Desarrollando un nuevo Hollywood con el director de fotografía Caleb Deschanel

Mirando hacia atrás en cómo el director de fotografía Caleb Deschanel lanzó su nombre y ayudó a desarrollar un nuevo Hollywood moderno.

En muchos sentidos, Hollywood puede parecer una ciudad pequeña. Claro, Los Ángeles es una de las ciudades más grandes del mundo, y el famoso vecindario ha sido conocido durante mucho tiempo como el semillero de la industria cinematográfica mundial. Aún así, cuando comienzas a rastrear todos los nombres y rostros desde los primeros días hasta la cultura contemporánea, es fascinante cuántos de estos nombres reaparecen una y otra vez.

Un ejemplo del que muchos tal vez no se den cuenta es que Emily y Zooey Deschanel son las hijas de Mary Jo Deschanel y aclamado director de fotografía Caleb Deschanel. Y, aunque ciertamente hay mucho talento frente a las cámaras en la familia, el trabajo detrás de escena de Deschanel ha sido bastante expansivo y enormemente influyente, no solo para su apellido, sino para toda la escena cinematográfica de Hollywood.

Por lo tanto, tomemos un momento para mirar atrás a través de la carrera de Caleb Deschanel, un director de fotografía seis veces nominado al Premio de la Academia, miembro de la Junta Nacional de Conservación de Películas de la Biblioteca del Congresoy el director de fotografía detrás de numerosos clásicos como Lo correcto, Lo natural, La pasión de Cristo, y Jack Reacher.


Haz lo que amas

Espero no llegar nunca al punto en el que esté tan involucrado en el proceso de hacer películas que ya no pueda disfrutar yendo al cine. Porque, para ser honesto contigo, me encanta ir al cine y ver muchísimas películas cada año.

Hay mucho que decir sobre el artista que todavía puede apreciar el arte en sí sobre la forma. Esto es especialmente cierto para el cine, ya que uno puede quedar atrapado rápidamente en la práctica real de la realización de películas y perder rápidamente el interés en el cine en sí. Sin embargo, mientras que otros pueden agotarse después de más de 40 años de trabajo, el hecho de que Deschanel todavía pueda estar tan atraído por las películas que pueda ignorar por completo los aspectos técnicos y críticos dice mucho de su pasión.

Y, cuando comenzamos a analizar la carrera de Deschanel, realmente es la pasión la que permanece constante en todo momento. Cuando era joven, apareció por primera vez en la escena, tomando fotografías adicionales para gente como George Lucas, Francis Ford Coppolay John Cassavetes, no es de extrañar que adquiriera tanto el amor por el oficio como un ojo astuto para contar historias a través de la cámara.


Las hazañas altamente técnicas del viejo Hollywood

Hay muchas películas en la filmografía de Deschanel que vale la pena destacar, pero quizás sea apropiado que comencemos con uno de sus primeros largometrajes: El semental negro. Con solo ver el tráiler de arriba, podemos ver a Deschanel estableciéndose en el estilo clásico de Hollywood de la época, al tiempo que abraza la estética del Nuevo Hollywood que pronto emergería gracias a contemporáneos como Steven Spielberg, George Lucas y Barry Levinson.

Estas primeras películas de Deschanel no son indies de bricolaje ni pequeños estudios en humanos. En cambio, se le asignó la tarea de crear grandes imágenes que exploren grandes temas y cubran una amplia gama de emociones y escenas. El semental negro, en particular, presenta algunas secuencias de carrera impresionantes, tomas de seguimiento junto al mar y varios movimientos de cámara difíciles de lograr que informarían una carrera completa para Deschanel basada en el tecnicismo.


Oportunidades de desarrollo profesional

Para aquellos interesados ​​en desarrollar una carrera en cinematografía (o cine en general), recomiendo encarecidamente realizar la entrevista anterior para escuchar un relato paso a paso de cómo Deschanel irrumpió en la industria y desarrolló su oficio a lo largo de los años.

Sin embargo, si bien hay muchas historias de éxito para escuchar y emular, muchos de los puntos de Deschanel en la entrevista se refieren a una disposición para progresar, una apertura a nuevas oportunidades y conexiones, y una mentalidad genuina para aprender y desarrollar su oficio incluso cuando los tiempos cambian.

Puedes ver cómo sus primeros trabajos en películas como Estando allí, El semental negroy Lo natural está en marcado contraste con su trabajo posterior en más películas orientadas a las estrellas y a la acción como El patriota, Tesoro Nacionaly Abraham Lincoln cazador de vampiros.


La importancia de los momentos climáticos

Una tarjeta de presentación que puede rastrear a lo largo de la carrera de Deschanel es su asombrosa habilidad para dar vida a grandes momentos en la secuencia del clímax de una película. Desde la perspectiva de la teoría del cine, el viaje del héroe y la trama narrativa de una película realmente depende de lo bien que se filme y entregue la secuencia climática. Si no se hace con precisión y empatía, una película a menudo puede fallar y perder la memoria rápidamente. Sin embargo, cuando se hace bien, un clímax fuerte con efectos visuales impresionantes puede asegurar el lugar de una película como uno de los grandes.

Encontrarás secuencias finales culminantes intensas en casi todas las películas de Deschanel. En realidad, estaba detrás de la lente de uno de los clímax cinematográficos más famosos de la historia del cine: la icónica secuencia del “jonrón final” de Lo natural, visto arriba.


Un futuro digital para la próxima generación

En la conversación anterior, también con compañeros directores de fotografía maestros. Robert Richardson y Roger Deakins, Deschanel comparte sus pensamientos sobre el futuro del cine después de su experiencia trabajando en la nueva versión animada por computadora fotorrealista de Disney de El rey León.

Alude al hecho de que estos nuevos paisajes digitales y producciones centradas en la transmisión deben ser defendidos por una generación aún más nueva de cineastas y directores de fotografía que estén listos para dar un paso adelante, explorar y eventualmente asumir el control para crear sus propios legados, tal como lo hizo Deschanel. al comenzar en Hollywood.


Para obtener más información y perfiles de los directores de fotografía, consulte estos artículos inspiradores.


Imagen de portada vía IMDb.

Comprensión e implementación de la estructura de la trama para películas y guiones

Exploremos los fundamentos de la estructura de la historia y la trama y cómo los cineastas pueden utilizar estos fundamentos para crear sus propias narrativas.

Dicen que una película es tan buena como su guión. Lo cual es cierto, pero yo diría que va más allá. Un buen guión es tan bueno como la trama o la historia en el centro de todo. Los guionistas y cineastas están de acuerdo en que es esta historia central la que realmente desarrolla, informa y controla cómo escribes tu guión, filmas tus tomas y realizas esas ediciones finales.

Pero, ¿qué hace una buena historia? ¿Y cómo estructura la trama perfecta para sus películas y guiones? Profundicemos en los fundamentos de la estructuración de la trama y exploremos cómo puede utilizar estos fundamentos para ayudar a contar su historia a través del cine.


¿Qué son la trama y la historia?

Entonces, ¿qué es una trama? En términos puramente literarios, una trama es simplemente: “El plan, esquema o historia principal de una obra literaria o dramática, como una obra de teatro, novela o cuento”. Aunque, para nuestros propósitos cinematográficos, probablemente sea mejor ir con el definición funcional: “La secuencia de eventos donde cada uno afecta al siguiente”. Básicamente, esto solo significa que la trama es lo que sucede y en qué orden.

UN historia, por otro lado, es “un relato de personas y eventos imaginarios o reales contados para entretenimiento”, que es ligeramente diferente en cuanto a que explica los elementos sensacionales de cosas que pueden haber sucedido o no y que se presentan con fines de entretenimiento. .

Ambos significan aproximadamente lo mismo. Sin embargo, a los efectos de la escritura de guiones y la realización de películas, la trama representa la estructura, mientras que la historia representa la sustancia.

Puedes ver la diferencia en el video de arriba en el que novelista Kurt Vonnegut describe la “Forma de las historias” dando un diagrama de trama muy sistemático, luego explica cómo la historia define las emociones y cómo nos conectamos con los diferentes sentimientos contenidos en ella.


Los fundamentos de la estructura de la parcela

Diagrama de trama

Imagen de VectorMine.

La estructura de la trama es una forma inteligente de planificar y trabajar con películas, ya que todo el proceso es muy metódico en la forma en que se crea y se presenta de una toma a la siguiente. También es importante que hablemos de cuán fundamental es la estructuración de la trama para entender la película. Por supuesto, si bien hay experimentos y valores atípicos, la mayoría de todos los proyectos cinematográficos siguen algunas de las mismas estructuras argumentales básicas.

La primera estructura de la trama, y ​​quizás la más básica, es la estructura de tres actos. Esta es una de las estructuras más antiguas de cualquier forma de película, literatura o narración, y se podría argumentar que es parte de los componentes básicos de todas las demás estructuras e historias. Hay más para leer sobre los tres actos, pero los conceptos básicos incluyen:

  • El primer acto: Exposición e introducción a los elementos cruciales de la historia.
  • El segundo acto: Un problema se define y se enfrenta a medida que aumentan los riesgos.
  • El tercer acto: El problema se resuelve con un clímax y tenemos una reflexión.

Lo que muchos llamarían la segunda estructura de trama más conocida sería La pirámide de cinco partes de Freytag, que a su vez se basa en las primeras teorías de la historia de los antiguos griegos. Estas cinco partes (a veces seis) pueden resultarle familiares a cualquier aficionado a la literatura o el arte. Los conceptos básicos incluyen:

  • Exposición: Una introducción del protagonista (s), antagonista (s) y lo que está en juego.
  • Aumento de la acción: Se introduce un conflicto y comienza el viaje del protagonista.
  • Clímax: El protagonista se enfrenta al antagonista / conflicto central en una batalla.
  • Acción de caída: Todas las acciones del personaje se resuelven y se alcanza un resultado.
  • Desenlace: El conflicto se concluye y vemos qué pasa con los personajes en el futuro.

El círculo del viaje del héroe

A partir de ahí, a medida que avanzamos más específicamente en la estructura de la trama para películas y entretenimiento, pasamos a explorar el Monomito y El viaje del héroe de Joseph Campbell. Esta trama y estructura de la historia es tan antigua como la humanidad misma y abarca todos los elementos de antes. Es quizás nuestra versión más matizada de cómo se estructuran las historias y los puntos individuales de la trama que necesita usar (o al menos comprender) para sus proyectos.

Puede leer más en profundidad en Viaje del héroe en lo que respecta a los cineastas, pero repasemos algunos de los principios importantes, incluidas las tres partes básicas:

  • La salida
  • La iniciacion
  • El regreso
El viaje del héroe

Imagen vía Wikipedia.

Suena similar a la estructura de tres actos, ¿verdad ?. Sin embargo, el viaje del héroe tiene más pasos dentro (ver más abajo). Además, puede percibirse no como una línea lineal (como los ejemplos anteriores), sino más bien como un círculo completo que lleva a la audiencia de regreso al lugar donde comenzó la historia.

  • El mundo ordinario
  • El llamado a la aventura
  • Rechazo de la llamada
  • Encuentro con el mentor
  • Cruzando el umbral hacia el mundo especial
  • Pruebas, aliados y enemigos
  • Aproximación a la cueva interior
  • La prueba
  • La recompensa
  • El camino de regreso
  • La resurrección
  • Regresa con el Elixir

Ejemplos de estructura de parcela

Una vez que comprenda estas estructuras básicas de la trama y pueda rastrear el icónico viaje del héroe, se convierte en un ejercicio divertido de análisis crítico, así como una mirada interesante a la toma de decisiones de escritores y directores, ya que todos tenemos la tarea de tomar estos bloques de construcción. y creando historias únicas y poderosas.

Como puede ver en los ejemplos a continuación, estas estructuras de la trama en realidad pueden ser muy reconocibles cuando comienza a desglosar algunas de sus películas y franquicias favoritas.

Harry Potter

Empire Strikes Back

El cofre del hombre muerto

Pero, solo porque puedes reconocer la estructura de la trama esencial de una película, todavía surge la pregunta: ¿Cómo puedes usar la estructura de la trama para tus proyectos? Echemos un vistazo a algunos de los diferentes enfoques.


