Cómo crear un zoom de choque de bajo presupuesto a partir de dos disparos

El zoom rápido (o instantáneo) es una técnica cinematográfica que verá en películas de gran presupuesto. A continuación, le indicamos cómo crearlo en casa.

El zoom rápido (o instantáneo) es una técnica cinematográfica que verá con bastante frecuencia en películas de gran presupuesto. Quentin Tarantino lo usa con frecuencia para llamar la atención del espectador sobre elementos específicos en la pantalla, como la punta de una escopeta o la hoja de una espada Hattori Hanzo. También lo usó cuando presentó a Calvin Candy, Leonardo DiCaprioCarácter colorido en Django desencadenado. Y, oh, cómo han fluido los memes desde …

También encontrará zoom de choque en películas con gran densidad de imágenes por computadora, ya que ayuda a dar una sensación de realismo y, a veces, incluso una sensación de documental a estos mundos. Zach Synder zoom digital en una toma de un Superman volador en Hombre de Acero, mientras George Lucas lo usé mucho en el Guerra de las Galaxias precuelas. Y cuando J.J. Abrams no está ocupado ensanchando sus lentes, también está haciendo zoom en naves estelares, tanto en Star Trek y Guerra de las Galaxias.

Ejemplo de Crash Zoom en Man of Steel
Imagen vía Warner Bros.

Sin embargo, esta técnica no se limita a las películas de acción de gran presupuesto. En este tutorial, le mostraré paso a paso cómo crear un zoom digital de bajo presupuesto en Adobe After Effects con solo dos tomas estáticas.


Paso 1: capturar un WS y un CU

En este ejemplo, estoy grabando una toma de producto básica de una cámara para un video de revisión y quiero agregar algo de movimiento a la toma. Más específicamente, quiero acercar rápidamente desde un WS a un CU del logotipo G2 en el costado de esta cámara.

Zoom de choque: gran angular
Zoom de choque: primer plano
Un ejemplo de zoom de choque con una toma de gran angular a primer plano.

Para realizar un zoom de choque de estilo Tarantino en la cámara, necesito una lente de zoom parafocal. Este tipo de lente le permite mantener al sujeto enfocado mientras hace zoom. Desafortunadamente, todo lo que tengo es una lente DLSR básica de 18-35 mm, ciertamente no es la herramienta para capturar un zoom de choque contundente. Afortunadamente para esta técnica, la lente no importa.

Crash Zoom: Disparos
Empiece por capturar una toma amplia de su sujeto.

Todo lo que necesito hacer es poner mi cámara en mi trípode y capturar un WS estático, luego simplemente acercar la cámara y capturar un CU estático del logo. Ahora, llevaré estos clips a Adobe After Effects.


Paso 2: alinea los clips

Dado que esta es esencialmente una toma compuesta muy básica, estoy usando After Effects para armarla. Si bien puedo lograr este mismo efecto en muchos NLE, es mucho más fácil con las herramientas en AE.

Crash Zoom: alinea los clips
Ahora alinee los clips.

Una vez que tenga los clips en una nueva composición, necesito alinearlos. Colocaré el disparo CU sobre el WS, trayendo el Opacidad de la UC a 50 por ciento. A continuación puedo ajustar el Escala y Posición para alinear perfectamente el CU con el WS. Con los disparos alineados, giraré el Opacidad de la UC de nuevo a 100 por ciento y tráelo de nuevo debajo del WS. Ahora estoy listo para animar.


Paso 3: animar el Crash Zoom

Para que la animación sea lo más simple y fácil de usar posible, usaré una capa de control. Esto me permitirá mantener la mayoría de los fotogramas clave en una sola capa. Para ello, crearé un nuevo Capa> Objeto nulo y cambiarle el nombre Zoom de choque. Como estoy haciendo zoom en el logotipo de G2 en el lateral de la cámara, cambiaré la posición del Objeto nulo directamente sobre el logo en el panel de composición. Ahora, vincularé ambas capas al objeto nulo.

