Cómo los reflectores pueden cambiar un primer plano

Cómo los reflectores pueden cambiar un primer plano

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¿Cómo transmitimos una emoción o sentimiento de un personaje sin cambiar el estado de ánimo general de la escena? ¡Algo de luz sutil en los ojos puede ayudar!

La descripción visual de una emoción en una imagen o escena a menudo puede ser de varias capas; tendemos a usar longitud focal, movimiento de cámara, colore iluminación para comunicar y enfatizar cómo queremos que nuestra audiencia interprete los sentimientos en una escena, o las emociones de nuestro personaje dentro de esa escena.

Generalmente, cuando usamos iluminación, podemos usar la luz para crear un estado de ánimo general. Pero podemos profundizar un poco más y usar algo tan sutil como focos de luz en el ojo para representar mejor cómo se siente nuestro personaje en un primer plano, o cómo es percibido.


Sin luz ocular

Aquí, nuestro sujeto está envuelto en la oscuridad; apenas podemos distinguir los rasgos de su rostro.

Esto se iluminó desde arriba, con nuestro sujeto sentado justo delante de la luz para crear una sombra en la cara. También tuvimos otra luz que rebotaba desde el techo para rellenar las sombras en el frente, solo un poco; puedes ver los ojos y se ven sin vida.

Dado que no hay focos en los ojos, es difícil sentir alguna emoción de nuestro sujeto, y es posible que debamos interpretarla nosotros mismos a través de la música o el contexto que rodea la escena. La falta de reflectores podría sugerir muchas cosas: falta de familiaridad, vacío, peligro, una sensación de misterio o ambigüedad.


Pequeño ojo de luz central

Añadamos un foco de luz a los ojos mientras tratamos de no cambiar demasiado la exposición en la cara.

Hicimos esto colocando un pequeño panel LED de bolsillo justo encima de nuestra cámara, con el brillo del LED de bolsillo hacia abajo.

En comparación con el escenario sin reflectores, ahora estamos obteniendo más sentimientos de nuestro personaje, solo de sus ojos. Dado que la fuente de luz es pequeña, los reflectores son pequeños y la posición de la luz junto a la cámara coloca los reflectores bastante centrados en los ojos. Es directo, y podemos sentir esta franqueza de nuestro carácter. Casi se siente agresivo.


Luz ocular pequeña y alta

¿Qué pasa si movemos nuestro reflector un poco más arriba?

Encendimos nuestro LED de bolsillo justo por encima y en frente de nuestro sujeto para lograr esto.

Comparado con los reflectores anteriores, todavía se siente como si nuestro personaje viniera de un lugar fuerte, pero tal vez algo menos agresivo. Esto podría sentirse tranquilizador en la situación correcta, como fuerza en la oscuridad.

Puedes ver cómo cambiar la ubicación del reflector ha cambiado nuestros sentimientos hacia el personaje.


Luz ocular pequeña y baja

Bajemos el reflector a la parte inferior del ojo.

Para esta configuración, colocamos nuestro LED de bolsillo en el piso debajo de nuestro sujeto.

En comparación con nuestro escenario anterior de reflectores, hemos recuperado esa sensación agresiva de los reflectores ubicados en el centro. Aún así, colocarlos en una posición antinatural hacia la parte inferior del ojo ahora se siente mucho menos como una agresión humana y algo más desprovisto de humanidad. Se ve un poco más aterrador.

Observe cómo el simple hecho de cambiar la posición de nuestros reflectores cambia nuestra percepción del personaje. Aunque nuestra iluminación general sigue siendo similar entre cada toma, la sensación de la imagen cambia.


Luz ocular grande y baja

Incluso podemos experimentar cambiando el tamaño del reflector del ojo.

Aquí, colocamos un material de muselina blanqueada en el suelo frente a nuestro sujeto para que se refleje en la parte inferior de los ojos.

En comparación con la fuente menor, hemos introducido un poco más de luz en la cara, pero eso no es lo único que ha cambiado.

Los reflectores más grandes traen más emoción a los ojos, y aunque nuestro personaje todavía parece un poco enojado, también parece más decidido, más humano.


Luz ocular grande y alta

Muevamos estos reflectores más grandes a la parte superior de los ojos.

Hicimos explotar un octabox cuadriculado grande sobre nuestro sujeto para lograr esto.

En comparación con nuestros reflectores más pequeños en la parte superior de los ojos, tenemos una apariencia general más suave en la cara de nuestro personaje. Esto no es solo porque la luz al principio es ligeramente diferente.

Si nos enfocamos en cómo se sienten los ojos, podríamos obtener una sensación un poco más suave de nuestro personaje con focos más grandes. No se siente tan fuerte, hay una sensación de vulnerabilidad.

Los reflectores a menudo pueden pasarse por alto, o simplemente usarse como una forma práctica de iluminar los ojos. Pero también pueden funcionar como una herramienta sutil para crear y exagerar sentimientos y emociones en tu personaje e imagen, estableciendo el tono de las ideas contenidas en la escena que tu audiencia puede captar de una manera más subconsciente.


Para obtener más inspiración sobre iluminación y cinematografía, visite las publicaciones de blog a continuación.

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¿Cómo grabar audio de manera profesional?

Sonido básico para grabar audio como cineasta en solitario

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¿Cómo grabar audio de manera profesional?, Códigos de tiempo, micrófonos boom, tono de habitación y más. Graba un sonido impecable cuando estés solo con este desglose de todo lo relacionado con el audio.

Excelente calidad de imagen por encima de todo, ¿verdad?

Piénsalo. Hay innumerables videos en línea que muestran errores del operador de cámara cuando el operador de cámara aparece accidentalmente en un reflejo, y muchas películas usan cámaras de baja calidad como cámaras de emergencia. Pero, a menudo estamos demasiado absortos en la acción para darnos cuenta. No obstante, en el momento en que escuchamos un mal audio, se vuelve reconocible al instante.

entonces ¿Cómo grabar audio de manera profesional?

Es por eso que hay equipos en grandes producciones dedicados solo a capturar audio, llenos de una buena cantidad de miembros del equipo que ayudan a asegurarse de que el audio se capture correctamente.

Sin embargo, en producciones más pequeñas como sesiones de entrevistas en solitario, no siempre tenemos ese lujo. Entonces, tenemos que capturar ese audio. y ejecutar una cámara. La buena noticia es que podemos usar algunas herramientas y técnicas para obtener un audio de excelente sonido. En el siguiente video tutorial, puede descubrir cómo.


¿Qué equipo necesito para grabar audio como cineasta?

Sé que esta lista puede parecer bastante intensa. Sin embargo, una de las cosas más importantes como cineasta en solitario es asegurarse de estar lo más preparado posible. Como dijo el excelente David F. Sandberg, hacer cine es resolver problemas. Lo que ha planeado puede desmoronarse en un instante y estará agradecido de haber tenido esos micrófonos lav adicionales o una tarjeta de memoria adicional en su equipo.

Si no tienes el dinero ahorrado para todo esto, siempre puedes alquilar el equipo que necesitas. Si recién está comenzando, alquilar equipos puede ser una excelente manera de tener equipo profesional en el set sin gastar mucho dinero. Aunque tengo un kit completo para mi compañía de producción, si es necesario alquilo el equipo, especialmente cuando estoy de viaje.

  • Configuración del micrófono Boom
  • Sistema de micrófono lavalier inalámbrico
  • Grabador de audio
    • Cables de código de tiempo apropiados
    • Tarjetas de memoria (x2) para grabadora
  • Auriculares para monitoreo

Ahora que tenemos un kit básico, profundicemos un poco más en cada uno de estos elementos.


Micrófonos Boom

Imagen vía Grusho Anna.

¿Qué es exactamente un micrófono boom? En pocas palabras: un micrófono boom es un micrófono conectado a un poste boom y se coloca apuntando hacia el talento. Hay varias opciones para los micrófonos boom pero, con mucho, el más común es un micrófono de cañón.

sigamos desglozando nuestra gran duda de ¿Cómo grabar audio de manera profesional?

