bien es liviano, puede transportar hasta una plataforma de diez libras. Imagen vía DJI.

El RS 2 se prepara para cerrar esa brecha como el estabilizador insignia de DJI para cineastas profesionales. El RS2 puede manejar plataformas más pesadas, lo que le permite usar cámaras como la ARRi ALEXA Mini LF, Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K, Canon 1DX o incluso una cámara con empuñadura de batería adjunta.

Como señaló Mike Maher en nuestro escribir:

No solo retiene el control de 3 ejes, sino que también hay sistemas de seguimiento mucho mejores, así como más configuraciones para que pueda disparar. El RS 2 es una gran combinación de Ronin 2 de tamaño completo y Ronin- Características S. Se puede decir que se realizaron muchas pruebas y reflexiones en el estabilizador para brindarnos la herramienta más versátil.

El RS2 es un poco menos caro que el Ronin-M, pero costará más que el Ronin-S con las funciones avanzadas.

  • 3 ejes
  • Pesa 2,36 libras
  • Carga útil de 10 libras
  • Duración de la batería de 12 horas
  • Pista activa 3.0
  • Pantalla táctil LCD a todo color de 1.4 ″
  • Diseño compacto para un fácil transporte
  • Compatible con transmisor RavenEye 1080p


Editor de velocidad DaVinci Resolve – $ 295

Quizás la última entrada en la lista sea la Editor de velocidad DaVinci Resolve. La compañía anunció este lanzamiento en noviembre y los usuarios recién comenzaron a recibir sus envíos.

Editor de velocidad DaVinci Resolve
Realice múltiples tareas simultáneamente con DaVinci Resolve Speed ​​Editor.

Como el Teclado DaVinci Resolve 2019, Speed ​​Editor es un periférico que le da al editor un control preciso y eficiente de la línea de tiempo con teclas de función dedicadas y un dial de búsqueda multi-operacional.

Si bien el teclado 2019 es una herramienta fantástica, tiene un precio elevado y es igualmente grande y pesado. El Speed ​​Editor es relativamente más económico y compacto. Como se señaló en nuestro revisión, aunque el editor de velocidad está diseñado principalmente para el uso de páginas de corte, también puede aumentar drásticamente el flujo de trabajo en la página de edición estándar. Y, aunque ha perdido la sección QWERTY del teclado, los controles de cada función de edición le permiten realizar varias tareas simultáneamente.

  • La cinta de origen permite una búsqueda de clips más rápida
  • Botones grandes de entrada y salida
  • Nuevos modos de teclado para una edición inteligente
  • Botones para permitir el ajuste en vivo del dial de búsqueda
  • Botones para cambiar el tipo de transición
  • Control de dial de búsqueda integrado
  • Teclado para entrada directa de código de tiempo


Serie NVIDIA RTX 3000 – $ 499 / $ 699 / $ 1,499

A principios de este año, NVIDIA anunció tres nuevas GPU para poner en marcha el Serie 3000.

NVIDIA RTX 3080
Este RTX 3080 de precio medio es rápido, eficiente y capaz de renderizar en 3D. Imagen vía NVIDIA.
  • El asequible (para algunos) RTX 3070 a $ 499
  • El buque insignia RTX 3080 a $ 699
  • El coloso RTX 3090 a $ 1,499

Si bien al principio puede parecer desconcertante incluir una línea de nuevas GPU para una lista de equipos de filmación de fin de año, debe reconocer que con el aumento en la resolución de la cámara y la grabación RAW, las GPU y CPU de 2015 ya no lo están haciendo.

Las GPU de la serie RTX 3000 son capaces de generar tiempos de renderizado en 3D hasta dos veces más rápidos que las GPU NVIDIA actuales. Alejandro observa que los artistas de efectos visuales y animadores utilizan software de renderizado 3D, como Blender Cycles y Maxon Cinema 4D.

Si bien algunos NLE son más indulgentes con la CPU, tiene otro software, como Resolver, que depende más de la potencia de la GPU. Si encuentra que esos archivos 6K tartamudean, es posible que necesite una actualización. Sin embargo, no podrá simplemente conectar la serie 3000 a cualquier computadora vieja. Puede que tengas que actualizar todo el sistema.


Aputure 600D – $1.890

Aputure generalmente hace sus anuncios en NAB o IBC, pero con ambos programas cancelados este año, nos obsequiaron con informes en vivo (y delicias que fueron).