Crash Zoom: Animar
Crea una animación de un segundo.

Con todo arreglado, ahora puedo crear una animación de un segundo agregando Posición y Escala fotogramas clave para el Zoom de choque capa. Para facilitar este proceso, desactivaré la visibilidad de WS. Ahora, puedo ver claramente la toma de CU mientras escalo y posiciono la capa Crash Zoom a través de los controles en el panel de composición.

Con el zoom animado, volveré a activar la visibilidad para el WS. Ahora, puedo animar el WS haciendo keyframing Opacidad desde 100 por ciento a 0 por ciento en el transcurso de uno o dos fotogramas.


Paso 4: cubra el corte

Con la animación del zoom de bloqueo, ahora me centraré en cubrir la transición entre las dos tomas. Empezaré con el primer plano. Para extender esta toma a los bordes del encuadre, iré a Ventana> Efectos y ajustes preestablecidos y aplicar el Mosaico de movimiento efecto. Estableceré tanto el Ancho de salida y Altura a 550y luego enciende Bordes de espejo.

Zoom de bloqueo: mosaico de movimiento
Aplica el efecto Mosaico de movimiento.

A continuación, tomaré el fotograma clave en Crash Zoom y aplicaré un Facilidad Facilidad. Quiero que la animación vuele rápidamente, así que abriré el Editor de gráficos y ajustar la influencia de mis fotogramas clave. Quiero que la velocidad sea la más rápida justo cuando el WS se desvanece. Para hacerlo perfecto, tendré que jugar con el Opacidad fotogramas clave del WS, así como curva de velocidad del Crash Zoom.

Zoom de choque: gráfico de velocidad
Ajuste los fotogramas clave de Opacidad y la curva de velocidad del zoom de choque.

Finalmente, habilitaré Desenfoque de movimiento a través de los interruptores en el Cronología panel. Guardé esto para el penúltimo paso, ya que requiere bastante renderizado. Para aumentar el desenfoque de movimiento, puedo abrir Composición> Configuración de composición y navega hasta el Avanzado lengüeta. Bajo la Desenfoque de movimiento sección, puedo subir el Ángulo de obturación para aumentar el nivel de desenfoque.

Crash Zoom: Desenfoque de movimiento
Crash Zoom: Desenfoque de movimiento
Aumente el ángulo del obturador para aumentar el nivel de desenfoque.

Paso 5: agregar movimiento de cámara

Ahora tengo una animación de zoom de choque perfectamente sincronizada con mis dos tomas combinándose a la perfección. Sin embargo, la toma todavía parece demasiado digital. Como toque final, agregaré un poco de movimiento de la cámara de mano. Para esto, podría jugar con la creación de algunos expresiones de meneo desde cero. Sin embargo, ¿por qué hacer eso cuando Premium Beat ya tiene Ajustes preestablecidos de animación GRATIS ¿disponible?

Estas 15 preajustes de movimiento de la cámara incluyen versiones HD y 4K para una variedad de distancias focales diferentes. Incluso tienen varias opciones de zoom, si está trabajando con material de archivo que tiene la resolución de sobra. Una vez instalado, es tan simple como aplicar uno de estos ajustes preestablecidos a un objeto nulo y luego criar al nulo. Revisar la tutorial completo.

¡Aquí está el zoom de choque final!

Zoom de choque

Lo mejor de esta técnica es que puede agregar rápidamente elementos de gráficos en movimiento, ya que Crash Zoom ya está animado por separado de las capas. Para agregar un elemento, simplemente conéctelo al Crash Zoom y active el desenfoque de movimiento. Algunos líneas de velocidad de anime también podría funcionar bien aquí.


Imagen de portada a través de The Weinstein Company.

Para obtener más consejos y trucos para la realización de películas, consulte los artículos a continuación:

Consejos de directores de fotografía de renombre para su próxima película

¿Le interesa convertirse en un director de fotografía digno de mención? El mejor lugar para comenzar es estudiando a los grandes maestros de la cinematografía.

Comenzaré diciendo que la mejor manera de dominar cualquier parte de la realización de películas es simplemente salir y hacerlo. Hazlo y falla y vuelve a intentarlo hasta que lo hagas bien. Sin embargo, si bien ese podría ser el enfoque práctico, definitivamente hay un enfoque más filosófico: estudiar el arte del cine y aprender de aquellos que lo dominaron a lo largo de los años.

Cuando analizamos la cinematografía específicamente, tenemos una vasta y rica historia de directores de fotografía legendarios para recordar. Han ayudado a desarrollar el oficio, así como a dar forma a nuevos estilos y técnicas. También son la fuerza impulsora detrás de las innovaciones que hacen avanzar la forma de arte con cada proyecto.

Habiendo tenido la oportunidad de revisar más de una docena de los mejores directores de fotografía de todos los tiempos, aquí están mis conclusiones. Aprendí mucho sobre cómo encontraron y desarrollaron su estilo, cómo trabajan de manera tan experta con los contrastes entre la oscuridad y la luz, y cómo continúan impulsando el arte de la cinematografía, incluso hoy.


Encuentra tu pasión

Una de las partes más fascinantes de la investigación de todos estos directores de fotografía notables ha sido simplemente explorar lo que los motiva a todos. No hace falta decir que la vida de un director de fotografía nunca es fácil. Requiere extrema pasión y dedicación. Tienes que sumergirte completamente en el oficio y trabajar en proyectos las 24 horas del día, los 7 días de la semana para dar vida a tu visión.

Sin embargo, cuando escuchas a un director de fotografía de renombre como Robert Yeoman Habla en el video de arriba sobre cómo encontrar su chispa creativa, comienza a tener un poco más de sentido. Y, cuando te sumerges en cómo Hacendado da forma a su estilo y visión mientras nutre a un compañero introvertido-creativo como Wes Anderson, obtienes una imagen clara de cuán profunda es su pasión.


Desarrolle su lenguaje cinematográfico

Del mismo modo, si miras la carrera de otro director de fotografía moderno notable como Rachel Morrison, puedes ver cuán conectados están estos artistas con su oficio. Como muchos PD, Morrison habla de cómo creció con una cámara en la mano. Para sobresalir de verdad en cinematografía, debes ser un apasionado del medio y estar constantemente motivado para mejorar tu trabajo.

El viaje de un director de fotografía también se forma en la forma en que puede desarrollar su propio lenguaje como un medio para su narración cinematográfica. En el ensayo de vídeo anterior sobre Morrison, puede ver cómo ha podido crear sutilmente un estilo único y mirar muchas de sus películas al emplear varias de las mismas técnicas de filmación y paletas de colores.


Explora diferentes ángulos

También es interesante explorar los diferentes ángulos y lentes que utilizan los directores de fotografía para dar vida a sus mundos. A algunos les gusta tomar fotografías muy planas y macro, explorando los sutiles matices de los rostros y las emociones. Mientras tanto, a otros les gusta trabajar en el gran angular para capturar escenarios más grandes que la vida y dar más contexto al espacio y la acción.

Mirando en el mundo de gran angular de legendarios DP como Wally Pfister, el video de arriba es un ejemplo perfecto de cómo enfocará sus películas. En sus múltiples colaboraciones con Christopher Nolan, así como en sus otros proyectos, Pfister utiliza su enfoque de gran angular para capturar la grandeza de sus sujetos y ayudar a dar vida al alcance de la acción.


Conviértete en un personaje de la escena

Otro consejo divertido que me parece realmente fascinante proviene del prometedor director de fotografía convertido en director Reed Morano, que ha podido capturar a sus personajes con notable sinceridad y detalle. Esto se debe en gran parte a su enfoque (que describe más arriba) de “convertirse en un personaje de la escena” con su cámara.