Diferentes enfoques para cineastas

Entonces, aquí es donde la estructura de la trama se vuelve realmente divertida. En este punto de la historia del cine y del arte, hemos dividido con mucho éxito la estructura de la trama en estos elementos fundamentales y somos capaces de comprender cómo y por qué estas estructuras clásicas funcionan. También significa que solo ahora somos capaces de proponer nuestras propias ideas sobre cómo queremos trabajar con las estructuras o, a veces, contra ellas.

Como puede ver arriba, Dan Harmon es un ejemplo perfecto de esto, ya que ha podido desarrollar su propia versión (de algún tipo) de Hero’s Journey con su exclusivo “Story Circle”, que incluye todos los elementos, pero se adapta a su propia comprensión y necesidades específicas de escritura televisiva. y comedia episódica.

Realmente depende de usted, como guionista y / o cineasta, tomar estas estructuras por lo que son: bloques de construcción para su historia. Puede elegir qué estructura o formato es mejor para usted y su narrativa, así como decidir en qué punto puede desviarse de las normas estructuradas para crear malestar o entusiasmar a su audiencia y sus expectativas de fórmulas.


Para obtener más teoría cinematográfica y contenido útil sobre escritura de guiones, consulte estos recursos seleccionados:


Imagen de portada de Harry Potter y la Piedra Filosofal vía Warner Bros.

Una forma terapéutica y viable de aprender

Desde el consejo rápido de sesenta segundos hasta la inmersión profunda de diez minutos, aquí hay cinco videos para sumergir sus dedos de los pies en el aprendizaje a través del software timelapse.

YouTube es rico en tutoriales que van desde el consejo rápido de sesenta segundos hasta una inmersión profunda de una hora. Estos videos pueden estar llenos de llamadas informativas o ser presentados por anfitriones enérgicos que te hacen sentir como si estuvieras aprendiendo en persona.

Sin embargo, a veces puede ser demasiado. A veces, no desea conocer todos los atajos de teclado, o quizás no tiene tiempo para dedicar cuarenta minutos a aprender sobre una nueva función de resolución. O simplemente quiere ver al profesional hacer lo suyo sin comentarios. Si esto suena como algo que prefiere ver, es posible que desee saltar al nicho del conejo de los videos de timelapse de software.

Estos videos generalmente tienen una duración de tres a diez minutos y condensan horas de trabajo en un solo video corto. Además, cuando alguien está trabajando y no está tratando de presentar información, descubro que también puede obtener pequeños consejos y trucos que de otra manera no se habrían mencionado. Además, supongo que se podría decir que son bastante terapéuticos de ver.

Echemos un vistazo a cinco videos que recomiendo si está interesado en explorar esta forma de aprendizaje de nicho.


1. Imad Awan: arte conceptual

Imad Awan es un artista e ilustrador que trabaja en arte conceptual de videojuegos y tiene un canal de YouTube dedicado a capturar su proceso. En esta pieza acertadamente sincronizada, puede seguir su estrategia de tomar fotos e imágenes y convertirlas en una pieza conceptual que muestra una ciudad en cuarentena.


2. PremiumBeat: Graduación de color

En este video de tres minutos, ejecuto el proceso central de corregir y calificar un archivo de cine RAW en un clip listo para entregar. Como Resolve tiene una interfaz de usuario limitada y es fácil perder la pista de lo que está sucediendo, etiqueto cada nodo para que sea fácil de seguir. Si desea ver más de este contenido en nuestro canal, déjanos un comentario sobre el video.


3. Realización de videos simples: animación

En este lapso de tiempo de Creación de video simple, recorren todo el proceso de dar vida a la animación. Y, cuando digo todo el proceso, me refiero a eso. Comenzando desde la página en blanco en Photoshop hasta el proceso de animación en Moho Studio y el ajuste fino en After Effects.


4. UglyMcGregor: Creación de un póster de película

De acuerdo, sí, ese es mi apellido, y sí, esta es mi canall. En este timelapse, profundizo en la creación de un póster para una serie web. Como la imagen fue capturada con una cámara de cine RED, partimos del proceso inicial de fotografiar el cartel con el actor en la silla de maquillaje. Como la foto se extrajo de un videoclip, el proceso en sí es un viaje a medida que salto a través de una variedad de software para dar vida a este póster, desde REDCINEX hasta Lightroom, Photoshop y After Effects.


5. DLGNCE: Modelado 3D

De acuerdo, no voy a fingir saber lo que sucede en este video. El mundo del 3D es todavía algo en lo que todavía tengo que profundizar, aunque me digo a mí mismo cada año que lo haré. Tal vez con varios videos de lapso de tiempo en mi haber, podría entender mejor el flujo de trabajo.

En este video de DLGNCE, recorre el proceso de creación de un paisaje tipográfico en Cinema4D. El video es de tres horas condensado en veinte minutos, e incluso después de ver el lapso de tiempo, el proceso sigue siendo confuso para mí. Tal vez profundice en el modelado 3D el próximo año …


Para obtener más información sobre los tutoriales de software, consulte los artículos a continuación.


Imagen de portada vía Katrina Brown.

Las diferentes formas de utilizar y disparar de forma experta en cámara lenta

A continuación, le mostramos cómo puede utilizar de manera experta la cámara lenta y la alta velocidad de fotogramas en sus proyectos de películas y videos. Sumérgete y aprende a usarlo.

Seamos realistas, la cámara lenta es genial. Hay algo innegablemente asombroso en la desaceleración del tiempo. Ya sea en una secuencia de acción gigante en una pantalla IMAX o en los pequeños momentos de tu serie favorita de YouTube en un teléfono inteligente, el efecto de cámara lenta parece funcionar siempre y deleitar a las audiencias de cualquier tamaño.

Sin embargo, grabar metraje en cámara lenta obviamente puede ser bastante complicado, ya que requiere tanto equipo adecuado y una sólida base de conocimientos sobre cuán lenta o alta cuadros por segundo – La videografía debe realizarse para lucir bien.

Por lo tanto, si bien hay muchos consejos y trucos para leer cómo disparar en cámara lenta y cuadros por segundo elevado, en realidad, vamos a profundizar más en la teoría de la cámara lenta y las diferentes formas en que puede utilizarla en sus proyectos de películas y videos. ¡Empecemos!


Cámara lenta para acción y acrobacias

Cuando uno piensa en la cámara lenta en una película, su mente probablemente va directamente a los éxitos de taquilla de gran presupuesto y las espectaculares secuencias de acrobacias que ocurren con mucho en juego y en cámara lenta. Y eso es ciertamente cierto, ya que la cámara lenta es un aspecto característico contenido en estas secuencias de gran presupuesto. Como puede ver en el video de demostración anterior, la cámara lenta es una gran herramienta para hacer que estas acciones rápidas parezcan peligrosas y dramáticas, ya que la audiencia realmente tiene más oportunidades de apreciar lo que está sucediendo.

Sin embargo, filmar en cámara lenta para la acción y las acrobacias es quizás una de las hazañas técnicamente más desafiantes en cualquier producción y, en parte, la razón por la que las vemos con más frecuencia en las películas más grandes de gran presupuesto en comparación con las películas independientes y los cortos de bricolaje. Es importante tener en cuenta tanto la seguridad como la practicidad al abordar la cámara lenta para acrobacias, ya que deberá tener el control de cada elemento de la situación para asegurarse de que su cámara esté correctamente encuadrada, enfocada y grabando la alta velocidad de fotogramas exacta. movimientos que ha planeado cuidadosa y meticulosamente.

Si desea explorar más sobre este tipo de videografía en cámara lenta, consulte Los chicos de Slow Mo canal, luego lea más de estos artículos útiles sobre coreografía de acrobacias y seguridad.


Cámara lenta para resaltar momentos cinematográficos

Después de las acrobacias en cámara lenta de alto octanaje, el segundo uso más común de la cámara lenta en películas y videos es simplemente resaltar momentos cinematográficos y agregar otro nivel de importancia emocional.

Elegí el montaje anterior de tomas en cámara lenta del cineasta Wes AndersonFilmografía: un ejemplo perfecto de cómo utilizar la cámara lenta para lograr un efecto dramático. De hecho, Anderson incluso ha desarrollado su propio estilo característico de cámara lenta, utilizando este tipo específico de plano como plano final culminante de casi todas sus películas.

Para hacer las cosas aún más cinematográficas, por así decirlo, todas estas escenas tienen en común el hecho de que comienzan en tiempo real y disminuyen a cámara lenta, y todas están filmadas en película. Lograr este aspecto verdaderamente cinematográfico en realidad requiere un complejo procedimiento de película denominado “overcranking”, en el que una toma que comienza a 24 fps se “aumenta” manualmente hasta 60 fps o más.

El efecto general es bastante agradable a la vista. En realidad, puede engañar a esta técnica al disparar digitalmente grabando a una velocidad de cuadro más alta, luego yendo a la edición para soltar cuadros para que un clip pueda comenzar en 24 fps. Por supuesto, es posible que el aspecto general no parezca tan “cinematográfico” como en los ejemplos anteriores.


Cámara lenta para llamar la atención sobre los detalles

Otra forma en que se puede utilizar la cámara lenta en sus proyectos es una forma pequeña (pero crucial) de resaltar ciertos detalles o llamar la atención sobre momentos o acciones específicos. Puede ser sutil, pero en realidad encontrará que esta técnica se usa en más películas y programas de los que piensa. El hecho de que nuestro mundo se mueva en tiempo real, y se registre lo más cerca posible del tiempo real, no significa que no pueda hacer trampa en la edición.

Algunos ejemplos serían una pequeña mirada de un personaje a otro, prolongando los movimientos para el paso de una nota o un arma, o ralentizando el tiempo para mostrar un personaje notando un cartel o cartel en una pared.

Estos pequeños momentos pueden reproducirse más lentamente en el guión o en la escena, pero en caso de que falte la cobertura o si la información necesaria no se conecta con la audiencia, la cámara lenta puede ser una solución rápida.


Cámara lenta para deportes

Quizás el lugar más obvio donde encontrará la cámara lenta en el cine y el entretenimiento sea en los deportes. Por supuesto, usan mucha cámara lenta en la transmisión y los momentos destacados de los programas y juegos deportivos reales, pero me refiero a las recreaciones de deportes en el cine y la televisión.

La forma sigue la funcion. Por lo tanto, si desea retratar con precisión los deportes en sus proyectos cinematográficos, es absolutamente necesario poder usar la cámara lenta cuando sea apropiado. También es una manera perfecta de hacer que los golpes caigan mucho más duro y los momentos duren mucho más. Apuesto a que cualquiera que sea tu película deportiva favorita cuando eras niño hizo un uso intensivo de la cámara lenta para ayudar a dar más profundidad a las escenas y agregar más contexto a las acciones.

Sin embargo, a menos que esté filmando su proyecto en una cámara de deportes en vivo de primera línea, se enfrentará a muchos desafíos cuando intente obtener una buena cobertura en cámara lenta. La cámara lenta deportiva suele ser una combinación de primeros planos ajustados (para acciones complejas como golpear una pelota) y tiros amplios y complicados (que muestran la energía y el impacto de los golpes y goles). Si desea leer un poco más sobre videografía deportiva y cámara lenta, consulte estos artículos:


Rampa entre movimiento lento y rápido

Finalmente, a medida que la tecnología de cámara lenta ha avanzado a lo largo de los años y las expectativas de la audiencia han cambiado y se han desarrollado para desear algo más que tomas básicas en cámara lenta, la aceleración repentina entre cámara lenta y rápida se ha convertido prácticamente en un estilo propio. Puedes ver varios ejemplos de tomas de lento a rápido (y viceversa) en todo, desde las últimas películas de Marvel hasta tus franquicias de aventuras favoritas.

En muchos sentidos, la cámara lenta para el cine se ha convertido en sinónimo de este nuevo estilo, ya que la edición digital ha hecho que técnicas como la aceleración sean más fáciles de usar y más precisas de controlar. Si está buscando agregar cámara lenta o cámara rápida en sus proyectos hoy, su mejor opción podría ser obtener una cámara HFR sólida, disparar a 120 fps (si es posible) y luego tomar todas sus decisiones de cámara lenta y aceleración en la edición una vez que tenga todo planeado y cubierto.


A continuación, se muestran algunos artículos detallados que explican el aumento de velocidad en diferentes plataformas NLE, como Adobe Premiere Pro y Final Cut X, así como consejos y trucos avanzados adicionales para estas técnicas.