LS 600D Pro
El 600D viene con un reflector y una bombilla de 1200W. Imagen vía Aputure.

Primero, tenemos el 600D. Esta luz es similar al resto de la familia “D”: un dispositivo LED de un solo chip con reflector. Al igual que el 120D y el 300D, el 600D también tiene un gran impacto, pero golpea mucho más fuerte. Por ejemplo, como se indica en nuestro cobertura del 600D, es considerablemente más brillante que un M18 con una bombilla de 1200W. Eso es 100.000 lux en comparación con los 70.000 lux de una HMI D12.

  • Color: 5600K, CRI / TLCI: 96
  • Ángulo de haz con reflector de 55 °
  • DMX inalámbrico, control Bluetooth
  • 4 modos de atenuación, alcance inalámbrico: 328 ′

Nova P300C – $ 1,699

La segunda luz que Aputure lanzó este año es la Nova P300C. Parece que esta luz ha sido objeto de burlas casi tanto como la A7SIII.

Nova P300C
El Nova P300C viene con una amplia rueda de colores RGB. Imagen vía Aputure.

Lo que hace que esta luz sea específicamente única y muy esperada es que es una luz RGBWW. Eso significa que puede integrarse prácticamente en cualquier situación de luz ambiental, combinar con otras luminarias o, simplemente, para la expresión creativa, cambiar a los millones de colores que se encuentran con la rueda RGB.

Esta luz sigue la tradición de Aputure de crear luminarias que tienen más fuerza que la competencia habitual, pero cuestan solo una fracción de los fabricantes de alta gama. El C300P tiene más salida que el ARRI S30-C y el Kino Flo Image L80. Ambos cuestan más de $ 4,000, mientras que el P300C cuesta solo $ 1,699. Sin embargo, actualmente obtener una es tan difícil como adquirir una GPU de la serie NVIDIA 3000.

  • Temperatura de color variable: 2000-10,000K
  • CRI / TLCI: 95, ajustes RGB completos
  • Tono, saturación, control de intensidad de luz
  • DMX, Bluetooth, control de enlace Sidus


Canon EOS C70 – $ 5,499

En 2020, se esperaba que la EOS R5 fuera una herramienta revolucionaria como lo fue la 5D Mk II con su salida de grabación de 8K. Iba a ser La próxima gran novedad de Canon. Pero, con la cámara sobrecalentada y una serie de otros problemas, la anticipación se apagó rápidamente.

Sin embargo, unos meses después, introdujeron el Canon EOS C70. Esta cámara es una especie de híbrido de la nueva línea EOS R y su línea de cámaras de cine.

Canon EOS C70
La EOS C70 de Canon incluye un sensor Super 35 mm y un rango dinámico bastante respetable. Imagen vía Canon.

El C70 carece de los grandes números y aplicaciones típicos que persiguen otras marcas, como 6K RAW u 8K de fotograma completo. Sin embargo, el sensor Super 35 mm del C70 con 4K es totalmente respetable.

  • Sensor de salida de doble ganancia (DGO) Super 35
  • Captura HDR 4K 120p, 2K de recorte 180p
  • Grabación Canon log 2, 3, PQ y HLG
  • Montura de lente RF / Montura EF con adaptador
  • ¡CAVAR! Procesador de imagen C DV7
  • Más de 16 paradas de rango dinámico total
  • Filtros ND integrados
  • ISO automático y ganancia
  • CMOS AF de doble píxel y EOS iTR AF X
  • 1 código de tiempo BNC
  • 2 entradas de audio Mini-XLR
  • Ranuras para tarjetas SD dobles, compatibilidad con LUT / Long GOP


Blackmagic URSA Mini Pro 12K – $ 9,995

Bien, obviamente, esto no cae dentro de los límites del margen de menos de $ 5K. Sin embargo, fue un anuncio tan grande que merece una mención.

URSA Mini Pro 12K
La URSA Mini Pro 12K tiene una nueva electrónica interna, que incluye un nuevo sensor y funciones de grabación adicionales. Imagen vía Diseño Blackmagic.

Sí, en 2020, nos obsequiaron con la primera cámara de 12K, con la URSA Mini Pro 12K. El cuerpo sigue siendo en gran parte el mismo diseño que los otros modelos fácilmente disponibles como el URSA Mini 4.6K y URSA Mini Pro G2. Sin embargo, la electrónica interna del 12K ha sido reemplazada. Hay un nuevo sensor, una nueva curva de película, una nueva ciencia del color y una serie completamente nueva de funciones de grabación.