Micrófonos de escopeta

Los micrófonos de cañón se usan ampliamente en la industria del cine y el video debido a su versatilidad. Estos micrófonos hacen un gran trabajo al rechazar el ruido fuera del eje y aislar el audio directamente en frente del micrófono.

Además, los micrófonos de cañón tienen un diseño físico más extenso en comparación con otros micrófonos, como resultado de los tubos de interferencia que ayudan a crear un patrón polar estrecho. Con el patrón polar estrecho de un micrófono de cañón, debe asegurarse de que el micrófono apunte directamente hacia la fuente.

Los micrófonos de cañón brillan en exteriores porque rechazan el ruido fuera del eje, pero también se pueden usar en interiores con excelentes resultados.

Lo ideal es utilizar un micrófono de cañón con una conexión XLR porque los cables XLR ofrecen una calidad de sonido superior a la de un solo cable de 3,5 mm. Con los cables XLR, puede tener un cable largo desde el micrófono hasta la grabadora de sonido sin pérdida de calidad de audio, pero no se puede decir lo mismo de los cables de 3,5 mm.

Aquí hay algunas excelentes opciones de micrófonos de cañón que personalmente he usado muchas veces con excelentes resultados:

Todos estos micrófonos requieren alimentación fantasma de 48 V, proporcionada por la grabadora de sonido o la cámara (si es posible) y pasa a través del cable XLR. La única excepción en esta lista es el MKE600, que puede funcionar con una batería AA extraíble. Sin embargo, descubrí que la calidad del audio es mejor cuando se enciende el MKE 600 con alimentación fantasma. El Sennheiser MKH 416 es probablemente el micrófono de cañón más popular y es considerado por muchos como el estándar de la industria.

Suponga que el presupuesto y/o la disponibilidad le impiden obtener uno de los micrófonos enumerados anteriormente. En ese caso, hay otras opciones que son más asequibles, pero que no rendirán la misma calidad:

Solo recomiendo este tipo de micrófonos de cañón como micrófonos en la cámara para audio de referencia o para capturar una entrevista rápida de tipo “hombre en la calle” si estoy filmando solo.

Micrófonos hipercardioides

Si está filmando entrevistas principalmente en interiores, entonces un micrófono de cañón no siempre es la mejor opción, ya que los micrófonos de cañón a veces pueden captar ecos que distraen y reverberaciones de gama baja.

Los micrófonos supercardioides o hipercardioides que no son de escopeta no muestran el mismo comportamiento, por lo que son una opción popular para grabar diálogos en interiores, especialmente en salas más pequeñas que no están tratadas acústicamente. Estos micrófonos también requieren alimentación fantasma de 48 V. Aquí hay algunas excelentes opciones:

¿Cómo hago boom en un micrófono?

Primero, configure su soporte en C fuera del marco. Me gusta colocar el soporte a 90º del lado opuesto del talento de la luz principal si el espacio lo permite.

A continuación, necesitará un soporte para poste de aguilón. Monte el soporte del poste de la barrera en el cabezal de agarre de modo que la dirección de la barra de la barrera (cuando esté montada) mire hacia la derecha, y la pata más alta del soporte apunte en la misma dirección que la barra de la barrera por seguridad.

Imagen a través de volantes altos.

Antes de continuar, asegúrese de colocar también un saco de arena en la pata más alta por seguridad. Ahora que el soporte está listo, monte el poste de la pluma en el soporte y extiéndalo para que quede sobre el lugar donde se sentará el talento.

A continuación, conecte el micrófono a la montura antivibración y luego conéctelo a la pértiga de la pluma; por lo general, la pértiga de la pluma se enroscará en la montura antivibración.

Por último, conecte el cable del micrófono al micrófono y páselo por el soporte en C.

¿Dónde coloco el micrófono Boom?

La ubicación del micrófono boom es crítico para capturar audio claro debido a los estrechos patrones polares de estos micrófonos. El objetivo es acercar el micrófono lo más posible a la fuente sin que el micrófono esté en el marco. Cuanto más cerca esté el micrófono, mejor será el sonido.

En cualquier lugar entre 15 y 50 cm (6 y 20 pulgadas), por lo general, se obtendrán excelentes resultados según el micrófono. Lo mejor es colocar el micrófono sobre la cabeza y un poco por delante del talento para que el micrófono apunte hacia el talento.

Esto asegurará que aún se capture un audio claro si el talento se inclina hacia la cámara. El micrófono boom suele ser una de las últimas cosas que configuro. Lo pondré en el área general del asiento de la entrevista y luego haré los ajustes finales cuando el talento se siente en el asiento.

Esperamos vallas teniendo un poco mas claro la respuesta de la pregunta sobre ¿Cómo grabar audio de manera profesional?

Sistema de solapa inalámbrico: no confíe solo en el micrófono Boom.

Los micrófonos Boom son herramientas encantadoras para capturar audio debido a lo rico y natural que suenan. Sin embargo, nunca grabo una entrevista solo con un micrófono boom.

Como micrófono secundario, utilizo un sistema de micrófono lavalier inalámbrico como el Sennheiser AVX. Los micrófonos Lav son micrófonos omnidireccionales que se montan en el talento, ya sea sujetándolos a su camisa o escondiéndolos de alguna manera. Por mucho que prefiera el audio de un micrófono boom, el micrófono lav es, en mi opinión, una pieza fundamental de un kit de audio.

Imagen vía Grusho Anna.

Puede servir como una pista de audio de respaldo en caso de un problema con el audio del micrófono boom, pero a veces incluso opté por la pista del micrófono lav en la publicación porque terminó sonando mejor para la edición en particular.

Además, si está filmando una entrevista en la que el talento está lejos de la cámara o caminando en el marco (piense en el presentador de televisión), un micrófono de lavamanos inalámbrico le servirá mejor. Asegúrese de ver el video de YouTube para escuchar la diferencia entre un micrófono boom y un micrófono lav.


Grabación de audio

Aunque algunas cámaras tienen entradas XLR y preamplificadores decentes, nunca serán mejores que una grabadora de sonido dedicada.

Las grabadoras de sonido tienen un trabajo que hacen muy bien; captura de audio. Las grabadoras de sonido tienen preamplificadores mejores y más limpios que los que se encuentran en las cámaras y, según el tipo de grabadora, brindan más beneficios que la grabación de audio en la cámara. Eso incluye limitadores analógicos, más pistas/entradas de audio que cámaras, suministro de alimentación fantasma, grabación en flotante de 32 bits y generación de código de tiempo, por nombrar algunos.

Además, cuando graba audio separado de la cámara, tiene la tranquilidad de saber que si la cámara deja de grabar por cualquier motivo, su audio seguirá acelerando. Luego puede usar un material adicional para cubrir eso en la publicación si fue una buena toma.

Grabar audio separado de la cámara suena como una molestia con respecto a la edición, ¿verdad? Bueno, sí, es un paso extra, pero en mi opinión vale la pena. Además, si está ejecutando varias cámaras, tendrá que sincronizar esas pistas de todos modos. Aquí es donde la programación al comienzo de la toma es fundamental para que tenga un pico distinto en la forma de onda para usar para sincronizar todo.

Sin embargo, existe una herramienta aún mejor: el código de tiempo.

El código de tiempo es esencialmente un reloj interno de alta precisión, y si todos los dispositivos tienen el mismo código de tiempo, hace que la sincronización en la publicación sea extremadamente rápida. Muchas grabadoras de campo tienen la capacidad de enviar el código de tiempo desde la grabadora a través de un cable a la cámara (siempre que la cámara admita el código de tiempo).

Esto es lo que se conoce como código de tiempo de “jamming”. Meto el código de tiempo en cada una de las cámaras una vez que están todas configuradas. Luego, cuando los traigo a mi editor, simplemente apilo todos los clips en la línea de tiempo y los alineo según el código de tiempo. De esa manera se sincronizan instantáneamente.


Monitoreo de audio

Así como monitoreamos nuestras cámaras durante una entrevista, también es importante monitorear el audio. Esto nos ayuda a captar cosas que tal vez ni siquiera notemos, pero el micrófono las capta hasta el punto en que distrae, como un automóvil que pasa, una puerta que se cierra de golpe, personas hablando en el pasillo o un avión volando por encima.