Imagen de portada de El Darjeeling Limited vía Fox Searchlight.

Por qué debería dejar todo y calibrar sus monitores ahora

Calibrar sus monitores con las herramientas integradas de su computadora es una forma fácil y económica de mejorar la precisión del color. Entonces, ¿por qué esperar?

Windows y macOS tienen herramientas de calibración de monitores dedicadas que pueden ajustar la forma en que el monitor muestra el color, siendo la precisión del color el objetivo. Pero, ¿por qué debería calibrar sus monitores? Para los editores de video, la respuesta es simple: clasificación de color.

La gradación de color es el proceso de usar herramientas para cambiar la apariencia de los colores en un video y puede cambiar totalmente el estado de ánimo de una escena. Es un proceso que a menudo se subestima, pero requiere mucho trabajo para hacerlo bien. Tener un monitor calibrado asegura que los colores sean precisos y la “calificación” también sea precisa, lo que hace posible que el video terminado parezca similar en muchos dispositivos diferentes. La gradación de color en un monitor no calibrado puede darle una calificación falsa que parece muy diferente cuando se ve en una pantalla separada. Afortunadamente, calibrar un monitor es fácil, rápido y no cuesta nada excepto unos minutos de su tiempo.

Calibración de monitores: ruedas primarias

Las ruedas primarias de DaVinci Resolve son una de las herramientas que se utilizan para dar color a las imágenes. Con un monitor debidamente calibrado, el grado de color en un video parecerá más preciso y consistente en varias pantallas. Imagen vía Omar Tomaino.

Incluso si no eres un colorista o un editor profesional, debes calibrar tus monitores. Si le preocupa que el proceso sea complicado o requiera herramientas adicionales, no lo esté. El proceso se aplica a monitores externos para PC y pantallas de portátiles integradas. Todo lo que necesita saber para los monitores externos es dónde se encuentra el panel de control, ya que es posible que deba ajustar los niveles de brillo y contraste.

Deje lo que esté haciendo y tómese unos minutos para calibrar sus monitores; sus videos pueden depender de ello.


Calibración de monitores con la herramienta de calibración de color de pantalla de Windows

Calibrar un monitor con el sistema operativo Windows es un poco más complicado que en dispositivos macOS, pero no es nada complicado. Para comenzar, ubique el panel de control de su monitor y descubra cómo ajustar el contraste y el brillo, lo que la Calibración de color de la pantalla de Windows le pedirá que haga más adelante. Si no está seguro de cómo hacerlo, consulte el manual del monitor o busque respuestas en línea (la mayoría de los fabricantes publican los manuales en línea). Aquellos con más de un monitor tendrán que hacer esto para cada monitor.

Antes de continuar, es importante saber que este proceso no está automatizado. Y, aunque la herramienta proporciona instrucciones y ejemplos, la calibración final dependerá principalmente de su ojo. Por lo tanto, siga las instrucciones de cerca y mueva los controles deslizantes con cuidado para encontrar el ajuste perfecto.

  1. Tipo Calibrar en el Barra de búsqueda de Windows, que se encuentra en la barra de tareas.
  2. Haga clic en Calibrar el color de la pantalla.
  3. Coloque la ventana de la herramienta en el monitor que desea calibrar. Hacer clic próximo en la esquina inferior derecha de la ventana para continuar. Si alguna vez necesita regresar, haga clic en la flecha hacia atrás en la esquina superior izquierda de la ventana.
  4. En el panel de control de su monitor, busque el Estándar o Defecto ajuste. Continúe con el siguiente paso.
  5. Antes de ajustar la gamma, la herramienta le mostrará un ejemplo de lo que está buscando. Si el centro del círculo es demasiado oscuro o demasiado claro, ajuste el control deslizante hasta que la imagen se vea como la imagen de ejemplo de la ventana anterior. Continúe, una vez que se vea bien.
    Calibración de monitores con Windows: ajuste el control deslizante

    Ajuste el control deslizante para asegurarse de que su imagen sea exactamente como le gustaría.

  6. Antes de que pueda ajustar el brillo, la herramienta le mostrará tres imágenes, siendo la imagen del medio el objetivo. Proceda a ajustar. Ajuste el brillo mediante el Configuración de brillo menú en su monitor hasta que se vea como la imagen del medio en la ventana anterior. Quieres asegurarte de que el X en el fondo es apenas visible, pero no sobreexponga ni subexponga la imagen. Retroceda un paso si necesita hacer referencia al ejemplo.
    Calibrar monitores con Windows: ajustar el brillo

    Ajuste el brillo para que la “X” sea apenas visible.

  7. A continuación, ajustará el contraste. Al igual que antes, primero verá tres imágenes, siendo la imagen del medio la que tiene un buen contraste. Proceda a ajustar. Utilizando el panel de control de su monitor, configure el contraste lo más alto posible, sin perder detalles en la camisa del hombre, como las arrugas o los botones.
    Calibrar monitores con Windows: ajustar el contraste

    Establezca el contraste tan alto como pueda, sin perder ningún detalle en la imagen.

  8. Ajustar el balance de color es el último paso. El objetivo es que la escala de grises parezca lo más neutra posible. Preste atención a la pantalla de ejemplo. Proceda a ajustar. Si la escala de grises no parece neutra, use los controles deslizantes de color rojo, azul o verde a continuación para obtener el aspecto neutral deseado.
    Calibración de monitores con Windows: ajuste de color

    Al ajustar su balance de color, desea que la escala de grises sea lo más neutral posible.

  9. Eso es. Puede hacer clic entre los Calibración previa y Calibración actual botones para ver sus cambios. Hacer clic Terminar para cerrar la ventana. Opcional: Puede marcar la casilla debajo del texto para ejecutar Corredor de texto ClearType, que es una herramienta de ajuste de color para texto. Si tiene un segundo o tercer monitor, repita los pasos enumerados anteriormente.

Calibración de MacBooks y monitores externos con el Asistente de calibrador de pantalla de macOS

Usar el Asistente de calibrador de pantalla es fácil y solo llevará unos minutos, pero los pasos varían según la computadora. La herramienta de calibración puede omitir o no mostrar ciertos pasos basados ​​en la computadora. Los usuarios de MacBook tienen menos opciones cuando usan la herramienta de calibración, y la Preparar El paso solo se aplica a monitores externos.

Los usuarios de MacBook solo necesitarán ajustar el punto blanco de destino, que afecta el tinte general de la pantalla. Los usuarios pueden mover el control deslizante del punto blanco para encontrar una configuración más cálida o más fría, pero se recomienda usar el Punto blanco nativo – el punto blanco nativo se puede seleccionar marcando la casilla. Aquellos que utilizan un monitor externo deberán ajustar el contraste y el brillo a través del panel de control de su monitor en el Preparar paso.

La herramienta de calibración tiene pasos adicionales en iMacs al encender Modo experto. Si activa Modo experto en un iMac, siga las instrucciones en pantalla para configurar Gamma nativo y Gamma objetivo, que afecta la luminancia y el contraste, respectivamente. Los pasos a continuación cubren el proceso de calibración para MacBooks y monitores externos y no cubren los pasos relacionados con gamma, aunque los usuarios de iMac aún pueden seguirlos.

  1. Abrir Preferencias del Sistema y abre el Monitor menú.
  2. Haga clic en la pestaña central etiquetada Color y haga clic en el Calibrar… botón.
    Calibrar con macOS: proceso de cálculo
  3. El paso de introducción describe lo que puede hacer la herramienta. Hacer clic Seguir. Omita el siguiente paso si no está calibrando un monitor externo.
  4. Este paso es solo para monitores externos. Busque el panel de control del monitor externo y configure el contraste tan alto como sea posible. A continuación, ajuste el brillo en el monitor hasta que el óvalo de la imagen apenas esté presente. Las imágenes no deben parecerse a las dos imágenes de ejemplo debajo del texto etiquetado demasiado brillante y demasiado oscuro. Continúe con el siguiente paso cuando se vea bien.
    Calibrar con macOS: ajustar el brillo
  5. El punto blanco de destino afecta el tinte de la pantalla, y cambiarlo puede hacer que los colores parezcan más fríos o cálidos, según la ubicación del control deslizante. Para cambiar el punto blanco objetivo predeterminado, deseleccionar los Usar punto blanco nativo casilla de verificación y mueva el control deslizante.
    Calibrar con macOS: ajustar la configuración del punto blanco
  6. En el Administración pestaña, puede seleccionar aplicar la calibración a varios usuarios. Esto solo se aplica si eres un administrador en la computadora. Hacer clic Seguir para nombrar el perfil de color.
  7. Escriba un nombre para el nuevo perfil de color. Si calibra un monitor externo, use el nombre del monitor para referencia futura. Por ejemplo, HP calibrado de 24 pulgadas. Esto le ahorrará algo de tiempo si alguna vez compra un monitor similar y lo conecta a su Mac.
  8. Hacer clic Hecho para finalizar el proceso.

Una cosa más: herramientas profesionales

Las herramientas gratuitas de calibración del monitor integradas en el sistema operativo son útiles, especialmente cuando se corrige el color o se gradúa el video. Pero no son perfectos. Las herramientas integradas son básicas y el grado de su eficacia depende del usuario y sus decisiones subjetivas sobre el color, el brillo y el contraste, incluso cuando se muestran ejemplos y guías.

En última instancia, los coloristas profesionales y los editores de video deberían optar por una herramienta de calibración como un colorímetro. La línea de colorímetros SpyderX de Datacolor está considerada como uno de los mejores dispositivos de calibración. los SpyderX Pro cuesta $ 169,99 – un dispositivo relativamente asequible que funciona con un software especial para obtener el mejor color de su monitor. Incluso si no eres un profesional, vale la pena elegir un dispositivo como este para aprovechar al máximo tus monitores, y es algo que puedes seguir usando a medida que tus habilidades se desarrollen con el tiempo.


Imagen de portada vía Laboratorio Raevsky.

Cómo los cineastas pueden aprovechar el poder de los actores del método

Explorando la historia del método de actuación y cómo los cineastas modernos pueden trabajar con este famoso enfoque. Obtenga la información.

A los medios cinematográficos convencionales les encanta la narrativa de que la estrella de una película actúe como actor adepto del método Stanislavski. Más adelante veremos muchos de los ejemplos famosos, pero solo el término “actor de método” probablemente trae a la mente nombres como Daniel Day-Lewis o Christian Bale.

cómo-los-cineastas-aprovechan-el-método-el-poder-del-actor

Claro, es un concepto genial para obtener un poco de presión fácil, pero tener a su líder realmente caminando por el conjunto en personaje ayudar a una producción? Y, ¿cómo trabajan los directores, camarógrafos, dobles y maquilladores con personalidades a veces combativas?

Sumérjase en el poderoso, loco y, a veces, necesario mundo de la actuación con métodos. Exploraremos el término, su historia y destacaremos algunas de las mejores actuaciones mientras examinamos cómo los cineastas pueden aprovechar las obras de estos grandes artistas.


¿Qué es un actor de método?

Primero, aclaremos algunas cosas sobre la definición de método de actuación y actor de método. los diccionario de Cambridge define el método de actuación como “un estilo de actuación en el que un actor intenta comprender y sentir las emociones del personaje que representa”.

Sin embargo, para muchos fanáticos del cine, el término a menudo se malinterpreta, centrándose en la voluntad de un actor de cambiar su cuerpo aumentando o perdiendo peso (como podemos ver muchas veces con el mencionado Christian Bale) o realizando cambios permanentes (como hemos visto recientemente con Shia LaBeouf consiguiendo grandes tatuajes para una actuación).

Desde entonces, el método de actuación se ha convertido en un término general para cualquier forma de actuación en la que un actor intente sumergirse en el personaje, emocional y / o físicamente. Sin embargo, desde una perspectiva cinematográfica, es importante comprender los conceptos básicos del método de actuación y cómo en realidad existen varios estilos y enfoques diferentes.


Los fundamentos del método de actuación

Las primeras versiones del “método de actuación” que podemos rastrear a través del teatro y la historia de las representaciones provienen del famoso actor ruso. Konstantin Stanislavski y su propia técnica única que desde entonces ha sido etiquetada como El sistema de Stanislavski.

Este sistema, que se remonta a principios de la década de 1900, fue uno de los primeros en enfocarse en un “arte de experimentar” como una forma de ayudar a los actores a desarrollar mejor sus interpretaciones enfocándose en sus propias emociones y comportamientos subconscientes.