  • Blackmagic RAW en todas las resoluciones
  • Hasta 60 fps 12K
  • 110 fps a 8K
  • 220 fps (recorte Super 16) a 4K
  • Montura de lente intercambiable (se envía con PL)
  • Filtros ND integrados
  • Doble CFast y USH-II SD
  • Puerto de expansión SuperSpeed ​​USB-C
  • Y, por supuesto, se envía clásicamente con la versión Studio de Resolve.

Ha habido un poco de confusión sobre por qué se necesita 12K cuando muchos consumidores solo están cambiando a 4K, ¡y mucho menos a 8K! Sin embargo, la práctica de filmar en 12K no es entregar una resolución de 12K. En cambio, ese sensor de 12K ofrece imágenes 4K y 6K sobremuestreadas. Tenemos un 12K en camino y explicaremos esta característica con más profundidad a principios de 2021.


Fuji XF 50 mm F / 1.0 – $ 1,499

Estaba extremadamente emocionado con este lente y dije que sería un regalo de fin de año, pero nunca llegué a pedirlo. El Fuji F / 1.0 es una entrada sin precedentes de Fuji, ya que marca la llegada del objetivo de enfoque automático más rápido para cámaras sin espejo.

Fuji XF 50 mm F / 1.0
El Fuji F / 1.0 tiene un enfoque automático impresionante, que produce un hermoso bokeh. Imagen vía Película Fuji.

Con 50 mm, posee un campo de visión equivalente de alrededor de 75 mm (Fuji usa sensores APS-C). Como propietario de una lente Fuji 16-55 mm 2.8 Red Label, esta lente probablemente será tan gruesa y pesada como el zoom. Con una apertura F / 1.0, puede esperar un hermoso bokeh de ensueño.

  • Саmеrа Lеnѕ Туре Ѕhоrt Теlерhоtо Рrіmе
  • Primero tres (mm) 77
  • Longitud nominal (tеlе) 50
  • Longitud focal (ancho) 50
  • Límites de lecciones 12
  • Grupo de lecciones 9
  • Мах ареrturе – tеlе 1
  • Мах ареrturе – wіdе 1
  • Mínimo valor 16
  • Mínimo causa diferencia (m) 0,7
  • Ángulo de visión (grados) 31,7
  • Ареrturе blаdеѕ 9


A pesar de que 2020 ha sido un año inestable para casi todos en todas las industrias, todavía ha habido una gran cantidad de equipos nuevos ingresando al mercado.

Sin embargo, como se señaló, sugerí que esta era una lista cuidadosamente seleccionada de equipos que me atraían. Dado que se introdujeron tantos equipos este año, es posible que se pregunte “¿por qué estas selecciones?”

Como cineasta que a menudo trabaja como operador solitario o en un equipo básico, estoy buscando un equipo que condense las tareas y aumente mi eficiencia. Cuanto menos lleve, mejor. El equipo que he destacado en esta lista refleja ese espíritu. Por supuesto, no podemos pasar por alto que he omitido el KOMODO ROJO, y en su lugar, tengo el C70. Un pecado capital para algunos, estoy seguro. Sin embargo, el C70 tiene estabilización de imagen electrónica con un filtro ND incorporado. Eso, en muchas circunstancias, lo convierte en una opción más eficiente para mi flujo de trabajo.

Y ese es el tema que se encuentra en toda esta lista. No se trata tanto de la mayor resolución, la mejor ciencia del color o las velocidades de cuadro más rápidas que se pueden encontrar en otros lugares. En cambio, consideré cómo este equipo alivia la tensión de la realización de películas.


Para obtener más charlas sobre equipos, consejos y trucos, consulte los artículos a continuación:

Imagen de portada vía Sony.

Una guía para elegir las mejores lentes para videos “Talk to Camera”

Desde YouTube hasta los vlogs, profundicemos en el aspecto técnico y la estética básica de los lentes de video para “hablar con la cámara”.

En el video de hoy, estamos hablando de las mejores lentes para videos de “hablar con la cámara”. ¿Dispara con un objetivo gran angular o medio? ¿Con un objetivo de cine o un teleobjetivo? ¿Qué se ve y funciona mejor? Y, ¿existe una lente adecuada para este tipo de tomas? Hoy, profundizaremos en el aspecto técnico de este problema, así como en las preferencias personales. Mire el video, luego lea la versión transcrita que sigue en el artículo a continuación.