Existen muchos tipos de auriculares de monitoreo, por lo que, por supuesto, cuál elegir se reduce a las preferencias personales y el presupuesto. Utilizo monitores internos ya que tienen un perfil realmente bajo, suenan muy bien y se empaquetan muy bien para viajar.


Otras consideraciones al capturar audio como cineasta en solitario

Tratamiento de sonido

A menos que esté filmando una entrevista en un estudio de grabación o en alguna otra sala tratada acústicamente, deberá tratar la ubicación/la sala para el sonido. Hacemos esto para ayudar a reducir el ruido, el eco y la reverberación no deseados tanto como sea posible. Aquí hay algunas cosas a considerar al tratar la ubicación para el sonido:

  • Si es posible y con permiso, apague el horno o la unidad de enfriamiento solo durante la entrevista.
  • Si es posible y con permiso, desenchufe el refrigerador/congelador durante la entrevista. (Trate de no desenchufar mientras el compresor está funcionando, ya que podría dañar el compresor, ¡lo cual no es bueno!)
  • Coloque mantas de sonido/arme mantas de sonido para ayudar a reducir la reverberación del eco.

Hacer estas cosas puede ayudar a capturar el audio más limpio posible, por lo que se necesita menos trabajo en la publicación.

Tono de habitación

El tono de la habitación es el sonido ambiental o el tono de la habitación donde está filmando. Para capturar el tono de la habitación, simplemente grabe 20-30 segundos de puro silencio. Asegúrese de que nadie en la habitación esté dando vueltas o moviéndose, y si se encuentra en un entorno de oficina, pregunte cortésmente a los que están fuera de la habitación si pueden acomodar la grabación del tono de la habitación.

Entonces, ¿por qué necesitamos el tono de la habitación? El tono de la habitación ayuda a combinar el audio entre dos cortes durante una edición para que la transición no se sienta abrupta, por ejemplo.

Capturar audio puede parecer abrumador, pero como con cualquier cosa, cuanto más haces, más fácil se vuelve. Organice entrevistas simuladas o entreviste a miembros de la familia para probar estas cosas, de modo que esté bien preparado para el rodaje cuando llegue al set con un cliente. Empieza a practicar en casa si te estás adentrando en el mundo del cine.

Esperamos alla podido resolver su duda sobre ¿Cómo grabar audio de manera profesional?


Imagen destacada a través de Grusho Anna.

¿Qué más artículos de audio y tutoriales en vídeo? ¡Mira los enlaces a continuación!

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Vídeos verticales . ¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?

The Create Fund: Stephen Small-Warner's Attention-Grabbing Vertical Videos

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Vídeos verticales . ¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?Las películas de Stephen Small-Warner están hechas para dispositivos móviles. Aquí están sus pensamientos sobre videos verticales y consejos para crear contenido cautivador.

Stephen Small-Warner quiere que le des la vuelta al contenido. ¿Su perspectiva? El video vertical, es decir, la forma en que vemos TikToks, Reels y anuncios en nuestros dispositivos móviles, es una forma mucho más humana e íntima de conectarnos con el espectador.

Desde 2007, el graduado de la Universidad de Howard y la Universidad de Nueva York ha defendido este punto al crear películas y videos cautivadores y complejos, todos filmados y entregados verticalmente, para empresas como Moda, American Express, Fedex y Fendi. Pero, escuchó no mucho antes de llegar a donde está hoy.

Ahora que el resto del mundo finalmente se está dando cuenta del poder del video vertical, Small-Warner está reivindicado y emocionado de ver más del estilo que ama presente en todos los aspectos de nuestras vidas.

Está lanzando su propia compañía vertical de imágenes de video, Imágenes en movimiento verticalesy preparándose para recibir a su primer hijo este verano.

También se asoció recientemente con Create Fund de Shutterstock, que brinda apoyo a artistas históricamente excluidos con el objetivo de crear una biblioteca de contenido de colaboradores más inclusiva y diversa.

Esto significa que puede ver el increíble trabajo de Small-Warner y usarlo también para sus propios proyectos.

A continuación, Small-Warner comparte por qué es un evangelista del video vertical y cómo espera que su trabajo cambie la forma en que vemos el mundo.

¿Qué es y como hacer un video en formato vertical?


 ¿Cuándo te enamoraste por primera vez del video?

Stephen Small-Warner: Tomé una cámara el verano de 2007, casi al mismo tiempo que la revolución de las DSLR. Rápidamente me di cuenta de que me encantaba grabar videos: imágenes en movimiento reales.

Yo era un estudiante de administración de empresas en la Universidad de Howard en ese momento, y me estaba volviendo loco. Para hacerle frente, me colé en un par de clases de cinematografía, y era evidente que tenía muy buen ojo. Acabo de entender muy bien el lenguaje de las imágenes en movimiento.

Terminé trabajando con la Universidad para filmar sus videos de regreso a casa (el regreso a casa es un gran problema en Howard), y desde allí decidí ir al programa de Producción de Medios Internacionales de NYU en Singapur para aprender más sobre tecnologías y tendencias emergentes.

Junto con otros diez productores de todo el mundo, concentré mi tiempo en descubrir cómo contar una historia a través de plataformas y cuál sería el próximo gran medio.

SSTK: ¿Fue entonces cuando descubriste tu pasión por el video vertical?

SSO: Sí. Escribí un artículo sobre la importancia del tamaño en el video y comencé a investigar realmente qué se convertiría en la audiencia móvil y la fuerza de lo que sería la pantalla móvil, en cuanto a la orientación. Cuando me fui de Singapur, era un hilo muy pequeño en mi cerebro que sabía que tenía que seguir.

Regresé a Nueva York y estaba filmando la Semana de la Moda. Tomé un par de fotos verticales, pero no tenía dónde ponerlas.

Instagram e Instagram Stories no existían, Snap (entonces Snapchat) estaba aquí, pero los videos eran cortos. Realmente no pude subir el video completo, pero pude editarlo y subirlo, y verlo en mi teléfono.

El simple hecho de ver el marco completo de 9 x 16 en mi teléfono inició un viaje de siete años para descubrir cómo avanzar y vender videos verticales.

SSTK: La venta de video vertical probablemente fue un desafío al principio. ¿Cuándo empezaste a ver el éxito?

SSO: Fui uno de los primeros cineastas en residencia en el Festival de Cine de Tribeca. Intenté que hicieran un programa de cine móvil para estudiantes y, en ese momento, estaban más interesados ​​en la realidad virtual. Pero sabía que la orientación vertical era el futuro, e incluso si todos usamos la realidad virtual, llegará en forma vertical.

Fue una batalla dura hasta 2018-19, cuando Snap me llamó para presentarme a la programación original. Luego, en 2020, sucedió Quibi, que fue (temporalmente) enorme para videos verticales. Pero todavía tengo mucho rechazo.

Viniendo del mundo del cine, muchos de mis compañeros cineastas no entendían por qué estaba tan convencido de que el video vertical era el futuro.

En 2020, canalicé esa frustración (y el tiempo extra que tuve durante la pandemia) en un libro de 55 páginas sobre la innovación del cine vertical. Al mismo tiempo, TikTok comenzó a despegar y comencé a recibir llamadas de agencias de publicidad que me pedían que hiciera videos de marca.

SSTK: ¿Qué lo trajo a Shutterstock? Y, ¿qué espera lograr con el Fondo Crear?

SSO: Siempre supe que las imágenes de stock eventualmente tendrían que volverse verticales, y que habría una gran necesidad de ello, ya que no hay mucho contenido vertical disponible.

Con todas las iteraciones de contenido, desde la radio hasta el cine y la televisión, existen bibliotecas de contenido a las que los productores pueden acceder fácilmente. Pero no había bibliotecas de contenido vertical. (Sabía) que tendríamos que hacerlos. Entonces, cuando Create Fund se acercó, les dije que solo quería hacer videos verticales.

Todavía hay cierto retraso en el aspecto que puede tener la vertical premium. Entonces, pensé mucho en cómo podría ser el contenido vertical en este espacio.