El sistema de Stanislavski eventualmente daría paso a varias otras variaciones de esta técnica de “autoenfoque” que se han convertido en populares perspectivas de actuación. Tres enfoques importantes sinónimo del método estilo de actuación provienen de tres profesores diferentes y se centran en tres aspectos metodológicos diferentes:

Si bien cada enfoque es único, todos comparten el mismo estilo centrado en sí mismos y han enseñado a varios de los actores del método más famosos que trabajan en la actualidad. En particular, Sanford Meisner y su técnica Meisner se utilizan a menudo como una forma de método e improvisación y ha sido útil para cineastas independientes como Wendy McColm, de la que habla en esta entrevista.


Actores y roles famosos del método

Como se mencionó al principio del artículo, no hay nada que a Hollywood le guste más que escuchar acerca de una gran actuación de actuación de método. Y, como puede ver en el video de arriba, hay muchos ejemplos notables de actores que llegan a extremos locos para lucir y actuar, 24/7. Sin embargo, por cada actuación de Daniel Day Lewis o Christian Bale, hay muchos papeles que no son de gran éxito en los que los actores canalizan el enfoque del método.

Aquí hay algunos ejemplos notables de actores famosos en roles icónicos que utilizan el enfoque del método:


Realización de películas con actores del método

Entonces, la pregunta sigue siendo, ¿cómo trabajan realmente los directores con los actores del método en el set? Y, ¿cómo pueden los cineastas trabajar mejor para aprovechar estas poderosas actuaciones? Ciertamente, a veces puede haber desafíos al trabajar con actores del método, pero yo diría que para muchos de los ejemplos anteriores, las ventajas superan con creces las desventajas.

Incluso si puede ser un truco de relaciones públicas, tener un actor de método dedicado en tu set significa que estás trabajando con un verdadero estudiante del oficio de actuación, alguien que ha perfeccionado sus habilidades en una técnica específica. Sigue siendo importante trabajar con los actores del método como lo haría con cualquier enfoque que no sea un método, y la comunicación siempre será crucial.

Sin embargo, los actores del método ofrecen algunas ventajas importantes, ya que su enfoque ayuda a proporcionar una consistencia a un rol que puede ser constante durante toda la producción. Si un actor puede permanecer conectado y en el personaje desde la primera lectura de mesa, durante los ensayos y en los últimos días de filmación, debería poder replicar fácilmente las actuaciones mientras perfecciona continuamente su personaje.

El método también es una herramienta muy útil para los cineastas a los que les gusta fomentar la improvisación en el set y en diferentes escenas. Sí, los actores del método se rompen ocasionalmente, nadie es perfecto. Pero tener una experiencia en la actuación de método en el que confiar cuando se le pide que se aventure en la improvisación y el diálogo improvisado puede ser clave para sacar algunas actuaciones realmente espectaculares.


El futuro del método de actuación

A decir verdad, en realidad hay algunos estudios y ensayos que argumentan que el método de actuación no necesita ser tan término mágico de todo tipo. En cambio, se podría argumentar que el método de actuación es la forma en que la mayoría de los actores abordan sus roles en todo momento. Siempre que una actuación provenga de un lugar de auto conexión y empatía, cualquier actor podría clasificarse como “método”.

También hay un poco de controversia sobre la práctica del método de actuación. Encontrará muchos ejemplos de actores que llevan el enfoque demasiado lejos, así como discusiones sobre por qué nunca escuchamos sobre el grandes actores del método femenino y cómo puede ser potencialmente peligroso para Actores negros (o personas de color) practicar el método de actuación.

En última instancia, a medida que el contenido de las películas y los videos continúe evolucionando de maneras nuevas y emocionantes, los principios del método de actuación seguirán siendo un factor importante en la forma en que los actores desarrollan interpretaciones intrigantes. Y, como muestra la historia, esos principios también seguirán evolucionando.


Para obtener más consejos y trucos de actuación y realización de películas, consulte estos artículos a continuación.

Imagen de portada de Habrá sangre vía Supremo.

Más de 100 activos GRATUITOS para su próximo proyecto de video

Desde efectos de sonido antiguos hasta transiciones animadas personalizadas, aquí está todo lo que lanzamos durante la Semana Gratis de este año.

Creo que todos podemos estar de acuerdo en que una de las cosas más tediosas (y molestas) que puede hacer como editor de video es tomarse el tiempo (que no tiene) para crear activos usted mismo. Claro, estamos siempre los vamos a necesitar, pero rara vez tenemos el presupuesto o la energía creativa para hacerlos nosotros mismos. Y esa es básicamente la razón por la que existe la semana gratuita anual de PremiumBeat: para ahorrarle tiempo y dinero.

Si bien la Semana Gratis de este año entregó una gama sorprendentemente amplia de obsequios elegantes para los editores de video (efectos de sonido, títulos personalizables, fuentes totalmente únicas), si tuviera que elegir un tema al mirar hacia atrás en el festival de regalos de 2020, sería texto animado. ¿Ya descargaste el tuyo? Si no es así, ahora es tu oportunidad.

Echemos un vistazo a todos los activos y paquetes gratuitos de este año, todo en un solo lugar. ¡Descárgalo!


15 transiciones texturizadas gratuitas de Premiere Pro

Hay un puñado de estilos diferentes en este paquete: papel rasgado, rayas onduladas de cebra, lápiz garabateado y las clásicas toallitas estándar con textura de papel. Transiciones divertidas y de aspecto profesional que son, ya sabes, totalmente gratuitas. Usarlos es tan fácil como arrastrar y soltar los archivos .mogrt en el Panel de gráficos esenciales. A partir de ahí, puede personalizar las transiciones para que se ajusten al color, tamaño y cantidad de textura que desee. También hemos incluido el archivo de proyecto de After Effects para que pueda modificar las animaciones aún más.

Compatible con: Premiere Pro y After Effects

DESCARGA AQUÍ


10 animaciones de títulos de texturas gratuitas

Como editores de video, siempre vamos a necesitar títulos animados nuevos y únicos. Este paquete gratuito de diez títulos parece bastante sencillo, pero es un poco más complejo de lo que piensas, gracias a varias capas de opciones de personalización. Puede eliminar los fondos, así como controlar la cantidad de textura dentro de los títulos. Básicamente, no estás en deuda con ningún tipo de estilo vintage tosco. Puedes limpiarlo, por así decirlo.

Para editar y personalizar estos elementos, diríjase al Panel de gráficos esenciales y haga clic en la columna Editar. Esto mostrará todas las opciones que necesita para personalizar el tamaño y el color de la plantilla. Si desea la fuente incluida en el avance, asegúrese de instalarla antes de llevar el .mogrts a Premiere.

NOTA: Para utilizar estas transiciones, debe tener instaladas las versiones más recientes de AMBOS, Premiere y After Effects. No funcionarán sin After Effects instalado.

Compatible con: Premiere Pro y After Effects

DESCARGA AQUÍ


25 efectos de sonido vintage únicos y gratuitos

¿Trabajando en un proyecto que requiere cierta estética auditiva analógica? Estamos aquí para ti con este paquete de scratches, whooshes, risers y ambiente general. Estos son perfectos para llenar el espacio vacío en sus ediciones, así como para contribuir a cualquier sonido clave que pueda necesitar para impulsar su historia. Ya sea que necesite crear una sensación siniestra agregando oleajes y estática o simplemente quiera clavar vibraciones vintage, este paquete gratuito es para usted.

Compatible con: Todos los NLE disponibles

DESCARGA AQUÍ


Fuentes animadas gratuitas pintadas a mano para su video

¿Qué es mejor que una fuente animada, gratuita y verdaderamente personalizada? Nada. Literalmente nada. Intentamos incluir al menos una fuente animada gratuita por semana gratuita, y la de este año podría ser la mejor hasta la fecha. Esta fuente viene en dos pesos: más pesado / más grueso y más ligero / más delgado, que son fáciles de personalizar dentro de su software de edición. Puede cambiar el tamaño y el color, naturalmente, pero también puede personalizarlo aún más usándolo en conjunto con uno de nuestros obsequios pasados. Obtenga más información sobre dicho obsequio pasado aquí: 21 gráficos en movimiento de trazos de pincel pintados a mano GRATIS

¿Cuándo usarías esta fuente animada? Bueno, si no puedes verlo en el avance, es una fuente divertida y enérgica que está diseñada para videos emocionantes y de ritmo rápido. Si está trabajando en algo con un tono más claro que parece casero y no generado por computadora, este paquete gratuito es para usted. Si es un usuario de After Effects, hemos incluido el archivo del proyecto, lo que le permite personalizar la cantidad de bucles animados.

Compatible con: Premiere Pro, After Effects, DaVinci Resolve, Final Cut Pro X

DESCARGA AQUÍ


18 texturas arenosas animadas gratis

¿Está cansado de usar transiciones de deslizamiento estándar en Premiere? Bueno, estoy seguro de que sus clientes también lo han superado un poco. Es por eso que hicimos estas transiciones texturizadas fácilmente personalizables que son totalmente originales para su proyecto. En términos de cómo se ven realmente las texturas, tiene de todo, desde cartulina hasta tela, papel de cuaderno arrugado, bolsas marrones y más.

¿Necesitas que sean de un color que no sea blanco? No hay problema. Simplemente use la herramienta Tinte y cambie el color para adaptarse a cualquier estética o tema que necesite su video. Este paquete gratuito de texturas arenosas animadas incluye lo siguiente:

  • 18 archivos de video de textura animada (h.264) cada uno de aproximadamente 5 segundos de duración
  • 18+ versiones fijas de todas las texturas (.jpg)

Compatible con: Premiere Pro, After Effects, DaVinci Resolve, Final Cut Pro X

DESCARGA AQUÍ


¿Interesado en las últimas semanas gratis? En la lista a continuación, encontrará resúmenes de todos los activos que hemos entregado. Hay algo perfecto para literalmente cualquier tipo de proyecto de video en el que puedas estar trabajando. ¡Disfrutar!

Cómo Pedro Almodóvar escribe un buen personaje “malo”

Pedro Almodóvar se gana el cariño del público cinematográfico con protagonistas irrevocablemente defectuosos, lo que lo convierte en el maestro del buen “mal” personaje.

Entonces, ¿qué hace que un mal carácter sea bueno? La autora y crítica de los medios Emily Nussbaum toca este elemento básico de la cultura pop contradictoria en su Neoyorquino pieza titulada “La gran división. ” En él, ella analiza el fenómeno que ella llama el “mal fan”, descrito como un espectador que no parece entender que los antihéroes profundamente defectuosos, a menudo violentos y ciertamente desagradables de algunas de nuestras series de televisión favoritas no deben ser arraigados. .

Esta extraña disonancia puede crear una “división” entre un fandom. Por un lado están los fanáticos que entendieron que Todos en la familiaArchie Bunker era un fanático deliberadamente ignorante y de mal genio, y por otro lado, fanáticos que lo veían como un héroe para todos. Nussbaum expone el razonamiento de esta disonancia y compara a Archie Bunker con figuras de televisión más contemporáneas, como Hacerse maloWalter White.

Desde que leí este artículo hace unos años, el concepto de fan malo se me ha quedado grabado en la cabeza. Es una idea que llevo conmigo, tanto como fanático del cine como como escritor. Lo que me lleva a uno de mis autores favoritos absolutos, Pedro Almodóvar. Cuando pienso que los protagonistas son “malos”, mi mente salta inmediatamente a la filmografía llena de tabú del célebre cineasta. Sus películas son escandaloso, representando asesinatos, mentiras y dinámicas de poder desafiantes incluso para el público más vanguardista. Sin embargo, con un poco de campamento y delicadeza empática, Almodóvar logra evitar caer en la trampa del mal fandom.

En esta publicación, exploraremos la habilidad magistral de Pedro Almodóvar para escribir grandes personajes malos y discutiremos algunas de las cosas que los aspirantes a cineastas pueden obtener de su enfoque.


Iconoclasta Almodóvar

Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar posa durante la presentación del guión de su última película Dolor y gloria en Madrid, España. Imagen vía JAVIER LOPEZ / EPA-EFE / Shutterstock.