Entonces, comencemos con la primera y más común lente …


16 mm

La lente de 16 mm
El ultra gran angular de 16 mm obliga al altavoz a acercarse a la lente.

Cada longitud focal de la que hablaremos tiene una vibración y un sabor diferentes, y con cada sabor, una asociación diferente. Sin embargo, comencemos con el de 16 mm.

La de 16 mm es una lente ultra gran angular, con la que puede ser difícil disparar en ciertos espacios. Por ejemplo, si está filmando en una ubicación que no se ve bien, tendrá que manipular la posición y el ángulo de la cámara. Y, aunque es uno de los lentes más comunes para Youtube, a veces es un poco demasiado amplio, lo que crea un ángulo oscuro que no se ve comúnmente en los videos de “hablar con la cámara”.

Cuando las personas ven televisión o películas, rara vez usan un gran angular para “hablar con las cámaras” porque no es tan halagador. Y eso significa que quienquiera que esté hablando estará muy cerca del objetivo. Entonces, si estás haciendo un entrevista o cualquier cosa con un cliente, es posible que 16 mm no sea su amigo. Sin embargo, disparar con una cámara un poco más ajustada, como una de 35 mm, podría ser una mejor opción.

Muchos de nosotros tenemos un micrófono en la parte superior de nuestra cámara, por lo tanto, la cámara es agradable y cercana, al igual que el micrófono. Sin embargo, lo que hace es distorsionar la cara. Las cosas se ven un poco raras y raras. Entonces, mientras que el de 16 mm es bueno para vlogs, no es necesariamente la lente más favorecedora, ni la más cómoda para estar frente a ella.

Pero crea un efecto oscuro. Si está filmando en un espacio pequeño, su gran angular permite capturar más de ese espacio. Si está filmando en un espacio atractivo, es rápido, sucio y genial capturar todo. También es una distancia focal realmente buena para garantizar que estás dentro del encuadre, que es otra razón por la que es uno de los objetivos más populares: si estás disparando en ultra gran angular, definitivamente estás en el encuadre. Como resultado, no necesita revisar constantemente el monitor porque sabe que esta área está enmarcada. Aquí es donde reina el 16 mm.

Entonces, si quieres un sabor un poco íntimo, algo oscuro, estilo vlog, el de 16 mm es el indicado para ti.

Ahora, pasemos al 35 mm, que le brindará un poco más de esa comodidad cinematográfica que todos estamos acostumbrados a ver.


35 mm

La lente de 35 mm
La distancia focal de 35 mm crea una distancia cómoda entre el sujeto y la audiencia.

De hecho, creo que este es probablemente uno de los mejores puntos focales para hacer el formato de “hablar con la cámara” de YouTube. La razón es simple. La cámara reproduce a una distancia no demasiado lejana. No se siente demasiado indirecto. Ni se siente demasiado cinematográfico, que podría comenzar a obtener con los 50 mm. Con este, la cámara todavía tiene un poco de cercanía. De hecho, se siente como la misma distancia focal que tendrías si estuvieras hablando con una persona. También estás obteniendo una buena distancia.

Entonces, si estás en YouTube, o incluso estilo entrevista, el de 35 mm creará una vibra más personal, realista y cómoda. Es la distancia perfecta. Sin embargo, si estás filmando a alguien, esta cámara todavía está bastante cerca. Entonces, para aquellos que se sienten un poco menos cómodos tan cerca de la cámara, tal vez quieran que la cámara esté un poco más lejos. Personalmente, siento que esta distancia hace que parezca que en realidad estoy hablando con una persona. Entonces, incluso como talento en la pantalla, tiene cierto consuelo. Por lo tanto, con esta distancia focal, probablemente sea una de las mejores para YouTube, así como para tutoriales. Tiene un estilo un poco más cinematográfico y también puede resaltarlo con su lente de 16-35 mm, si esa es una opción. Y, aunque es versátil, no es mi aspecto favorito.

Pasemos a mi configuración favorita de “hablar con la cámara”, la de 50 mm, que es mucho más cinematográfica.


50 mm

La lente de 50 mm
Observe la diferencia de nitidez con respecto al sujeto y el fondo cuando se usa el 50 mm (izquierda) frente al 16 mm (derecha).