Y, ¿qué podría significar para una generación que utiliza principalmente contenido vertical para expresarse? Esa es una perspectiva diferente de la que se creó originalmente para las imágenes de stock.

SSTK: ¿Tiene algún consejo rápido para las personas que están creando su propio contenido de video vertical?

SSO: Creo que una de las principales cosas que siempre digo sobre el medio es que tiene una intimidad innata. Cuando hablo de vertical, me refiero a video de retrato, ¿verdad? Y cuando pienso en videos de retratos, tiendo a usar la regla número uno de encuadrar adecuadamente al sujeto, ya sea una persona o un producto.

En mi colección de Shutterstock, fotografié muchos artículos como sopa y cosas diferentes, pero lo que hice fue que los fotografié como retratos. Por lo tanto, una lente de retrato clásica es de 85 milímetros, pero en cualquier lugar entre 50 y 85 milímetros se ve bien en vertical. Tiene esa sensación íntima.

También creo que las capas son muy importantes para el marco vertical, especialmente cuando intentas transmitir detalles. Otra cosa sobre la vertical es que es un formato extremadamente utilitario.

Una de las principales razones por las que TikTok tiene tanto éxito es porque es utilitario. La gente siente que está aprendiendo de él, incluso si es solo un video de baile.

Cualquier cosa que sea un proceso se puede fotografiar maravillosamente en vertical.

SSTK: ¿En qué estás trabajando ahora?

SSO: Inmediatamente después de lanzar la colección de Shutterstock, lancé una empresa llamada Vertical Motion Pictures. Vertical Motion Pictures solo sirve a la audiencia móvil.

Me he estado asociando y hablando con directores creativos sobre proyectos muy interesantes que usarían video vertical y, por ejemplo, lo superpondrían a experiencias de realidad virtual.

Estos son los tipos de cosas que creo que empujan la aguja y realmente exploran la innovación del video vertical y lo que podría hacer por nosotros.


Imagen de portada cortesía de Stephen Small-Warner.

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¿Cómo iluminar en una entrevista?

Cómo establecer una iluminación motivada para entrevistas de aspecto natural

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¿Cómo iluminar en una entrevista?

La iluminación juega un papel destacado en el aspecto visual de una película, sin importar la producción. Aquí está su manual básico para la iluminación de entrevistas motivadas.

Las cámaras capturan una escena en un espacio 2D, por lo que se convierte en el trabajo de una excelente iluminación para que el marco se sienta lo más tridimensional posible. Con una excelente configuración de iluminación, comienza a agregar contraste, forma, textura y espacio compositivo a la escena. Podemos llevar esto aún más lejos haciendo que la fuente de luz parezca como si estuviera siendo proyectada por un elemento dentro de la escena. Esto se llama iluminación motivada. Aquí hay un antes y un después de la escena de mi entrevista:

Agregue algunas luces estratégicamente y ¡bum! Podemos ver la cara de nuestro talento; hemos agregado una rica textura de fondo a una pared que de otro modo estaría desnuda e incluso la hemos espolvoreado de manera práctica para agregar más profundidad. Aquí esta el resultado final:

Descubra el pensamiento detrás de la configuración de iluminación de esta entrevista y el equipo que usé para crear esta escena en el video tutorial a continuación.


1. Encuadre compositivo

Al igual que con cualquier configuración de entrevista, es esencial encontrar primero el encuadre y luego iluminar a su alrededor. En mi toma inicial, tenemos una buena cantidad de profundidad en la toma, algunos elementos para agregar interés visual, una ventana práctica y grande en el lado izquierdo del marco que nos ayudará un poco.

Ahora que tenemos nuestra toma enmarcada como queremos, ajustaré mi exposición para exponer la ventana. Luego podemos comenzar a agregar luces, que ahora son más críticas que nunca porque ni siquiera podemos distinguir el talento.


2. La llave de luz

La luz principal suele ser una luz esencial durante una entrevista, ya que es la luz principal que ilumina al talento. Como puede ver en la imagen final, tenemos luz del lado izquierdo del marco que ilumina el lado derecho de la cara del talento.

La ubicación y la dirección de esa luz son muy intencionales. ¿Recuerdas que dije que esa ventana nos ayudaría? Al colocar nuestra luz crucial en el mismo lado del marco que esa ventana, estamos permitiendo que esa ventana sea la motivación para nuestra luz principal.

Con la ventana en la toma, naturalmente esperamos que la luz provenga de esa dirección. Entonces, al colocar la luz principal en ese lado, ahora tenemos luz que proviene de la misma dirección que la “luz de la ventana”, lo que da como resultado una toma de apariencia más natural.

Si colocara la luz principal en el lado derecho del marco, no se vería tan natural e incluso podría confundir inconscientemente al espectador.

Con la excepción de estar al aire libre bajo el sol directo, la mayoría de los entornos en los que estamos suelen tener una calidad de luz suave. Eso es bueno porque las fuentes de luz intensas suelen ser menos cómodas para nuestros ojos que las fuentes de luz suave. Para la luz principal de esta escena, utilicé un Aputura LS 300D II con una caja de luz de 60 pulgadas (152 cm) para suavizar la luz.

También estoy suavizando o difundiendo la luz porque se ve más favorecedora en las personas que la luz dura. Por último, para agregar forma y contraste a la cara del talento, coloqué la luz principal a unos 50-55º de la cámara. Esto ayuda a que el talento parezca más tridimensional. Esta luz clave también brinda una agradable luz de captura en los ojos del talento para que se destaquen un poco más.


3. Prácticas

La siguiente luz que quiero comentar es la práctica (la lámpara del fondo). Una práctica es simplemente cualquier fuente de luz que sea visible en la escena. Esto puede ser cualquier cosa, desde una vela hasta una lámpara o incluso una linterna. En este caso, la práctica a la que me refiero es la lámpara del fondo justo sobre el hombro izquierdo del talento. La lámpara está sirviendo para algunos propósitos.

En primer lugar, es una excelente adición al diseño del set. Equilibra la imagen y ayuda a vender que es una sala de estar acogedora. También agrega una cantidad sutil de exposición a la silla que se sienta a su lado, lo que le da al fondo mejores efectos visuales y textura. Dentro de la lámpara, utilicé un Aputure B7c para ajustar la exposición de la luz y la temperatura de color al gusto.

Además, lo práctico nos motiva para otra luz; la luz del borde. La lámpara se colocó intencionalmente en el lado derecho del marco por ese motivo. Prefiero que mi luz de borde entre desde el lado opuesto del marco como la luz principal. Como la luz principal provenía de la izquierda de la cámara, coloqué la luz del borde justo fuera del encuadre en la cámara derecha.

Iluminar desde el fondo

El dispositivo que utilicé para esto fue el Amaran p60c, que fue una gran elección ya que podía igualar la temperatura de color de la práctica. La luz del borde ayuda a separar el talento del fondo, como se ve en su hombro. También da una pequeña cantidad de exposición al cabello del talento e incluso un pequeño rasguño cuando su cabello está recogido.

Mueva el control deslizante sobre el área del hombro derecho de Chelsea para ver el efecto sutil de la luz de fondo.

Me gusta mantener las luces de borde muy sutiles. Tenía el p60c ajustado al 30% solo por la distancia del dispositivo en relación con el talento. Establecerlo al 100% habría parecido menos natural. Recuerda, lo práctico es la motivación; no esperaría que una lámpara tan atrás arrojara tanta luz a través de la habitación.

Al tenerlo al 30 % (con un softbox adjunto), el p60c arroja [in my opinion] una cantidad natural de luz, dando la ilusión de que lo práctico está dando una luz sutil pero suficiente para separar el talento del fondo.


4. ¡Fíngelo!

La iluminación motivada es una forma fantástica de crear marcos de aspecto natural. Sin embargo, ¿qué pasa si no hay una ventana que pueda usar como motivación para la luz de su llave, por ejemplo?

Bueno, puedes fingir la motivación. Digamos que estás en una sala de conferencias sin ventanas y estás filmando una entrevista. Puede usar una fuente de luz fuerte y usar un cucoloris (también conocido como “cookie”) o una lente de montura de proyección con gobos y crear un patrón de ventana en la pared posterior.