Pedro Almodóvar alcanzó la mayoría de edad en la opresiva España franquista. Por tanto, su formación como cineasta fue en gran parte autodidacta. Tras la muerte de Franco en 1975, Almodódar se encontró en medio de un renacimiento cultural, una ola de cine y música iconoclasta anteriormente reprimida. Creando películas experimentales y actuando en un grupo de glam rock satírico, se convirtió en una figura central en el La Movida Madrileña, un movimiento nacido de la contracultura, que celebra la libertad y la expresión.

En 1988, Pedro Almodóvar cosechó el éxito internacional con su largometraje Mujeres al borde de un ataque de nervios, una historia ingeniosamente cursi de actividad criminal y patología mental. Desde entonces, el cineasta ha deslumbrado a los fanáticos con películas coloridas y cómicas que cautivan al público al tiempo que desafían su sensibilidad. Con un enfoque centrado en la autenticidad, empuja los límites del “personaje”, celebra a las personas imperfectas y marginadas, y nos anima a todos a ver las complicadas realidades de la vida que de otro modo podríamos evitar.


Lo malo es humano

No creo que Almodóvar alguna vez haya representado a un personaje que fuera “malvado”, pero ciertamente se salta la línea. Su película de 1991 Tacones altos cuenta la historia de Rebeca, una presentadora de noticias de televisión involucrada en el escandaloso asesinato de su amante, Manuel. Al principio de la película, Rebeca reflexiona sobre su infancia y revela a la audiencia que, cuando era niña, mató a sabiendas al novio de su madre, Alberto, al cambiarle la medicación. Rebeca luego le confiesa este hecho a su madre, insistiendo en que solo lo hizo por un profundo amor por su madre, creyendo que de alguna manera la estaba liberando.

Aunque Rebeca ha asesinado (al menos una vez), su profundo amor por su madre y su marcada impulsividad, imbuyen su crimen de humanidad. La naturaleza impulsiva de Rebeca impulsa la película, dejando una estela de mentiras y secretos mientras busca a tientas las ramificaciones de sus acciones. Dado que el conflicto de la película se deriva completamente de los crímenes de Rebeca, el público no puede simplemente señalar a un peor “malhechor” en la historia. Rebeca es, de hecho, el “chico malo” de la historia. Por lo tanto, la audiencia debe lidiar honesta y críticamente con el impedimento moral del protagonista.

En ¡Atarme! ¡Atarme! (1989), Almodóvar nos hace querer a Ricky, un secuestrador mentalmente inestable que logra cortejar a su rehén Marina, una ex estrella de cine para adultos, para que se enamore de él. ¿Quién podría haber imaginado que el síndrome de Estocolmo podría enhebrar con tanta maestría la trama de una comedia romántica? Por inquietante que pueda parecer al principio, Almodóvar de alguna manera lo hace funcionar. Una mirada más cercana al pasado de Ricky proporciona capas más complejas a su mentalidad y su visión del amor y la posesión.

Al imbuir la fechoría de humanidad, abre nuestro corazón a quienes han perpetrado incluso los crímenes más atroces. Almodóvar revela la complejidad de nuestros mejores y peores seres humanos, brindando un contexto para las inevitables transgresiones de las personas y brindando gracia a los que han caído lejos.


Gente al margen

Un sello distintivo constante del trabajo de Almodóvar es su capacidad para humanizar a los marginados, personas a las que rara vez se les ofrecía una lente empática. En su drama de 1999 Todo sobre mi madre, arroja sin esfuerzo una luz amorosa sobre aquellos típicamente representados en caricaturas torturadas, incluidas las personas en el trabajo sexual, las personas que luchan contra la adicción y el tráfico de drogas, las personas que luchan contra el VIH y el SIDA. En lugar de relegar a sus personajes más resistentes e interesantes a simbolizar el sufrimiento, los muestra participando en amistades tiernas y amorosas, reconociendo sus dificultades pero nunca explotándolas.

Una escena de Todo sobre mi madre

Cecilia Roth y Eloy Azorin en Todo sobre mi madre (1999). Imagen a través de Sony Pictures Classics.

Naturalmente, estar al margen nunca hace que alguien sea inherentemente malo. Sin embargo, las dificultades a menudo engendran desesperación. Muchos de estos personajes relatan sus peores momentos, confesando sus crímenes, sus mentiras, sus desagradables hechos pasados. Al construir un mundo auténtico, uno con complejidad moral y desgracia, proporciona un contexto para las transgresiones de su personaje. Manuela esconde la verdad sobre el padre de Esteban, no para lastimarlo sino para protegerlo. Cuando nos encontramos con que Lola, la mujer transgénero que de hecho es el padre biológico de Esteban, le ha contagiado el VIH a Rosa, no odiamos a Lola, sino que entendemos sus complejidades.

También en el corazón del trabajo de Pedro Almodóvar se encuentra el espíritu de la contracultura. Así como describe a las personas en los márgenes, también revela el mundo atípico que ocupan. Al desobedecer las normas sociales, el cineasta puede “restablecer” los límites morales, permitiendo que la audiencia descarte la propiedad y mida un personaje por la sustancia de su corazón y la realidad de sus circunstancias. En una película de Almodóvar, las fechorías de un personaje están intrínsecamente ligadas a sus circunstancias. No se disculpa por sus personajes, pero te mostrará cómo llegaron a donde están.


Tres consejos rápidos para escribir un buen carácter malo

En el juego de tacones altos

Pedro Almodóvar con la actriz Victoria Abril en el rodaje de Tacones altos (1991). Imagen a través de Warner Bros.

Entonces, ¿qué hace que estos personajes imperfectos sean tan geniales de ver? Aquí hay algunas guías para escribir un buen personaje “malo”.

1. Confesión

Deja que tu personaje confiese su crimen, en sus propias palabras. Una excelente manera de evitar cualquier confusión sobre la posición moral de tu protagonista es hacer que lo diga en voz alta. Esto confrontará a su audiencia con la verdad fría y dura y creará una auténtica línea de tensión para su historia. ¿Quién necesita un chico malo cuando tu héroe es su peor enemigo?

2. Corazón

Deja que tu personaje se preocupe profundamente por algo. Incluso si su pasión está equivocada de alguna manera, revelará su corazón a la audiencia. Es fácil manifestar a un villano porque es rotundamente malvado, y no es necesario revelar la sensación de miedo o amor de ese villano para que una historia funcione. Sin embargo, mostrar el corazón de tu héroe imperfecto contribuirá en gran medida a cultivar la empatía.

3. Consecuencia

Confronta a tu personaje con las consecuencias de sus actos. Pueden salirse con la suya en el sentido carcelario, pero no se les debe permitir salir ilesos. Ya sea que su héroe se aferre firmemente a la negación o experimente una catarsis decisiva, debe (al final del día) acostarse en la cama que ha hecho.


Almodóvar 2020

Hasta el día de hoy, Pedro Almodóvar continúa deleitando al público con sus películas lúdicas pero desafiantes. Solo este año, estrenó su cortometraje “La voz humana, ”Una colaboración con un actor de renombre Tilda Swinton y adaptado del Jean Cocteau juego del mismo nombre. Filmado durante el verano en el apogeo de la pandemia de COVID-19, fue un valor atípico en una industria que se había detenido en gran medida. La película es también el debut en inglés del cineasta y ha tenido una acogida bastante positiva.

Si todavía tienes que familiarizarte con la obra de Pedro Almodóvar, ya es hora de que lo hagas. Habiendo escrito y dirigido veintidós largometrajes y un puñado de cortometrajes, la filmografía de este prolífico autor ofrece mucho a los cinéfilos apasionados en los que hincar el diente.


Imagen de portada vía El Deseo S A / Kobal / Shutterstock.

Descarga 18 texturas animadas GRATIS con un estilo arenoso

Agregue una textura animada cautivadora a sus videos y diseños con esta colección de 18 texturas animadas GRATIS. Descarga aquí.

Siempre he sido un fanático de agregar textura generada orgánicamente a cualquier forma de diseño generado digitalmente. Y es por eso que, de todos los obsequios que hemos publicado durante una semana gratis, este es el que probablemente terminaré usando más en mi propio trabajo.

Si necesita darle a sus gráficos en movimiento y al diseño del título un poco de intriga visual adicional, este versátil paquete de texturas es su solución de arrastrar y soltar, sin complicaciones y que ahorra tiempo.

Para hacer este paquete, recorrí mi casa y encontré cualquier trozo de papel o tela que tuviera una textura interesante y los escaneé mirando en diferentes direcciones.

Estas texturas se escanearon en alta resolución y luego se animaron en dos (un nuevo fotograma por cada dos fotogramas en la línea de tiempo) en After Effects antes de exportarse. Eso significa que estas texturas vienen integradas con un poco de ese estilo animado cuadro por cuadro para facilitar el uso de arrastrar y soltar. También se proporcionan en archivos de video de resolución 4K, por lo que puede escalarlos y reducirlos (según sea necesario) para satisfacer sus necesidades.

Como beneficio adicional, también he incluido todas las versiones fijas de los archivos utilizados para crear las texturas animadas.

Este paquete GRATUITO de texturas arenosas animadas incluye lo siguiente:

  • 18 archivos de video de textura animada (h.264) cada uno de aproximadamente 5 segundos de duración
  • 18+ versiones fijas de todas las texturas (.jpg)

Descarga gratis las texturas animadas arenosas

Haga clic en el botón de abajo para descargar las texturas animadas arenosas gratuitas. En la descarga, encontrará todo lo que necesita para comenzar. Estas texturas animadas son de uso gratuito en cualquier proyecto personal o comercial. Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos.

DESCARGAR TEXTURAS ANIMADAS GRATIS


¡Nuevo! Suscripción PremiumBeat Music

Antes de aprender a utilizar estas texturas gratuitas en sus proyectos creativos, consulte esta noticia. Nosotros, en PremiumBeat, tener un nueva suscripción de música para ti. Ahora puede utilizar más de nuestra música de alta calidad en sus proyectos. Las pistas de música están disponibles en $ 12.99 cada uno. Vea cómo puede obtener licencias para más pistas de música fácilmente.


Por qué amo tanto estas texturas

Fotogramas texturizados

Me gusta tener una bolsa de sorpresas como esta que puedes usar extremadamente rápido, como cuando es tarde por la noche y solo quieres terminar tu proyecto. Busco cosas que pueda simplemente arrastrar a mi proyecto que agreguen un poco de valor de producción sin agregar demasiado sello notable.

Estas cosas deben ser simples y deben sentirse como si las hiciera USTED. Las cosas que son demasiado específicas nunca funcionan. Algo así como una textura animada todavía deja suficiente creatividad al usuario, al tiempo que agrega un poco más especia.

Este paquete tiene una gran cantidad de diferentes niveles de textura “notable”, desde simples papeles y telas de uso diario hasta papel de cuaderno arrugado y bolsas marrones. Por eso me gusta. Yo diría que alrededor del 50% de las animaciones de etiqueta final pueden beneficiarse con solo un poco de textura adicional, ya sea sutil o bastante notable.

Lo mismo podría decirse del diseño de imágenes fijas, por lo que también hemos incluido las versiones de imágenes fijas de mayor resolución.


Cómo utilizar las texturas animadas

Archivos de video 4K

Estas texturas animadas son archivos de video 4K, pero notará que son extremadamente cortos (se deben tener en cuenta los tamaños de los archivos) y también carecen de cualquier color. Esto requerirá un poco de esfuerzo.

Cómo agregar color

Agregar color

La forma más fácil de agregar color a sus texturas (en ambos Despues de los efectos y Premiere Pro) Es usar el Tinte efecto. Aquí, puede cambiar fácilmente el color blanco al color deseado, lo que debería darle el resultado deseado.

Si usa un software diferente, seguramente habrá un tipo de efecto equivalente. En cualquier lugar donde pueda cambiar fácilmente el color blanco o resaltado del clip, estará en el negocio.

Cómo alargar el clip

Esto también varía un poco de un programa a otro, pero estos clips se repiten infinitamente, por lo que puede hacerlos durante el tiempo que necesite. En la mayoría de los casos, la forma más sencilla de crear un clip de mayor duración es duplicar o copiar y pegar. En Estreno y Corte final, usted puede hacer clic, sostener alty arrastrar – esto creará una copia.

En Despues de los efectos, usted puede botón derecho del ratón en el clip deseado, luego vaya a Modificar> Interpretar material de archivo y cambia el Bucles campo de texto a un número mayor.