Personalmente, si alguna vez filmo una película con una secuencia de “hablar con la cámara”, la filmaré en 50 mm. Es lo más halagador para las personas en la pantalla, pero lo suficientemente distante para que las personas no sientan que la cámara está frente a ellos. Y, debido a que la cámara está tan distante, tendrás que proyectar más y hablar más alto, incluso cuando uses un lavalier.

Técnicamente, me encanta lo que hace con el fondo. Comprime el marco lo suficiente, por lo que obtienes un poco de distorsión, pero pone más en el fondo y lo hace sentir mucho más rico.

El problema con el gran angular es que mostraba casi demasiado. (Tuve que hacer un encuadre incómodo para que no vieras mi sótano feo). Y, si no tienes un gran espacio de fondo en tu set, o el estudio de YouTube que siempre has querido, dispara con una lente más ajustada. puede ayudarte a capturar ese pequeño espacio.

Aquellos que pueden permitirse el lujo de utilizar grandes sets dispararán con lentes más grandes y anchos. Eso también atraviesa el cine. Si estoy filmando un película indie y la ubicación no es óptima, agregaré un 85 mm o un 50 mm. La idea es válida para “hablar con las cámaras” en segundo plano. Colocaré esos 50 mm e inmediatamente se verá impresionante, y no tengo que preocuparme por vestir todo el marco de fondo.

Entonces, para tomar atajos y, en realidad, simplemente obtener una imagen cinematográfica hermosa, este es el mejor objetivo. No obtienes una distorsión extraña y es uno de los lentes con mejor apariencia para capturar rostros.

Ahora, solo por diversión, coloquemos una lente de 85 mm y hablemos sobre cómo se siente y se ve.


85 mm

La lente de 85 mm
El 85 mm es perfecto para tomas precisas y detalladas.

Con el de 85 mm, se siente como si tuvieras que gritar para que alguien te escuche. Es como si la cámara estuviera en el lado opuesto de la habitación, por lo que probablemente sea una de las peores distancias focales para filmar para YouTube y videos de “hablar con la cámara”. Uno, la cámara está muy lejos. Dos, necesitas una habitación súper grande para filmar. Tres, se siente como si estuvieras filmando con un telefoto.

El teleobjetivo y el teleobjetivo de 85 mm son perfectos para filmar momentos detrás de escena y documentales de naturaleza, creando una imagen realmente nítida y hermosa. Sin embargo, para los proyectos de “hablar con la cámara”, no funciona bien debido a la distancia, lo que crea una sensación incómoda entre la persona detrás de la cámara y el espectador. El objetivo de 85 mm es capturar los detalles de una toma: las manos de las personas en movimiento, las expresiones faciales, etc. Sin embargo, para hacer videos de YouTube o trabajos de vlog, este tipo de distancia focal es inconveniente.


Resumen de lentes

Entonces, de arriba a abajo, diría que el de 35 mm es el mejor para grabar videos de YouTube. No está demasiado cerca. No es demasiado ancho. El 50 mm es definitivamente el disparo más limpio y rico. Y el 16 mm hace que las personas se sientan como si estuvieran viendo un video o vlog de YouTube y funciona muy bien como un juego de disparos. Pero, si quieres intentar hacer algo ridículo, algo que se destaque entre la multitud, elige los 85 mm.

Gracias por sintonizarnos. Y, sea cual sea su objetivo, ¡diviértase con él!


Para obtener consejos y trucos adicionales para la realización de películas, consulte estos artículos a continuación:

Un enfoque en la nueva herramienta de enmascaramiento de Resolve 17: Magic Mask

DaVinci Resolve agrega una función de enmascaramiento similar a Adobe que acaba de hacer que la calificación de aislamiento sea extremadamente fácil: Magic Mask.

Mucho antes de que Resolve se convirtiera en un competidor de Premiere Pro por sus capacidades de edición, era (y sigue siendo) un software de clasificación de color de clase mundial. Asimismo, sus funciones de seguimiento siempre han sido excepcionales, si no una de las mejores. Sin embargo, con la introducción de la versión beta de Resolve 17, ahora han incluido una nueva herramienta que mejora la capacidad del seguimiento, haciéndolo increíblemente fácil. Se llama Magic Mask. Veamos cómo funciona.