Fuente de iluminación motivada

Esto da la ilusión de que hay una ventana justo fuera del marco y engaña a nuestra mente para que piense que hay una fuente de luz natural. A partir de ahí, aplica el mismo principio y coloca la luz principal en el mismo lado del marco que la luz de la “ventana”. Ahí tienes; ahora tiene una luz clave motivada por una fuente de luz.

También agregué algunos Amaran T4C junto a la ventana y frente al sofá. Esto agregó un poco de textura en primer plano y ayudó a que todo se equilibrara muy bien.


Siempre me gusta usar la analogía de la pintura cuando se trata de cine y fotografía.

Piense en la escena que captura el sensor de nuestra cámara como el lienzo. Las luces que usamos son la pintura y los modificadores son nuestros pinceles. Nuestras luces y modificadores crean profundidad, textura y dimensión en nuestra escena para que se vea real y natural.

¡Asegúrate de ver el video de YouTube para ver las otras luces que se usaron para iluminar esta escena!


¿Quieres más consejos y trucos de iluminación motivados? ¡Mira estos artículos!

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El arte de elegir música documental

The Art of Choosing Documentary Music

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Elegir música para cualquier proyecto es una transacción decisiva. Dirijámonos al documentalista independiente Dan Perez para obtener algunos consejos.

Cuando se usa de manera eficiente, la música puede mejorar una escena o incluso crear una dimensión emocional completamente nueva en una película o documental. La música tiene el poder de transmitir emociones que no son visibles pero que, en última instancia, puede agregar esa atmósfera adicional.

Ya sea un ritmo rápido y áspero que provoca una sensación de tensión o un sonido más suave para acompañar el paso del tiempo durante un largo viaje, la música adecuada transmitirá el estado de ánimo adecuado a su audiencia.

Cuando se trata de cine documental—una búsqueda que requiere una narración poderosa y emocional—, la banda sonora debe ser igualmente poderosa.

Es una parte vital del proceso, ya que la música adecuada puede permitir que la audiencia simpatice con la historia. La música adecuada realza las emociones y puede complementar los muchos colores y texturas de una escena.

Para obtener algunos consejos sobre cómo seleccionar la música adecuada, recurrimos a dan perezun documentalista independiente.


Quédate con tus instintos

Ilustración de un colibrí acercándose a un fonógrafo con forma de flor
Licencia esta imagen a través de Cristian Amoretti.

Cuando Pérez filma documentales, hace todo él mismo, desde configurar la cámara hasta hacer los ajustes finales dentro de la sala de edición.

Pero, incluso con esta cantidad de control, se enorgullece de seguir la corriente. Seguir la corriente es especialmente importante cuando se trata de seleccionar música. Pérez dice que debes confiar en que los momentos que requieren música se revelarán durante la producción.

Cuando la inspiración brota, Pérez hace una nota mental para volver a visitar esa escena más tarde y aplicar música para crear el ambiente adecuado.

Pérez también edita en su mente a medida que avanza. Dijo que ya podía ver la edición en su mente y sabe dónde ralentizar o acelerar la música.

Cuando siente que se necesita música, generalmente representa algo más significativo sobre la escena, el entorno o los alrededores. Es uno de los muchos mecanismos que utiliza para alterar el tono de una escena.


No te enamores demasiado de una pista

Todos los cineastas aficionados y veteranos pueden contarte anécdotas sobre escuchar una canción y pensar que encajará perfectamente en un proyecto. Solo que, cuando tratan de hacer que funcione, simplemente. . . no.

Pérez dijo que la frustración es una parte inevitable del negocio y que debes estar dispuesto a dejarlo ir. Nunca intente forzar un ajuste que no está allí.

Para evitar este escollo emocional, sugiere probar canciones antes de comprarlas, lo que le permite reproducir la música mientras mira su clip para asegurarse de que se alineen.

Solo una vez que emparejes la escena y la canción sabrás si es la combinación correcta. Cuanto antes pueda hacer esa conexión, mejor estará.

Cuanto más escuches, mejor. Puedes tener tus favoritos; sin embargo, ampliar tus horizontes hará que elegir la música sea un poco más fácil.


Adopte los sonidos naturales

Ilustración de farolas con forma de megáfonos con un pájaro sentado encima
Licencia esta imagen a través de Cristian Amoretti.

Aunque la música puede llevar las cosas a un nivel superior, también puede interponerse en el camino de la historia en general. A veces, se requiere ruido ambiental crudo, y no querrás interferir con el estado natural de una escena, aconsejó Pérez.

Por ejemplo, deja que los sonidos orgánicos suenen más fuertes si tienes una toma en la calle o una escena en un hospital o una fábrica. Si el espectador está familiarizado con un sitio y sus sonidos resonantes, asegúrese de que lleguen. Además, una combinación saludable de entornos naturales con escenarios mejorados musicalmente suena bien en conjunto.

Mientras tenga en cuenta los sonidos naturales, no subestime el poder del silencio.

Hecho de la diversión: De hecho, ¡hay un debate sobre si el silencio puede considerarse música! A veces, el silencio puede ser igual de efectivo. Le da al documental un respiro, pero también puede ser un momento de reflexión para el espectador.


Estado de ánimo, tono y atmósfera

Ilustración de un guitarrista
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Lo primero es lo primero, determinemos la diferencia entre el estado de ánimo, el tono y la atmósfera.

El estado de ánimo se refiere a los sentimientos del espectador hacia una escena. El tono se refiere a las interacciones y emociones de los sujetos en una escena. La atmósfera puede caer bajo el estado de ánimo; sin embargo, podemos pensar en esto como una referencia al lugar o escenario de una escena.

Saber qué estado de ánimo desea producir y el tono que ha establecido puede ayudar en el proceso de selección de su música. Si el estado de ánimo y el tono son bastante relajados, elegir una banda sonora que no sea demasiado invasiva, tenga una velocidad constante y sea de textura suave y no demasiado espesa sería una opción adecuada.

Para generar tensión, algo con un crescendo gradual dinámica y texturalmente iría bien. Una banda sonora que tenga un pulso rítmico sería ideal para los momentos en los que es necesario avanzar por el bien de la progresión en una escena en particular.

La música puede igualar el ritmo establecido en su película seleccionando bandas sonoras con un pulso, una forma y un contorno distintivos en color y textura. Esto puede ser un cambio de juego en la narración.

Si tiene una atmósfera vasta, para esas tomas amplias de paisajes, la música que refleja esto puede consistir en grandes conjuntos de cuerdas con pasajes sostenidos largos o sintetizadores/drones electrónicos sostenidos (consulte esta lista de reproducción de señales cinematográficas radicales en Shutterstock Music).

Las atmósferas que son más restringidas en términos de espacio o ambientes más oscuros/industriales pueden adaptarse a bandas sonoras con texturas más delgadas, o necesitar algo más percusivo y áspero.

Es útil recordar no disuadirte de la narración en el documental, ya que el lado informativo debe llegar al espectador rápidamente.

La música no debe eclipsar esto, sino complementarlo.


Público objetivo

El público objetivo puede dar una gran indicación sobre qué música se adaptaría mejor a su documental.

Si está creando un documental sobre el viaje de un atleta hacia el éxito, ese elemento de fitness es más importante de lo que piensa. Investigar pistas que la gente pueda escuchar durante un entrenamiento físico puede ayudarte a seleccionar la música para tu película.

Otro tema de ejemplo podría ser el viaje de un músico hacia el éxito. Si estás buscando un miembro de una banda de rock, las bandas sonoras de este género serían un buen punto de partida. No necesariamente tiene que ser “rock” en todas partes; es posible que encuentre una banda sonora con fragmentos de una guitarra eléctrica solista.

Recuerda . . . un poco va un largo camino.


No tengas miedo de pedir ayuda

A veces es difícil elegir qué música es mejor. Se necesita práctica y mucho escuchar, pero está bien pedir un consejo.

Ponerse en contacto con compositores, músicos o compañeros cineastas puede ser de gran ayuda, ya que pueden recomendar estilos particulares que mejor se adapten a un determinado sentimiento o acción en pantalla.