Compatible con software de edición no lineal

Estas texturas animadas gratuitas deberían funcionar bien en cualquier software de edición no lineal (NLE). Recomiendo usarlos con mates alfa y texto, formas u otros efectos. Con estas texturas, tienes muchas opciones, así que vuélvete loco.

Como mínimo, si desea agregar algo de textura a todo su proyecto o animación, puede arrastrarlo a la parte superior y configurarlo en la Multiplicar modo de transferencia. También puede obtener algunos resultados interesantes con el Cubrir y Luz dura modos de transferencia.

Espero que disfrutes de estas texturas tanto como yo. ¡Que te diviertas!

Una edición emocionante para tu próxima película

¡No te duermas con el corte de aplastamiento auditivo! A continuación, se explica cómo crear el efecto y algunas formas inteligentes de incluirlo en su próxima producción de video.

Básicamente, hay tres formas diferentes de lograr el efecto de audio de corte aplastante. Puede pasar de un sonido a otro, de un silencio a otro o de un sonido a otro. Los tres funcionan, pero estás usando un corte de impacto auditivo (también llamado “corte de golpe”) para saltar entre los dos.

Usaré dos de mis propios cortometrajes como ejemplos. ¡Hagámoslo!


Creación de cortes de audio Smash

Hablo sin voz

Esta escena entrelaza sonidos exteriores superpuestos con cortes a movimientos interiores más apagados. Imagen de “Hablo sin voz“A través de Youtube.

En mi último cortometraje, “Hablo sin voz”, comenzamos con el sonido de un perro lloriqueando. Luego, casi de inmediato, una mujer cava un hoyo. Esto funciona para una película de terror porque el corte realmente funciona como un shock.

Quiero que el público se fije realmente en el ruido que hace el perro. Luego hacemos un corte duro de varios sonidos en capas diferentes (tierra crujiendo y moviéndose, truenos y un fuerte crujido de algo que se rompe) mientras ella empuja la tierra, lo que debería (si se hace bien) asustar a la audiencia.

Por lo tanto, vamos de un nivel bajo de decibelios a algo realmente duro. También hacemos un corte de sonido a sonido (o, alto a fuerte, si se quiere) donde incorporamos el sonido de la naturaleza (lluvia, trueno, viento) de fondo. No es nada intenso o aterrador en el ámbito de las películas de terror. De hecho, podría funcionar igual de bien en una película de drama, comedia o ciencia ficción.

El siguiente efecto con el que jugaremos es el sonido. Primero, descargue algunos sonidos que crea que funcionarán bien con las imágenes. Aquí hay cientos de sonidos que puedes obtener gratis ahora mismo:

Una vez que tenga mis sonidos, tomaré los que funcionan con la escena, los superpondré varias veces en la escena anterior y luego haré un corte en la siguiente escena. Por lo tanto, si está implementando cualquiera de los tres cortes: sonido a sonido, sonido a silencio o silencio a sonido, esos serán sus efectos precortados y posteriores al corte.

Ahora, junto con los tres cortes diferentes, hay algunos elementos esenciales a considerar.

 Freelancer

El cambio en la frecuencia del sonido tiene un propósito cuando se pasa de la escena exterior a la escena interior del vehículo. Imagen de “Persona de libre dedicación“A través de Youtube.

Desea asegurarse de que el audio con el que esté cortando coincida con sus imágenes visuales. Por ejemplo, en mi cortometraje “Freelancer”, hago un corte duro en una escena lluviosa, lo que realmente mueve a la audiencia al entorno.

Quiere crear un entorno en el que pueda editar. Ayuda a mover la composición hacia una producción organizada más manejable. Entonces, en esta escena, tengo el portazo de una puerta, que dejé un poco silenciada en la película, luego hice un corte fuerte a la lluvia que salpica el capó de la camioneta. Pasamos del silencio al sonido, que nos adentra rápidamente en este entorno, llamando la atención del público.

Era importante asegurarme de tener un sonido para cortar: la lluvia golpeando el exterior metálico de la camioneta. Luego, hacemos un sonido para silenciar, cortando desde el fuerte oleaje de la lluvia que golpea el metal, directamente hacia el silencioso ambiente interior de la camioneta, esencialmente funcionando como un golpe auditivo.


Elevando su valor de producción

Danai Gurira en Black Panther

Varios cortes en esta escena de persecución incorporan audio de corte aplastante. Imagen de Pantera negra vía Estudios de Walt Disney.

Estos efectos se esparcen por muchas de sus películas, programas de televisión y series favoritos, desde Cosas extrañas a Pantera negra. Si puede tener esta técnica en su bolsillo trasero como director, editor, director de fotografía, etc., podrá elevar gran parte de su producción porque está pensando en el futuro en la suite de edición. Al usar estas técnicas, no solo ayudan a practicar su edición, también ayudan durante la filmación, así como a planificar los accesorios que desea incorporar al cortar de una escena a otra.

Los cortes auditivos son increíblemente útiles para el valor de producción general y la creatividad de su producto final. ¿Entonces, Qué esperas? ¡Darle una oportunidad!


Imagen de portada vía Igoron_vector.

Los 10 mejores tutoriales de edición de audio que todo editor de video debería ver

Aumente su eficiencia con nuestros tutoriales favoritos sobre los fundamentos de la grabación, edición y corrección de archivos de audio. Todo para editores de video y cineastas.

El audio puede hacer o deshacer su proyecto. Cuando es bueno, su audiencia experimenta una inmersión completa en su historia. Cuando está mal, pierdes su atención casi al instante. Esta no es información nueva. Pero siempre vale la pena volver a visitarlo, ya que el audio es una parte crucial del proceso de narración.

Teniendo en cuenta su éxito de sonido, reunimos todos nuestros tutoriales de audio favoritos en un solo lugar. Si recién está comenzando, ver estos tutoriales es un paso inteligente para dominar los fundamentos básicos de una buena grabación y edición de audio. Si tiene más experiencia, bueno, esta es la oportunidad perfecta para un repaso rápido, ¿no?

Por supuesto, uno de los pasos más difíciles en el proceso de edición de video es encontrar y comprometerse con una canción o partitura en particular para su proyecto. Como se mencionó anteriormente, esta música tendrá un impacto en la experiencia de la audiencia, por lo que elegir las canciones “correctas” es importante y no querrás gastar tu presupuesto en algo que terminas queriendo cambiar.

En esta situación, PremiumBeat acaba de lanzar suscripción de música poder ayudar. Una suscripción ofrece a los editores de video cinco descargas de canciones al mes, con cada pista (más cortos, temas y loops) a un precio de solo $ 12.99 cada uno. Para empezar, dedica unos minutos explorando nuestra biblioteca de música apilada y busque sus primeras cinco descargas.


1. Grabación de audio como cineasta en solitario

Antes de sumergirnos en la posproducción, es importante establecer algunos de los pasos fundamentales para garantizar que tenga archivos buenos y limpios con los que trabajar en primer lugar. Es posible que te envíen archivos MP3 o WAV desde la producción, o es posible que estés grabando audio durante la filmación además de editarlo todo junto después. Lewis McGregor desglosa cómo elegir su grabadora, mezclador y barra de auge. Como un tirador en solitario experimentado, Lewis sabe exactamente cómo capturar de manera eficiente el mejor audio con recursos extremadamente limitados.


2. Comprensión de los conceptos básicos de Premiere Pro

Este tutorial de Adobe es un vistazo sencillo a cómo manejar clips de audio en su línea de tiempo de Premiere Pro. El video cubre el uso de la herramienta Pluma, rastrea fotogramas clave, volumen y ganancia. Estos ajustes y modificaciones son simples, pero esenciales, para editar videos de manera efectiva. Su video debe estar bien mezclado, logrando un equilibrio entre lo que vemos y lo que escuchamos, o su video no se podrá ver.


3. Edición de audio en DaVinci Resolve

Editar audio en DaVinci Resolve es mucho más fácil de lo que piensa inicialmente. Si ve algún tutorial al respecto, verá que el flujo de trabajo implica el uso de Fairlight sección de Resolve. Aquí es donde accederá a la función de edición de audio. Este video es perfecto para cualquiera que sea nuevo en el software o para cualquiera que cambie de Premiere o FCPX. Actúa como una guía asombrosa sobre qué esperar y explica cómo encontrar algunas de las herramientas con las que ya está familiarizado en otros programas.


4. Edición de audio en Final Cut Pro X

Comprender los niveles es algo que se necesitan años de experiencia en edición de videos para dominar. En este video de Chadwin Smith, analizamos los conceptos básicos para trabajar con audio y corregirlo en Final Cut Pro X. El video se sumerge un poco en la teoría de la edición sobre cómo quieres que fluyan tus niveles con el diálogo y la música. Esto es necesario para comprender cómo el audio sirve al video en su línea de tiempo, creando un producto final profesional completo.


5. Clase magistral de EQ

La compañía de micrófonos Deity nos lleva a través de un tutorial deliciosamente detallado sobre cómo comprender los entresijos de trabajar con EQ. Este tutorial analiza qué esperar al abrir o aplicar un efecto de EQ paramétrico a sus clips de audio.

Ya sea que se trate de altas frecuencias (pérdida de claridad) o de la edición de tonos y tonos de voces inconsistentes, este tutorial es esencial para cualquier editor, aunque solo sea porque inevitablemente se le entregarán archivos de audio terribles y se le pedirá que realice un milagro. Además de solucionar problemas, el tutorial también cubre la creación y aplicación de efectos para voces y sonidos.

El tutorial usa Premiere, pero las ideas y explicaciones se pueden aplicar a FCPX y Resolve. Encontrarás efectos EQ en todos los NLE, en su mayor parte.


6.Haga que su audio suene increíble en Premiere Pro

Actuando como una segunda parte de su video original sobre la grabación de audio y recomendaciones de equipo, Matt Johnson nos guía a través de su proceso de mezcla para editar videos. Aunque este tutorial es para un video de boda, todavía es un diálogo grabado que debe sonar claro.

Con el ejemplo con el que está trabajando, el diálogo es inconsistente en volumen y calidad general, por lo que detalla cómo usar el Compresor multibanda El complemento puede ayudar a cambiar las cosas. Después de explicarle cómo configurar este efecto, le muestra cómo guardarlo como un ajuste preestablecido para usarlo más tarde.


7. Limpiar audio ruidoso en menos de treinta segundos

En este video rápido de los tutoriales de Shutterstock, analizamos cómo reducir el ruido en Premiere y Audition en solo tres sencillos pasos.

Primero, botón derecho del ratón en tu clip y golpea Editar clip en Adobe Audition. Básicamente, solo encuentra una sección en su clip sin diálogo, resáltela, presione Efectos> Reducción / restauración de ruido> Capturar impresión de ruido, haz clic en cualquier lugar de la línea de tiempo y vuelve a Efecto> Reducción / Restauración de ruido> Reducción de ruido (proceso), luego presione Aplicar. Verá todo el clip resaltado, así que presione Comando> S. Esto lo colocará nuevamente en Premiere como el clip corregido. Si está interesado en reducir el ruido vídeo, Los tutoriales de Shutterstock también pueden ayudar con eso!


8. Efectos de sonido de bricolaje en casa

Este tutorial es una clase magistral sobre cómo captar sonidos rápidos y efectos de sonido dentro de su hogar, y todo lo que realmente necesita es su teléfono. ¿Por qué es perfecto para editores de video? Bueno, si está editando audio, es probable que no tenga suficientes clips de audio para trabajar. Además, siempre puedes usar más profundidad cuando se trata de sonidos, ¿verdad?


9. Diálogo de grabación: mono frente a estéreo

Comprensión cómo el audio grabado puede hacer maravillas para su comprensión de la edición de archivos de audio. Presentado como una sesión de preguntas y respuestas, este video cubre casi todo lo que podría desear saber sobre cómo trabajar con archivos de audio y corregirlos, así como los conceptos básicos de los patrones de micrófono. Esta comprensión general de las prácticas de producción sólidas puede ayudar a mejorar la comunicación entre los editores de video y la producción, ya que crea un lenguaje común con los miembros del equipo que ejecutan el audio.


10. Consejos para mejorar el audio en el set y en tu edición

Anthony, de PremiumBeat, vuelve a hacerlo, analizando los fundamentos de las transiciones de audio, los paisajes sonoros y cómo llenar el espacio vacío dentro de su edición. Es posible que se quede atrapado con un espacio vacío en sus escenas. Tal vez no sea adecuado comenzar una nueva canción, cortar a una nueva escena o incluso terminar una escena. Entonces, Anthony repasa lo que puede hacer con lo que tiene, así como también cómo usar el audio para agregar profundidad y ritmo al ritmo de su edición.

Como cualquier paso en la edición, elegir la música que se reproducirá sobre o debajo de su metraje puede ser un desafío. Recuerde, la nueva suscripción de música de PremiumBeat puede remediar esta lucha por elegir canciones al permitirle descargar varias pistas para probar con los clientes (sin romper el presupuesto). Echa un vistazo a nuestro impresionante Biblioteca de música, encuentre algunas pistas que inspiren su creatividad y comience su suscripción.

En última instancia, la edición de audio es intimidante. Diablos, grabar audio o trabajar con él en cualquier forma es intimidante. Pero, como cualquier parte de la producción de video, el primer paso para dominarlo es simplemente haciendo eso.

Comience grabando un archivo, luego otro y luego otro hasta que se sienta cómodo trabajando con micrófonos, grabadoras y manejando archivos de cualquier tipo en su software de edición. ¡Se trata de practicar!


Imagen de portada vía Edwardolive.

Descargue GRATIS fuentes animadas pintadas a mano para videos y más

Estas fuentes animadas gratuitas pintadas a mano se pintaron minuciosamente cuadro por cuadro para dar a sus títulos y diseño una sensación divertida y enérgica.

Siempre he sentido que con todos los gráficos en movimiento y prácticamente cualquier tipo de diseño generado dentro de una computadora, siempre obtendrás un resultado más deseable si puedes agregar toques orgánicos a lo que estás haciendo.

Cuanto más reales y texturizados sean sus diseños, más tangibles y auténticos se sentirán. Hacer que su pizarra de título u otro gráfico en movimiento se sienta como si estuviera pintado a mano (cuando el estilo encaja, por supuesto) siempre llamará la atención del espectador un poco más que un texto estándar limpio y nítido.

Lleva mucho tiempo crear este tipo de elementos orgánicos usted mismo. Es por eso que hemos creado esta fuente animada gratuita para ti. Una forma rápida de arrastrar y soltar para hacer sus pizarras de título en este estilo stop motion, estilo pintado a mano.

Esta descarga incluye dos pesos diferentes: un aspecto más grueso y más delgado.

Dos pesos de fuente diferentes

Como un poco detrás de escena, para crear este obsequio, imprimimos hojas grandes de dos fuentes diferentes y pintamos 7-8 cuadros de cada uno de ellos en hojas de cartulina de tamaño similar, luego escaneamos cada cuadro uno por uno. Luego, dentro de After Effects, lo limpiamos todo y los configuramos en una secuencia, animando cada escaneo en sucesión una vez cada dos cuadros.

Esta sensación de stop-motion se crea girando a través de los marcos pintados a esa velocidad. Sentimos que la velocidad de un nuevo fotograma cada dos fotogramas en la línea de tiempo era una buena velocidad que proporciona una variedad de opciones sobre cómo usar estos elementos.

Este paquete GRATUITO de fuentes animadas incluye lo siguiente:

  • 26 letras gruesas preconfiguradas (.mov)
  • 26 letras delgadas preconfiguradas (.mov)
  • 1 archivo de proyecto de After Effects para un uso sencillo

Descargue las fuentes animadas gratuitas pintadas a mano

Haga clic en el botón de abajo para descargar las fuentes animadas gratis, pintadas a mano. En la descarga, encontrará todo lo que necesita para comenzar. Estas fuentes animadas son de uso gratuito en cualquier proyecto personal o comercial. Al descargar, acepta no revender ni redistribuir estos activos gratuitos.

DESCARGAR FUENTES ANIMADAS GRATIS


Cuándo usar estas fuentes

Elementos preconfigurados

Antes de entrar en el meollo de la cuestión de cómo usar estas fuentes animadas, pensé que me tomaría un momento para explicar para qué tipo de situaciones serían útiles. Cuando entro en el proceso de crear regalos como este, realmente me siento y pienso: ¿Qué es algo a lo que me gustaría tener acceso? Y, por lo general, esa es la dirección en la que me dirijo.

Cuando hice este obsequio, estaba creando algunos videos promocionales para un equipo de fútbol universitario. El objetivo era crear una pieza atractiva y de alta energía con una sensación juvenil, todo mientras comunicaba el énfasis a través de una copia importante. Probé muchos estilos diferentes con texto normal y seguí volviendo a esta idea de letras pintadas a mano. El problema era que todas las fuentes de estilo pintado a mano que encontré se veían demasiado generadas por computadora para encajar exactamente como yo quería.

Así que pensé: ¿Por qué no seguir adelante y pintar algunas letras yo mismo?

Grande y audaz

Fuente grande y audaz

Me gusta la fuente más grande, como en el ejemplo anterior. Llenando toda la pantalla, casi como si fuera un cartel pintado a mano o algo por el estilo. Me recuerda a algunos carteles de conciertos de la vieja escuela hechos a mano. Siento que con este tamaño, la textura de la pintura realmente se nota, y está claro que no solo descargaste una fuente y agregaste un poco de movimiento cuadro por cuadro en la postproducción. De todas las formas de usar este obsequio, el aspecto de arriba es mi favorito. Siento que hace una declaración.

Dos pesos diferentes

Pesos de fuente

Otra forma en que me gusta usar estas fuentes es ambas al mismo tiempo. Creo que son buenos títulos cuando lo formatea como en el ejemplo anterior. Puede crear fácilmente ese aspecto clásico de pizarra de título con la línea más gruesa en la parte inferior, etc. Esta misma estrategia podría usarse fácilmente para crear algunos tercios inferiores de aspecto atractivo, también: coloque el subtexto a continuación en el peso más delgado y use el más grueso peso para el nombre.


Cómo utilizar las fuentes animadas gratuitas

Compatible con el software de edición no lineal actual

Los archivos de este paquete serán compatibles con cualquier software de edición no lineal actual. Los archivos están preconfigurados (con un canal alfa) y se pueden enlazar infinitamente según el tiempo que necesite. Sin embargo, será más fácil / rápido utilizar estas fuentes animadas con After Effects utilizando el archivo de proyecto incluido.

Despues de los efectos

Si es usuario de After Effects, se incluye un archivo de proyecto .ae que puede utilizar para ahorrar mucho tiempo. En este archivo, verá cada letra en su carpeta respectiva, y cada letra se ha repetido una cantidad casi infinita de veces. Si no desea utilizar el archivo de proyecto incluido, para crear clips de bucle más largos, puede haga clic derecho en cada letra, ir modificar> interpretar metrajey cambio la cantidad de bucles a un número mayor.

Premiere Pro

Si usa estas fuentes dentro de Premiere Pro, la mejor manera de usar la fuente es organizar las letras de la manera que desee en la línea de tiempo, una encima de la otra. Luego, seleccione sus capas de letras, botón derecho del ratóny seleccione nido. Luego, abrir la secuencia anidada y bucle manualmente cada elemento de texto haciendo clic en él, manteniendo presionada la tecla Alt y arrastrando hacia la izquierda.

Final Cut and Resolve

La operación de duplicación en Resolve y Final Cut es muy similar a la de Premiere. Sosteniendo el tecla Alt, usted puede Seleccione y arrastrar sus clips para crear una copia. De esta manera, puede organizar su texto y copiarlo tantas veces como sea necesario.


Combínalo con otros obsequios

Otra parte conveniente de este obsequio es que también está destinado a jugar bien con obsequios del pasado. Por ejemplo, consulte este paquete de 21 gráficos de trazos de pincel GRATIS – un obsequio de la semana gratuita del año pasado que puede notar que también se usó en el avance anterior Estos elementos también están preseleccionados y son compatibles con cualquier software de edición.

Otro buen paquete para usar junto con estas fuentes animadas es otro obsequio de la semana gratuita anterior: 13 gráficos en movimiento con textura libre. Estos son trece archivos .mogrt de Premiere diferentes (incluido el proyecto After Effects) que puede personalizar a su gusto cambiando las fuentes, los colores y más.

Las 6 bandas sonoras de bajo presupuesto más notables de todos los tiempos

Aquí hay seis de las mejores y más ingeniosas bandas sonoras de películas creadas con pocos o ningún recurso. Escuche estas bandas sonoras en busca de inspiración y luego diríjase a nuestra biblioteca de música.

Si bien casi todos los demás elementos de la realización de una película requieren la participación de varias personas, la partitura se puede crear en su dormitorio. Y esa es una excelente noticia para cualquiera que trabaje con un presupuesto reducido.

Echemos un vistazo a algunos de los mejores ejemplos de directores innovadores y producciones cinematográficas de las últimas décadas que no permitieron que un presupuesto ajustado se interpusiera en el camino de una banda sonora verdaderamente magistral.

Al ver y escuchar estas partituras, piense en cómo se produjeron, así como en el trabajo que los cineastas tuvieron que poner en ellas para llevar su película a la meta. Hoy en día, los cineastas de bajo presupuesto tienen una plétora de opciones accesibles que pueden ayudarlos a crear su visión desde cero, incluso con un equipo limitado (o inexistente).

Una de esas opciones es el acceso rápido a soluciones asequibles de bandas sonoras y paisajes sonoros, como la nueva versión de PremiumBeat. suscripción de música que permite a los cineastas descargar más música por menos dinero.

¿Cómo funciona la suscripción? Cuando te registras, obtienes 5 pistas cada mes de nuestro biblioteca de música apilada, todo por un pago mensual bajo que asciende a solo $ 12,99 por pista (completo con pantalones cortos, tallos y bucles). A este precio, estás ahorrando más del 70%, así que asegúrate de revisar la suscripción más de cerca.

Ahora inspirámonos.


1. Estrella negra

Con un presupuesto estimado en aproximadamente $ 60,000, la verdadera magia aquí es que la película fue escrita, dirigida, editada y musicalizada por el mismo tipo: el gran John Carpenter.

Estrella negra fue el primer largometraje de Carpenter y la fragilidad de todo no debería sorprender a ningún fanático de su trabajo. La banda sonora se compone principalmente de efectos de sonido de computadora, diálogos y música de la película, y presagió la icónica discografía de Carpenter de ominosos paisajes sonoros de electro-rock.


2. Víspera de Todos los Santos

Poco después Estrella negra, Carpenter centró su atención en 1978 Víspera de Todos los Santos. Esta película slasher de bajo presupuesto fue un asunto básico, con Carpenter una vez más creando la banda sonora.

En serio, si aún no lo ha hecho, debe hacer un viaje a través del agujero de gusano de la banda sonora de John Carpenter. Ha compuesto bandas sonoras completas o contribuido con música a Asalto al precinto 13, La niebla, Gran problema en la pequeña China, Ellos viven, alrededor de 100 películas de Halloween diferentes – incluyendo el nuevo – y muchos más.

El enfoque adaptativo de Carpenter al proceso de realización de películas es el verdadero negocio. Sin duda, es uno de los cineastas originales de bricolaje. Adórelo en consecuencia.


3. Sigue

Ojalá más gente hablara de Sigue, David Robert MichelleLargometraje de segundo año. Esta película de terror subestimada de 2014 fue extremadamente efectiva por dos razones: una, la cinematografía. Y dos, la música producida por el músico / compositor Desastrepaz.

Nadie sabía realmente qué esperar cuando se anunció esta película, pero Dios mío, nos sorprendió gratamente. La partitura, que consta de paisajes sintéticos pesados ​​al estilo de Carpenter, acompaña magistralmente a la película de bajo presupuesto a medida que agrega, crea y se basa en el suspenso a lo largo de toda la película.

¿Tu película de terror exige pistas con muchos sintetizadores? Hay una lista de reproducción para eso!


4. Ladrillo

Rian JohnsonPelícula debut Ladrillo es una historia de detectives contada a través de los ojos de estudiantes de secundaria. Con un guión denso y complicado, Johnson tuvo dificultades para conseguir financiación para la película. Esto llevó a un enfoque básico de la filmación, edición y composición de la película.