Trazos de persona

Con el motor neuronal, hemos visto varias funciones nuevas agregadas a Resolve durante el año pasado. La última característica de este tipo es la máscara mágica. Esta nueva herramienta le permite aislar a una o más personas dentro de su composición aplicando nada más que trazos de pintura a la persona. Con la máscara mágica, puede generar una máscara para toda la persona o cambiar la operación para enfocarse en una característica específica, desde los brazos hasta los zapatos de la persona. Y, sí, esto sugiere que esta Máscara Mágica debe usarse solo en humanos. Por lo tanto, ya es ligeramente diferente entre usar el calificador HSL para aislar el color de un automóvil.

Máscara mágica: aislada
La máscara mágica se aplica al hombre de la imagen.

Crear una máscara mágica

Entonces, echemos un vistazo a cómo usa esta herramienta. En la página de color, encontrará un nuevo ícono titulado Máscara mágica. Cuando haga clic en eso, verá este nuevo panel. Está dividido en tres áreas: el Barra de herramientas, la Lista de golpes, y el Máscara finura panel.

En última instancia, no hay nada completamente nuevo en esta área, ya que es muy similar a otros elementos de Resolve. El panel Mask Finesse, por ejemplo, tiene casi todas las mismas configuraciones que tendrá para las calificaciones HSL y las ventanas eléctricas. Por lo tanto, no se necesita ningún aprendizaje adicional, hasta cierto punto.

Interfaz de usuario de Magic Mask
A continuación, se muestra un ejemplo de la interfaz de usuario de Magic Mask.

Para aplicar una máscara mágica a una persona, simplemente agregue un trazo a la persona que desea enmascarar. Ahora, podría pensar que sería beneficioso aplicar un trazo realmente largo, para que el software registre más a la persona, ¿verdad? Bueno, como se indica en el manual de referencia, los trazos de pintura muy largos no suelen ser tan útiles y pueden ser contraproducentes más adelante cuando intentas realizar un seguimiento de los trazos para seguir el movimiento en el clip. Esto es particularmente cierto si un trazo necesita seguir algo que cambia de forma a medida que se mueve, como un brazo. Si bien puede hacer tantos trazos como desee, menos trazos funcionan mejor.

Máscara mágica: trazo pequeño
El trazo de la máscara mágica solo necesita ser así de largo para que funcione correctamente.

Con el trazo agregado, recomiendo activar la superposición de la máscara para ver dónde se encuentra con la máscara. En general, creo que va a hacer un trabajo sólido desde el golpe base.

Máscara mágica: superposición
Un ejemplo de superposición de Máscara mágica.

Usando las herramientas de Finesse

Sin embargo, si es necesario, tenemos las herramientas finas para refinar su máscara. Como dije anteriormente, puede encontrar muchas de las herramientas delicadas en otras partes de Resolve, por lo que no repetiré información básica sobre estas configuraciones. Pero, si eres completamente nuevo en Resolve y ves este video, diré (en su mayor parte), querrás lidiar con la eliminación de ruido, el blanco y negro limpio, el radio de desenfoque y por supuesto, el radio de la máscara en sí, que se puede controlar con el control deslizante de radio. Controlará el radio a través de este cuadro desplegable para expandir o disminuir la máscara.


Aplicar seguimiento

Finalmente, necesitamos aplicar el seguimiento porque el sujeto y la cámara se están moviendo y, al igual que con las ventanas eléctricas, es el mismo método simplemente presionando reproducir.

Máscara mágica: seguimiento terminado
Cuando se realiza un seguimiento correcto de su trazo, verá una marca verde en la lista de trazos.

Una vez que hayamos aplicado el seguimiento, podemos hacer una última pasada sobre la máscara para ver si necesitamos refinar la selección. Entonces podemos hacer nuestro ajuste de calificación.

Para personas como el uso de la Máscara Mágica para enmascarar a una persona completa, es útil para un ajuste de compensación general para sacar al sujeto de la escena, o tal vez para darles un matiz de color creativo general.

Máscara mágica: antes y después
Aquí, he invertido la máscara para reducir la exposición del fondo y darle un toque cálido.

Suponga que descubre que hay una sección que se está enmascarando y no la necesita. En ese caso, también puede pintar un trazo sustractivo (de color rojo) sobre partes de la imagen que no son la persona o característica que está aislando, para corregir cualquier problema que vea en la máscara generada. Pero recuerde, deberá realizar un seguimiento de esto nuevamente.

Máscara mágica: trazos sustractivos
Usando el trazo sustractivo, quité las correas de la bolsa de la máscara.