Esta también es una forma inteligente de construir una red de personas que pueden brindar comentarios y consejos para ayudarlo a mejorar como cineasta.


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Fuentes:

🥇Produccion de Videos

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Los 5 mejores programas gratuitos de edición de audio

The 5 Best Free Audio Editing Programs

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Estos son los 5 mejores programas gratuitos de edición de audio, cree podcasts, entrevistas y narraciones profesionales para su próximo esfuerzo con estos programas de edición de audio GRATUITOS.

Si acaba de sumergirse en el grupo de la edición de audio, no hay necesidad de gastar el dinero todavía. Ya sea que esté editando el audio para podcastsnarración o efectos de sonidoquiere algo que le permita hacer cortes simples, agregar transiciones y controlar los decibelios.

Si está buscando efectos de audio más profundos y prácticos, es posible que deba aventurarse en aguas más profundas con uno de los programas pagos. Si bien pueden sentirse limitados, estos programas aún ofrecen el uso de algunos efectos de audio básicos, con los programas gratuitos de edicion de audio

Una vez que decida dar el paso y descargar uno (o todos) de estos, considere nuestra biblioteca para cualquier música que pueda necesitar, y si está en el negocio de podcasts y necesitas buena música para incluir en tus entrevistas e historias, echa un vistazo a los increíbles temas que ofrecemos con casi todas las canciones.


1. Audacity: Windows, Mac, Linux

Probablemente hayas oído hablar de Audacity como conozco a muchos podcasters y cualquiera que necesite un servicio de transcripción use este programa. ¿Entonces por qué es tan popular?

Primero, es un  de los  programas gratuitos de edición de audio. En segundo lugar, es una estación de trabajo de audio digital bien hecha (GRAJILLA) que se ha ganado este lugar en la parte superior de la lista. es intuitivo Puede usar efectos como transiciones, reducción de ruido e incluso “silencio truncado”.

Aunque es un programa gratuito , Audacity todavía tiene una gran cantidad de efectos y complementos que son muy fáciles de usar. Tiene su reverberación clásica, retraso, reducción de ruido, automatización de volumen, controles de ecualización, controles de tono y muchos más.

Si desea editar algunos efectos de sonido en su biblioteca o pulir una grabación de su voz para un podcast, Audacity lo resolverá sin problemas. Tiene tantas funciones como las que ofrecería un DAW de pago.

Si desea ayuda para comenzar con Audacity, consulte nuestra guía completa para aprender el programa y lo que puede esperar al descargarlo.


2. DaVinci Resolve: Windows, Mac, Linux

Se supone que esta lista es para “edición de audio”, es decir, sin edición de video. Pero, Blackmagic Design es una de las compañías más generosas que produce producto estelar tras producto estelar, y su software base (Resolución de DaVinci) está libre.

Tiene funciones como un inspector de clips que automatiza el volumen, la panorámica, los niveles de ecualización y los ajustes de tono. También incluye un mezclador profesional que le permite acceder a varios canales, mostrando sus niveles y efectos de audio, proporcionando un flujo de trabajo fluido al manejar múltiples canales de audio.

Además, tiene ecualización en tiempo real y procesamiento dinámico, una función de-esser y de-hummer, reducción de ruido, ¡y mucho más!

El tutorial a continuación tiene toda la información sobre esta increíble pieza de software. Prácticamente repasa todo lo que puede hacer por sus archivos de audio dentro del programa.

Hemos cubierto bastante DaVinci Resolve en este blog y otra vez Golpe Premium. Si es nuevo en el programa y desea una descripción general de lo que puede esperar al abrirlo por primera vez, consulte el tutorial a continuación.


3. OcenAudio: Windows, Mac, Linux

Al igual que Audacity, está em la categoría de  programas gratuitos de edicion de audio software de edición de audio simple y limpio. Este software gratuito le permite cortar un archivo de audio en segundos.

La diferencia que tiene en comparación con el software de la competencia, Audacity, es que puede aplicar efectos en tiempo real. En lugar de grabar el efecto directamente en el audio, puede ajustar los parámetros mientras se reproduce la pista para escuchar el efecto al instante.

No espere demasiado de este, ya que es solo para una edición simple. Desafortunadamente, no admite sesiones multipista, por lo que solo puede trabajar con pistas mono/estéreo individuales.

Puede aplicar algunos efectos básicos como fundidos de entrada, un ecualizador gráfico y la capacidad de invertir o acelerar su archivo. Es genial para grabaciones de voz.

Es simple y gratis. Échale un vistazo.


4. WavePad: Mac

WavePad ha existido por un tiempo, y lo notará en función del aspecto de su interfaz. Sin embargo, eso no cambia el hecho de que este software hará exactamente lo que necesitas.

Ya sea que esté cargando archivos .wav o .mp3, WavePad le permite cortarlo y exportarlo perfectamente. Tiene un montón de funciones, incluido el procesamiento por lotes (aplicando un efecto en varias pistas), funciones de restauración de audio, efectos de audio básicos como reverberación y retraso, y análisis espectral.

Este software solo está disponible como programas gratuitos de edicion de audio para usuarios de Mac, por lo que la pregunta es, ¿debería usar GarageBand si está en una Mac?

¡Por supuesto!


5. Garage Band: Mac

Si eres usuario de Mac, GarageBand viene gratis con la computadora. Se utiliza para la producción musical y es una herramienta excelente y fácil para editar cualquier audio.

Si tienes un iPhone o un iPad, ¡GarageBand también está disponible en cualquier lugar! Puede recortar pistas de audio, dividirlas y automatizar el volumen. Tiene controles panorámicos además de un compresor y un controlador EQ.

Otros efectos de audio incluyen reverberación, retardo, distorsión, modulación y muchos más.

GarageBand también ofrece varias plantillas para comenzar, una de las cuales es la voz. Este es un punto de partida sólido para aquellos que desean planificar o editar cualquier entrevista o grabación de podcast.

Este video a continuación es un tutorial sobre cómo editar un podcast en GarageBand, que le muestra cómo mapearlo y editar el audio.


¡Prima! Filmora Pro: Windows, Mac

¿Necesita el paquete completo? este es uno de los  programas gratuitos de edicion de audio y video, todo en uno. Wondershare FilmoraPro es una excelente inclusión en esta lista, ya que está diseñada específicamente para editores de video.

Las funciones incluyen la separación rápida del audio de su video y la reducción del volumen de la música de fondo con la función de atenuación de audio.

Puede dividir y recortar clips de audio y, para sacar lo mejor de su audio, use la herramienta de ecualización para equilibrar esas frecuencias.

Ajustar la velocidad, el tono, el volumen y agregar fundidos es tan simple como mover un control deslizante según sus necesidades deseadas. Manteniéndolo simple, puede eliminar cualquier ruido de fondo con solo un clic.

La interfaz se parece mucho a la estándar de pago. NLE (su Final Cut Pro X, DaVinci Resolves y Premiere Pro).

Entonces, si quieres cambiar a algo gratis en general, dale una oportunidad. Han estado perfeccionando este software durante los últimos años y realmente creo que la gente está durmiendo con él.


Licencia esta imagen de portada por Kostsov.

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🥇 Producción de videos animados

produccion de videos animados

Producción de videos animados y motion graphics

Nuestro talentoso equipo de producción de videos animados tiene experiencia en todo el espectro de estilos de animación y gráficos en movimiento.

Desde la animación 2D hasta la producción de videos animados en 3D – podemos darle vida a su mensaje.

A continuación colocaremos una serie de preguntas hechas por nuestros usuarios, para poder guiarlos con la próxima producción de su video animado.

¿Qué es el video y la animación?

La animación es un método en el que se manipulan las imágenes para que aparezcan como imágenes en movimiento.

 La televisión y el vídeo son medios de animación electrónica populares que originalmente eran analógicos y ahora funcionan digitalmente.

Para su visualización en el ordenador, se desarrollaron técnicas como GIF animado y animación Flash y producción de videos animados.

Puedes conocer un poco más en el siguiente enlace.

https://en.m.wikipedia.org/wiki/Animation

¿Quién es el padre de la animación?

J. Stuart Blackton

Blackton, padre de la producción de videos animados. La animación americana debe sus comienzos a J. Stuart Blackton, un cineasta británico que creó la primera película de animación de América.

Antes de crear dibujos animados, Blackton era un artista de vodevil conocido como “El Kartoonista Komikal”. Revisa un poco ams mediante el enlace de la parte inferior.

www.americaslibrary.gov/sh/animation/sh_animation_blcktn_1.html

¿Cómo funciona la animación 3D?

producción de videos animados

En pocas palabras, la producción de videos animados por ordenador se refiere al trabajo de crear imágenes en movimiento en un entorno digital que es tridimensional.

En la animación 2D tradicional, las imágenes se dibujan a mano y cada una muestra cambios sutiles con respecto a la anterior.

Cuando se reproduce secuencialmente, crea la ilusión de movimiento. Puedes revisar un poco mas mediante el enlace. https://www.media-freaks.com

“Somos más que una agencia de produccion de videos animados, creemos en la formación de asociaciones de colaboración que nos permiten comunicar sus mensajes de la manera más atractiva.”


¿ Qué implica una producción de videos animados?

Lo primero que hay que tener en cuenta en la producción de videos animados es la escritura de guiones.

Una vez que te pones en contacto con una empresa de producción de vídeo, normalmente hablarás de tus ideas y de los mensajes clave que quieres transmitir en tu vídeo.

Todo el proceso incluye:

Creación de un script o guión literario

El guión es el mensaje que quieres transmitir a tu audiencia, también llamado el “qué”.

Es la estructura escrita básica que sentará las bases de todo el vídeo de marketing animado, y por lo tanto es una de las partes más importantes del proceso de producción de vídeo (por supuesto, tiene que ser desarrollado por un guionista profesional).

Esbozo de guión gráfico o Storyboard

Si el guión es el “qué”, entonces el storyboard es el “cómo”.

Podríamos decir que es un boceto de pre-visualización de todas las acciones que tendrán lugar en el vídeo (como una especie de novela gráfica de tu vídeo).

Generalmente es desarrollado por un director con experiencia en cine y arte y/o diseño gráfico.

Grabación de locuciones ó voice over

La voz en off es la voz de un narrador profesional fuera de la pantalla que cuenta la historia a su audiencia (por supuesto, esta historia está previamente escrita en el guión).

 Es muy importante que contrate a un locutor profesional nativo para que su público se sienta más cerca de la voz del vídeo.

Ilustración de personajes y otros elementos o Style frames

Puedes elegir algunos cuadros seleccionados del storyboard y dibujarlos en alta resolución, aplicando colores, fondos, personajes y elementos extras como si estuvieran en la versión final del vídeo animado.

Animación

producción de videos animados

Se debe tener un equipo de animadores de video talentosos como los que tenemos en video y foto Bucaramanga.com

Desde artistas gráficos en movimiento hasta animadores de personajes en 2D y 3d, todos trabajando sinérgicamente para dar vida a todos los elementos gráficos.

Es muy importante trabajar cuidadosamente en la producción del video animado para que los personajes se vean naturales, vivos y lo más humanos posible.

Añadir música y efectos de sonido

Esto implica editar la música, mezclar efectos de sonido y hacer algunos ajustes de audio para mejorar la percepción general del vídeo y reforzar el poder del mensaje.

Además, la música de fondo añade emoción a la historia.

“Hacemos animación y gráficos en movimiento que comunican sus mensajes sin esfuerzo”

¿Cuánto tiempo dura una producción de vídeo animado?

Si estás planeando incluir videos explicativos en tu próxima campaña de marketing y estás pensando en cuánto tiempo te llevará hacerlos, entonces este artículo es sólo para ti.

 Porque primero tendrás que delinear un horario y los videos de alta calidad requieren no sólo tiempo sino también mucho trabajo.

 Hoy en día los videos están sacudiendo el mundo del marketing, y eso no es ninguna sorpresa. Casi el 60% de los clientes potenciales prefieren ver un video animado que leer un artículo.

La mayoría de las veces, la producción de videos animados de alta calidad puede tardar de 4 a 8 semanas.

Por el contrario, las plantillas de vídeos pueden tardar sólo unos días porque están prediseñadas.

Hablaremos de esto más adelante, pero en general la duración depende de la calidad de la animación y de la cantidad de trabajo de la productora de animacion de videos.

¿Qué son las plantillas de vídeo?

Las plantillas de vídeo se conocen como los vídeos de muestra como intros, créditos o efectos como filtros, superposiciones, efectos 3D, efectos 4D y otros recursos como textos y música, efectos de sonido y fondos de vídeo.

Es un poco complicado y profesional, por lo general son utilizados por diseñadores de vídeo y especialistas. Puedes analizar mas en el enlace a continuación.

https://filmora.wondershare.com/video-editing-tips/video-templates.html

¿Cómo puedo crear vídeos animados de forma gratuita?

Hay muchos editores de video para la produccion de un video animado en la web, algunos con mas caracteristicas o mas costosos que otros.

Pero si echamos un vistazo en google, podemos encontrar una lista de los 4 mejores creadores de videos animados:

  1. Animaker
  2. Wideo
  3. Render forest
  4. Powtoon

https://www.moovly.com/blog/make-your-own-cartoon-video-for-free

¿Cuánto cuesta hacer un video animado?

Advids la empresa líder en la industria en la producción de videos animados, sugiere que un video animado de 60 segundos cuesta entre 1.000 y 5.000 dólares.

El costo del video animado depende del estilo y alcance del servicio de producción de video.

En Video y foto Bucaramanga el costo del video animado comienza en $30,000 pesos el segundo y es el único servicio de video animado disponible con las siguientes características:

  • Puede solicitar cambios o revisiones sin costo adicional
  • El equipo de creación de video animado
  • Desde el concepto hasta el video final, el equipo de Video y foto Bucaramanga Lo hace todo
  • Derechos de autor Y derechos de uso incluidos use sus video animado En Cualquier Lugar
  • Vídeo Final Entregado En Calidad De Alta Definición
  • Todos los archivos y las pruebas del proyecto se incluyen, para su uso sin costo adicional

¿La animación 2d es más barata que la 3d?

Una producción de videos animados en 3D es ligeramente diferente a la producción de un video 2D pero da una gran diferencia en el resultado.

En resumen, ambas animaciones tienen su propio ritmo según el proyecto.

La animación 2D también puede ser más cara que la animación 3D, porque es más trabajo dibujar cada escenario una y otra vez que animar en el ordenador.

si desea revisar mas sobre esta duda, puedes revisar un poco mas en el enlace puesto a continuación.

https://www.quora.com/What-is-more-expensive-3D-or-2D-animation

“RECUERDA NUESTROS SERVICIOS DE PRODUCCIÓN DE VIDEO”

Producción de vídeo corporativo
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¿Buscas una manera poderosa de comunicar la historia de su marca, producto o proceso?

Video y foto bucaramanga crea atractivas producción de videos animados 2d y 3d , gráficos en movimiento y vídeos explicativos que comunican mensajes complejos sin esfuerzo.

Nos apasiona 😍 contar historia de la manera más atractiva y efectiva posible, y ayudarle a alcanzar sus objetivos.

En Video y foto bucaramanga somos especialistas en motion graphics 3D / 2D, personajes, acción en vivo + interacción animada, tipografía y animación dibujada a mano.

Cualquiera que sea la animación que esté planeando, nosotros le ayudaremos a tener éxito. 

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Software_de_animaci%C3%B3n_2D

https://www.renderforest.com/es/blog/2d-animation

https://www.videoyfotobucaramanga.com/drone-bucaramanga/

https://www.domestika.org/es/blog/2121-5-software-de-animacion-para-tus-proyectos-en-2d

Modelado y renderizado 3D

modelado-renderizado-3d-bucaramanga
modelado-renderizado-3d-bucaramanga

El modelado y renderizado 3D es el proceso de gráficos por ordenador en 3D que convierte automáticamente los modelos de marcos de alambre en 3D en imágenes 2D en un ordenador. Los renders 3D pueden incluir efectos fotorealistas o rendering no fotorealistas.

Obtenga nuevos clientes y gane su confianza asegurándose con la mejor empresa de producción de renderizados 3d en Bucaramanga Cel: 320-7968406 – Whatsapp: 3006462149

Entonces surgen algunas dudas sobre el modelado y renderizado 3d:


¿Qué tarjeta gráfica es la mejor para el modelado y renderizado 3D?

modelado y renderizado 3d
modelado y renderizado 3d

Así que, sin más preámbulos, vamos a sumergirnos en nuestras 5 mejores tarjetas gráficas para CAD!

PNY Nvidia Quadro P2000.

Asus Geforce Turbo GTX 1080.

AMD Radeon Pro WX 7100.

Nvidia Quadro K1200.

AMD Radeon Pro WX 5100.

Compared: The Best Graphics Cards for CAD

Cuál es el mejor software para animación 3d en este momento?

modelado y renderizado 3d
modelado y renderizado 3d

¿Cuál es el mejor ordenador para el renderizado 3D?

modelado y renderizado 3d

Mejor computadora para modelado y renderizado 3D, Intel a aproximadamente ~1500$.

CPU: Intel – Core i7-8700K Procesador de 6 núcleos a 3,7 GHz.

Refrigerador de CPU: ¡silence! – – …

Placa madre: Asus – Placa base Prime Z370-A ATX LGA1151.

Memoria: Corsair – Vengeance LPX 32GB (2 x 16GB) Memoria DDR4-3000.

¿Son las piezas de juego buenas para el modelado 3D?

Las aplicaciones de modelado y renderizado 3D necesitan una CPU y una GPU rápidas. – y eso es realmente lo que un equipo de juego de buena calidad necesitará. … Para las aplicaciones que realizan renderizado basado en CPU, es una buena idea tener muchos núcleos y mucha RAM. No es raro que una estación de trabajo de artista 3D tenga 12 núcleos y 64 GB de RAM.

https://www.quora.com/Are-gaming-computers-good-for-3D-modelling

¿Qué GPU es la mejor para el renderizado? 

Rendimiento de renderizado de la GPU

2x Quadro M6000. 9.5.

2x Quadro M5000. 7.3.

GeForce GTX Titan X. 6.4.

Quadro M6000. 6.2.

2x Quadro M4000. 5.6.

GeForce GTX 980. 4.8.

Quadro M5000. 4.6.

Tesla K40. 4.5.

https://www.scan.co.uk/3xs/info/gpu-rendering

¿Necesita una tarjeta gráfica para el modelado 3D?

El modelado 3D suele requerir un único núcleo de CPU rápido para las operaciones de modelado y la mejor GPU que puedas permitirte para mostrar tu modelo en la pantalla mientras trabajas en él….. Las tarjetas gráficas que utilizan memoria compartida del sistema son más propensas a tener problemas que las que tienen memoria dedicada sólo para la GPU.

https://www.quora.com/How-good-a-graphics-card-is-recommended-for-3D-modelling

¿Qué es más importante para renderizar la CPU o la GPU?

Hay granjas de CPU y GPU para el renderizado final, pero depende de su motor. … Renderizar es exactamente para lo que sirve una GPU. La CPU se utiliza principalmente para manejar las necesidades de memoria del ordenador durante el renderizado. La velocidad en el renderizado es uno de los incentivos más importantes de la CPU, pero la GPU es mucho más necesaria.

https://www.quora.com/Why-are-CPUs-more-important-in-final-rendering-than-GPUs

Contenido

Métodos de renderizado

El renderizado es el proceso final de crear la imagen o animación 2D real a partir de la escena preparada. Esto puede compararse con tomar una foto o filmar la escena después de que la configuración ha terminado en la vida real Se han desarrollado varios métodos de renderizado diferentes, y a menudo especializados.

Estos van desde el renderizado de alambre claramente no realista a través de renderizado basado en polígonos, hasta técnicas más avanzadas tales como: renderizado de líneas de escaneo, trazado de rayos o radiosidad.

El renderizado puede tardar desde fracciones de segundo hasta días para una sola imagen/fotograma. En general, los diferentes métodos son más adecuados para el renderizado foto-realista o para el renderizado en tiempo real.

Renderizado en tiempo real

El renderizado para medios interactivos, como juegos y simulaciones, se calcula y muestra en tiempo real, a un ritmo de aproximadamente 20 a 120 imágenes por segundo.

En el renderizado en tiempo real, el objetivo es mostrar la mayor cantidad de información posible que el ojo puede procesar en una fracción de segundo (también conocido como “en un solo cuadro”): En el caso de una animación de 30 fotográmas por segundo, un fotograma abarca una 30ª parte de un segundo).

El objetivo principal es lograr un grado lo más alto posible de fotorrealismo a una velocidad mínima aceptable de renderizado (normalmente 24 fotogramas por segundo, ya que es lo mínimo que el ojo humano necesita ver para crear con éxito la ilusión de movimiento).

De hecho, las explotaciones pueden ser aplicadas en la forma en que el ojo percibe el mundo, y como resultado, la imagen final presentada no es necesariamente la del mundo real, sino una lo suficientemente cercana para que el ojo humano la tolere.

El software de renderizado puede simular efectos visuales tales como destellos de lente, profundidad de campo o desenfoque de movimiento. Son intentos de simular fenómenos visuales resultantes de las características ópticas de las cámaras y del ojo humano. 

Estos efectos pueden dar un elemento de realismo a una escena, incluso si el efecto es simplemente un artefacto simulado de una cámara. Este es el método básico empleado en los juegos, mundos interactivos y VRML.

El rápido aumento de la potencia de procesamiento de los ordenadores ha permitido un grado cada vez mayor de realismo, incluso para el renderizado en tiempo real, incluyendo técnicas como el renderizado HDR.

El renderizado en tiempo real es a menudo poligonal y cuenta con la ayuda de las siguientes funciones del ordenador 

Renderizado que no va en tiempo real

Las animaciones para medios no interactivos, como películas y vídeos, se renderizan mucho más lentamente[4] La renderización en tiempo no real permite aprovechar la limitada potencia de procesamiento para obtener una mayor calidad de imagen.

Los tiempos de renderizado de los fotogramas individuales pueden variar desde unos pocos segundos hasta varios días para escenas complejas.

Los fotogramas renderizados se almacenan en un disco duro y luego se pueden transferir a otros medios, como películas de cine o discos ópticos.

Estos fotogramas se muestran secuencialmente a altas velocidades de fotogramas, normalmente 24, 25 ó 30 fotogramas por segundo, para lograr la ilusión de movimiento.

Cuando el objetivo es el fotorrealismo, se emplean técnicas como el trazado de rayos, el trazado de caminos, el mapeo de fotones o la radiosidad. 

Este es el método básico empleado en los medios digitales y en las obras artísticas. Se han desarrollado técnicas para simular otros efectos naturales, como la interacción de la luz con diversas formas de materia. 

Ejemplos de tales técnicas incluyen sistemas de partículas (que pueden simular lluvia, humo o fuego), muestreo volumétrico (para simular niebla, polvo y otros efectos espaciales atmosféricos).

Cáusticos (para simular el enfoque de la luz por superficies irregulares que reflejan la luz, como las ondas de luz que se ven en el fondo de una piscina), y la dispersión en el subsuelo (para simular la reflexión de la luz en el interior de los volúmenes de objetos sólidos, como la piel humana).

El proceso de renderizado es computacionalmente costoso, dada la compleja variedad de procesos físicos que se están simulando.

La capacidad de procesamiento informático ha aumentado rápidamente a lo largo de los años, lo que permite un grado cada vez mayor de representación realista. 

Los estudios de cine que producen animaciones generadas por ordenador suelen utilizar una granja de renderizado para generar imágenes de forma oportuna.

Sin embargo, la reducción de los costes de hardware significa que es totalmente posible crear pequeñas cantidades de animación 3D en un sistema informático doméstico.

La salida del renderizador se utiliza a menudo como una pequeña parte de una escena de película completa. Muchas capas de material pueden ser renderizadas separadamente e integradas en la toma final usando un software de composición.

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