Para el puntaje, Johnson reclutó a su primo Nathan Johnson para llevar la mayor parte de la película a través de paisajes sonoros memorables y de estilo noir. (Como puede ver en los ejemplos establecidos por Carpenter y Cousins ​​Johnson por igual, confiar en usted y su familia es un tema común en esta lista).

La música de fondo recurrente, “Emily’s Theme”, todavía está atrapada en mi cabeza después de todos estos años. Si esa no es la marca de una gran puntuación, no sé cuál es. Además, un dato curioso: toda la partitura se grabó con un micrófono en iChat debido a que Nathan no estaba en el set o ni siquiera cerca de Rian durante la filmación. ¡Todo es posible!

Si te interesan las puntuaciones ambientales o etéreas, Estás de suerte.


5. Una vez

¿Quiere una manera fácil de incorporar una hermosa partitura sin tener que gastar un presupuesto adicional para un compositor? ¡Haz que tu talento llene la película con actuaciones y música! Eso es exactamente lo que John Carney hizo para la película de 2007, Una vez.

Las estrellas de la película – Glenn Hansard y Markéta Irglová – en realidad estaban juntos en una banda antes de la filmación. Entonces, aunque entiendo que esta no es una partitura o una técnica tradicional de producción cinematográfica, enmarcar la película en torno a los artistas intérpretes o ejecutantes es algo a tener en cuenta al formar tu próxima idea.

Si está buscando capturar el tipo de vibraciones folk suaves que aparecen en Una vez, tu búsqueda termina aquí.


6. ¿No son los santos de los cuerpos?

Esta característica inspirada en Bonnie y Clyde fue nuestra introducción a David Lowery. Pasando a dirigir Dragón de Pete, Una historia de fantasmasy el próximo El caballero verde, Lowery se ha establecido como uno de los mejores cineastas en activo de la actualidad. ¿No son los santos de los cuerpos? fue un esfuerzo comunitario que vio a Lowery aprovechar los talentos de amigos de todo Texas, incluidos Daniel Hart.

La partitura se compuso casi en su totalidad en la casa de Hart y se compone principalmente de cuerdas, específicamente la banjo y mandolina. Los sonidos mínimos y ominosos juegan un papel importante en la creación de la estética del viejo oeste.

El uso de cuerdas y cuernos es una versión tradicional de la partitura de una película, pero el enfoque encaja perfectamente con el tono y el estado de ánimo de ¿No son los santos de los cuerpos?. Desde esta película, Hart ha pasado a componer la banda sonora de otras producciones de Lowery, así como de muchos otros programas de televisión y películas.

Si te gustan los sonidos exuberantes de las composiciones orquestales y los instrumentales robustos, tenemos tu banda sonora lista para comenzar.


Las bandas sonoras de películas son los héroes anónimos del cine; una buena puntuación puede elevarse y durar incluso más que la película más mediocre.

Capte toda la atención de su audiencia experimentando y siendo creativo con su próxima banda sonora. Biblioteca de PremiumBeat es superdenso, lleno de cualquier tipo de género, sonido e instrumento que puedas imaginar. Mezcle, combine y mezcle todo para crear algo memorable.


¿Quiere profundizar en el proceso de realización de películas? Comience con el artículo seleccionado a mano a continuación.


Imagen de portada vía ITV / Shutterstock.

Actualizaciones de 2020 para Premiere Pro, After Effects y Creative Cloud

Las últimas noticias y actualizaciones de la conferencia Adobe Max de 2020, incluida la exportación rápida para Premiere Pro y Roto Brush 2 para After Effects.

Es posible que 2020 se haya llevado los festivales de cine y las conferencias en persona, pero eso no significa que la innovación y las actualizaciones estén en suspenso en la industria del cine y el video. Adobe Max 2020 (que es digital y gratuito este año, del 20 al 22 de octubre) está en pleno apogeo y la marca tiene muchas actualizaciones importantes para sus aplicaciones heredadas, como Photoshop, Premiere Pro, Despues de los efectos y esta creciendo Nube creativa.

Echemos un vistazo a algunas de las actualizaciones, noticias y aspectos destacados de interés para los profesionales del cine y el vídeo a medida que Premiere Pro se vuelve más rápido, After Effects se vuelve más inteligente y la nube se vuelve más grande y mejor que nunca.

Actualizaciones de Adobe Premiere Pro

Adobe ha anunciado su última actualización de Premiere Pro con la versión 14.5. Está configurado para acelerar aún más su plataforma NLE con soporte adicional para las GPU AMD e Intel para acompañar su soporte ProRes RAW ya actualizado de principios de este año. Esta nueva actualización de decodificación de hardware permitirá formatos H.264 / H.265 con las GPU anteriores en Windows para ayudar a acelerar Premiere Pro en todos los ámbitos. Aquí están el resto de las actualizaciones importantes:

  • Pre-roll de audio actualizado para una reproducción más rápida y con mayor capacidad de respuesta para proyectos más grandes.
  • Soporte para flujos de trabajo HDR que usan Espacio de trabajo de color Rec.2100 PQ para Premiere Pro y After Effects.
  • ARRI ProRes ahora permite la gestión del color y la capacidad de trabajar con LUT integradas (incluido el cambio entre LUT Rec.709 y LUT HLG).
  • Se agregó soporte para la conversión de espacio de color de ProRes RAW a LOG en la nube.

Adobe también ha presentado una nueva tecnología para una función de “exportación rápida” que permitirá a los usuarios exportar rápida (obviamente) y fácilmente sus configuraciones de uso más frecuente directamente desde la barra de encabezado de la plataforma, sin pasar por los múltiples pasos involucrados actualmente. También podrá personalizar la configuración y hacer coincidir rápidamente la configuración de la fuente o elegir un H264 de alta calidad predeterminado. La exportación rápida está disponible como parte de la nueva Premiere Pro Beta.

Actualizaciones de Adobe After Effects

Adobe After Effects también está recibiendo un impulso con actualizaciones que incluyen un nuevo modo para trabajar de manera más inteligente y hábil con herramientas 3D. Como puede ver en el video de demostración anterior, estas nuevas herramientas 3D tienen que ver con la “calidad de vida” para aquellos interesados ​​en trabajar específicamente con capas 3D complejas y mejorarán la forma en que estas capas se pueden transformar y cambiar en los niveles más básicos y centrales. . Aquí están las grandes características nuevas:

  • Gizmos de transformación 3D
  • Herramientas de cámara mejoradas
  • Vista previa de borrador 3D en tiempo real
  • Nuevo plano de tierra 3D

Junto con las nuevas actualizaciones para las herramientas 3D, Adobe también ha presentado un nuevo Roto Brush 2 para After Effects. Esta nueva tecnología, que es impulsada por Adobe Sensei, presenta una forma aún mejor para que los usuarios separen los objetos en primer plano de sus fondos con más precisión. Roto Brush 2 es una actualización importante de la iteración anterior y también permite el seguimiento de objetos cuadro por cuadro y una selección de propagación mucho más inteligente a lo largo del tiempo. Dicho todo esto, esto debería acelerar muchas tareas creativas para ayudar a crear algunos efectos muy interesantes.

Al igual que en algunas de las actualizaciones de Premiere Pro, puede acceder a todas estas funciones nuevas en la nueva Adobe Beta antes de que todos finalmente lleguen a las próximas actualizaciones.

Actualizaciones de Creative Cloud

Actualizaciones de Adobe Clou

Los complementos están recibiendo una revisión importante para la próxima generación de Creative Cloud.

Como siempre con una conferencia importante como Adobe Max, la marca tiene muchas actualizaciones en la gran variedad de aplicaciones y plataformas disponibles como parte de su Creative Cloud. Desde actualizaciones para mejorar Photoshop y la manipulación de imágenes, hasta nuevos elementos de colaboración y colecciones seleccionadas, hay mucho que revisar. Estos son algunos de los aspectos más destacados para aquellos que se cruzan con la producción de video.

  • Transmisión en vivo: ahora puede transmitir en vivo su trabajo desde Photoshop, Illustrator y Fresco.
  • Panel de descubrimiento de Photoshop: nueva ayuda para la resolución de problemas de Photoshop con la inteligencia artificial de Adobe Sensei para ayudar mejor a los que están atascados.
  • Acelere la colaboración: nuevas herramientas de colaboración en la nube para quienes trabajan de forma remota o en casa.
  • Documentos en la nube: intercambio rápido entre Photoshop, Illustrator y Fresco con nuevos documentos en la nube.
  • Filtros neuronales en Photoshop: cambie expresiones, tonos de piel y limpie imágenes con unos pocos clics con los nuevos filtros neuronales en Photoshop.
  • Innovación en 3D y creación inmersiva: las experiencias de realidad aumentada continúan mejorando y expandiéndose en la nube con Adobe Aero para obtener efectos 3D más potentes.
  • Nuevas formas de acceder y utilizar complementos: El sistema de complementos de Adobe está recibiendo una importante actualización sobre cómo puede encontrar, instalar y mantenerse al día con todos los complementos disponibles para cada plataforma.

En general, estas nuevas revisiones de Creative Cloud, junto con las principales actualizaciones de Premiere Pro y After Effects, deberían ser una gran noticia para todos aquellos que ya están en la plataforma, así como para aquellos que estén interesados ​​en probarla.

Para obtener más noticias de Premiere Pro y toneladas de excelentes recursos y obsequios, consulte estos artículos a continuación.

25 efectos de sonido vintage únicos GRATIS para su película y video

Descarga sonidos clásicos y toscos que son perfectos para cualquier proyecto retro que necesite ese sonido de estilo analógico específico para llenar el fondo.

Encontrar buenos efectos de sonido es difícil. Crearlos es aún más difícil. A menudo, se encontrará buscando efectos de sonido en el medio o al final de su edición y puede ser una de las experiencias más frustrantes que atraviesa como editor de video.

Encontrar buenos sonidos es difícil porque, más que nada, estás buscando un sentimiento. Entonces, para este paquete, reunimos una colección de cálidos sonidos vintage gritos, bandas, batir buclesy subyacente ambiente. Piense en ellos como su banda sonora secundaria para reproducir debajo de su banda sonora principal.


¿Qué son los efectos de sonido vintage?

¿Has oído hablar de foley? El proceso de recreación sonora lleva el nombre de Jack Foley, un popular artista de audio. Hoy, foley es la reproducción de efectos de sonido cotidianos que se utilizan en ediciones de películas y videos, así como otras producciones de audio (música, podcasts). Independientemente del tipo de contenido que esté creando, nuestra colección de sonidos retro y vintage ayuda a transportar a sus espectadores y oyentes a los primeros días de la tecnología con fallas y captura las vibraciones y los artefactos de audio creados por los dispositivos imperfectos del pasado.

DESCARGAR VINTAGE SFX GRATIS


Más sonidos y música libres de derechos

¿Necesita música de alta calidad libre de derechos para acompañar su SFX clásico? Echa un vistazo a la nueva versión de PremiumBeat suscripción de música que le permite obtener licencias y descargar música de nuestra biblioteca de clase mundial por solo $ 12,99 por pista.


Cuándo usar estos SFX vintage

Efectos de sonido vintage

Para mí, los efectos de sonido juegan un papel importante en casi todos los pasos de mi flujo de trabajo de edición. Pueden ayudar a la transición de un clip a otro o proporcionar un final impactante y empapado de reverberación en una escena. Descubrí que jugar y soltar efectos de sonido me ayuda a encontrar el ritmo y el ritmo de mi edición.

Los efectos de este paquete gratuito funcionarán en cualquier NLE, y aplicarlos a su metraje es tan simple como arrastrarlos y soltarlos en su línea de tiempo. Ahora, como cualquier efecto de sonido, estos sirven mejor para su edición cuando se colocan en una escena que ya tiene sonidos creados a su alrededor. Por sí mismos, los drones y los arañazos pueden parecer un poco fuera de lugar o incluso discordantes para los espectadores. No tenga miedo de ralentizarlos, bajar el volumen, meterse con el ecualizador: ¡estos son suyos para ser creativo!

Estos oleajes, silbidos y pitidos funcionan de maravilla en situaciones con personajes que utilizan tecnología antigua o juegan con equipo retro. También son perfectos para crear vibraciones siniestras, especialmente cuando se combinan con nuestro Más de 80 atmósferas cinematográficas obsequio del año pasado.


Si está buscando más efectos de sonido, aquí tiene algunos Paquetes de SFX GRATIS lanzamos en los últimos años: