Comprenda a sus actores y sus métodos

Al igual que cualquier forma de arte, la actuación es un oficio que tiene muchas escuelas de pensamiento. Estas enseñanzas pueden denominarse técnicas o procesos. El proceso es la manera en que el actor se acerca a la escena y retrata mejor su carácter y emociones. Las técnicas pueden variar dependiendo de dónde estudió el actor y quiénes fueron sus maestros, y los actores a menudo eligen sus técnicas en función de lo que tiene más sentido para el actor.

Como verá a continuación, muchos estilos de actuación están estrechamente relacionados con algunas diferencias clave. Los actores pueden concentrarse en un tipo específico de proceso de actuación, pero también pueden depender de facetas específicas de otros procesos relacionados. De manera similar, a principios del siglo XX, los actores prominentes aprenderían una técnica, luego desarrollarían esa técnica y crearían un estilo propio. Analicemos algunos de los estilos más populares y destacados.


Actuación clásica

Actuación clásica
Las representaciones teatrales son una forma de actuación clásica. Imagen vía Kozlik.

La actuación clásica se originó mucho antes de la era del cine y se deriva de actuar para una audiencia en el escenario. Esta no es la forma más antigua de actuación, pero es algo así como un precursor de las técnicas de actuación modernas. El proceso clásico se basa en la capacidad de un actor para utilizar su rango completo de movimiento, cuerpo, voz, entorno y pensamientos en su actuación. Utilizar todas las herramientas disponibles para un actor le permite contar una historia veraz y ofrecer una actuación creíble.


Técnica de Stanislavski

Esta técnica de actuación, creada por Konstantin Stanislavski, sentó las bases sobre las que se basan las técnicas más modernas. Se centra en “experimentar el papel” en lugar de simplemente interpretarlo, y requiere que los actores piensen en sí mismos realizando las acciones dentro del guión. La técnica pide a los actores que sientan realmente lo que están retratando y que se pongan en el personaje. Un actor debe pensar en las acciones de su personaje en profundidad, en lugar de simplemente lo que está en la página o en una obra.

El proceso les dice a los actores que respondan preguntas clave para entender cómo interpretar a su personaje:

  • ¿Quién soy? – Las características que componen el personaje: antecedentes, edad, etc.
  • ¿Dónde estoy? – Esto no se limita solo a la escena física o el entorno, sino a la posición del personaje dentro de la narrativa.
  • ¿Cuando es? – Averiguar la hora del día, el mes, el año, el momento y cómo afecta eso a cómo se representaría al personaje.
  • ¿Qué quiero? – El (los) objetivo (s) de este personaje dentro de toda la narrativa o incluso dentro de una escena específica.
  • ¿Por qué lo quiero? – La motivación que lleva al personaje al objetivo anterior.
  • ¿Cómo lo conseguiré? – Cómo el personaje se propone lograr el (los) objetivo (s) y cómo eso cambia junto con la narrativa.
  • ¿Qué necesito superar? – ¿Qué se interpone en su camino?

Actores populares de la técnica Stanislavski: Marlon Brando, Marilyn Monroe, Stella Adler.


Método de actuación

Método de actuación se basa en la base del método Stanislavski. La principal diferencia es que se anima a los actores a vincular sus propias experiencias emocionales y recuerdos con los personajes.

Method Acting tiene la reputación de ser una técnica de actuación que acapara los titulares. Cada vez que escuchas que un actor permanece en el personaje, incluso fuera de escena, generalmente se combina con el actor que practica Método de actuación. Ver Robert Downey jr.El retrato exagerado de un actor de método en Trueno tropical como un ejemplo divertido. En realidad, esto no es parte de la técnica, simplemente una libertad que algunos actores eligen tomar. (Como un divertido huevo de Pascua, Robert Downey Jr., literalmente, permanece en el personaje durante todo el Trueno tropical Comentarios en DVD.)

Actores del método popular: Robert de Niro, Daniel Day-Lewis, Christian Bale


Técnica de Meisner

El método Meisner es otra derivación del método Stanislavski. Meisner requiere que los actores “vivan con sinceridad bajo circunstancias imaginarias” y confía en los impulsos que un personaje puede dar en la escena. En lugar de centrarse en acciones bien pensadas o reacciones planificadas, el actor intenta salir de su propia cabeza y reaccionar a su entorno en el momento, como si realmente estuviera sucediendo. El acto de espontaneidad e instintos permite una expresión humana realista. A menudo, el actor hace esto a través de la repetición, donde el actor encuentra un subtexto en el guión repitiendo las líneas de su personaje de múltiples maneras. Las palabras literales ya no tienen el significado, es la forma en que se expresan.

Además, Meisner sintió que los actores tienen una relación simbiótica. Cada actor en una escena se construye uno sobre el otro, y la forma en que interactúan crea no solo realismo sino más inspiración sobre cómo interpretar la escena. En lugar de centrarse únicamente en el yo de un actor, también deben considerar su relación e interacciones con aquellos con quienes comparten la escena.

Actores populares de Meisner: Diane Keaton, Karl Urban, Tom Cruise, Sam Rockwell


Estética práctica

Desarrollado por William H. Macy y dramaturgo David Mamet, el método de la Estética Práctica es otra derivación de la técnica de Meisner y Stanislavski. ¿Estás notando una tendencia todavía?

Donde el método difiere es el abandono de los recuerdos personales que impactan en la interpretación del personaje de un actor. El pensamiento es que como el actor ya sabe cómo termina la memoria real, dificulta las acciones del personaje, debido a que la memoria ya tiene resolución. Las experiencias personales requerirían que el actor internalice una “doble ficción”. Uno para el personaje de ficción y otro para la memoria personal que ya se ha resuelto.

El método de Estética Práctica formula cuatro preguntas para desglosar una escena:

  • Lo “literal”: lo que está sucediendo literalmente en una escena
  • El “deseo”: qué quiere hacer o decir el personaje en una escena determinada. Este es su objetivo general.
  • La “Acción Esencial” – El deseo más esencial del personaje. Básicamente reduciendo el “querer” a un impulso esencial o deseo humano.
  • El “como si”: relaciona las preguntas anteriores con la vida del actor, en un sentido metafórico, y no se basa en una experiencia o memoria real. Si el acción esencial es “Venganza para mi familia”, el como si podría ser “Como si el matón de la escuela golpeara a mi hermano menor. Necesito encontrar una manera de vengarme del matón y defender a mi hermano “.

Actores populares de estética práctica: William H. Macy, Jessica Alba, Rose Byrne


Poniendo este conocimiento en uso

Ahora que tiene una descripción general rápida de algunos estilos de actuación populares, es importante trabajar con su talento para obtener la mejor interpretación posible. Como todo lo demás en el proceso de realización de películas, dirigir y actuar es una relación de cooperación basada en la confianza y la comunicación. Comunique a sus actores lo que está tratando de lograr y cómo van a lograrlo. Luego confíe en sus talentos y en el camino que elijan.

Pregúntales a tus actores cómo van a abordar un personaje, una escena específica o la narrativa general. Es posible que un actor no diga directamente: “Estoy usando la escuela de pensamiento de la Estética Práctica”, pero sus respuestas pueden darte una pista sobre cómo llegarán a su personaje.

Set de filmación
Tómese el tiempo adecuado para discutir los personajes con los actores. Imagen vía Estudio 72.

Por ejemplo, si un actor menciona su relación con otro personaje y cómo eso afectará sus elecciones, es posible que esté utilizando el método Meisner. Toma esta información y construye sobre ella. Traiga a los otros actores a la conversación y discutan la escena juntos. Aproveche las fortalezas de sus actores y sus procesos.

Permita que sus actores exploren los personajes, incluso si tiene una dirección específica que desea que tomen. Un actor dedicará mucho tiempo y preparación a un papel. Tener una nueva versión de una acción o un conjunto de diálogo puede dar un poco de aire fresco a tu escena. Permítales improvisar, si es necesario. Con las enseñanzas de Meisner, la improvisación es clave para ofrecer una interpretación creíble.

Si un actor enumera su preparación de acuerdo con Practical Aesthetics, repase sus respuestas con él. Haga preguntas, dé su opinión y desarrolle el carácter juntos. Es importante llegar a la misma conclusión sobre los antecedentes de un personaje y su motivación. Quieres saber cómo se acerca el actor a la escena y darles todas las herramientas que necesitarán para triunfar.


Dónde aprender más

Da algunos pasos en la piel del talento. Cada estilo de actuación también tiene ejercicios incorporados en sus enseñanzas. Como director, sería muy beneficioso aprender algunos y aplicarlos a su proceso con cada actor. Dando un paso más, considera tomar una clase de actuación (o dos) tú mismo. Puede que no estés destinado al escenario o estar frente a la cámara, pero esto te daría una idea del punto de vista del actor y un mejor conocimiento sobre cómo puedes ayudarlo.

Entrenador interino
Reconozca y comprenda los métodos de sus actores. Imagen vía Jonnyslav.

Como director, trabajará con actores que incorporan una variedad de estilos de actuación, técnicas y algunas que pueden combinar múltiples técnicas en sus actuaciones. La lista de métodos y sus diferencias anteriores no es de ninguna manera definitiva, pero es un gran curso intensivo sobre algunos métodos populares. No existe una técnica de actuación correcta o incorrecta, por lo que comprender algunos de los métodos populares le será de gran utilidad como director.


Imagen de portada vía guruXOX.

Descubra aún más secretos para trabajar con actores (o sin ellos) aquí:

Dolby Cinema para cineastas y público

¿Qué hace que la experiencia Dolby Cinema sea tan única? Vamos a ver.

Comenzó con un fotógrafo inglés dando una conferencia y proyectando imágenes dibujadas a mano en una pantalla en el Feria Mundial de Chicago en 1893. Durante las próximas décadas, los cines de Nickelodeon comenzarían a aparecer mostrando “imágenes en movimiento” a audiencias asombradas en todo el mundo. A partir de ahí, a medida que la tecnología continuara avanzando y los largometrajes se hicieran cargo, el cine se convertiría en una de las formas de entretenimiento más poderosas, y posiblemente importantes, de la historia humana moderna.

La industria del cine y el cine ciertamente ha evolucionado a lo largo de los años, pero los matices de las primeras adaptaciones de imágenes en pantalla siguen siendo parte de nuestra experiencia cinematográfica. Pero, ¿dónde estamos realmente hoy? Y cuando los cineastas filman películas y el público va a las salas de cine, ¿qué tipo de formato y proyectos estamos utilizando realmente?

Uno de los formatos de detección más populares (y prevalentes) actualmente en el mundo es Dolby Cinema y su experiencia cinematográfica única. Exploremos Dolby Cinema, de dónde viene y cómo funciona. También miraremos hacia lo que el futuro del cine podría ofrecernos.


¿Qué es Dolby Cinema?

En primer lugar, ¿qué es Dolby Cinema y cómo se compara con los otros formatos que puede encontrar en su cine local? En pocas palabras, Dolby Cinema es una de las principales configuraciones de cine de gran formato que utiliza tecnologías exclusivas de Dolby como Dolby Vision y Dolby Atmos (más sobre las siguientes). Dolby Cinema es comparable a otros cines de gran formato de Cinemark y Regal, así como a IMAX, con el que fue desarrollado para competir.

Según la propia compañía, “solo Dolby Cinema puede brindarle una experiencia verdaderamente única y transformadora, en la que se conecta profundamente con la historia. Sentirás que estás entrando en la vida de los personajes y el mundo que el cineasta creó para ti “.

Debido a sus tecnologías patentadas, muchos cineastas y espectadores consideran Dolby Cinema como una de las mejores experiencias cinematográficas disponibles actualmente para ver de todo, desde grandes éxitos de taquilla hasta películas independientes de presupuesto medio.


La historia del Dolby Cinema

Fundada en la década de 1960, Dolby Laboratories siempre ha sido una marca heredada en tecnologías de compresión de sonido y reducción de ruido de audio. Sin embargo, aunque esos productos todavía se encuentran en su timonera, la compañía eventualmente pasaría al procesamiento de video.

A partir de ahí, Dolby se convirtió en un nombre mucho más reconocido en la industria. Con su tecnología de audio prioritaria ya instalada en cines y teatros de todo el mundo, y con los avances en la tecnología digital, la compañía eventualmente se aventuraría más en el cine digital. Dolby finalmente desarrolló su propio formato insignia con Dolby Cinema, que a su vez está asociado con AMC para una mayor implementación.

El primer Dolby Cinema se desarrolló e instaló en 2014 en Eindhoven, Países Bajos. Hoy en día hay más de 200, y contando, Dolby Cinemas completos en todo el mundo. Ese número es aún mayor cuando comienza a contar las pantallas habilitadas para Dolby Atmos.


¿Qué hace que Dolby Cinema sea tan genial?

La diferencia con Dolby Cinema en comparación con una experiencia de cine digital o estándar tradicional tiene que ver con muchos elementos. Sin embargo, el más importante tiene que ver con los proyectos láser. Para Dolby Cinema, estamos hablando de proyectos de láser modular 4K dual que pueden proyectar hasta tres veces la luminancia del 3D tradicional.

Este sistema de proyección láser Dolby Vision 4K produce una imagen nítida con mejor brillo, cobertura de color y contraste más nítido en comparación con otros proyectores de xenón que podría haber visto en los cines antes de Dolby Cinema. Dolby Vision también es flexible. Puede mostrar una variedad de combinaciones de resolución y velocidad de fotogramas, que incluyen:

  • 2K – 2D a 120 fps, 60 fps, 48 ​​fps y 24 fps
  • 4K – 2D a 48 fps, 30 fps y 24 fps
  • 8K – 2D a 48 fps, 30 fps y 24 fps

Junto con Dolby Vision, Dolby Cinema también incluye su formato de audio de sonido envolvente 3D único llamado Dolby Atmos. Esta función incluye hasta sesenta y cuatro altavoces (así como hasta 128 entradas de audio) para crear su icónico “muro de sonido” y ayudar a sumergir completamente a la audiencia en la experiencia del cine.

En general, Dolby Cinema ofrece uno de los formatos más envolventes para cineastas y espectadores por igual. Y como puede ver en el video anterior, si bien hay formatos grandes comparables para considerar, los éxitos de taquilla más ambiciosos siempre buscarán la mejor y más grande experiencia para atraer a los asistentes al teatro.


El futuro de los formatos de cine

Sin embargo, es fácil señalar que desde la introducción de Dolby Cinema en 2014, la industria cinematográfica siguió cambiando y evolucionando. Cada vez hay más competidores de gran formato, y solo a partir del reconocimiento del nombre, IMAX también atraerá a su propia audiencia.

Sin embargo, a raíz de los acontecimientos recientes, la industria también podría estar cambiando en nuevas direcciones que no favorezcan el gran formato y las grandes multitudes. Más bien, el futuro de los cines podría tener que estar en las salas de estar o posiblemente en la realidad virtual.

Y aunque Dolby Cinema sigue siendo una de las experiencias de gran formato más grandes y mejores disponibles actualmente, es importante que los cineastas se mantengan al día con estas tendencias y avances tecnológicos. El cine en sí siempre ha sido un reflejo de cómo la sociedad se comunica y evoluciona.


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