Además, si sientes que no está levantando correctamente (por ejemplo) un brazo cuando el personaje se mueve, puedes agregar un trazo. Pero, de nuevo, sugiero no utilizar demasiados golpes. No solo ralentizará su sistema, sino que probablemente confundirá al software. Por lo tanto, recomiendo usar alrededor de cuatro como máximo, si es necesario.


Trazos de características

También podemos agregar trazos de características para opciones de máscara más refinadas. Esto es particularmente útil para ajustes del tono de piel y correcciones más específicas de partes individuales del cuerpo.

Para hacer esto, simplemente cambiamos al Caracteristicas pestaña, luego seleccione la función apropiada. En nuestro caso, seleccionaremos una cara y luego agregaremos otra función para los brazos expuestos. Cada vez que agrega una nueva función, agrega una capa en el panel Máscara mágica. Puede desactivarlos o eliminarlos por completo.

Máscara mágica: función de interfaz de usuario
En la pestaña Funciones, seleccione la función adecuada.

Esto sigue los mismos principios generales que la máscara de persona. Primero use las herramientas de delicadeza para refinar la selección de la máscara. A continuación, use el trazo sustractivo si la máscara resalta un área que no necesita, y luego siga hacia adelante.

Máscara mágica: trazos de características
Simplifique su proceso con la herramienta Magic Mask.

En esta toma en particular, tenemos a dos personas con valores de tono de piel similares. Por lo general, tendríamos que hacer una calificación del tono de piel y luego enmascarar a la mujer para aislarla. Por supuesto, la calificación no es solo un paso. Entonces, tal vez sean unos minutos de trabajo, luego la máscara es un paso adicional. Magic Mask anula ese proceso en una herramienta simple.


Debido al motor neuronal, la máscara mágica es perfecta para analizar y aislar correctamente las características humanas contra fondos que tienen elementos similares, mientras que esto sería difícil de separar usando el calificador. Sin embargo, no significa que esta sea la herramienta para reemplazar el calificador y las ventanas eléctricas. La máscara mágica no tiene bordes de máscara suaves y translúcidos y, dependiendo de la complejidad del movimiento y el detalle de la toma, puede que no sea lo suficientemente precisa para replicar la de la rotoscopia intensiva.

Sin embargo, por lo que es, Magic Mask está a punto de hacer que varios grados de aislamiento sean increíblemente fáciles de realizar.

Como nota al margen, noté que el rendimiento de mi computadora se volvió lento después de aplicar la máscara mágica. Por lo general, puedo reproducir archivos 4K graduados sin problemas, pero con la máscara mágica activa en un nodo, solo pude obtener 10-15 fps. Si esto se debe a que la herramienta se basa en el procesamiento del motor neuronal o porque R17 todavía está en versión beta y esta función aún no está completamente desarrollada, es un misterio para mí (por el momento). Sin embargo, como siempre, lo mantendremos actualizado con los nuevos avances.


Para obtener más información sobre DaVinci Resolve, consulte los artículos a continuación:

Consejos de cinematografía para cubrir su toma maestra

Exploremos la “toma maestra” tan importante y cómo puedes usarla para unir el resto de tu tapiz cinematográfico.

Cuando recién comienzas en el cine y el video, cada toma es tu toma maestra. Tiene sentido si lo piensas. Tienes tu set, tus actores o sujetos, y tienes tu acción. ¿No quieres capturarlo todo a la vez? Sin embargo, como encontrará rápidamente en sus proyectos, querrá una amplia variedad de otras tomas como el establecimiento, primeros planos, inserciones, etc.

El verdadero truco para hacer cine es encontrar el equilibrio adecuado entre estos diferentes tipos de tomas. ¿Cuándo desea utilizar el plano general frente al primer plano? ¿Cuándo dar a tu audiencia un sentido de alcance y escenario en lugar de una mirada a las emociones y sentimientos de un personaje? Estas son las preguntas que debe hacerse tanto como director como como editor a la hora de montar su película.

Sin embargo, para empezar, necesitarás tu tiro maestro. Exploremos esta toma tan importante y cómo se usa para unir el resto de su tapiz cinematográfico, explorando ejemplos famosos, sugerencias para encuadrar y otras tomas que eventualmente considerar.


¿Qué es un Master Shot?

En los términos más simples, una toma maestra es la toma de una escena de película que cubre todos los sujetos, objetos y piezas del set relevantes para la escena general. La mejor forma de pensarlo es en términos de escenario. Cuando va al teatro oa una obra de teatro, una persona del público siempre obtiene una versión de la producción con una “toma maestra”. Sin embargo, en el cine, tenemos la capacidad de cambiar la perspectiva y proporcionar tomas y ángulos adicionales.

La toma maestra es la toma que lo abarca todo y que a muchos cineastas les gusta usar como unidad base para su cinematografía. Esta toma maestra cubrirá toda la información necesaria tal como la vería el público durante una obra de teatro, antes de entrar en estas tomas más específicas.


Cobertura frente a primeros planos

Otra forma de pensar en la toma maestra es en términos de cobertura, o cobertura de la cámara. Este es un término de la industria que define cómo un editor puede abordar la edición de una escena con respecto a qué tomas están disponibles y qué ángulos muestran qué acciones, etc. Por lo tanto, una toma maestra incluye toda la cobertura de una escena, lo mejor posible.

Otro ejemplo de esto proviene de las producciones televisivas de espectáculos teatrales. De ejemplos clásicos que van desde Amo a Lucy a Amigos, estos programas se graban en vivo frente a una audiencia de estudio por varias cámaras a la vez. Sin embargo, aunque puede haber varias cámaras moviéndose enfocando en ángulos más cercanos, siempre queda una toma maestra amplia para una cobertura completa.


Ejemplos de tomas maestras en películas

Ejemplo de disparo maestro
Un ejemplo de una toma maestra que muestra la cobertura completa de una escena en La Academia Umbrella. Imagen vía Netflix.

Al mirar hacia atrás a través de la historia del cine, puede resultar difícil recordar un plano maestro famoso. Esto se debe a que, cuando se hace correctamente, simplemente se ve como una de las muchas tomas necesarias que lo ayudan a comprender los eventos que ocurren en una escena determinada.

Sin embargo, si busca pistas para ver si todos los personajes son visibles, y todas las acciones y elementos más relevantes están claros, entonces puede reconocer rápidamente qué tomas estaba filmando un director como maestro, en comparación con los primeros planos más matizados y otros ángulos cinematográficos.

También es importante tener en cuenta que, si bien es similar y, a veces, lo mismo, una toma maestra no siempre es lo mismo que una plano de establecimiento o exposición. A veces, el establecimiento de tomas puede estar destinado a proporcionar aproximadamente la misma cantidad de información completa, pero en realidad están más destinados a proporcionar una visión más profunda del tono y el desarrollo de la historia, y pueden centrarse en elementos extraños como el paisaje, la hora del día o estado de ánimo de la película.


Consejos para encuadrar y disparar

Disparo maestro: Encuadre
Para una toma maestra, asegúrese de tener toda la información cinematográfica necesaria en su encuadre. Imagen de Enola Holmes a través de Netflix.

Por lo tanto, la clave para una buena toma maestra es simplemente proporcionar una cobertura adecuada con un ojo cinematográfico. El hecho de que desee ver todos los actores y acciones no significa que deba llenar su marco con mucha otra información innecesaria. Ciertamente tienes licencia para intentar que tu toma maestra parezca lo más compuesta posible, siguiendo tus principios cinematográficos estándar, como el regla de los tercios—Y buscando los mejores ángulos.

Otro aspecto que los directores y directores de fotografía deben considerar al realizar una toma maestra son los elementos que puedan ser necesarios para efectos visuales o gráficos en la publicación. Las tomas maestras son fundamentales para producciones de gran presupuesto, como películas de superhéroes y otros éxitos de taquilla con muchos efectos visuales, ya que se necesita una cobertura completa para ayudar con el diseño, la escala, las sombras, etc., de personajes y efectos digitales.


Otras tomas a considerar

Como declaración general para aquellos que recién comienzan con sus películas y proyectos de video, una toma maestra es una toma perfecta para abordar primero en cualquier set. Esto le dará una unidad base a la que consultar para las tomas posteriores, así como también proporcionará un poco de ensayo para todas las actuaciones, bloqueos y efectos que puedan ser necesarios para una escena en particular. Si puedes comenzar con el maestro y te sientes bien con tener al menos una o dos tomas sólidas de tomas maestras, puedes explorar el movimiento hacia el tomas más cinematográficas, como los muchos que puedes ver arriba.


Para obtener más consejos y trucos cinematográficos, consulte estos artículos cinematográficos a continuación.

Imagen de portada de Fedorovekb.