Un buen director de fotografía no debería ser simplemente una mosca en la pared o en el fondo del conflicto y la acción. Un director de fotografía fuerte como Morano quiere estar en el medio de la escena, moverse con los personajes, interactuar con ellos y sus emociones, y darle a la audiencia esa perspectiva POV como si también estuvieran en la habitación.


Experimente temprano y con frecuencia

En muchos sentidos, los que recién se inician en la cinematografía son los más afortunados. Esos primeros años son cuando los directores de fotografía tienen la libertad de explorar y experimentar realmente con el fascinante medio del cine. Si miramos la cinematografía innovadora y la carrera de Matthew Libatique, que ayudó a dar forma a muchos de los más cerebrales Darren Aronofsky películas que dirigió, empiezas a ver cuánta experimentación ha tenido lugar en el pasado.

Libatique debe gran parte de sus estilos y técnicas innovadores a sus primeros días de jugar con las cámaras y modificar diferentes películas y velocidades. Sus experimentos realmente perfeccionaron las habilidades en las que confiaría a lo largo de su carrera.


Crea un lookbook

De todos los directores de fotografía que hemos presentado y entrevistado a lo largo de los años, Bradford Young quizás sea el mejor consejo que he escuchado para cualquiera que quiera dedicarse a la cinematografía, o incluso a la cinematografía en general. ¡Crea un lookbook! Como afirma en el video anterior, no solo te ayuda a desarrollar tu propio estilo y apariencia, sino que también te prepara para superar los nervios de iniciarte en la industria.

Un lookbook tampoco tiene que ser tan claro y conciso como se ve en el ejemplo anterior, ya que Joven explica. A efectos prácticos, la práctica del lookbooking realmente informará a su mente y ojo cinematográfico para reconocer las miradas y estilos que eventualmente podrá desarrollar en sus propias composiciones.


Utilice la cinematografía para crear sonido

Uno de mis ejemplos favoritos del poder de la cinematografía proviene de El lugar tranquilo, por DP Charlotte Bruus Christensen. En esta película, Christensen hace lo impensable al crear sonido a partir de la práctica silenciosa de la cinematografía.

Christensen, que se formó originalmente en el estilo y la filosofía cinematográfica Dogme 95, a lo largo de los años desarrolló un enfoque naturalista de la cinematografía. Su enfoque le da al cineasta la capacidad de usar imágenes para hablarle al público de maneras mucho más profundas y más fuertes que solo los personajes y el movimiento.


Comprender la importancia del contraste

Otro aspecto importante de analizar las carreras de tantos directores de fotografía estimados es lo concentrados que están todos en el contraste y la importancia de la oscuridad y la luz. Estos son realmente los bloques de construcción absolutamente fundamentales de cómo se construyen las imágenes y las tomas. Entonces, mientras que un director de fotografía puede enfocarse en otros elementos de color y composición, los contrastes siempre están al frente de su mente.

Quizás no haya mejor ejemplo de esto que con Steven SpielbergDirector de fotografía de toda la vida Janusz Kamiński. Kamiński filmó secuencias tan famosas como la apertura “oración de la vela“Escena de La lista de Schindler. En la entrevista anterior, Kamiński expone la importancia de estos contrastes entre la luz y la oscuridad que informan su cinematografía, así como quién es él como artista.


Usa tu cámara como una extensión de ti mismo

Esta cita es cierta para cualquier director de fotografía experimentado que haya pasado una cantidad significativa de tiempo detrás de una cámara. En cierto momento, el arte de la cinematografía deja de ser una tarea y se convierte simplemente en una extensión de uno mismo. La cámara básicamente se convierte en una extremidad, o un tercer ojo, para que un director de fotografía vea y capture el mundo que lo rodea.

Mirando algunas de las cinematografías ejemplares y alucinantes de Ellen Kuras (quien filmó una de mis películas favoritas Eterno resplandor de una mente impecable) como ejemplo, puede comenzar a comprender cuán cierto es este concepto. Con solo mirar su proyecto más famoso, realmente tienes la sensación de que su cámara es similar a su visión mientras vemos algunos de los momentos fascinantes, pero verdaderamente humanos, de la película pasar ante nuestros ojos.


Sea el colaborador de su director

Esto probablemente debería ser evidente, pero si quieres ser un director de fotografía exitoso, ¡trabaja con grandes directores! Este es ciertamente el caso del legendario Robert Richardson, que ha trabajado con grandes directores como Oliver Stone y Quentin Tarantino. Sin embargo, el truco no es solo trabajar con grandes directores. En realidad, debes ser un gran colaborador.

Richardson ha encontrado trabajo una y otra vez con algunos de los nombres más importantes de la industria debido a su capacidad para ser un socio creativo. Además, es un astuto servidor del oficio de la cinematografía mientras está en el set. Se necesita una combinación perfecta de compatibilidad y comunicación para asociarse con un gran director y ayudar a dar vida a su visión.


Recuerde siempre dar servicio a la historia

Al igual que en el consejo anterior, otro principio de una gran cinematografía es recordar siempre que la historia es lo primero. Al mirar hacia atrás en la cinematografía de los últimos Michael Chapman, quien fue uno de Martin ScorsesePrimeros colaboradores en películas como Conductor de taxi y el blanco y negro Toro furioso, obtenemos un fuerte sentido de la historia en cada cuadro.

En el video de arriba, Chapman atribuyó el éxito de su trabajo a su constante enfoque en el servicio de la historia. Compartió su enfoque con Scorsese, y este enfoque es el motivo por el que ambos prosiguieron hasta alcanzar tanto éxito.


Sea parte de un movimiento cinematográfico

También es interesante mirar hacia atrás a través de la historia de la cinematografía para reconocer diferentes épocas y movimientos. Cuando Caleb Deschanel Comenzó en el cine y la cinematografía en los años 60 y 70, el Hollywood clásico seguía siendo la norma. Sin embargo, mientras ascendía, rápidamente se encontró a sí mismo como parte de un nuevo movimiento. Junto a contemporáneos como Robert Richardson y Roger Deakins, Deschanel llevó la cinematografía a un estilo nuevo y moderno de Hollywood.

Esto no significa que deba simplemente copiar lo que están haciendo sus colegas. En cambio, significa mucho como Deschanel, es importante reconocer que no es necesario que haga las cosas de la misma manera que siempre se ha hecho. En su lugar, busque nuevos estilos y técnicas en cada esquina.


Empuje el arte hacia adelante

Finalmente, uno de los mayores sellos de lo que hace que un director de fotografía en activo sea un verdadero maestro de la cinematografía es su voluntad de impulsar la forma de arte. Hay miles de directores de fotografía con mucho talento que trabajan en proyectos en todo el mundo. Pero destacarse en una industria altamente competitiva requiere cierta voluntad de adoptar nuevas tecnologías y oportunidades.

Como verdadero provocador de la innovación, tenemos que mencionar Steven Soderbergh firme voluntad de impulsar la industria. Soderbergh DPs muchos de sus propios proyectos bajo el seudónimo de Peter Andrews. Si bien muchos ejecutivos y directores de estudio están haciendo películas más grandes, más llamativas y más caras, Soderbergh continúa adoptando la nueva tecnología de video para teléfonos inteligentes como una forma de abrir la realización de películas a una nueva generación de aspirantes a cineastas.


Para obtener más información y recursos cinematográficos, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de bepsy.

Cómo crear animaciones de texto mate en After Effects

Consulte todas las posibilidades para crear animaciones de texto con mates en After Effects. ¡El tutorial incluye un archivo de proyecto gratuito!

En este tutorial, exploramos varias posibilidades de animación de texto utilizando mates de seguimiento en After Effects. Aprenderemos qué es un track matte y cómo podemos usarlo para crear varias animaciones de texto diferentes.

¿Listo para el tutorial? ¡Vamonos! ¡Asegúrese de descargar el archivo del proyecto gratuito!

Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos.


¿Qué es un Track Matte?

Los mates de seguimiento, también denominados mates, crean un “corte” de otra forma. La forma recortada puede ser un gráfico, texto o incluso metraje. Veamos cómo funcionaría esto con texto en After Effects.

Ejemplo de texto mate
Un ejemplo de cómo funciona un mate de pista de texto básico.

Primero, comenzamos con un texto, luego usamos ese texto como un mate. Esto nos da un “corte” perfecto de nuestra forma de texto original. Luego podemos agregar efectos y metraje detrás de ese texto mate para crear nuestra animación de texto.


Creación de una animación de texto mate simple

Comencemos creando una animación de texto mate simple. Primero, crea algunos texto en tus Despues de los efectos composición. A continuación, cree un capa sólida y póngalo debajo de la capa de texto. (El color del sólido puede ser cualquier color que desee. Servirá como fondo).

Mate Invertido Alfa
En la capa sólida, establezca el Track Matte opción a Mate Invertido Alfa.

Entonces, bajo el Track Matte opciones, establezca la capa sólida en Mate Invertido Alfa. (Si no ve las opciones de Track Matte, cambie F4 en su teclado.) El texto visible ahora debería aparecer transparente. Esto se debe a que ahora hemos creado un “recorte” mate del texto en la capa sólida.

Texto transparente
El texto ahora es transparente.

Ahora podemos colocar algunas imágenes animadas de garabatos debajo la capa sólida. (El metraje de garabatos se incluye en el archivo del proyecto).

Imágenes de garabatos
Clip de animación de garabatos.

Podemos ver a través del texto “recortado” en la capa sólida y podemos ver el metraje de garabatos animado en él. ¡Esto, a su vez, revela la forma de nuestro texto original!

Animación mate de garabatos
La animación de garabatos ahora revela el contorno del texto original.

No tienes que limitar tus mates de texto a solo animaciones o gráficos en movimiento. También puede colocar imágenes del mundo real detrás de los mates para obtener algunos looks creativos.

Material de archivo detrás del texto mate
Puede utilizar imágenes del mundo real detrás del texto mate.

Incluso puede agregar efectos y texturas al metraje. En este ejemplo, estoy usando el Desenfoque de la lente de la cámara efecto en mi metraje, junto con un textura arenosa. Esto abre la puerta para crear fácilmente varios estilos de texto diferentes.

Metraje con efectos
Experimente con efectos y texturas detrás de la capa mate.

Animaciones creativas de texto mate para probar

También puede crear una segunda copia de su texto mate original y colocarla debajo de la capa sólida mate. Luego, puede compensar el movimiento del texto debajo de las otras capas para crear una animación de revelación interesante.

Animación de texto de revelación de desplazamiento
Desplazamiento de una copia duplicada de la capa de texto original utilizada para el mate.

Finalmente, puede experimentar con el paralaje 3D en su texto mate. Para hacer esto, haga que su texto y el mate sean sólidos Capas 3D, luego agregue más capas detrás de ellos. También haz aquellos capas 3D y escalonarlas más atrás a varias distancias.

Capas en el espacio 3D
Capas de fondo 3D a varias distancias de la capa mate.

Ahora, cree una cámara 3D y haga un fotograma clave con una animación de movimiento sutil. Puede ver a través de su texto mate como una ventana, dando un efecto de profundidad de paralaje ordenado.

Parallax 3D
Ejemplo de paralaje 3D.

¿Interesado en las pistas libres de derechos que usamos para hacer este video? Dales otra escucha:


Aproveche After Effects al máximo con estos consejos y tutoriales: